Kunst

Sebastiano Ricci: Allegorie der Künste 1690–1694 ⓘ

Das Wort Kunst (lateinisch ars, griechisch téchne) bezeichnet im weitesten Sinne jede entwickelte Tätigkeit von Menschen, die auf Wissen, Übung, Wahrnehmung, Vorstellung und Intuition gegründet ist (Heilkunst, Kunst der freien Rede). Im engeren Sinne werden damit Ergebnisse gezielter menschlicher Tätigkeit benannt, die nicht eindeutig durch Funktionen festgelegt sind. Nach Tasos Zembylas unterliegt der Formationsprozess des Kunstbegriffs einem ständigen Wandel, der sich entlang von dynamischen Diskursen, Praktiken und institutionellen Instanzen entfalte. ⓘ

Kunst ist ein menschliches Kulturprodukt, das Ergebnis eines kreativen Prozesses. Das Kunstwerk steht meist am Ende dieses Prozesses, kann aber auch der Prozess bzw. das Verfahren selbst sein. So wie die Kunst im gesamten ist das Kunstwerk selbst gekennzeichnet durch das Zusammenwirken von Inhalt und Form. Ausübende der Kunst im engeren Sinne werden Künstler genannt. ⓘ

Die ursprüngliche Bedeutung des Begriffs Kunst wurde auf alle Produkte menschlicher Arbeit angewandt (vgl. Kunstfertigkeit) als Gegensatz zur Natur, was beispielsweise bei Kunststoff, Künstliche Ernährung, Künstliches Aroma, Künstliche Intelligenz ersichtlich wird. ⓘ

Jedoch versteht man seit der Aufklärung unter Kunst vor allem die Ausdrucksformen der schönen Künste:

• bildende Kunst mit den klassischen Gattungen Malerei und Grafik, Bildhauerei, Architektur und etlichen Kleinformen sowie seit dem 19. Jahrhundert dem Kunstgewerbe, Gebrauchskunst oder angewandte Kunst genannten Grenzbereich zum Kunsthandwerk
• Musik mit den Hauptsparten Komposition und Interpretation in Vokal- und Instrumentalmusik. Gattungen der Musik (nach Funktion oder Besetzung).
• Literatur mit den Hauptgattungen Epik, Dramatik, Lyrik und Essayistik
• darstellende Kunst mit den Hauptsparten Theater, Tanz und Film ⓘ

Ausdrucksformen und Techniken der Kunst haben sich seit Beginn der Moderne stark erweitert, so mit der Fotografie in der bildenden Kunst oder mit der Etablierung des Comics als Verbindung bildender Kunst mit der Narrativität der Literatur. Bei den darstellenden Künsten, Musik und Literatur lassen sich heute auch Ausdrucksformen der Neuen Medien wie Hörfunk, Fernsehen, Werbung und Internet hinzuzählen. Die klassische Einteilung verliert spätestens seit den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts an Bedeutung. Kunstgattungen wie die Installation oder der Bereich der Medienkunst kennen die klassische Grundeinteilung nicht mehr. ⓘ

Im Uhrzeigersinn von oben links: ein Selbstporträt von Vincent van Gogh aus dem Jahr 1887; eine weibliche Ahnenfigur eines Chokwe-Künstlers; ein Detail aus Die Geburt der Venus (ca. 1484-1486) von Sandro Botticelli; und ein Shisa-Löwe aus Okinawa ⓘ

Kunst ist ein vielfältiges Spektrum menschlicher Aktivitäten und daraus resultierender Produkte, die schöpferisches oder phantasievolles Talent beinhalten, das technische Fertigkeiten, Schönheit, emotionale Kraft oder konzeptionelle Ideen zum Ausdruck bringt. ⓘ

Das Wesen der Kunst und verwandte Konzepte wie Kreativität und Interpretation werden in einem Zweig der Philosophie, der Ästhetik, untersucht. Die daraus resultierenden Kunstwerke werden in den Fachbereichen Kunstkritik und Kunstgeschichte untersucht. ⓘ

Überblick

Panorama eines Ausschnitts aus "Tausend Li der Berge und Flüsse", einem Gemälde des Künstlers Wang Ximeng aus der Song-Dynastie aus dem 12. Jahrhundert. ⓘ

Aus kunsthistorischer Sicht gibt es künstlerische Werke fast so lange wie die Menschheit: von der frühen prähistorischen Kunst bis hin zur zeitgenössischen Kunst. Einige Theoretiker sind jedoch der Meinung, dass der typische Begriff des "künstlerischen Werks" außerhalb der modernen westlichen Gesellschaften nicht gut passt. Eine frühe Bedeutung der Definition von Kunst ist eng mit der älteren lateinischen Bedeutung verbunden, die grob mit "Geschicklichkeit" oder "Handwerk" übersetzt werden kann, wie es in Wörtern wie "Handwerker" zum Ausdruck kommt. Zu den englischen Wörtern, die sich von dieser Bedeutung ableiten, gehören Artefakt, künstlich, Kunstwerk, medizinische Kunst und militärische Kunst. Es gibt jedoch noch viele andere umgangssprachliche Verwendungen des Wortes, die alle einen Bezug zu seiner Etymologie haben. ⓘ

Flasche aus dem 20. Jahrhundert, Twa-Völker, Ruanda, Künstlerische Werke können neben ihrem dekorativen Wert auch praktische Funktionen erfüllen. ⓘ

Im Laufe der Zeit stellten Philosophen wie Platon, Aristoteles, Sokrates, Kant und andere die Bedeutung der Kunst in Frage. In mehreren Dialogen Platons werden Fragen zur Kunst erörtert: Sokrates sagt, dass die Poesie von den Musen inspiriert wird und nicht rational ist. Im Phaidros (265a-c) befürwortet er diese und andere Formen des göttlichen Wahnsinns (Trunkenheit, Erotik und Träume), während er in der Republik die große Dichtkunst Homers und auch das Lachen verbieten will. Im Ion gibt Sokrates keinen Hinweis auf die Missbilligung Homers, die er in der Republik zum Ausdruck bringt. Der Dialog Ion legt nahe, dass Homers Ilias in der antiken griechischen Welt so funktionierte wie die Bibel heute in der modernen christlichen Welt: als göttlich inspirierte literarische Kunst, die moralische Orientierung bieten kann, wenn sie nur richtig interpretiert wird. ⓘ

In Bezug auf die literarische und musikalische Kunst betrachtete Aristoteles die epische Dichtung, die Tragödie, die Komödie, die dithyrambische Dichtung und die Musik als mimetische oder nachahmende Kunst, wobei sich die Nachahmung je nach Medium, Gegenstand und Art und Weise unterscheidet. So imitiert beispielsweise die Musik mit den Mitteln des Rhythmus und der Harmonie, während der Tanz nur den Rhythmus und die Poesie die Sprache imitiert. Die Formen unterscheiden sich auch in ihrem Gegenstand der Nachahmung. Die Komödie zum Beispiel ist eine dramatische Nachahmung von Menschen, die schlechter als der Durchschnitt sind, während die Tragödie Menschen imitiert, die etwas besser als der Durchschnitt sind. Schließlich unterscheiden sich die Formen in ihrer Art der Nachahmung - durch Erzählung oder Charakter, durch Veränderung oder keine Veränderung und durch Drama oder kein Drama. Aristoteles war der Ansicht, dass die Nachahmung für den Menschen natürlich ist und einen seiner Vorteile gegenüber den Tieren darstellt. ⓘ

Die neuere und spezifischere Bedeutung des Wortes Kunst als Abkürzung für kreative Kunst oder bildende Kunst entstand im frühen 17. Die bildende Kunst bezieht sich auf eine Kunstfertigkeit, die dazu dient, die Kreativität des Künstlers zum Ausdruck zu bringen, das ästhetische Empfinden des Publikums anzusprechen oder das Publikum zur Betrachtung eines raffinierteren oder feineren Kunstwerks zu bewegen. ⓘ

In diesem letztgenannten Sinne kann sich das Wort Kunst auf mehrere Dinge beziehen: (i) das Studium einer kreativen Fähigkeit, (ii) einen Prozess der Anwendung der kreativen Fähigkeit, (iii) ein Produkt der kreativen Fähigkeit oder (iv) die Erfahrung des Publikums mit der kreativen Fähigkeit. Die kreativen Künste (Kunst als Disziplin) sind eine Sammlung von Disziplinen, die Kunstwerke (Kunst als Objekte) hervorbringen, die von einem persönlichen Antrieb (Kunst als Aktivität) angetrieben werden und eine Botschaft, Stimmung oder Symbolik vermitteln, die der Betrachter interpretieren kann (Kunst als Erfahrung). Kunst ist etwas, das die Gedanken, Gefühle, Überzeugungen oder Ideen eines Menschen über die Sinne anregt. Kunstwerke können explizit zu diesem Zweck geschaffen oder auf der Grundlage von Bildern oder Objekten interpretiert werden. Für einige Gelehrte, wie z. B. Kant, lassen sich die Wissenschaften und die Künste dadurch unterscheiden, dass sie die Wissenschaft als den Bereich des Wissens und die Künste als den Bereich der Freiheit des künstlerischen Ausdrucks betrachten. ⓘ

Wenn eine Fertigkeit in einer alltäglichen oder praktischen Weise verwendet wird, betrachten die Menschen sie oft als Handwerk und nicht als Kunst. Ebenso kann eine Fertigkeit, die kommerziell oder industriell genutzt wird, als kommerzielle Kunst und nicht als bildende Kunst betrachtet werden. Andererseits werden Handwerk und Design manchmal als angewandte Kunst betrachtet. Einige Kunstkenner haben argumentiert, dass der Unterschied zwischen bildender und angewandter Kunst mehr mit Werturteilen über die Kunst zu tun hat als mit einem klaren definitorischen Unterschied. Aber auch die bildende Kunst verfolgt oft Ziele, die über reine Kreativität und Selbstdarstellung hinausgehen. Der Zweck von Kunstwerken kann darin bestehen, Ideen zu vermitteln, wie z. B. in politisch, spirituell oder philosophisch motivierter Kunst, einen Sinn für Schönheit zu schaffen (siehe Ästhetik), die Natur der Wahrnehmung zu erforschen, Freude zu bereiten oder starke Emotionen hervorzurufen. Der Zweck kann auch scheinbar nicht vorhanden sein. ⓘ

Der Philosoph Richard Wollheim hat das Wesen der Kunst als "eines der schwer fassbaren traditionellen Probleme der menschlichen Kultur" bezeichnet. Kunst wird definiert als ein Mittel zum Ausdruck oder zur Kommunikation von Gefühlen und Ideen, als Mittel zur Erforschung und Wertschätzung formaler Elemente um ihrer selbst willen und als Mimesis oder Darstellung. Kunst als Mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie des Aristoteles. Leo Tolstoi bezeichnete die Kunst als ein indirektes Mittel, um von einer Person zur anderen zu kommunizieren. Benedetto Croce und R. G. Collingwood vertraten die idealistische Auffassung, dass Kunst Gefühle ausdrückt und das Kunstwerk daher im Wesentlichen im Kopf des Schöpfers existiert. Die Theorie der Kunst als Form hat ihre Wurzeln in der Philosophie Kants und wurde im frühen 20. Jahrhundert von Roger Fry und Clive Bell weiterentwickelt. Jahrhunderts von Roger Fry und Clive Bell entwickelt. In jüngerer Zeit haben Denker, die von Martin Heidegger beeinflusst wurden, Kunst als das Mittel interpretiert, mit dem eine Gemeinschaft für sich selbst ein Medium zur Selbstdarstellung und Interpretation entwickelt. George Dickie hat eine institutionelle Theorie der Kunst aufgestellt, die ein Kunstwerk als jedes Artefakt definiert, dem eine qualifizierte Person oder Personen, die im Namen der sozialen Institution handeln, die gemeinhin als "die Kunstwelt" bezeichnet wird, "den Status eines Kandidaten für die Wertschätzung" verliehen hat. Larry Shiner hat die bildende Kunst beschrieben als "nicht eine Essenz oder ein Schicksal, sondern etwas, das wir gemacht haben. Kunst, wie wir sie im Allgemeinen verstanden haben, ist eine europäische Erfindung, die kaum zweihundert Jahre alt ist". ⓘ

Kunst kann in Bezug auf Mimesis (Darstellung der Realität), Erzählung (Storytelling), Ausdruck, Kommunikation von Gefühlen oder andere Qualitäten charakterisiert werden. In der Romantik wurde die Kunst als eine besondere Fähigkeit des menschlichen Geistes angesehen, die mit der Religion und der Wissenschaft gleichzusetzen ist". ⓘ

Ein Bild des Schimpansen Congo ⓘ

Die rasante Entwicklung der Biowissenschaften hat dazu geführt, dass auch höhere kognitive Leistungen des Menschen in den biologischen Disziplinen untersucht werden. Davon sind auch das künstlerische Gestaltungsbedürfnis und die ästhetischen Empfindungen nicht ausgenommen. Biologische Untersuchungen mit Bezug auf die Kunst finden insbesondere in der Evolutionstheorie und der Neurowissenschaft statt. ⓘ

Eine andere Hypothese geht davon aus, dass das Kunstbedürfnis ein Nebenprodukt (Epiphänomen) der Entwicklung anderer überlebensrelevanter, kognitiver Leistungen ist. Die Vorteile dieser kognitiven Fähigkeiten müssten demzufolge die Nachteile des Kunstbedürfnisses (Zeit, Material) übersteigen. ⓘ

Eine Bestätigung soziobiologischer Theorien durch Experimente ist nicht durchführbar, da Kreuzungsexperimente mit Menschen ethisch nicht vertretbar sind. Die Theorien müssen deshalb spekulativ bleiben. Insbesondere die Abgrenzung zum Kunstbedürfnis als Produkt der kulturellen Evolution ist schwierig. ⓘ

Geschichte

Venus von Willendorf, ca. 24.000-22.000 BP ⓘ

Rückseite eines ovalen Beckens oder einer Schale aus der Renaissance, im Metropolitan Museum of Art ⓘ

Eine vom Homo erectus gravierte Muschel wurde auf ein Alter von 430.000 bis 540.000 Jahren geschätzt. Ein Satz von acht 130.000 Jahre alten Seeadler-Krallen weist Schnitt- und Abriebspuren auf, die auf eine Manipulation durch Neandertaler hindeuten, möglicherweise um sie als Schmuck zu verwenden. In einer südafrikanischen Höhle wurde eine Reihe von winzigen, durchbohrten Schneckenhäusern entdeckt, die etwa 75 000 Jahre alt sind. Es wurden Behälter gefunden, die möglicherweise zur Aufbewahrung von Farben dienten und bis zu 100 000 Jahre alt sind. ⓘ

Es wurden Skulpturen, Höhlenmalereien, Felsmalereien und Petroglyphen aus dem Jungpaläolithikum gefunden, die etwa 40 000 Jahre alt sind, aber die genaue Bedeutung dieser Kunst ist oft umstritten, weil so wenig über die Kulturen bekannt ist, die sie geschaffen haben. ⓘ

Höhlenmalerei eines Pferdes aus den Höhlen von Lascaux, ca. 16.000 BP ⓘ

Viele große Traditionen in der Kunst haben ihre Grundlage in der Kunst einer der großen alten Zivilisationen: Das alte Ägypten, Mesopotamien, Persien, Indien, China, das antike Griechenland, Rom sowie Inka, Maya und Olmeken. Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisationen entwickelte einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst. Aufgrund der Größe und Dauer dieser Zivilisationen sind mehr ihrer Kunstwerke erhalten geblieben, und ihr Einfluss wurde stärker auf andere Kulturen und spätere Zeiten übertragen. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen über die Arbeitsweise der Künstler geliefert. In dieser Periode der griechischen Kunst wurde beispielsweise die menschliche Körperform verehrt und es wurden entsprechende Fähigkeiten entwickelt, um Muskulatur, Haltung, Schönheit und anatomisch korrekte Proportionen darzustellen. ⓘ

In der byzantinischen und mittelalterlichen Kunst des westlichen Mittelalters konzentrierte sich ein Großteil der Kunst auf die Darstellung von Themen der biblischen und religiösen Kultur und verwendete Stile, die die höhere Herrlichkeit einer himmlischen Welt zeigten, wie die Verwendung von Gold im Hintergrund von Gemälden oder von Glas in Mosaiken oder Fenstern, die ebenfalls Figuren in idealisierten, gemusterten (flachen) Formen darstellten. Dennoch blieb die Tradition des klassischen Realismus in kleinen byzantinischen Werken erhalten, und der Realismus nahm in der Kunst des katholischen Europas stetig zu. ⓘ

In der Kunst der Renaissance lag der Schwerpunkt verstärkt auf der realistischen Darstellung der materiellen Welt und der Stellung des Menschen in ihr, was sich in der Körperlichkeit des menschlichen Körpers widerspiegelte, und auf der Entwicklung einer systematischen Methode der graphischen Perspektive zur Darstellung von Rezessionen in einem dreidimensionalen Bildraum. ⓘ

Die stilisierte Unterschrift von Sultan Mahmud II. des Osmanischen Reiches wurde in islamischer Kalligrafie geschrieben. Sie lautet: "Mahmud Khan, Sohn des Abdulhamid, ist für immer siegreich". ⓘ

Die Große Moschee von Kairouan in Tunesien, auch Moschee von Uqba genannt, ist eines der schönsten, bedeutendsten und am besten erhaltenen künstlerischen und architektonischen Beispiele der frühen großen Moscheen. Sie stammt in ihrer heutigen Form aus dem 9. Jahrhundert und ist der Vorläufer und das Modell aller Moscheen in den westlichen islamischen Ländern. ⓘ

Im Osten führte die Ablehnung der Ikonografie in der islamischen Kunst zu einer Betonung geometrischer Muster, der Kalligrafie und der Architektur. Auch weiter östlich dominierte die Religion die künstlerischen Stile und Formen. In Indien und Tibet lag der Schwerpunkt auf gemalten Skulpturen und Tanz, während die religiöse Malerei viele Konventionen aus der Bildhauerei übernahm und zu leuchtenden, kontrastreichen Farben mit Betonung der Umrisse neigte. In China blühten viele Kunstformen auf: Jadeschnitzerei, Bronzearbeiten, Keramik (einschließlich der beeindruckenden Terrakotta-Armee des Kaisers Qin), Poesie, Kalligrafie, Musik, Malerei, Drama, Belletristik usw. Die chinesischen Stile sind von Epoche zu Epoche sehr unterschiedlich, und jeder Stil wird traditionell nach der herrschenden Dynastie benannt. So sind zum Beispiel die Gemälde der Tang-Dynastie einfarbig und karg und betonen idealisierte Landschaften, während die Gemälde der Ming-Dynastie lebhaft und farbenfroh sind und sich darauf konzentrieren, durch Kulissen und Kompositionen Geschichten zu erzählen. Auch in Japan sind die Stile nach den kaiserlichen Dynastien benannt, und auch hier gab es viele Wechselwirkungen zwischen den Stilen der Kalligrafie und der Malerei. Der Farbholzschnitt wurde in Japan nach dem 17. ⓘ

Gemälde des Künstlers Ma Lin aus der Song-Dynastie, um 1250. 24,8 × 25,2 cm ⓘ

Das westliche Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert war geprägt von künstlerischen Darstellungen der physikalischen und rationalen Gewissheiten des uhrwerkartigen Universums sowie von politisch revolutionären Visionen einer postmonarchistischen Welt, wie etwa Blakes Darstellung Newtons als göttlicher Geometer oder Davids propagandistische Gemälde. Dies führte in der Romantik zu einer Abkehr davon zugunsten von Bildern der emotionalen Seite und der Individualität des Menschen, wie sie in den Romanen Goethes zum Ausdruck kommen. Das späte 19. Jahrhundert sah dann eine Vielzahl von künstlerischen Bewegungen, wie die akademische Kunst, den Symbolismus, den Impressionismus und den Fauvismus und andere. ⓘ

Die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts ist eine Geschichte der unendlichen Möglichkeiten und der Suche nach neuen Maßstäben, die nacheinander von der nächsten niedergerissen werden. So können die Parameter des Impressionismus, Expressionismus, Fauvismus, Kubismus, Dadaismus, Surrealismus usw. nicht lange über die Zeit ihrer Erfindung hinaus beibehalten werden. Die zunehmende globale Interaktion in dieser Zeit führte zu einem entsprechenden Einfluss anderer Kulturen auf die westliche Kunst. So hatte der japanische Farbholzschnitt (der seinerseits von der westlichen Zeichenkunst der Renaissance beeinflusst war) einen immensen Einfluss auf den Impressionismus und seine weitere Entwicklung. Später wurden afrikanische Skulpturen von Picasso und in gewissem Maße auch von Matisse aufgegriffen. In ähnlicher Weise hatte der Westen im 19. und 20. Jahrhundert enorme Auswirkungen auf die östliche Kunst, wobei ursprünglich westliche Ideen wie Kommunismus und Postmoderne einen starken Einfluss ausübten. ⓘ

Die Moderne, die idealistische Suche nach Wahrheit, wich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts der Erkenntnis ihrer Unerreichbarkeit. Theodor W. Adorno sagte 1970: "Es ist jetzt selbstverständlich, dass nichts mehr selbstverständlich ist, was die Kunst betrifft: weder die Kunst selbst, noch die Kunst in ihrer Beziehung zum Ganzen, noch selbst das Recht der Kunst, zu existieren." Der Relativismus wurde als unvermeidliche Wahrheit akzeptiert, was zur Periode der zeitgenössischen Kunst und der postmodernen Kritik führte, in der die Kulturen der Welt und der Geschichte als sich verändernde Formen betrachtet werden, die nur mit Skepsis und Ironie gewürdigt und genutzt werden können. Darüber hinaus verschwimmen die Grenzen zwischen den Kulturen immer mehr, und manche behaupten, dass es heute angemessener ist, von einer globalen statt von einer regionalen Kultur zu sprechen. ⓘ

In Der Ursprung des Kunstwerks beschreibt Martin Heidegger, ein deutscher Philosoph und bahnbrechender Denker, das Wesen der Kunst mit den Begriffen Sein und Wahrheit. Er argumentiert, dass die Kunst nicht nur ein Mittel ist, um das Element der Wahrheit in einer Kultur zum Ausdruck zu bringen, sondern auch das Mittel, um sie zu schaffen und ein Sprungbrett zu bieten, von dem aus "das, was ist", offenbart werden kann. Kunstwerke sind nicht nur Darstellungen dessen, wie die Dinge sind, sondern sie bringen das gemeinsame Verständnis einer Gemeinschaft hervor. Jedes Mal, wenn eine Kultur um ein neues Kunstwerk bereichert wird, ändert sich die Bedeutung dessen, was es bedeutet, zu existieren, von Grund auf. ⓘ

In der Vergangenheit wurden Kunst, künstlerische Fähigkeiten und Ideen oft durch den Handel verbreitet. Ein Beispiel dafür ist die Seidenstraße, auf der sich hellenistische, iranische, indische und chinesische Einflüsse vermischen konnten. Die griechisch-buddhistische Kunst ist eines der anschaulichsten Beispiele für diese Interaktion. Das Aufeinandertreffen verschiedener Kulturen und Weltanschauungen beeinflusste auch das künstlerische Schaffen. Ein Beispiel dafür ist die multikulturelle Hafenmetropole Triest zu Beginn des 20. Jahrhunderts, wo James Joyce auf Schriftsteller aus Mitteleuropa traf, und die künstlerische Entwicklung von New York City als kultureller Schmelztiegel. ⓘ

Formen, Gattungen, Medien und Stile

Napoleon I. auf seinem Kaiserthron von Ingres (französisch, 1806), Öl auf Leinwand ⓘ

Die kreativen Künste werden häufig in spezifischere Kategorien unterteilt, in der Regel nach wahrnehmbar unterscheidbaren Kategorien wie Medien, Gattungen, Stile und Formen. Die Kunstform bezieht sich auf die Elemente der Kunst, die unabhängig von ihrer Interpretation oder Bedeutung sind. Sie umfasst die vom Künstler angewandten Methoden und die physische Zusammensetzung des Kunstwerks, in erster Linie nicht-semantische Aspekte des Werks (d. h. figurae), wie Farbe, Kontur, Dimension, Medium, Melodie, Raum, Textur und Wert. Die Form kann auch visuelle Gestaltungsprinzipien wie Anordnung, Gleichgewicht, Kontrast, Betonung, Harmonie, Proportion, Nähe und Rhythmus umfassen. ⓘ

Im Allgemeinen gibt es drei Philosophieschulen in Bezug auf Kunst, die sich jeweils auf Form, Inhalt und Kontext konzentrieren. Der extreme Formalismus vertritt die Ansicht, dass alle ästhetischen Eigenschaften der Kunst formal sind (d. h. Teil der Kunstform). Philosophen lehnen diese Ansicht fast durchweg ab und vertreten die Auffassung, dass die Eigenschaften und die Ästhetik der Kunst über Materialien, Techniken und Formen hinausgehen. Leider gibt es kaum einen Konsens über die Terminologie für diese informellen Eigenschaften. Einige Autoren beziehen sich auf Gegenstand und Inhalt - d. h. Denotationen und Konnotationen -, während andere Begriffe wie Bedeutung und Signifikanz bevorzugen. ⓘ

Der extreme Intentionalismus geht davon aus, dass die Absicht des Autors eine entscheidende Rolle für die Bedeutung eines Kunstwerks spielt, indem sie den Inhalt oder die wesentliche Hauptidee vermittelt, während alle anderen Interpretationen verworfen werden können. Er definiert den Gegenstand als die dargestellten Personen oder Ideen und den Inhalt als die Erfahrung des Künstlers mit diesem Gegenstand. So ist beispielsweise die Komposition von Napoleon I. auf seinem Kaiserthron teilweise der Zeus-Statue in Olympia entlehnt. Wie aus dem Titel hervorgeht, ist der Gegenstand Napoleon, und der Inhalt ist Ingres' Darstellung Napoleons als "Kaiser-Gott jenseits von Zeit und Raum". Ähnlich wie den extremen Formalismus lehnen Philosophen in der Regel auch den extremen Intentionalismus ab, da Kunst mehrere mehrdeutige Bedeutungen haben kann und die Absicht des Autors unerkennbar und somit irrelevant sein kann. Seine restriktive Auslegung ist "sozial ungesund, philosophisch unrealistisch und politisch unklug". ⓘ

Die sich entwickelnde Theorie des Poststrukturalismus schließlich untersucht die Bedeutung der Kunst in einem kulturellen Kontext, etwa die Ideen, Emotionen und Reaktionen, die ein Werk auslöst. Der kulturelle Kontext reduziert sich oft auf die Techniken und Absichten des Künstlers, wobei die Analyse ähnlich wie beim Formalismus und Intentionalismus vorgeht. In anderen Fällen können jedoch historische und materielle Bedingungen wie religiöse und philosophische Überzeugungen, soziopolitische und wirtschaftliche Strukturen oder auch Klima und Geografie im Vordergrund stehen. Die Kunstkritik wächst und entwickelt sich mit der Kunst weiter. ⓘ

Kunstfertigkeit und Handwerk

Die Erschaffung Adams, Detail aus Michelangelos Fresko in der Sixtinischen Kapelle (1511) ⓘ

Kunst kann ein Gefühl der geschulten Fähigkeit oder der Beherrschung eines Mediums vermitteln. Kunst kann sich auch einfach auf den entwickelten und effizienten Gebrauch einer Sprache beziehen, um eine Bedeutung mit Unmittelbarkeit oder Tiefe zu vermitteln. Kunst kann als ein Akt des Ausdrucks von Gefühlen, Gedanken und Beobachtungen definiert werden. ⓘ

Durch den Umgang mit dem Material wird ein Verständnis erreicht, das die eigenen Denkprozesse erleichtert. Allgemein wird die Auffassung vertreten, dass die Bezeichnung "Kunst", insbesondere in ihrer gehobenen Bedeutung, ein gewisses Maß an kreativem Können des Künstlers voraussetzt, sei es eine Demonstration technischen Könnens, eine Originalität im stilistischen Ansatz oder eine Kombination aus beidem. Traditionell wurde die Kunstfertigkeit als untrennbar mit der Kunst verbunden und somit als Voraussetzung für ihren Erfolg angesehen; für Leonardo da Vinci war die Kunst, nicht mehr und nicht weniger als seine anderen Unternehmungen, eine Manifestation der Kunstfertigkeit. Das Werk Rembrandts, das heute für seine vergänglichen Tugenden gepriesen wird, wurde von seinen Zeitgenossen vor allem für seine Virtuosität bewundert. An der Wende zum 20. Jahrhundert wurden die geschickten Darbietungen von John Singer Sargent wegen ihrer handwerklichen Gewandtheit abwechselnd bewundert und mit Skepsis betrachtet, doch fast zur gleichen Zeit absolvierte der Künstler, der zum anerkanntesten und umherziehendsten Bilderstürmer der Epoche werden sollte, Pablo Picasso, eine traditionelle akademische Ausbildung, in der er sich auszeichnete. ⓘ

Detail von Leonardo da Vincis Mona Lisa, ca. 1503-1506, das die Maltechnik des Sfumato zeigt ⓘ

Eine gängige zeitgenössische Kritik an einigen modernen Kunstwerken bezieht sich auf den offensichtlichen Mangel an Fähigkeiten oder Fertigkeiten, die für die Herstellung des künstlerischen Objekts erforderlich sind. In der Konzeptkunst ist Marcel Duchamps "Fountain" eines der ersten Beispiele für Werke, in denen der Künstler vorgefundene Objekte ("ready-made") verwendet und keine traditionell anerkannten Fähigkeiten anwendet. Tracey Emins "My Bed" oder Damien Hirsts "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" folgen diesem Beispiel und manipulieren ebenfalls die Massenmedien. Emin schlief (und ging anderen Tätigkeiten nach) in ihrem Bett, bevor sie das Ergebnis in einer Galerie als Kunstwerk ausstellte. Hirst entwarf das Konzept für das Kunstwerk, überließ aber die eigentliche Herstellung vieler Werke angestellten Kunsthandwerkern. Hirsts Berühmtheit gründet sich ganz auf seine Fähigkeit, schockierende Konzepte zu produzieren. Bei vielen konzeptionellen und zeitgenössischen Kunstwerken besteht die eigentliche Produktion in der Zusammenstellung von Fundstücken. Es gibt jedoch auch viele Künstler der Moderne und der Gegenwart, die sich nach wie vor durch ihre zeichnerischen und malerischen Fähigkeiten auszeichnen und Kunstwerke in Handarbeit schaffen. ⓘ

Zweck

Ein Navajo-Teppich aus der Zeit um 1880 ⓘ

Miniatur des mozarabischen Beatus. Spanien, Ende des 10. Jahrhunderts ⓘ

Die Kunst hat im Laufe ihrer Geschichte viele verschiedene Funktionen gehabt, so dass sich ihr Zweck nur schwer abstrahieren oder in ein einziges Konzept fassen lässt. Dies bedeutet nicht, dass der Zweck der Kunst "vage" ist, sondern dass sie aus vielen einzigartigen, unterschiedlichen Gründen geschaffen wurde. Einige dieser Funktionen der Kunst sind in der folgenden Übersicht dargestellt. Die verschiedenen Zwecke der Kunst lassen sich in nicht-motivierte und motivierte Funktionen unterteilen (Lévi-Strauss). ⓘ

Nicht-motivierte Zwecke

Die nicht-motivierten Zwecke der Kunst sind diejenigen, die zum Menschsein gehören, über das Individuum hinausgehen oder keinen spezifischen externen Zweck erfüllen. In diesem Sinne ist Kunst als Kreativität etwas, das der Mensch von Natur aus tun muss (d. h. keine andere Spezies schafft Kunst), und steht daher jenseits des Nutzens.

1. Der menschliche Grundinstinkt für Harmonie, Gleichgewicht und Rhythmus. Kunst auf dieser Ebene ist keine Handlung oder ein Objekt, sondern eine innere Wertschätzung von Gleichgewicht und Harmonie (Schönheit) und damit ein Aspekt des Menschseins jenseits des Nutzens.

   Die Nachahmung ist also ein Instinkt unserer Natur. Dann gibt es noch den Instinkt für "Harmonie" und Rhythmus, wobei das Metrum ganz offensichtlich ein Teil des Rhythmus ist. Ausgehend von dieser natürlichen Begabung entwickelten die Menschen nach und nach ihre besonderen Fähigkeiten, bis ihre groben Improvisationen die Poesie hervorbrachten. - Aristoteles

2. Die Erfahrung des Geheimnisvollen. Die Kunst bietet eine Möglichkeit, sich selbst im Verhältnis zum Universum zu erfahren. Diese Erfahrung kann oft unmotiviert gemacht werden, wenn man Kunst, Musik oder Poesie genießt.

   Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft. - Albert Einstein

3. Ausdruck der Vorstellungskraft. Die Kunst bietet ein Mittel, um die Vorstellungskraft auf nicht-grammatische Weise auszudrücken, die nicht an die Formalität der gesprochenen oder geschriebenen Sprache gebunden ist. Im Gegensatz zu Wörtern, die in Sequenzen auftreten und von denen jedes eine bestimmte Bedeutung hat, bietet die Kunst eine Reihe von Formen, Symbolen und Ideen mit Bedeutungen, die formbar sind.

   Der Jupiteradler [als Beispiel für Kunst] ist nicht, wie die logischen (ästhetischen) Attribute eines Objekts, der Begriff der Erhabenheit und Majestät der Schöpfung, sondern etwas anderes - etwas, das der Phantasie einen Anreiz gibt, ihren Flug über eine ganze Reihe von verwandten Darstellungen auszubreiten, die mehr Gedanken hervorrufen, als es ein durch Worte bestimmter Begriff zulässt. Sie liefern eine ästhetische Idee, die der obigen rationalen Idee als Ersatz für die logische Darstellung dient, jedoch mit der eigentlichen Funktion, den Geist zu beleben, indem sie ihm einen Ausblick auf ein Feld verwandter Vorstellungen eröffnet, das über seine Kenntnis hinausreicht. - Immanuel Kant

4. Rituelle und symbolische Funktionen. In vielen Kulturen wird Kunst in Ritualen, Aufführungen und Tänzen als Dekoration oder Symbol verwendet. Während diese oft keinen spezifischen utilitaristischen (motivierten) Zweck haben, wissen Anthropologen, dass sie oft einem Zweck auf der Ebene der Bedeutung innerhalb einer bestimmten Kultur dienen. Diese Bedeutung wird nicht von einer einzelnen Person geliefert, sondern ist oft das Ergebnis vieler Generationen von Veränderungen und einer kosmologischen Beziehung innerhalb der Kultur.

   Die meisten Wissenschaftler, die sich mit Felsmalereien oder aus prähistorischen Kontexten geborgenen Objekten befassen, die sich nicht mit utilitaristischen Begriffen erklären lassen und daher als dekorativ, rituell oder symbolisch eingestuft werden, sind sich der Falle bewusst, die der Begriff "Kunst" darstellt. - Silva Tomaskova ⓘ

Motivierte Funktionen

Motivierte Zwecke der Kunst beziehen sich auf absichtliche, bewusste Handlungen seitens der Künstler oder Schöpfer. Diese können darin bestehen, einen politischen Wandel herbeizuführen, einen gesellschaftlichen Aspekt zu kommentieren, ein bestimmtes Gefühl oder eine Stimmung zu vermitteln, die persönliche Psychologie anzusprechen, eine andere Disziplin zu veranschaulichen, (bei kommerzieller Kunst) ein Produkt zu verkaufen oder einfach eine Form der Kommunikation zu sein.

1. Kommunikation. Kunst ist in ihrer einfachsten Form eine Form der Kommunikation. Da die meisten Formen der Kommunikation eine Absicht oder ein Ziel haben, das auf eine andere Person gerichtet ist, ist dies ein motivierter Zweck. Veranschaulichende Kunst, wie z. B. wissenschaftliche Illustrationen, sind eine Form der Kunst als Kommunikation. Karten sind ein weiteres Beispiel. Der Inhalt muss jedoch nicht wissenschaftlich sein. Auch Emotionen, Stimmungen und Gefühle werden durch Kunst vermittelt.

   [Kunst ist eine Reihe von] Artefakten oder Bildern mit symbolischer Bedeutung als Kommunikationsmittel. - Steve Mithen

2. Kunst als Unterhaltung. Kunst kann darauf abzielen, eine bestimmte Emotion oder Stimmung hervorzurufen, um den Betrachter zu entspannen oder zu unterhalten. Dies ist oft die Funktion der Kunstindustrien von Kinofilmen und Videospielen.
3. Die Avantgarde. Kunst für politischen Wandel. Eine der wichtigsten Funktionen der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts bestand darin, visuelle Bilder zu nutzen, um politische Veränderungen herbeizuführen. Kunstbewegungen, die dieses Ziel verfolgten - unter anderem der Dadaismus, der Surrealismus, der russische Konstruktivismus und der abstrakte Expressionismus - werden unter dem Begriff Avantgarde zusammengefasst.

   Im Gegensatz dazu scheint mir die realistische, vom Positivismus inspirierte Haltung, vom heiligen Thomas von Aquin bis zu Anatole France, eindeutig jedem intellektuellen oder moralischen Fortschritt feindlich gegenüberzustehen. Ich verabscheue sie, denn sie besteht aus Mittelmäßigkeit, Hass und dumpfer Eitelkeit. Es ist diese Haltung, die heute diese lächerlichen Bücher, diese beleidigenden Theaterstücke hervorbringt. Sie ernährt sich ständig von den Zeitungen und schöpft aus ihnen Kraft und verdummt sowohl die Wissenschaft als auch die Kunst, indem sie eifrig den niedrigsten Geschmäckern schmeichelt; Klarheit an der Grenze zur Dummheit, ein Hundeleben. - André Breton (Surrealismus)

4. Die Kunst als "freie Zone", die der sozialen Zensur entzogen ist. Im Gegensatz zu den Avantgarde-Bewegungen, die kulturelle Unterschiede auslöschen wollten, um neue universelle Werte zu schaffen, hat die zeitgenössische Kunst ihre Toleranz gegenüber kulturellen Unterschieden sowie ihre kritischen und befreienden Funktionen (soziale Untersuchung, Aktivismus, Subversion, Dekonstruktion ...) verstärkt und ist zu einem offeneren Ort für Forschung und Experiment geworden.
5. Kunst zur sozialen Untersuchung, Subversion oder Anarchie. Ähnlich wie bei der Kunst für den politischen Wandel kann subversive oder dekonstruktivistische Kunst versuchen, Aspekte der Gesellschaft zu hinterfragen, ohne ein spezifisches politisches Ziel zu verfolgen. In diesem Fall kann die Funktion der Kunst einfach darin bestehen, einen bestimmten Aspekt der Gesellschaft zu kritisieren.
   

   Spray-Graffiti an einer Wand in Rom
   Graffiti-Kunst und andere Arten von Straßenkunst sind Grafiken und Bilder, die mit Sprühfarbe oder Schablonen auf öffentlich zugängliche Wände, Gebäude, Busse, Züge und Brücken gesprüht werden, in der Regel ohne Genehmigung. Bestimmte Kunstformen, wie z. B. Graffiti, können auch illegal sein, wenn sie gegen Gesetze verstoßen (in diesem Fall Vandalismus).
6. Kunst für soziale Zwecke. Kunst kann eingesetzt werden, um das Bewusstsein für eine Vielzahl von Anliegen zu schärfen. Eine Reihe von Kunstaktivitäten zielte darauf ab, das Bewusstsein für Autismus, Krebs, Menschenhandel und eine Vielzahl anderer Themen zu schärfen, z. B. den Schutz der Ozeane, die Menschenrechte in Darfur, ermordete und vermisste Ureinwohnerinnen, Missbrauch älterer Menschen und Umweltverschmutzung. Trashion, die Verwendung von Müll zur Herstellung von Mode, wie sie von Künstlern wie Marina DeBris praktiziert wird, ist ein Beispiel für die Nutzung von Kunst, um das Bewusstsein für Umweltverschmutzung zu schärfen.
7. Kunst für psychologische und heilende Zwecke. Kunst wird auch von Kunsttherapeuten, Psychotherapeuten und klinischen Psychologen als Kunsttherapie eingesetzt. Die diagnostische Zeichnungsserie wird beispielsweise eingesetzt, um die Persönlichkeit und die emotionale Funktionsweise eines Patienten zu bestimmen. Das Endprodukt ist in diesem Fall nicht das Hauptziel, sondern es wird ein Heilungsprozess durch kreative Handlungen angestrebt. Das entstandene Kunstwerk kann auch einen Einblick in die Probleme des Betroffenen geben und geeignete Ansätze für konventionelle Formen der psychiatrischen Therapie aufzeigen.
8. Kunst zu Propagandazwecken oder zu kommerziellen Zwecken. Kunst wird oft als eine Form der Propaganda eingesetzt und kann so auf subtile Weise populäre Vorstellungen oder Stimmungen beeinflussen. In ähnlicher Weise beeinflusst auch Kunst, die versucht, ein Produkt zu verkaufen, die Stimmung und Emotionen. In beiden Fällen besteht der Zweck der Kunst darin, den Betrachter auf subtile Weise zu einer bestimmten emotionalen oder psychologischen Reaktion gegenüber einer bestimmten Idee oder einem bestimmten Objekt zu bewegen.
9. Kunst als Fitness-Indikator. Es wird behauptet, dass die Fähigkeiten des menschlichen Gehirns weit über das hinausgehen, was zum Überleben in der Umwelt der Vorfahren erforderlich war. Eine evolutionspsychologische Erklärung dafür ist, dass das menschliche Gehirn und die damit verbundenen Eigenschaften (wie künstlerische Fähigkeiten und Kreativität) das menschliche Äquivalent zum Schwanz des Pfaus sind. Der Zweck des extravaganten Schwanzes des männlichen Pfaus soll darin bestehen, Weibchen anzuziehen (siehe auch Fisherian Runaway und Handicap-Prinzip). Nach dieser Theorie war eine überlegene Ausführung der Kunst evolutionär wichtig, weil sie Partnerinnen anlockte. ⓘ

Die oben beschriebenen Funktionen der Kunst schließen sich nicht gegenseitig aus, da sich viele von ihnen überschneiden können. Zum Beispiel kann Kunst zum Zweck der Unterhaltung auch darauf abzielen, ein Produkt zu verkaufen, z. B. einen Film oder ein Videospiel. ⓘ

Öffentlicher Zugang

Das Metropolitan Museum of Art in Manhattan. Museen sind wichtige Foren für die Ausstellung visueller Kunst. ⓘ

Seit der Antike war ein Großteil der besten Kunstwerke eine bewusste Darstellung von Reichtum oder Macht, die oft durch die Verwendung von riesigen Dimensionen und teuren Materialien erreicht wurde. Viele Kunstwerke wurden von politischen Herrschern oder religiösen Einrichtungen in Auftrag gegeben, während bescheidenere Versionen nur für die wohlhabendsten Mitglieder der Gesellschaft zugänglich waren. ⓘ

Dennoch gab es viele Perioden, in denen Kunst von sehr hoher Qualität für weite Teile der Gesellschaft verfügbar war, vor allem in billigen Medien wie Keramik, die im Boden verbleibt, und verderblichen Medien wie Textilien und Holz. Die Keramiken der indigenen Völker Amerikas sind in vielen verschiedenen Kulturen in so vielen Gräbern zu finden, dass sie eindeutig nicht auf eine soziale Elite beschränkt waren, wie es bei anderen Kunstformen der Fall gewesen sein mag. Reproduktionsmethoden wie Gussformen erleichterten die Massenproduktion und ermöglichten es, hochwertige antike römische Töpferwaren und griechische Tanagra-Figuren auf einem sehr breiten Markt anzubieten. Siegelzylinder waren sowohl künstlerisch als auch praktisch und wurden von der Mittelschicht des Alten Orients sehr häufig verwendet. Sobald Münzen weit verbreitet waren, wurden auch diese zu einer Kunstform, die die breiteste Schicht der Gesellschaft erreichte. ⓘ

Eine weitere wichtige Neuerung kam im 15. Jahrhundert in Europa auf, als die Druckkunst mit kleinen, meist religiösen Holzschnitten begann, die oft sehr klein und handkoloriert waren und selbst für Bauern erschwinglich waren, die sie an die Wände ihrer Häuser klebten. Gedruckte Bücher waren anfangs sehr teuer, wurden aber immer billiger, bis sich im 19. Jahrhundert selbst die Ärmsten einige Bücher mit gedruckten Illustrationen leisten konnten. Populäre Drucke verschiedenster Art schmücken seit Jahrhunderten Häuser und andere Orte. ⓘ

Das Kunstmuseum in Basel (Schweiz) ist das älteste öffentliche Kunstmuseum der Welt. ⓘ

Im Jahr 1661 eröffnete die Stadt Basel in der Schweiz das erste öffentliche Kunstmuseum der Welt, das Kunstmuseum Basel. Heute zeichnet sich seine Sammlung durch eine beeindruckende historische Spannweite vom frühen 15. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart aus. Jahrhundert bis in die unmittelbare Gegenwart. Seine verschiedenen Schwerpunkte machen es international zu einem der bedeutendsten Museen seiner Art. Dazu gehören: Gemälde und Zeichnungen von Künstlern, die zwischen 1400 und 1600 am Oberrhein tätig waren, sowie zur Kunst des 19. bis 21. Jahrhunderts. ⓘ

Öffentliche Bauten und Denkmäler, säkulare wie religiöse, richten sich in der Regel an die gesamte Gesellschaft und an die Besucher als Betrachter, und die Darstellung für die Allgemeinheit war lange Zeit ein wichtiger Faktor bei ihrer Gestaltung. Ägyptische Tempel sind insofern typisch, als die größte und aufwendigste Dekoration an den Teilen angebracht wurde, die für die Öffentlichkeit sichtbar waren, und nicht an den Bereichen, die nur von den Priestern gesehen wurden. Viele Bereiche von Königspalästen, Schlössern und den Häusern der gesellschaftlichen Elite waren oft allgemein zugänglich, und große Teile der Kunstsammlungen dieser Leute konnten oft besichtigt werden, entweder von jedermann oder von denjenigen, die in der Lage waren, einen kleinen Preis zu zahlen, oder von denjenigen, die die richtige Kleidung trugen, unabhängig davon, wer sie waren, wie im Schloss von Versailles, wo die entsprechenden zusätzlichen Accessoires (silberne Schuhschnallen und ein Schwert) in Geschäften außerhalb des Schlosses gemietet werden konnten. ⓘ

Für viele königliche oder private Sammlungen, die in Galerien untergebracht waren, wurden besondere Vorkehrungen getroffen, damit die Öffentlichkeit sie besichtigen konnte, wie etwa die Orleans-Sammlung, die größtenteils in einem Flügel des Palais Royal in Paris untergebracht war und die während des größten Teils des 18. In Italien entwickelte sich der Kunsttourismus seit der Renaissance zu einem bedeutenden Wirtschaftszweig, und Regierungen und Städte bemühten sich, ihre wichtigsten Werke zugänglich zu machen. Die britische Königliche Sammlung ist nach wie vor eigenständig, aber große Schenkungen wie die Alte Königliche Bibliothek gingen von ihr an das 1753 gegründete Britische Museum. Die Uffizien in Florenz wurden 1765 vollständig als Galerie eröffnet, obwohl diese Funktion das Gebäude schon lange zuvor von den ursprünglichen Beamtenbüros übernommen hatte. Das Gebäude, in dem sich heute der Prado in Madrid befindet, wurde vor der Französischen Revolution für die öffentliche Ausstellung von Teilen der königlichen Kunstsammlung errichtet, und ähnliche königliche Galerien, die der Öffentlichkeit zugänglich waren, gab es in Wien, München und anderen Hauptstädten. Die Eröffnung des Musée du Louvre während der Französischen Revolution (1793) als öffentliches Museum für einen Großteil der ehemaligen königlichen Sammlung markierte zweifellos eine wichtige Etappe in der Entwicklung des öffentlichen Zugangs zur Kunst, indem das Eigentum auf einen republikanischen Staat übertragen wurde, war jedoch eine Fortsetzung bereits etablierter Trends. ⓘ

Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunstvermittlungsprogramme für Kinder in Schulen lassen sich auf diesen Impuls zurückführen, Kunst für jedermann zugänglich zu machen. Museen machen jedoch nicht nur Kunst zugänglich, sondern beeinflussen auch die Art und Weise, wie Kunst vom Publikum wahrgenommen wird, wie Studien zeigen. Das Museum selbst ist also nicht nur eine stumpfe Bühne für die Präsentation von Kunst, sondern spielt eine aktive und wichtige Rolle bei der allgemeinen Wahrnehmung von Kunst in der modernen Gesellschaft. ⓘ

Die Museen in den Vereinigten Staaten sind in der Regel Geschenke der Reichen an die breite Masse. (Das Metropolitan Museum of Art in New York City zum Beispiel wurde von John Taylor Johnston gegründet, einem Eisenbahnmanager, dessen persönliche Kunstsammlung den Grundstock für das Museum bildete). Trotz alledem bleibt zumindest eine der wichtigsten Funktionen der Kunst im 21. Jahrhundert ein Zeichen für Wohlstand und sozialen Status. ⓘ

Es gab Versuche von Künstlern, Kunst zu schaffen, die nicht von Wohlhabenden als Statusobjekt gekauft werden kann. Einer der wichtigsten Beweggründe für einen Großteil der Kunst der späten 1960er und 1970er Jahre war es, Kunst zu schaffen, die nicht gekauft und verkauft werden kann. Es sei "notwendig, etwas mehr als bloße Objekte zu präsentieren", sagte der bedeutende deutsche Nachkriegskünstler Joseph Beuys. In dieser Zeit entstanden unter anderem die Performancekunst, die Videokunst und die konzeptuelle Kunst. Die Idee war, dass ein Kunstwerk, das eine Performance ist, die nichts hinterlässt, oder einfach eine Idee ist, nicht gekauft und verkauft werden kann. "Demokratische Grundsätze, die sich um die Idee drehen, dass ein Kunstwerk eine Ware ist, trieben die ästhetische Innovation an, die Mitte der 1960er Jahre aufkeimte und sich in den 1970er Jahren ausbreitete. Künstler, die allgemein unter dem Begriff Konzeptkunst zusammengefasst werden ... und die die Auseinandersetzung mit den materiellen und materialistischen Belangen der gemalten oder skulpturalen Form durch Performance- und Publikationsaktivitäten ersetzen ... [haben] versucht, das Kunstobjekt qua Objekt zu untergraben."

Versailles: Louis Le Vau öffnete den Innenhof, um den weitläufigen Ehrenhof zu schaffen, der später in ganz Europa kopiert wurde.

In den letzten Jahrzehnten sind diese Ideen etwas verloren gegangen, da der Kunstmarkt gelernt hat, DVDs mit Videoarbeiten in limitierter Auflage, Einladungen zu exklusiven Performance-Kunstwerken und die von konzeptionellen Arbeiten übrig gebliebenen Objekte zu verkaufen. Viele dieser Performances schaffen Werke, die nur von der Elite verstanden werden, die darüber aufgeklärt wurde, warum eine Idee, ein Video oder ein Stück scheinbaren Mülls als Kunst angesehen werden kann. Der Status wird dadurch gekennzeichnet, dass man das Werk versteht, anstatt es unbedingt zu besitzen, und das Kunstwerk bleibt eine Aktivität der Oberschicht. "Mit dem weit verbreiteten Einsatz der DVD-Aufnahmetechnik in den frühen 2000er Jahren erhielten die Künstler und das Galeriesystem, das seine Gewinne aus dem Verkauf von Kunstwerken bezieht, ein wichtiges Mittel zur Kontrolle des Verkaufs von Video- und Computerkunstwerken in limitierter Auflage an Sammler. ⓘ

Kontroversen

Das Floß der Medusa von Théodore Géricault, um 1820 ⓘ

Kunst ist seit langem umstritten, das heißt, sie wird von einigen Betrachtern aus den unterschiedlichsten Gründen abgelehnt, auch wenn die meisten vormodernen Kontroversen nur spärlich überliefert sind oder einer modernen Betrachtung völlig entgehen. Unter Ikonoklasmus versteht man die Zerstörung von Kunstwerken, die aus verschiedenen, auch religiösen, Gründen abgelehnt werden. Der Ikonismus ist eine allgemeine Abneigung gegen alle figürlichen Bilder oder oft nur gegen religiöse Bilder und hat sich durch viele große Religionen gezogen. Er war ein entscheidender Faktor in der Geschichte der islamischen Kunst, in der Darstellungen von Mohammed nach wie vor besonders umstritten sind. Viele Kunstwerke wurden allein deshalb abgelehnt, weil sie unliebsame Herrscher, Parteien oder andere Gruppen darstellten oder anderweitig für sie eintraten. Die künstlerischen Konventionen waren oft konservativ und wurden von Kunstkritikern sehr ernst genommen, von der breiten Öffentlichkeit jedoch oft weit weniger. Der ikonografische Inhalt der Kunst konnte zu Kontroversen führen, wie bei spätmittelalterlichen Darstellungen des neuen Motivs der Ohnmacht der Jungfrau in Szenen der Kreuzigung Jesu. Das Jüngste Gericht von Michelangelo war aus verschiedenen Gründen umstritten, u. a. wegen Verstößen gegen den Anstand durch Nacktheit und die Apollo-ähnliche Pose Christi. ⓘ

Mit dem Aufkommen der Romantik und den wirtschaftlichen Veränderungen in der Kunstproduktion wurde jedoch die Vision des Künstlers zum üblichen Bestimmungsfaktor für den Inhalt seiner Kunst, was die Häufigkeit von Kontroversen erhöhte, wenn auch oft deren Bedeutung verringerte. Starke Anreize für vermeintliche Originalität und Publizität ermutigten die Künstler ebenfalls, Kontroversen zu provozieren. Théodore Géricaults Floß der Medusa (um 1820) war zum Teil ein politischer Kommentar zu einem aktuellen Ereignis. Édouard Manets Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) wurde nicht wegen der nackten Frau als skandalös empfunden, sondern weil sie neben Männern sitzt, die nicht in antike Gewänder, sondern in die Kleidung der damaligen Zeit gekleidet sind. John Singer Sargents Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) löste eine Kontroverse aus, weil das rötliche Rosa, mit dem das Ohrläppchen der Frau gefärbt wurde, als viel zu suggestiv angesehen wurde und angeblich den Ruf des High-Society-Modells ruinierte. Die allmähliche Abkehr vom Naturalismus und die Darstellung realistischer Darstellungen der visuellen Erscheinung von Subjekten im 19. und 20. Jahrhundert führte zu einer sich über ein Jahrhundert hinziehenden Kontroverse. ⓘ

Aufführung von Joseph Beuys, 1978: Jeder ein Künstler - Auf dem Weg zur libertären Form des sozialen Organismus. ⓘ

Im 20. Jahrhundert schilderte Pablo Picasso in Guernica (1937) mit fesselnden kubistischen Techniken und kräftigen monochromen Ölfarben die erschütternden Folgen eines zeitgenössischen Bombenangriffs auf eine kleine, alte baskische Stadt. Leon Golubs Verhör III (1981) zeigt eine nackte weibliche Gefangene mit Kapuze, die an einen Stuhl gefesselt ist und deren Beine geöffnet sind, um ihre Geschlechtsorgane zu enthüllen. Andres Serranos Piss Christ (1989) ist eine Fotografie eines Kruzifixes, das der christlichen Religion heilig ist und das Opfer und das letzte Leiden Christi darstellt, das in ein Glas mit dem eigenen Urin des Künstlers getaucht ist. Der daraus resultierende Aufruhr führte zu Bemerkungen im US-Senat über die öffentliche Finanzierung der Künste. ⓘ

Theorie

Vor der Moderne war die Ästhetik in der westlichen Kunst sehr darauf bedacht, ein angemessenes Gleichgewicht zwischen verschiedenen Aspekten des Realismus oder der Naturwahrheit und des Ideals herzustellen; die Vorstellungen über das angemessene Gleichgewicht haben sich im Laufe der Jahrhunderte hin und her bewegt. In anderen Kunsttraditionen ist dieses Anliegen weitgehend abwesend. Der Ästhetik-Theoretiker John Ruskin, der sich für den Naturalismus von J. M. W. Turner einsetzte, sah die Aufgabe der Kunst darin, durch Kunstwerke eine wesentliche Wahrheit zu vermitteln, die nur in der Natur zu finden ist. ⓘ

Die Definition und Bewertung von Kunst ist seit dem 20. Jahrhundert besonders problematisch geworden. Richard Wollheim unterscheidet drei Ansätze zur Beurteilung des ästhetischen Wertes der Kunst: den realistischen, demzufolge die ästhetische Qualität ein absoluter Wert ist, der von jeder menschlichen Ansicht unabhängig ist; den objektivistischen, demzufolge sie ebenfalls ein absoluter Wert ist, aber von der allgemeinen menschlichen Erfahrung abhängt; und den relativistischen Standpunkt, demzufolge sie kein absoluter Wert ist, sondern von der menschlichen Erfahrung der verschiedenen Menschen abhängt und sich mit ihr verändert. ⓘ

Ankunft des Modernismus

Komposition mit Rot, Blau und Gelb (1930) von Piet Mondrian (Niederländer, 1872-1944) ⓘ

Die Ankunft der Moderne im späten 19. Jahrhundert führte zu einem radikalen Bruch in der Auffassung von der Funktion der Kunst, und dann wieder im späten 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Postmoderne. In seinem Artikel "Modernist Painting" von 1960 definiert Clement Greenberg die moderne Kunst als "die Verwendung charakteristischer Methoden einer Disziplin, um die Disziplin selbst zu kritisieren". Greenberg wandte diese Idee ursprünglich auf die Bewegung des Abstrakten Expressionismus an und nutzte sie als Möglichkeit, die flache (nicht-illusionistische) abstrakte Malerei zu verstehen und zu rechtfertigen:

Die realistische, naturalistische Kunst hatte das Medium zerlegt, indem sie die Kunst benutzte, um die Kunst zu verbergen; die Moderne benutzte die Kunst, um auf die Kunst aufmerksam zu machen. Die Beschränkungen, die das Medium der Malerei ausmachen - die flache Oberfläche, die Form des Bildträgers, die Eigenschaften des Pigments - wurden von den Alten Meistern als negative Faktoren behandelt, die nur implizit oder indirekt anerkannt werden konnten. In der Moderne wurden dieselben Beschränkungen als positive Faktoren angesehen und offen anerkannt.

Nach Greenberg entstanden mehrere wichtige Kunsttheoretiker wie Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin und Griselda Pollock, um nur einige zu nennen. Obwohl Greenbergs Definition der modernen Kunst ursprünglich nur dazu diente, eine bestimmte Gruppe von Künstlern zu verstehen, ist sie für viele der Kunstvorstellungen in den verschiedenen Kunstbewegungen des 20. und frühen 21. ⓘ

Jahrhunderts. Pop-Art-Künstler wie Andy Warhol wurden durch ihre Arbeiten, die die Populärkultur ebenso wie die Kunstwelt einbeziehen und möglicherweise kritisieren, bemerkenswert und einflussreich. Künstler der 1980er, 1990er und 2000er Jahre dehnten diese Technik der Selbstkritik über die hohe Kunst hinaus auf alle kulturellen Bilder aus, einschließlich Modebilder, Comics, Plakatwände und Pornografie. ⓘ

Duchamp schlug einst vor, dass Kunst jede Art von Tätigkeit ist - alles. Die Art und Weise, in der heute nur bestimmte Tätigkeiten als Kunst eingestuft werden, ist jedoch eine soziale Konstruktion. Es gibt Anzeichen dafür, dass daran etwas Wahres dran sein könnte. In Die Erfindung der Kunst: A Cultural History untersucht Larry Shiner den Aufbau des modernen Systems der Künste, d. h. der bildenden Kunst. Er findet Belege dafür, dass das ältere System der Künste vor unserem modernen System (der bildenden Kunst) Kunst als jede geschickte menschliche Tätigkeit betrachtete; die antike griechische Gesellschaft zum Beispiel kannte nicht den Begriff Kunst, sondern techne. Techne kann weder als Kunst noch als Handwerk verstanden werden, da die Unterscheidungen von Kunst und Handwerk historische Produkte sind, die erst später in der Menschheitsgeschichte entstanden sind. Zur Techne gehörten die Malerei, die Bildhauerei und die Musik, aber auch die Küche, die Medizin, die Reitkunst, die Geometrie, das Tischlerhandwerk, die Prophetie, der Ackerbau usw. ⓘ

Die neue Kritik und der "absichtliche Irrtum"

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts vollzog sich im Anschluss an Duchamp ein bedeutender Wandel hin zu einer allgemeinen ästhetischen Theorie, die versuchte, die ästhetische Theorie zwischen verschiedenen Kunstformen, einschließlich der literarischen und der bildenden Kunst, aufeinander anzuwenden. Dies führte zur Entstehung der New Criticism-Schule und zur Debatte über den intentionalen Fehlschluss. Es ging um die Frage, ob die ästhetischen Absichten des Künstlers bei der Schaffung des Kunstwerks, unabhängig von seiner spezifischen Form, mit der Kritik und Bewertung des Endprodukts des Kunstwerks in Verbindung gebracht werden sollten, oder ob das Kunstwerk unabhängig von den Absichten des Künstlers nach seinen eigenen Vorzügen bewertet werden sollte. ⓘ

1946 veröffentlichten William K. Wimsatt und Monroe Beardsley einen klassischen und umstrittenen Aufsatz der Neuen Kritik mit dem Titel "The Intentional Fallacy", in dem sie sich entschieden gegen die Relevanz der Absicht des Autors oder der "beabsichtigten Bedeutung" bei der Analyse eines literarischen Werks aussprachen. Für Wimsatt und Beardsley zählten nur die Worte auf der Seite; die Einfuhr von Bedeutungen von außerhalb des Textes wurde als irrelevant und potenziell ablenkend angesehen. ⓘ

In einem weiteren Aufsatz, "The Affective Fallacy", der eine Art Schwesteraufsatz zu "The Intentional Fallacy" war, lehnten Wimsatt und Beardsley auch die persönliche/emotionale Reaktion des Lesers auf ein literarisches Werk als gültiges Mittel zur Analyse eines Textes ab. Dieser Irrtum wurde später von Theoretikern der Reader-Response-Schule der Literaturtheorie zurückgewiesen. Ironischerweise wurde einer der führenden Theoretiker dieser Schule, Stanley Fish, selbst von den New Critics ausgebildet. Fish kritisiert Wimsatt und Beardsley in seinem 1970 erschienenen Essay "Literature in the Reader". ⓘ

Gaut und Livingston fassen in ihrem Aufsatz "The Creation of Art" zusammen: "Strukturalistische und post-strukturalistische Theoretiker und Kritiker übten scharfe Kritik an vielen Aspekten des New Criticism, angefangen bei der Betonung der ästhetischen Wertschätzung und der so genannten Autonomie der Kunst, aber sie wiederholten den Angriff auf die Annahme der biographischen Kritik, dass die Aktivitäten und Erfahrungen des Künstlers ein privilegiertes kritisches Thema seien." Diese Autoren stellen fest, dass: "Anti-Intentionalisten, wie die Formalisten, sind der Ansicht, dass die Absichten, die mit der Herstellung von Kunst verbunden sind, für die korrekte Interpretation von Kunst irrelevant oder nebensächlich sind. Die Details des Schöpfungsaktes eines Werkes sind zwar an sich interessant, haben aber keinen Einfluss auf die korrekte Interpretation des Werkes." ⓘ

Gaut und Livingston definieren die Intentionalisten in Abgrenzung zu den Formalisten, indem sie erklären, dass: "Die Intentionalisten sind im Gegensatz zu den Formalisten der Ansicht, dass der Bezug auf die Intentionen für die korrekte Interpretation von Werken wesentlich ist." Sie zitieren Richard Wollheim: "Die Aufgabe der Kritik ist die Rekonstruktion des schöpferischen Prozesses, wobei der schöpferische Prozess wiederum als etwas gedacht werden muss, das nicht vor dem Kunstwerk selbst Halt macht, sondern an ihm endet." ⓘ

"Linguistic turn" und seine Debatte

Ende des 20. Jahrhunderts wurde in der Kunstphilosophie eine umfassende Debatte geführt, die als Linguistic-Turn-Kontroverse oder "Unschuldsaugen-Debatte" bekannt wurde. In dieser Debatte wurde diskutiert, dass die Begegnung mit dem Kunstwerk durch das relative Ausmaß bestimmt wird, in dem die begriffliche Begegnung mit dem Kunstwerk über die wahrnehmungsbezogene Begegnung mit dem Kunstwerk dominiert. ⓘ

Ausschlaggebend für die Linguistic-Turn-Debatte in der Kunstgeschichte und in den Geisteswissenschaften waren die Arbeiten einer weiteren Tradition, nämlich des Strukturalismus von Ferdinand de Saussure und der sich anschließenden Bewegung des Poststrukturalismus. Im Jahr 1981 schuf der Künstler Mark Tansey ein Kunstwerk mit dem Titel "The Innocent Eye" als Kritik am vorherrschenden Klima der Uneinigkeit in der Kunstphilosophie in den letzten Jahrzehnten des 20. Zu den einflussreichen Theoretikern gehören Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault und Jacques Derrida. Die Macht der Sprache, genauer gesagt bestimmter rhetorischer Tropen, in der Kunstgeschichte und im historischen Diskurs wurde von Hayden White untersucht. Die Tatsache, dass Sprache kein transparentes Medium des Denkens ist, wurde von einer ganz anderen Form der Sprachphilosophie hervorgehoben, die ihren Ursprung in den Arbeiten von Johann Georg Hamann und Wilhelm von Humboldt hat. Ernst Gombrich und Nelson Goodman in seinem Buch Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols die Auffassung vertreten, dass die begriffliche Begegnung mit dem Kunstwerk in den 1960er und 1970er Jahren ausschließlich der wahrnehmungsbezogenen und visuellen Begegnung mit dem Kunstwerk vorgezogen wurde. In Frage gestellt wurde er durch die Forschungen des mit dem Nobelpreis ausgezeichneten Psychologen Roger Sperry, der behauptete, dass die menschliche visuelle Begegnung nicht nur auf Konzepte beschränkt sei, die in der Sprache dargestellt werden (linguistic turn), und dass andere Formen der psychologischen Repräsentation des Kunstwerks ebenso vertretbar und nachweisbar seien. Sperrys Ansicht setzte sich schließlich gegen Ende des 20. Jahrhunderts durch, wobei ästhetische Philosophen wie Nick Zangwill eine Rückkehr zu einem gemäßigten ästhetischen Formalismus neben anderen Alternativen vehement verteidigten. ⓘ

Streit um die Klassifizierung

Der Originalbrunnen von Marcel Duchamp, 1917, fotografiert von Alfred Stieglitz auf der 291 nach der Ausstellung der Society of Independent Artists 1917. Stieglitz fotografierte das Pissoir vor dem Hintergrund des Bildes The Warriors von Marsden Hartley. Das Schild mit dem Ausstellungseintrag ist deutlich zu erkennen.

Streitigkeiten darüber, ob etwas als Kunstwerk zu klassifizieren ist oder nicht, werden als Klassifizierungsstreitigkeiten über Kunst bezeichnet. Zu den Klassifizierungsstreitigkeiten im 20. Jahrhundert gehören kubistische und impressionistische Gemälde, Duchamps Brunnen, Filme, Banknotenimitationen der Superlative, Konzeptkunst und Videospiele. Der Philosoph David Novitz hat argumentiert, dass Meinungsverschiedenheiten über die Definition von Kunst selten der Kern des Problems sind. Vielmehr sind "die leidenschaftlichen Anliegen und Interessen, die die Menschen in ihr soziales Leben einbringen", "so sehr Teil aller klassifikatorischen Streitigkeiten über Kunst". Novitz zufolge handelt es sich bei Klassifizierungsstreitigkeiten häufiger um Streitigkeiten über gesellschaftliche Werte und darüber, wohin die Gesellschaft strebt, als um Streitigkeiten über die Theorie selbst. Als beispielsweise die Daily Mail die Arbeiten von Hirst und Emin mit dem Argument kritisierte: "Seit 1.000 Jahren ist die Kunst eine unserer großen zivilisatorischen Kräfte. Heute drohen gepökelte Schafe und schmutzige Betten, uns alle zu Barbaren zu machen", so stellt sie nicht etwa eine Definition oder Theorie über Kunst auf, sondern den Wert von Hirsts und Emins Arbeit in Frage. Arthur Danto schlug 1998 ein Gedankenexperiment vor, das zeigt, dass "der Status eines Artefakts als Kunstwerk eher aus den Ideen resultiert, die eine Kultur auf es anwendet, als aus seinen inhärenten physischen oder wahrnehmbaren Eigenschaften. Die kulturelle Interpretation (eine Art von Kunsttheorie) ist daher konstitutiv für den Kunststatus eines Objekts." ⓘ

Anti-Kunst ist eine Bezeichnung für Kunst, die absichtlich die etablierten Parameter und Werte der Kunst in Frage stellt; der Begriff wird mit dem Dadaismus in Verbindung gebracht und Marcel Duchamp kurz vor dem Ersten Weltkrieg zugeschrieben, als er Kunst aus gefundenen Objekten schuf. Eines dieser Werke, Fountain (1917), ein gewöhnliches Urinal, hat beträchtliche Bekanntheit und Einfluss auf die Kunst erlangt. Die Anti-Kunst ist ein Merkmal der Arbeiten der Situationistischen Internationale, der Lo-Fi-Bewegung Mail Art und der Young British Artists, obwohl sie von den Stuckisten, die sich selbst als Anti-Anti-Kunst bezeichnen, immer noch abgelehnt wird. ⓘ

Die Architektur wird oft zu den bildenden Künsten gezählt; wie die dekorativen Künste oder die Werbung umfasst sie jedoch die Schaffung von Objekten, bei denen die praktischen Erwägungen des Gebrauchs in einer Weise wesentlich sind, wie sie es beispielsweise bei einem Gemälde nicht sind. ⓘ

Werturteil

Aborigine-Hohlblockgräber. Nationalgalerie, Canberra, Australien. ⓘ

In gewisser Weise wird das Wort Kunst auch verwendet, um Werturteile zu fällen, wie z. B. in Ausdrücken wie "das Essen war ein Kunstwerk" (der Koch ist ein Künstler) oder "die Kunst der Täuschung" (das hohe Niveau des Täuschers wird gelobt). Es ist diese Verwendung des Wortes als Maß für hohe Qualität und hohen Wert, die dem Begriff seinen subjektiven Beigeschmack verleiht. Um Werturteile zu fällen, bedarf es einer Grundlage für Kritik. Auf der einfachsten Ebene lässt sich feststellen, ob die Wirkung eines Objekts auf die Sinne die Kriterien erfüllt, um als Kunst angesehen zu werden, nämlich ob es als attraktiv oder abstoßend empfunden wird. Obwohl die Wahrnehmung immer von der Erfahrung beeinflusst wird und notwendigerweise subjektiv ist, wird allgemein davon ausgegangen, dass das, was nicht irgendwie ästhetisch befriedigend ist, keine Kunst sein kann. Allerdings ist "gute" Kunst nicht immer oder sogar regelmäßig für die Mehrheit der Betrachter ästhetisch ansprechend. Mit anderen Worten: Die Hauptmotivation eines Künstlers muss nicht das Streben nach Ästhetik sein. Außerdem werden in der Kunst oft schreckliche Bilder gezeigt, die aus sozialen oder moralischen Gründen oder als Denkanstoß geschaffen wurden. Francisco Goyas Gemälde der spanischen Erschießungen vom 3. Mai 1808 zum Beispiel ist eine anschauliche Darstellung eines Erschießungskommandos, das mehrere flehende Zivilisten hinrichtet. Die grausamen Bilder zeugen von Goyas großem künstlerischen Geschick bei der Komposition und Ausführung und lösen gleichzeitig eine angemessene soziale und politische Empörung aus. Die Debatte über die Frage, welche Art der ästhetischen Befriedigung für die Definition von "Kunst" erforderlich ist, wird also fortgesetzt. ⓘ

Die Übernahme neuer Werte oder die Rebellion gegen akzeptierte Vorstellungen von dem, was ästhetisch hochwertig ist, muss nicht gleichzeitig mit einer völligen Abkehr vom Streben nach dem ästhetisch Ansprechenden einhergehen. Das Gegenteil ist oft der Fall: Die Revision dessen, was gemeinhin als ästhetisch ansprechend angesehen wird, ermöglicht eine Neubelebung des ästhetischen Empfindens und eine neue Wertschätzung der Standards der Kunst selbst. Unzählige Schulen haben ihre eigenen Wege zur Definition von Qualität vorgeschlagen, doch scheinen sie alle zumindest in einem Punkt übereinzustimmen: Sobald ihre ästhetischen Entscheidungen akzeptiert sind, wird der Wert des Kunstwerks durch seine Fähigkeit bestimmt, die Grenzen des gewählten Mediums zu überschreiten und einen universellen Ton anzuschlagen, der durch die Seltenheit des Könnens des Künstlers oder durch seine genaue Widerspiegelung dessen, was als Zeitgeist bezeichnet wird, entsteht. Kunst soll oft an menschliche Gefühle appellieren und diese ansprechen. Sie kann ästhetische oder moralische Gefühle wecken und kann als eine Art der Kommunikation dieser Gefühle verstanden werden. Künstler drücken etwas aus, damit ihr Publikum in gewissem Maße erregt wird, aber sie müssen dies nicht bewusst tun. Kunst kann als eine Erforschung des menschlichen Seins betrachtet werden, d. h. dessen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Emily L. Spratt vertritt die Auffassung, dass die Entwicklung der künstlichen Intelligenz, insbesondere im Hinblick auf die Verwendung von Bildern, eine Neubewertung der ästhetischen Theorie in der heutigen Kunstgeschichte und ein Überdenken der Grenzen der menschlichen Kreativität erforderlich macht. ⓘ

Kunst und Recht

Ein wesentliches rechtliches Thema sind Kunstfälschungen, Plagiate, Repliken und Werke, die sich stark an anderen Kunstwerken orientieren. ⓘ

Der Handel mit Kunstwerken oder die Ausfuhr aus einem Land kann gesetzlichen Regelungen unterliegen. Auch auf internationaler Ebene gibt es umfangreiche Bemühungen, die geschaffenen Kunstwerke zu schützen. Die UNO, die UNESCO und Blue Shield International versuchen, einen wirksamen Schutz auf nationaler Ebene zu gewährleisten und im Falle von bewaffneten Konflikten oder Katastrophen direkt einzugreifen. Dies kann insbesondere Museen, Archive, Kunstsammlungen und Ausgrabungsstätten betreffen. Damit soll auch die wirtschaftliche Basis eines Landes gesichert werden, zumal Kunstwerke oft von touristischer Bedeutung sind. Der Gründungspräsident von Blue Shield International, Karl von Habsburg, erläuterte bei einem Einsatz im Libanon im April 2019 einen weiteren Zusammenhang zwischen der Zerstörung von Kulturgütern und der Fluchtursache: "Kulturgüter sind Teil der Identität der Menschen, die an einem bestimmten Ort leben. Wenn man ihre Kultur zerstört, zerstört man auch ihre Identität. Viele Menschen werden entwurzelt, haben oft keine Perspektive mehr und fliehen deshalb aus ihrer Heimat." ⓘ

Geschichte des Kunstbegriffes

Vorgeschichte

Venus von Willendorf, ca. 25.000 v. Chr. ⓘ

Kunst ist vom Ursprung her eine kultische Erscheinung, die sich zeitgleich oder im Zusammenhang mit vorzeitlichen Kulten oder Religionen entwickelte. Sowohl Malerei und Skulptur als auch Musik und Tanz treten bereits in der Altsteinzeit in Erscheinung. Zu den frühesten Zeugnissen von Kunst gehören die knapp 40.000 Jahre alten Elfenbeinfiguren aus dem Lonetal, die Flöten aus dem Geißenklösterle oder die Höhlenmalereien aus der Grotte Chauvet. Historisch entwickelten sich die Künste aus ihrem Beitrag zur materiellen Organisation von Kulten und Ritualen. In der Frühzeit menschlicher Entwicklung ist das Auftreten von Kunst einer von mehreren Indikatoren für die Bildung von Bewusstsein und menschlichem Denken. Kunst bezeichnet in diesem Zusammenhang Verrichtungen oder Darstellungen (z. B. Musik, Bemalung), die keinen unmittelbaren Nutzen zur Lebenserhaltung erkennen lassen. ⓘ

Bei heutigen Naturvölkern lässt sich die frühe Kultfunktion von künstlerischen Ausdrucksformen ebenso studieren wie eine anthropologische Konstante: das Bedürfnis (sich) zu schmücken, das sich im Ornament zuerst herausgebildet hat. Diskutiert werden außerdem soziale Funktionen von künstlerisch bzw. ornamental gestalteten Artefakten wie Spangen, Fibeln, Waffen usw. in den Clan­gesellschaften der Ur- und Frühgeschichte. Damit fungiert Kunst seit frühester Zeit auch als Distinktionsmerkmal, wie es von der jüngeren Kunsttheorie und -soziologie diskutiert wird. Anthropologisch markiert Kunstproduktion vor ca. 40.000 Jahren (im Aurignacien) den Übergang vom Homo sapiens zum Homo sapiens intellectus. Da die Vorgeschichte per definitionem eine schriftlose Epoche ist, gibt es keinerlei Überlieferungen eines zeitgenössischen Kunstbegriffs. ⓘ

Mittelalter

Philosophia et septem artes liberales – Illustration aus dem Hortus Deliciarum der Herrad von Landsberg (12. Jahrhundert) ⓘ

Mit den Umbrüchen der Völkerwanderungszeit löste sich das antike Kunstleben in Europa so gut wie auf. Der mittelalterliche Kunstbegriff übernimmt jedoch das Schema der artes mechanicae wie der artes liberales, der freien Künste des (philosophischen) Grundstudiums, die in den drei großen Fakultäten Theologie, Jurisprudenz und Medizin vorausgesetzt wurden. ⓘ

Der bildende Künstler ist nach wie vor Handwerker und in Zünften wie alle anderen Berufe organisiert. Als Individuum tritt er selten in Erscheinung, die Signatur eines Werkes ist unüblich. Auftraggeber für fast alle künstlerischen Produktionen – Malerei, Bildhauerei, Musik, Theater – ist die Kirche. In geringerem Maße lässt sich auch der feudale Adel Auftragsarbeiten liefern. Es entstehen profane und sakrale Ausdrucksformen, Bildtypen, Musikformen und anderes. ⓘ

Vertrat man in der Antike noch ein naturalistisches Menschenbild und versuchte, die Natur möglichst gut nachzuahmen, so definierte sich Schönheit im Mittelalter über den geistigen (religiösen) Gehalt einer Darstellung, wie er von den Scholastikern als Schönheit Gottes erkannt wurde, die sich in der Kunst widerspiegeln sollte. ⓘ

Frühe Neuzeit

Der Stellenwert der bildenden Kunst und der Arbeit des Künstlers ändern sich in der Neuzeit mit dem Übergang zu einer bürgerlichen Gesellschaft: Wo vorher meist im Auftrag von Kirche und Adel Werke geschaffen werden, wächst mit dem gebildeten Kunstsammler ein neuer Rezipiententyp heran. ⓘ

Dieser Prozess beginnt zuerst in Italien mit der Frührenaissance und setzt sich ab Mitte des 15. Jahrhunderts in ganz Europa fort. Die Städte erstarken und mit ihnen die Kaufleute, die ihre neue Stellung in der Feudalgesellschaft mit Kunst demonstrieren. Der Künstler emanzipiert sich, entdeckt sich als Subjekt, und schafft Werke, deren Hauptzweck nicht mehr die Vorstellung eines Glaubens­inhalts oder der Macht eines Fürsten ist, sondern die fachkundige Debatte über Entwurf, Ausführung und Könnerschaft, und Künstler wird Beruf. So entstehen hochkomplexe ikonografische Bild- und Architekturprogramme, die zu enträtseln eine Aufgabe für das Kunstpublikum wird. Es entsteht eine neue literarische Gattung: Ekphrasis, Kunstliteratur, Schreiben über Künstler und Kunst, und Betrachtung („Kunstgenuss“) als Bestandteil der künstlerischen Intention. Der nunmehr autonome Künstler denkt über seine Rolle nach, was in der bildenden Kunst im Paragone öffentlich gemacht wird. ⓘ

Die „Wiedergeburt“, die im Begriff Renaissance angesprochen wird, bezieht sich auf die erneute Anknüpfung an die klassische Antike, auf deren Menschenbild und Naturbegriff die Kunstproduktion aufbaut. In der Musik und Literatur blühen profane Werke. Die Reformation forciert die Schwächung der römisch-katholischen Kirche als wichtigstem Auftraggeber der Künstler, was auf dem Konzil von Trient mit einem ausführlichen Gegenkonzept beantwortet wird. Die Notwendigkeit einer katholischen Gegenreformation legt den Grundstock für die Explosion der künstlerischen Produktion in Musik und bildender Kunst im Barock. ⓘ

Diente das Kunstwerk noch zu Beginn der Neuzeit dazu, sich „Merkwürdiges“ einzuprägen, so verlor es diese Funktion mit zunehmender Verbreitung des Buchdrucks. In der Folgezeit entsteht das Problem des ständigen „Neuheitsschwundes“ der Kunst: Sie muss seither immer wieder durch Innovationen überraschen. Damit wird sie zu einem autonomen gesellschaftlichen Subsystem. ⓘ

Aufklärung

Literatur: Ludovike Simanowiz: Porträt Friedrich Schiller (1794) ⓘ

In der zweiten Hälfte des 18. und am Anfang des 19. Jahrhunderts, im Zeitalter der Aufklärung, begannen die gebildeten Kreise Gemälde, Skulpturen und Architektur sowie Literatur und Musik als Kunst im heutigen Wortsinn zu diskutieren. Themen verbindend wurde die Ästhetik in Abgrenzung zum Hässlichen als Kategorie zur Qualifizierung von Kunstwerken begründet. Freiheit wurde zum Ideal für Politik, Wissenschaft sowie für die sich allmählich als eigenständige Bereiche herausbildenden Gattungen Literatur und Kunst. Der handwerkliche Aspekt künstlerischen Schaffens verlor an Bedeutung. Mit dem deutschen Idealismus stand die Idee über dem Artefakt. Eine der wichtigsten Voraussetzungen für diesen Prozess war die durch die beginnende industrielle Revolution beschleunigte Säkularisierung. ⓘ

Die Differenzierung zwischen Literatur und Kunst war das Ergebnis der kurz zuvor begonnenen Literaturdiskussion, die sich nicht mehr mit allen geistigen Arbeiten befasste, sondern Romane, Dramen und Gedichte als Literatur in einem gewandelten Wortsinn zusammenfasste. Im Bestreben, ein größeres Publikum anzusprechen, wurde der Terminus Kunst zunächst auf Gemälde und Skulpturen verengt, auf Gegenstände, die in den Zeitungen und Zeitschriften – den Journalen, die es seit dem frühen 18. Jahrhundert gab – vorgestellt und beurteilt wurden. Es entstand ein verbreitetes Rezensions­wesen. Die Begriffe Werk, Original und Genie als Ausdrucksformen der Individualität des Künstlers wurden durch Kant geprägt. Man unterschied zwischen inneren und äußeren Bildern. Innere Bilder waren zum Beispiel Sprache, Vorstellungen und die Ideen, äußere hingegen Einrichtungsgegenstände, Bauwerke oder handwerklich gefertigte Produkte. ⓘ

Dem Freiheitsgedanken gemäß ist der bildende Künstler nicht mehr einem Auftraggeber verpflichtet, sondern produziert unabhängig für einen neu entstehenden Kunstmarkt. Damit wandeln sich zum einen die Themen, die statt religiöser und mythologischer Motive, Porträt und Allegorie nun zum Beispiel auch Schilderungen aus der Arbeitswelt des aufkommenden Industriekapitalismus umfassen. Zum anderen entwickeln sich individuelle Stile, die nicht zuletzt als Markenzeichen, modern gesprochen als Marketinginstrument der konkurrierenden Künstler dienen. Auch Komponisten wie Mozart verabschieden sich aus festen Anstellungen bei weltlichen oder kirchlichen Fürsten. Diese neue Freiheit ist mit entsprechenden Risiken verbunden, das romantische Bild des verarmten Künstlers, verbunden mit dem Geniebegriff sind die Folgen. ⓘ

Postmoderne

Konzeptkunst: Art & Language: Mirror Piece (1965) ⓘ

Die postmoderne Anschauung von Kunst stellt zum Teil die Ideen von Freiheit, Originalität und Authentizität wieder in Frage, setzt bewusst Zitate anderer Künstler ein und verbindet historische und zeitgenössische Stile, Materialien und Methoden und unterschiedliche Kunstgattungen miteinander. Kunstbetrieb und Ausstellungsorte werden von einer Metaebene aus hinterfragt (White Cube). Die Grenzen zwischen Design, Popkultur und Subkultur einerseits und Hochkultur andererseits verschwimmen. ⓘ

Zeitgenössische Kunst, Kunst der Gegenwart und ähnliche Sammelbegriffe fassen gegenwartsbezogene Kunst nur sehr allgemein. Der Begriff Künstlerische Avantgarde ist für die seit Beginn der Postmoderne entstehende Kunst überholt, da es in offenen Gesellschaften und Kulturen höchstwahrscheinlich keine allgemeinverbindliche Richtung für eine Vorhut oder für Vorreiter geben kann. Daher wird der Begriff „zeitgenössische Kunst“ auch zur Umschreibung für künstlerische Arbeiten, Rauminstallationen oder prozesshafte Handlungen benutzt, die in der Gegenwart etwas so wahrnehmbar machen, dass sie kulturell bedeutend in die Zukunft wirken. Die in diesem Sinne freie und zeitgenössische Kunst ignoriert scheinbar alle Bedingungen, akademischen Regeln und Einteilungen, alle Kunststile, Kunstsparten und kulturellen Grenzen, während sie sich gleichzeitig die Freiheit nimmt, sie je nach künstlerischem Bedarf zu reflektieren, zu bearbeiten und zitathaft zu nutzen. ⓘ

Derartige Kunst repräsentiert ein System Kunst, das sich aus dem Zusammenwirken von mehreren Instanzen, Diskursen, institutionellen Akteuren und etablierten Praktiken ergibt. Zeitgenössische Kunst als global und interkulturell funktionierendes System vereint die Ursprünge in verschiedenen Kulturen, Kunstgeschichte zum theoretischen Fundament von Kunst, wobei für die abendländische Kunsttradition die antike Philosophie als historische Basis besonders bedeutend bleibt. Auch zeitgenössische Kunst lässt herkömmliche Einteilungen, wie Malerei, Bildhauerei, Tanz, Musik, Theater usw. durchscheinen, zeichnet sich jedoch gerade durch ihre Thematisierung, Infragestellung, Überwindung, Erweiterung, interdisziplinäre Integration und Ironisierung aus. Heute stehen Fotografie, Videoprojektion und Video-Installation, Environment, Rauminstallationen, Happening und Performance neben Malerei und Theater, während die Medienkünste, darunter die Kinetik und Lichtkunst u. a. sich ohnehin so verorten, wie es jeweils mediengerecht und sachdienlich erscheint. ⓘ

Parallel zu dieser Entwicklung wurde Anfang der 1970er Jahre die Schnittstelle zwischen den zu diesem Zeitpunkt weitgehend getrennten Medien, im engen Verständnis des Kunstbegriffes, zwischen Malerei und Fotografie kunsthistorisch relevant durch Arbeiten der Fotokünstler Pierre Cordier (Chimigramme), Paolo Monti (Chemigramm) und Josef H. Neumann (Chemogramme) geschlossen. Die Chemogramme von Josef H. Neumann schließen 1974 die Trennung von malerischem Grund und fotografischer Schicht, indem er sie, in einer bis zu diesem Zeitpunkt nie dagewesenen Symbiose, als nicht verwechselbares Unikat in gleichzeitiger malerischer und realer fotografischer Perspektive innerhalb einer fotografischen Schicht in Farben und Formen vereint. ⓘ

• Chemogramme und Chimigramme
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  Josef H. Neumann: Chemogramm,Gustav I (1976)

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  Paolo Monti: Chimigramm, Serie fotografica, 1970 ⓘ

Ähnlich wie in der Wissenschaft erschließt sich das umfassende Verständnis der möglichen Bedeutungen von Werken und Arbeiten oft erst durch eingehende Beschäftigung mit dem künstlerischen Gegenstand. Es wird in verschiedenen Kontexten interpretiert, die sich je nach Betrachter und Leser, je nach Publikum und den in das Geschehen Einbezogenen, sowie je nach Interessen der Kritiker und anderen professionellen Vermittlern wandeln und unterscheiden. In der Kunsttheorie wird der zeitgenössische Kunstbegriff intensiv diskutiert. Sie stellt dabei künstlerische Praktiken, Prozesse, Institutionen und Akteuren (Künstler, Rezipienten, Manager, Investoren/Käufer, …) sowie die Kunstwerke selbst ins Zentrum der Untersuchung. ⓘ

Voraussetzungen und Funktionen

Mit der Frage, welche biologischen Grundlagen das Kunstbedürfnis des Menschen hat, bzw. welche psychologischen, soziologischen, ökonomischen und politischen Funktionen Kunst für den Menschen und die Gesellschaft hat, beschäftigen sich die Biologie, die Kunstsoziologie, die Psychologie, die Rechtswissenschaft und die Kulturwissenschaften im Allgemeinen. ⓘ

Psychologie und Neurowissenschaften

In der Psychologie wird der gestalterische Aspekt von Kunst durch die Kreativitätsforschung untersucht, der Wahrnehmungs- und Bewertungsaspekt durch die experimentelle Ästhetik. ⓘ

Der Wert von Kunst wird zumindest in weiten Teilen im Ausdruck von Gefühlen gesehen. ⓘ

Die Bewertung eines künstlerischen Werks unterliegt unterschiedlichen Faktoren. Zum Beispiel führen Charakteristika des bewertenden Individuums (wie seine Persönlichkeit und sein Geschmack) zu unterschiedlichen Präferenzen. Eine Studie von über 90.000 Personen zeigte, dass Persönlichkeitsmerkmale, wie Offenheit für Erfahrung, starke Korrelate der Präferenzen für bestimmte Gemälde und für das Genießen von Besuchen in Kunstgalerien sind. ⓘ

Die Bewertung von Kunst ist über verschiedene Epochen hinweg weder völlig übereinstimmend, noch völlig unabhängig voneinander: Bei der Bewertung des Lebenswerks von Renaissance-Malern durch Kunsthistoriker aus über 450 Jahren beträgt der Grad der Übereinstimmung zwischen den Beurteilungen ungefähr W = 0,5 (mögliche Werte: 0 bis 1). ⓘ

Es zeigte sich, dass der Zeitgeist ebenso wie objektive Eigenschaften eines Werks, die nicht dem Zeitgeist unterliegen, eine Rolle für die Bewertung spielen. So wurde in einer Untersuchung von 15.618 Themen aus der klassischen Musik die Bedeutung der objektiven Merkmale und des Zeitgeists untersucht. Sowohl die musikalische Originalität eines Themas relativ zu seinen zeitgenössischen Werken (dem Zeitgeist) als auch seine „absolute“ Originalität trugen in ähnlicher Größenordnung zur Popularität eines Themas bei. Ähnliche Ergebnisse konnten auch für sprachliche Originalität gezeigt werden. Auch der Kontext, in dem Kunst präsentiert wird, spielt eine wichtige Rolle bei deren Wahrnehmung. ⓘ

Auf biologischen Grundlagen stützen sich die Neurowissenschaften bei der Erforschung des Kunstbedürfnisses. Ziel ist dabei die Zuordnung künstlerischen Schaffens zu neuronalen Prozessen oder zu unterschiedlichen neuronalen Arealen. Hinzu kommt die enorme Heterogenität künstlerischer Aktivität. Sie führt dazu, dass verschiedene künstlerische Leistungen sich mit unterschiedlichen neuronalen Prozessen korrelieren lassen. ⓘ

Psychoanalyse

Sigmund Freud sah in der Kunst – wie in jeder kreativen Tätigkeit – eine Möglichkeit, den Trieb der Libido auf nicht-sexuelle Weise zu sublimieren. In der Psychoanalyse ist aber auch der Begriff der „Unkunst“ geläufig und wird häufig öffentlich kontrovers diskutiert, z. B. wenn es darum geht zu zeigen, wie der Mensch seine Macht über Tiere ausübt. Das Museum in Wolfsburg zeigte zum Beispiel 2022 eine Darbietung von Damian Hirst, in der Hunderte Fliegen in einem Glaskasten ausschlüpften und durch eine elektronische Fliegenfalle getötet wurden. ⓘ

Rechtliche Stellung

Kunst ist eine Erscheinung in jeder Kultur, Gegenstand sozialer Konventionen und – sofern eine Gesellschaft ein Rechtswesen entwickelt – ein Objekt der Gesetzgebung. In demokratischen Ländern ist das Recht auf Kunstfreiheit entweder in der Verfassung verankert oder im Rahmen der Meinungsfreiheit garantiert. In Staaten mit anderer politischen Organisation wird die Kunstausübung häufig reglementiert und/oder zu Propaganda­zwecken instrumentalisiert. Diktaturen setzen Kunst häufig gezielt dazu ein, das jeweilige Regime zu stabilisieren. Freier künstlerischer Ausdruck wird einer Zensur unterworfen und mit Repressionen bedroht, oder ihnen tatsächlich ausgesetzt. Aufgrund derartiger Repressionen produzieren Künstler dann kritische Werke nicht (Schere im Kopf), veröffentlichen sie nicht, oder gehen in eine innere Emigration. Einige Künstler verinnerlichen die staatlichen, sozialen und/oder religiösen Anforderungen und produzieren – aus Überzeugung oder aus wirtschaftlichen Zwängen – affirmative Werke. ⓘ

Plagiate, Imitate und stark von anderen Künstlern beeinflusste Werke gab und gibt es in jeder Phase der Kunstgeschichte. Wenn der Produzent seine Vorlagen verbirgt, ist dies als Kunstfälschung ebenso strafbar, wie eine Verletzung des Urheberrechts. Um eine solche Verletzung rechtlich fassbar zu machen, werden vom Gesetzgeber Kriterien eingeführt, die im Kunstbetrieb selbst keine Rolle spielen. So kann aus der Sicht des Urheberrechts ein Künstler ein Werk beispielsweise erst dann als sein Eigentum bezeichnen, wenn es eine ausreichende Schöpfungshöhe erreicht hat. Diese setzt eine persönliche, individuelle und geistige (menschliche) Schöpfung voraus, welche eine durch die menschlichen Sinne wahrnehmbare Form besitzt (siehe Werkbegriff des Urheberrechts bzgl. der Schöpfungshöhe). ⓘ

Die Kunstfreiheit ist in Deutschland ein durch Art. 5 Abs. 3 Grundgesetz geschütztes Grundrecht. Kunstwerke selbst können einerseits als Kulturgüter rechtlichen Schutz durch nationale und internationale Bestimmungen und Organisationen (UNESCO, Blue Shield etc.) genießen beziehungsweise andererseits auch rechtlichen Beschränkungen (Ausfuhrverbote etc.) unterworfen sein. ⓘ