Theater
- Sarah Bernhardt im Jahr 1899 als Hamlet in Shakespeares gleichnamiger Tragödie
- Die Figur Sun Wukong in der Peking-Oper aus Die Reise nach Westen
- Koothu, eine alte indische Form der darstellenden Kunst, die ihren Ursprung im frühen Tamilakam hat ⓘ
| Teil einer Serie über ⓘ |
| Darstellende Künste |
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Theater ist eine gemeinschaftliche Form der darstellenden Kunst, bei der lebende Darsteller, in der Regel Schauspieler oder Schauspielerinnen, die Erfahrung eines realen oder imaginären Ereignisses vor einem lebenden Publikum an einem bestimmten Ort, oft einer Bühne, darstellen. Die Darsteller können diese Erfahrung dem Publikum durch Kombinationen von Gesten, Sprache, Gesang, Musik und Tanz vermitteln. Künstlerische Elemente wie gemalte Kulissen und bühnentechnische Mittel wie Beleuchtung werden eingesetzt, um die Körperlichkeit, Präsenz und Unmittelbarkeit der Erfahrung zu verstärken. Der spezifische Ort der Aufführung wird auch durch das Wort "Theater" benannt, das vom altgriechischen θέατρον (théatron, "ein Ort zum Betrachten") abgeleitet ist, wiederum von θεάομαι (theáomai, "sehen", "beobachten", "beobachten"). ⓘ
Das moderne westliche Theater stammt zum großen Teil vom Theater der griechischen Antike ab, von dem es die Fachterminologie, die Einteilung in Gattungen und viele seiner Themen, Figuren und Handlungselemente übernommen hat. Der Theaterkünstler Patrice Pavis definiert Theatralität, Theatersprache, Bühnenschrift und die Besonderheit des Theaters als synonyme Ausdrücke, die das Theater von den anderen darstellenden Künsten, der Literatur und den Künsten im Allgemeinen unterscheiden. ⓘ
Das moderne Theater umfasst Aufführungen von Schauspielen und Musiktheater. Die Kunstformen Ballett und Oper sind ebenfalls Theater und verwenden viele Konventionen wie Schauspiel, Kostüme und Inszenierung. Sie hatten einen großen Einfluss auf die Entwicklung des Musiktheaters; weitere Informationen finden Sie in diesen Artikeln. ⓘ
Geschichte des Theaters
Klassisches und hellenistisches Griechenland
Der Stadtstaat Athen ist der Ursprungsort des westlichen Theaters. Es war Teil einer umfassenderen Theater- und Aufführungskultur im klassischen Griechenland, die Feste, religiöse Rituale, Politik, Recht, Leichtathletik und Gymnastik, Musik, Poesie, Hochzeiten, Begräbnisse und Symposien umfasste. ⓘ
Die Teilnahme an den zahlreichen Festen des Stadtstaates - und insbesondere die obligatorische Teilnahme an den Dionysien der Stadt als Zuschauer (oder sogar als Mitwirkender an den Theateraufführungen) - war ein wichtiger Bestandteil der Staatsbürgerschaft. Zur Bürgerbeteiligung gehörte auch die Bewertung der Rhetorik der Redner, die sich in Auftritten vor dem Gericht oder der politischen Versammlung zeigte, die beide als Analogie zum Theater verstanden wurden und zunehmend dessen dramatisches Vokabular übernahmen. Die Griechen entwickelten auch die Konzepte der Theaterkritik und der Theaterarchitektur. Die Schauspieler waren entweder Amateure oder bestenfalls semiprofessionell. Das Theater der griechischen Antike bestand aus drei Arten von Dramen: der Tragödie, der Komödie und dem Satyrspiel. ⓘ
Die Ursprünge des Theaters im antiken Griechenland liegen laut Aristoteles (384-322 v. Chr.), dem ersten Theatertheoretiker, in den Festen zu Ehren des Dionysos. Die Aufführungen fanden in halbkreisförmigen, in den Hang gehauenen Sälen statt, die 10.000 bis 20.000 Zuschauer fassen konnten. Die Bühne bestand aus einer Tanzfläche (Orchester), einem Umkleideraum und einem Bereich für den Bühnenaufbau (Skene). Da der Text das Wichtigste war, kam es auf eine gute Akustik und einen klaren Vortrag an. Die Schauspieler (immer Männer) trugen Masken, die zu den von ihnen dargestellten Figuren passten, und jeder konnte mehrere Rollen spielen. ⓘ
Die athenische Tragödie - die älteste erhaltene Form der Tragödie - ist eine Art Tanzdrama, das einen wichtigen Teil der Theaterkultur des Stadtstaates bildete. Sie entstand irgendwann im 6. Jahrhundert v. Chr., erlebte ihre Blütezeit im 5. Jahrhundert v. Chr. (von dessen Ende an sie sich in der gesamten griechischen Welt ausbreitete) und blieb bis zum Beginn der hellenistischen Periode populär. ⓘ
Aus dem 6. Jahrhundert v. Chr. sind keine Tragödien erhalten, und von den mehr als tausend Tragödien, die im 5. Vollständige Texte gibt es von Aischylos, Sophokles und Euripides. Die Ursprünge der Tragödie liegen im Dunkeln, aber im 5. Jahrhundert v. Chr. wurde sie in Wettbewerben (Agon) institutionalisiert, die im Rahmen von Feierlichkeiten zu Ehren von Dionysos (dem Gott des Weins und der Fruchtbarkeit) stattfanden. Als Teilnehmer am Wettbewerb der Dionysien der Stadt (dem prestigeträchtigsten Festival für die Aufführung von Dramen) mussten die Dramatiker eine Tetralogie von Stücken vorlegen (wobei die einzelnen Werke nicht unbedingt durch eine Geschichte oder ein Thema miteinander verbunden waren), die in der Regel aus drei Tragödien und einem Satyrspiel bestand. Die Aufführung von Tragödien bei den Dionysien der Stadt könnte bereits 534 v. Chr. begonnen haben; offizielle Aufzeichnungen (Didaskaliai) stammen aus dem Jahr 501 v. Chr., als das Satyrspiel eingeführt wurde. ⓘ
Die meisten athenischen Tragödien dramatisieren Ereignisse aus der griechischen Mythologie, obwohl Die Perser - die die persische Reaktion auf die Nachricht von ihrer militärischen Niederlage in der Schlacht von Salamis 480 v. Chr. inszeniert - die bemerkenswerte Ausnahme in den überlieferten Dramen darstellt. Als Aischylos 472 v. Chr. bei den Dionysien der Stadt den ersten Preis dafür gewann, hatte er bereits seit mehr als 25 Jahren Tragödien geschrieben, doch die tragische Darstellung der jüngsten Geschichte ist das früheste erhaltene Beispiel eines Dramas. Mehr als 130 Jahre später analysierte der Philosoph Aristoteles die athenische Tragödie aus dem 5. Jahrhundert in dem ältesten erhaltenen Werk der Dramentheorie - seiner Poetik (ca. 335 v. Chr.). ⓘ
Die athenische Komödie wird üblicherweise in drei Perioden unterteilt: die "Alte Komödie", die "Mittlere Komödie" und die "Neue Komödie". Die Alte Komödie ist heute vor allem in Form der elf erhaltenen Stücke des Aristophanes überliefert, während die Mittlere Komödie weitgehend verloren ist (nur in relativ kurzen Fragmenten bei Autoren wie Athenaeus von Naukratis erhalten). Die Neue Komödie ist vor allem aus den umfangreichen Papyrusfragmenten des Menander bekannt. Aristoteles definierte die Komödie als eine Darstellung lächerlicher Menschen, die eine Art von Fehltritt oder Hässlichkeit beinhaltet, die keinen Schmerz oder kein Unglück verursacht. ⓘ
Neben den Kategorien der Komödie und der Tragödie gab es bei den Dionysien der Stadt auch das Satyrspiel. Das Satyrspiel hatte seinen Ursprung in ländlichen, landwirtschaftlichen Ritualen, die Dionysos gewidmet waren, und fand schließlich in seiner bekanntesten Form seinen Weg nach Athen. Die Satyrn selbst waren dem Gott Dionysos als seine treuen Waldgefährten verbunden und trieben oft an seiner Seite betrunkenen Spaß und Unfug. Das Satyrspiel selbst wurde als Tragikomödie eingestuft, die sich von den moderneren burlesken Traditionen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts absetzte. Die Handlungsstränge der Stücke befassten sich in der Regel mit den Handlungen des Götterpantheons und deren Einmischung in menschliche Angelegenheiten, unterstützt durch den Chor der Satyrn. Laut Webster führten die Satyrdarsteller jedoch nicht immer typische Satyrhandlungen aus und wichen von den Schauspieltraditionen ab, die dem Charaktertypus eines mythischen Waldwesens zugeordnet werden. ⓘ
Römisches Theater
Das abendländische Theater entwickelte und erweiterte sich unter den Römern erheblich. Der römische Historiker Livius schrieb, dass die Römer im 4. Jahrhundert v. Chr. zum ersten Mal mit dem Theater in Berührung kamen, und zwar durch eine Aufführung etruskischer Schauspieler. Beacham vertritt die Ansicht, dass sie schon einige Zeit vor diesem Kontakt mit "prätheatralischen Praktiken" vertraut waren. Das Theater des antiken Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von Festspielen mit Straßentheater, Nackttanz und Akrobatik über die Inszenierung von Plautus' allgemein ansprechenden Situationskomödien bis hin zu den anspruchsvollen, sprachlich ausgefeilten Tragödien Senecas reichte. Obwohl Rom eine einheimische Aufführungstradition hatte, wirkte sich die Hellenisierung der römischen Kultur im 3. Jahrhundert v. Chr. tiefgreifend und belebend auf das römische Theater aus und förderte die Entwicklung lateinischer Literatur von höchster Qualität für die Bühne. Die einzigen erhaltenen Theaterstücke aus dem Römischen Reich sind zehn Dramen, die Lucius Annaeus Seneca (4 v. Chr. - 65 n. Chr.), dem in Corduba geborenen stoischen Philosophen und Lehrer Neros, zugeschrieben werden. ⓘ
Indisches Theater
Die erste Form des indischen Theaters war das Sanskrit-Theater, dessen älteste erhaltene Fragmente aus dem 1. Es entstand nach der Entwicklung des griechischen und römischen Theaters und vor der Entwicklung des Theaters in anderen Teilen Asiens. Es entstand irgendwann zwischen dem 2. Jahrhundert v. Chr. und dem 1. Jahrhundert n. Chr. und erlebte seine Blütezeit zwischen dem 1. und dem 10. Jahrhundert n. Chr., einer Zeit relativen Friedens in der Geschichte Indiens, in der Hunderte von Theaterstücken geschrieben wurden. Der Reichtum an archäologischen Zeugnissen aus früheren Perioden bietet keinen Hinweis auf die Existenz einer Theatertradition. Die alten Veden (Hymnen aus der Zeit zwischen 1500 und 1000 v. Chr., die zu den frühesten literarischen Zeugnissen der Welt gehören) enthalten keinen Hinweis darauf (obwohl einige wenige in Dialogform verfasst sind), und die Rituale der vedischen Zeit scheinen sich nicht zu einem Theater entwickelt zu haben. Das Mahābhāṣya von Patañjali enthält die früheste Erwähnung dessen, was der Keim des Sanskrit-Dramas gewesen sein könnte. Diese Abhandlung über Grammatik aus dem Jahr 140 v. Chr. ist ein mögliches Datum für die Anfänge des Theaters in Indien. ⓘ
Die wichtigste Quelle für das Sanskrit-Theater ist die Abhandlung über das Theater (Nātyaśāstra), ein Kompendium, dessen Entstehungsdatum unsicher ist (Schätzungen reichen von 200 v. Chr. bis 200 n. Chr.) und dessen Autorschaft Bharata Muni zugeschrieben wird. Die Abhandlung ist das vollständigste Werk der Dramaturgie in der antiken Welt. Es befasst sich mit Schauspiel, Tanz, Musik, dramatischem Aufbau, Architektur, Kostümen, Schminke, Requisiten, der Organisation von Ensembles, dem Publikum, Wettbewerben und bietet eine mythologische Darstellung des Ursprungs des Theaters. Auf diese Weise gibt sie Hinweise auf die Art der aktuellen Theaterpraktiken. Das Sanskrit-Theater wurde auf heiligem Boden von Priestern aufgeführt, die in einem [erblichen Prozess] in den erforderlichen Fertigkeiten (Tanz, Musik und Rezitation) ausgebildet worden waren. Sein Ziel war es, sowohl zu erziehen als auch zu unterhalten. ⓘ
Unter der Schirmherrschaft königlicher Höfe gehörten die Darsteller professionellen Ensembles an, die von einem Bühnenmanager (sutradhara) geleitet wurden, der möglicherweise auch als Schauspieler tätig war. Diese Aufgabe wurde analog zu der eines Puppenspielers gesehen - die wörtliche Bedeutung von "sutradhara" ist "Halter der Fäden oder Schnüre". Die Darsteller wurden in der Stimm- und Körpertechnik streng geschult. Es gab keine Verbote gegen weibliche Darsteller; es gab reine Männer-, reine Frauen- und gemischte Kompanien. Bestimmte Gefühle wurden jedoch als unangemessen für Männer angesehen und sollten besser von Frauen dargestellt werden. Einige Darsteller spielten Figuren in ihrem eigenen Alter, während andere ein anderes Alter als ihr eigenes spielten (ob jünger oder älter). Von allen Elementen des Theaters widmet die Abhandlung dem Schauspiel (abhinaya) die meiste Aufmerksamkeit, das aus zwei Stilen besteht: dem realistischen (lokadharmi) und dem konventionellen (natyadharmi), wobei der Schwerpunkt auf letzterem liegt. ⓘ
Sein Drama gilt als die höchste Errungenschaft der Sanskrit-Literatur. Es nutzte Standardfiguren wie den Helden (nayaka), die Heldin (nayika) oder den Clown (vidusaka). Die Schauspieler können sich auf einen bestimmten Typus spezialisiert haben. Kālidāsa, der im 1. Jahrhundert v. Chr. lebte, gilt wohl als der größte Sanskrit-Dramatiker des alten Indiens. Drei berühmte romantische Stücke aus der Feder von Kālidāsa sind das Mālavikāgnimitram (Mālavikā und Agnimitra), Vikramuurvashiiya (Über Vikrama und Urvashi) und Abhijñānaśākuntala (Die Anerkennung von Shakuntala). Das letztgenannte Werk wurde durch eine Geschichte aus dem Mahabharata inspiriert und ist das berühmteste. Es war das erste, das ins Englische und Deutsche übersetzt wurde. Śakuntalā (in englischer Übersetzung) beeinflusste Goethes Faust (1808-1832). ⓘ
Der nächste große indische Dramatiker war Bhavabhuti (ca. 7. Jahrhundert n. Chr.). Er soll die folgenden drei Stücke geschrieben haben: Malati-Madhava, Mahaviracharita und Uttar Ramacharita. Von diesen drei Stücken umfassen die letzten beiden das gesamte Epos Ramayana. Der mächtige indische Kaiser Harsha (606-648) soll drei Stücke geschrieben haben: die Komödie Ratnavali, Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda. ⓘ
Ostasiatisches Theater
Die Tang-Dynastie wird manchmal auch als "Zeitalter der 1000 Unterhaltungen" bezeichnet. In dieser Epoche gründete Ming Huang eine Schauspielschule, die unter dem Namen Birnengarten bekannt wurde, um eine Form des Dramas zu entwickeln, die hauptsächlich musikalisch war. Aus diesem Grund werden die Schauspieler auch "Kinder des Birnengartens" genannt. Während der Dynastie der Kaiserin Ling wurde das Schattenspiel zum ersten Mal als anerkannte Form des Theaters in China entwickelt. Es gab zwei verschiedene Formen des Schattenspiels, das Pekinesische (nördliche) und das Kantonesische (südliche). Die beiden Stile unterschieden sich durch die Art der Herstellung der Puppen und die Positionierung der Stäbe auf den Puppen, nicht aber durch die Art des Spiels, das von den Puppen aufgeführt wurde. In beiden Stilen wurden im Allgemeinen Stücke aufgeführt, die große Abenteuer und Fantasie darstellten, selten wurde diese stark stilisierte Form des Theaters für politische Propaganda verwendet. ⓘ
Die japanischen Formen des Kabuki, Nō und Kyōgen entwickelten sich im 17. Jahrhundert u.Z. ⓘ
Die kantonesischen Schattenpuppen waren die größeren der beiden. Sie wurden aus dickem Leder gefertigt, was die Schatten größer erscheinen ließ. Symbolische Farben waren ebenfalls sehr verbreitet; ein schwarzes Gesicht stand für Ehrlichkeit, ein rotes für Tapferkeit. Die Stangen, mit denen die kantonesischen Puppen gesteuert wurden, waren senkrecht zum Kopf der Puppen angebracht. So waren sie für das Publikum nicht zu sehen, wenn der Schatten erzeugt wurde. Die Pekinger Puppen waren zierlicher und kleiner. Sie wurden aus dünnem, durchscheinendem Leder hergestellt (das normalerweise vom Bauch eines Esels stammt). Sie wurden mit leuchtenden Farben bemalt und warfen daher einen sehr farbigen Schatten. Die dünnen Stäbe, die ihre Bewegungen steuerten, waren an einem Lederhalsband am Hals der Puppe befestigt. Die Stäbe verliefen parallel zum Körper der Puppe und wurden dann in einem Winkel von neunzig Grad gedreht, um mit dem Hals verbunden zu werden. Diese Stangen waren zwar sichtbar, wenn der Schatten geworfen wurde, lagen aber außerhalb des Schattens der Puppe, so dass sie das Erscheinungsbild der Figur nicht beeinträchtigten. Die Stangen wurden an den Hälsen angebracht, um die Verwendung mehrerer Köpfe mit einem Körper zu erleichtern. Wenn die Köpfe nicht benutzt wurden, wurden sie in einem Musselinbuch oder einer mit Stoff ausgekleideten Schachtel aufbewahrt. Die Köpfe wurden immer nachts abgenommen. Dies entsprach dem alten Aberglauben, dass die Puppen, wenn sie intakt blieben, nachts zum Leben erwachen würden. Einige Puppenspieler gingen sogar so weit, die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen aufzubewahren, um die Möglichkeit einer Wiederbelebung der Puppen weiter zu verringern. Das Schattenspiel soll im elften Jahrhundert seinen Höhepunkt der künstlerischen Entwicklung erreicht haben, bevor es zu einem Werkzeug der Regierung wurde. ⓘ
In der Song-Dynastie gab es viele populäre Theaterstücke mit Akrobatik und Musik. Diese entwickelten sich in der Yuan-Dynastie zu einer anspruchsvolleren Form, die als Zaju bekannt ist und aus vier oder fünf Akten besteht. Das Yuan-Theater verbreitete sich in ganz China und entwickelte sich zu zahlreichen regionalen Formen, von denen die Peking-Oper eine der bekanntesten ist und sich bis heute großer Beliebtheit erfreut. ⓘ
Xiangsheng ist eine bestimmte traditionelle chinesische komödiantische Darbietung in Form eines Monologs oder Dialogs. ⓘ
Indonesisches Theater
In Indonesien sind Theateraufführungen zu einem wichtigen Teil der lokalen Kultur geworden, und Theateraufführungen haben sich in Indonesien seit Tausenden von Jahren entwickelt. Die meisten der ältesten Theaterformen Indonesiens sind direkt mit den lokalen literarischen Traditionen (mündlich und schriftlich) verbunden. Die bekannten Puppentheater - wayang golek (Holzstabpuppenspiel) der Sundanesen und wayang kulit (Lederschattenpuppenspiel) der Javaner und Balinesen - beziehen einen Großteil ihres Repertoires aus indigenen Versionen des Ramayana und Mahabharata. Diese Erzählungen bilden auch das Ausgangsmaterial für das Wayang Wong (Menschentheater) auf Java und Bali, das mit Schauspielern arbeitet. In einigen Wayang-Golek-Aufführungen werden jedoch auch muslimische Geschichten, Menak genannt, aufgeführt. Wayang ist eine uralte Form des Geschichtenerzählens, die für ihre aufwendigen Puppen-/Menschentheater und komplexen Musikstile bekannt ist. Die frühesten Belege stammen aus dem späten 1. Jahrtausend n. Chr., aus mittelalterlichen Texten und archäologischen Stätten. Die älteste bekannte Aufzeichnung, die Wayang betrifft, stammt aus dem 9. Um 840 n. Chr. erwähnt eine altjavanische (Kawi) Inschrift namens Jaha-Inschriften, die vom Maharaja Sri Lokapalaform Medang Königreich in Zentraljava herausgegeben wurde, drei Arten von Darstellern: atapukan, aringgit und abanol. Aringgit bedeutet Wayang-Puppentheater, Atapukan bedeutet Maskentanz und abanwal bedeutet Scherzkunst. Ringgit wird in einem javanischen Gedicht aus dem 11. Jahrhundert als eine lederne Schattenfigur beschrieben. ⓘ
Mittelalterliche islamische Traditionen
Zum Theater in der mittelalterlichen islamischen Welt gehörten das Puppentheater (mit Handpuppen, Schattenspielen und Marionetteninszenierungen) und die als ta'ziya bekannten Live-Passionsspiele, bei denen Schauspieler Episoden aus der muslimischen Geschichte nachstellten. Die schiitischen islamischen Theaterstücke drehten sich vor allem um den Shaheed (Märtyrertod) von Alis Söhnen Hasan ibn Ali und Husayn ibn Ali. Weltliche Theaterstücke waren als akhraja bekannt, die in der mittelalterlichen adab-Literatur aufgezeichnet wurden, obwohl sie weniger verbreitet waren als Puppenspiele und ta'ziya-Theater. ⓘ
Frühmoderne und moderne Theater im Westen
Zwischen dem 15. und 19. Jahrhundert nahm das Theater im Westen viele alternative Formen an, darunter die Commedia dell'arte und das Melodrama. Der allgemeine Trend ging weg vom poetischen Drama der Griechen und der Renaissance hin zu einem naturalistischeren Prosastil mit Dialogen, insbesondere nach der industriellen Revolution. ⓘ
Zwischen 1642 und 1660 legte das Theater in England aufgrund des puritanischen Interregnums eine große Pause ein. Die Puritaner betrachteten das Theater als sündhaft und ordneten 1642 die Schließung der Londoner Theater an. Am 24. Januar 1643 protestierten die Schauspieler gegen das Verbot, indem sie ein Pamphlet mit dem Titel The Actors remonstrance or complaint for the silencing of their profession, and banishment from their severall play-houses verfassten. Diese stagnierende Periode endete, als Charles II. 1660 in der Restauration auf den Thron zurückkehrte. Das Theater (und andere Künste) explodierten unter dem Einfluss der französischen Kultur, da Karl in den Jahren vor seiner Herrschaft in Frankreich im Exil gewesen war. ⓘ
1660 erhielten zwei Kompanien eine Aufführungslizenz: die Duke's Company und die King's Company. Die Aufführungen fanden in umgebauten Gebäuden statt, wie z. B. im Lisle's Tennis Court. Das erste Theater im West End, das Theatre Royal in Covent Garden, London, wurde von Thomas Killigrew entworfen und an der Stelle des heutigen Theatre Royal, Drury Lane, errichtet. ⓘ
Eine der großen Veränderungen war das neue Theaterhaus. Anstelle des elisabethanischen Theaters, des Globe Theatre, in dem die Schauspieler keinen Platz hatten, um sich auf den nächsten Akt vorzubereiten, und in dem es keine "Theatermanieren" gab, wurde das Theaterhaus zu einem Ort der Raffinesse, mit einer Bühne davor und Stadionbestuhlung davor. Da die Sitzplätze nicht mehr rund um die Bühne angeordnet waren, wurden sie nach Prioritäten geordnet - einige Plätze waren offensichtlich besser als andere. Der König hatte den besten Platz im Haus: in der Mitte des Theaters, von wo aus er den besten Blick auf die Bühne und den Fluchtpunkt hatte, um den herum die Bühne aufgebaut war. Philippe Jacques de Loutherbourg war einer der einflussreichsten Bühnenbildner seiner Zeit, weil er den Boden und die Kulissen so gut nutzte. ⓘ
Aufgrund der Unruhen vor dieser Zeit gab es noch einige Kontroversen darüber, was auf die Bühne gehört und was nicht. Jeremy Collier, ein Prediger, war mit seinem Werk A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage einer der führenden Köpfe dieser Bewegung. Die Überzeugungen in diesem Papier wurden hauptsächlich von Nicht-Theaterbesuchern und dem Rest der Puritaner und sehr religiösen Zeitgenossen vertreten. Die Hauptfrage war, ob der Anblick eines unmoralischen Stücks auf der Bühne Auswirkungen auf das Verhalten der Zuschauer hat - eine Kontroverse, die bis heute andauert. ⓘ
Im siebzehnten Jahrhundert wurden auch Frauen auf die Bühne gebracht, was zuvor als unangemessen galt. Diese Frauen galten als Berühmtheiten (ebenfalls ein neueres Konzept, dank der Ideen zum Individualismus, die im Gefolge des Renaissance-Humanismus aufkamen), aber andererseits war es immer noch sehr neu und revolutionär, dass sie auf der Bühne standen, und einige sagten, sie seien unladylike und schauten auf sie herab. Karl II. mochte es nicht, wenn junge Männer die Rollen junger Frauen spielten, also verlangte er, dass Frauen ihre eigenen Rollen spielen sollten. Da Frauen auf der Bühne spielen durften, hatten Dramatiker mehr Spielraum für komödiantische Wendungen, wie z. B. Frauen, die sich als Männer verkleideten und knapp aus moralisch heiklen Situationen entkamen. ⓘ
Komödien waren voll von jungen Leuten und sehr en vogue, wobei die Handlung ihrem Liebesleben folgte: Üblicherweise erklärte der junge, schelmische Held der keuschen und freizügigen Heldin gegen Ende des Stücks seine Liebe, ähnlich wie in Sheridans The School for Scandal. Viele der Komödien wurden nach der französischen Tradition gestaltet, vor allem von Molière, was wiederum auf den französischen Einfluss zurückgeht, den der König und die Royals nach ihrem Exil mitbrachten. Molière war einer der bedeutendsten Komödienautoren seiner Zeit, der die Art und Weise, wie Komödien geschrieben und aufgeführt wurden, revolutionierte, indem er die italienische Commedia dell'arte und die neoklassische französische Komödie miteinander verband und so einige der langlebigsten und einflussreichsten satirischen Komödien schuf. Tragödien waren ähnlich siegreich in ihrem Sinn für die Wiederherstellung der politischen Macht, besonders ergreifend wegen der kürzlich erfolgten Restauration der Krone. Sie waren ebenfalls Nachahmungen der französischen Tragödie, obwohl die Franzosen stärker zwischen Komödie und Tragödie unterschieden, während die Engländer gelegentlich die Linien verwischten und einige komödiantische Teile in ihre Tragödien einbauten. Gängige Formen von nicht-komödiantischen Stücken waren sentimentale Komödien sowie etwas, das später als tragédie bourgeoise oder häusliche Tragödie bezeichnet wurde, d. h. die Tragödie des gewöhnlichen Lebens, die in England beliebter war, weil sie das englische Empfinden stärker ansprach. ⓘ
Während Theatergruppen früher oft auf Reisen waren, gewann die Idee des Nationaltheaters im 18. Jahrhundert, angeregt durch Ludvig Holberg, an Unterstützung. Der wichtigste Förderer der Idee des Nationaltheaters in Deutschland, aber auch der Dichter des Sturm und Drang, war Abel Seyler, der Besitzer der Hamburgischen Entreprise und der Seyler-Theatergesellschaft. ⓘ
Im Laufe des 19. Jahrhunderts wichen die populären Theaterformen der Romantik, des Melodrams, der viktorianischen Burleske und der gut gemachten Stücke von Scribe und Sardou den Problemdramen des Naturalismus und Realismus, den Farcen von Feydeau, Wagners Operngesamtkunstwerk, dem Musiktheater (einschließlich der Opern von Gilbert und Sullivan), F. C. Burnands, W. S. Gilberts und Oscar Wildes Salonkomödien, der Symbolismus, der Protoexpressionismus im Spätwerk von August Strindberg und Henrik Ibsen sowie die Edwardianische Musikkomödie. ⓘ
Diese Tendenzen setzten sich im 20. Jahrhundert fort im Realismus von Stanislawski und Lee Strasberg, im politischen Theater von Erwin Piscator und Bertolt Brecht, im so genannten Absurden Theater von Samuel Beckett und Eugène Ionesco, im amerikanischen und britischen Musical, in den kollektiven Kreationen von Schauspieler- und Regietruppen wie Joan Littlewoods Theatre Workshop, im experimentellen und postmodernen Theater von Robert Wilson und Robert Lepage, im postkolonialen Theater von August Wilson oder Tomson Highway und im Theater der Unterdrückten von Augusto Boal. ⓘ
Arten
Drama
Das Drama ist die spezifische Form der Fiktion, die in der Aufführung dargestellt wird. Der Begriff stammt aus dem Griechischen und bedeutet "Handlung", abgeleitet von dem Verb δράω, dráō, "tun" oder "handeln". Die Inszenierung des Dramas im Theater, das von Schauspielern auf einer Bühne vor einem Publikum aufgeführt wird, setzt kooperative Produktionsweisen und eine kollektive Form der Rezeption voraus. Die Struktur dramatischer Texte wird im Gegensatz zu anderen Formen der Literatur unmittelbar von dieser kollaborativen Produktion und kollektiven Rezeption beeinflusst. Die frühneuzeitliche Tragödie Hamlet (1601) von Shakespeare und die klassische athenische Tragödie Ödipus Rex (um 429 v. Chr.) von Sophokles gehören zu den Meisterwerken der Schauspielkunst. Ein modernes Beispiel ist Long Day's Journey into Night von Eugene O'Neill (1956). ⓘ
Als Gattung der Poesie im Allgemeinen wird das Drama seit Aristoteles' Poetik (ca. 335 v. Chr.), dem frühesten Werk der Dramentheorie, der epischen und der lyrischen Form gegenübergestellt. Die Verwendung des Begriffs "Drama" im engeren Sinne zur Bezeichnung einer bestimmten Art von Theaterstück stammt aus dem 19. Das Drama in diesem Sinne bezieht sich auf ein Stück, das weder eine Komödie noch eine Tragödie ist, wie zum Beispiel Zolas Thérèse Raquin (1873) oder Tschechows Iwanow (1887). Im antiken Griechenland hingegen umfasste das Wort Drama alle Theaterstücke, ob tragisch, komisch oder etwas dazwischen. ⓘ
Das Drama wird oft mit Musik und Tanz kombiniert: Das Drama in der Oper wird im Allgemeinen durchgehend gesungen; Musicals enthalten im Allgemeinen sowohl gesprochene Dialoge als auch Lieder; und bei einigen Formen des Dramas wird der Dialog durch Musik oder musikalische Begleitung untermalt (z. B. Melodrama und japanisches Nō). In bestimmten Epochen der Geschichte (der römischen Antike und der modernen Romantik) wurden einige Dramen geschrieben, um gelesen und nicht aufgeführt zu werden. Bei der Improvisation existiert das Drama nicht vor dem Moment der Aufführung; die Darsteller entwickeln ein dramatisches Skript spontan vor einem Publikum. ⓘ
Musiktheater
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Musik und Theater stehen seit der Antike in enger Beziehung zueinander - die äthenische Tragödie beispielsweise war eine Form des Tanzdramas, bei der ein Chor eingesetzt wurde, dessen Teile gesungen wurden (zur Begleitung eines Aulos - eines Instruments, das mit der modernen Oboe vergleichbar ist), ebenso wie einige der Antworten der Schauspieler und ihre "Sololieder" (Monodien). Das moderne Musiktheater ist eine Form des Theaters, die ebenfalls Musik, gesprochene Dialoge und Tanz kombiniert. Es hat sich aus der komischen Oper (insbesondere Gilbert und Sullivan), dem Varieté, dem Vaudeville und der Music Hall des späten 19. und frühen 20. Nach der Edwardian Musical Comedy, die in den 1890er Jahren ihren Anfang nahm, den Musicals des Princess Theatre zu Beginn des 20. Jahrhunderts und den Komödien der 1920er und 1930er Jahre (z. B. die Werke von Rodgers und Hammerstein) entwickelte sich das Musical mit Oklahoma! (1943) in eine eher dramatische Richtung. Zu den berühmten Musicals der folgenden Jahrzehnte gehören My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) und The Phantom of the Opera (1986) sowie neuere Hits wie Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) und Frozen (2018). ⓘ
Musiktheater kann in kleinem Rahmen am Off-Broadway, in regionalen Theatern und anderswo aufgeführt werden, beinhaltet aber oft auch Spektakel. Broadway- und West End-Musicals enthalten zum Beispiel oft aufwendige Kostüme und Bühnenbilder, die mit einem Budget von mehreren Millionen Dollar ausgestattet sind. ⓘ
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Komödie
Theaterproduktionen, die Humor als Mittel zur Erzählung einer Geschichte verwenden, werden als Komödien bezeichnet. Dies kann eine moderne Farce wie Boeing Boeing oder ein klassisches Stück wie As You Like It sein. Theater, das düstere, kontroverse oder tabuisierte Themen auf eine bewusst humorvolle Art und Weise zum Ausdruck bringt, wird als schwarze Komödie bezeichnet. Schwarze Komödie kann verschiedene Genres wie Slapstick-Humor, dunkle und sarkastische Komödie umfassen. ⓘ
Tragödie
Die Tragödie ist also die Nachahmung einer Handlung, die ernst, vollständig und von gewissem Ausmaß ist: in einer Sprache, die mit jeder Art von künstlerischer Ausschmückung verziert ist, wobei die verschiedenen Arten in verschiedenen Teilen des Stücks zu finden sind; in der Form der Handlung, nicht der Erzählung; durch Mitleid und Furcht, die die richtige Läuterung dieser Gefühle bewirken.
- Aristoteles, Poetik ⓘ
Aristoteles' Formulierung "mehrere Arten, die sich in getrennten Teilen des Stücks finden" ist ein Hinweis auf die strukturellen Ursprünge des Dramas. Darin wurden die gesprochenen Teile im attischen Dialekt verfasst, während die chorischen (rezitierten oder gesungenen) Teile im dorischen Dialekt verfasst wurden. Diese Unterschiede spiegeln die unterschiedlichen religiösen Ursprünge und poetischen Metren der Teile wider, die zu einer neuen Einheit, dem theatralischen Drama, verschmolzen wurden. ⓘ
Die Tragödie bezieht sich auf eine spezifische Tradition des Dramas, die in der Geschichte eine einzigartige und wichtige Rolle für die Selbstdefinition der westlichen Zivilisation gespielt hat. Diese Tradition war vielfältig und diskontinuierlich, und doch wurde der Begriff oft verwendet, um eine starke Wirkung kultureller Identität und historischer Kontinuität hervorzurufen - "die Griechen und die Elisabethaner, in einer kulturellen Form; Hellenen und Christen, in einer gemeinsamen Aktivität", wie Raymond Williams es ausdrückt. Von seinen obskuren Ursprüngen in den Theatern Athens vor 2.500 Jahren, von denen nur ein Bruchteil der Werke von Aischylos, Sophokles und Euripides überliefert ist, über seine einzigartigen Ausdrucksformen in den Werken von Shakespeare, Lope de Vega, Racine und Schiller, bis hin zur neueren naturalistischen Tragödie von Strindberg, Becketts modernistischen Meditationen über Tod, Verlust und Leiden und Müllers postmodernen Überarbeitungen des tragischen Kanons ist die Tragödie ein wichtiger Ort für kulturelle Experimente, Verhandlungen, Kämpfe und Veränderungen geblieben. Seit Aristoteles' Poetik (335 v. Chr.) wird die Tragödie zur Unterscheidung von Gattungen herangezogen, sei es auf der Ebene der Poesie im Allgemeinen (wo sich die Tragödie von Epik und Lyrik abgrenzt) oder auf der Ebene des Dramas (wo die Tragödie der Komödie gegenübersteht). In der Neuzeit wurde die Tragödie auch gegen das Drama, das Melodrama, das tragikomische und das epische Theater abgegrenzt. ⓘ
Improvisation
Die Improvisation ist seit jeher ein fester Bestandteil des Theaters, wobei die Commedia dell'arte aus dem sechzehnten Jahrhundert als erste Improvisationsform gilt. Jahrhundert als erste Improvisationsform anerkannt wurde. Popularisiert durch den Nobelpreisträger Dario Fo und Truppen wie die Upright Citizens Brigade entwickelt sich das Improvisationstheater mit vielen verschiedenen Strömungen und Philosophien weiter. Keith Johnstone und Viola Spolin gelten als die ersten Lehrer der Improvisation in der Neuzeit, wobei Johnstone die Improvisation als Alternative zum Theater mit Drehbuch erforschte und Spolin und ihre Nachfolger die Improvisation hauptsächlich als Werkzeug zur Entwicklung dramatischer Arbeit oder Fähigkeiten oder als Form der Situationskomik erforschten. Spolin interessierte sich auch dafür, wie der Lernprozess der Improvisation auf die Entwicklung des menschlichen Potenzials anwendbar ist. Paul Sills, Spolins Sohn, machte das Improvisationstheater als Theaterkunstform populär, als er als erster Direktor die Second City in Chicago gründete. ⓘ
Theorien
Das Theater, das seit mehr als 2 500 Jahren ein wichtiger Bestandteil der menschlichen Kultur ist, hat eine breite Palette unterschiedlicher Theorien und Praktiken entwickelt. Einige stehen im Zusammenhang mit politischen oder spirituellen Ideologien, während andere auf rein "künstlerischen" Anliegen beruhen. Bei einigen Prozessen steht eine Geschichte im Mittelpunkt, bei anderen das Theater als Ereignis und bei wieder anderen das Theater als Katalysator für soziale Veränderungen. Der klassische griechische Philosoph Aristoteles ist mit seiner bahnbrechenden Abhandlung Poetik (ca. 335 v. Chr.) das älteste überlebende Beispiel, und seine Argumente haben die Theatertheorien bis heute beeinflusst. Darin legt er dar, was er als "Poesie" bezeichnet (ein Begriff, der im Griechischen wörtlich "Machen" bedeutet und in diesem Zusammenhang sowohl das Drama - Komödie, Tragödie und Satyrspiel - als auch die lyrische Dichtung, die epische Dichtung und das Dithyramb umfasst). Er untersucht ihre "ersten Prinzipien" und identifiziert ihre Gattungen und Grundelemente; seine Analyse der Tragödie bildet den Kern der Diskussion. ⓘ
Aristoteles argumentiert, dass die Tragödie aus sechs qualitativen Teilen besteht, die (in der Reihenfolge ihrer Bedeutung) mythos oder "Handlung", ethos oder "Charakter", dianoia oder "Gedanke", lexis oder "Diktion", melos oder "Gesang" und opsis oder "Spektakel" sind. "Obwohl Aristoteles' Poetik in der westlichen kritischen Tradition allgemein anerkannt ist", erklärt Marvin Carlson, "hat fast jedes Detail seines bahnbrechenden Werks unterschiedliche Meinungen hervorgerufen." Zu den wichtigen Theatermachern des 20. Jahrhunderts gehören Konstantin Stanislawski, Wsewolod Meyerhold, Jacques Copeau, Edward Gordon Craig, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Joan Littlewood, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, Dario Fo, Viola Spolin, Keith Johnstone und Robert Wilson (Regisseur). ⓘ
Stanislawski betrachtete das Theater als eine von der Literatur unabhängige Kunstform, in der der Beitrag des Dramatikers nur als einer aus einem Ensemble von kreativen Künstlern respektiert werden sollte. Sein innovativer Beitrag zur modernen Schauspieltheorie bildete über weite Strecken des letzten Jahrhunderts den Kern der westlichen Schauspielausbildung. Die Tatsache, dass viele der Grundsätze seines Systems der Schauspielausbildung dem gesunden Menschenverstand entsprechen und selbstverständlich zu sein scheinen, zeugt von seinem hegemonialen Erfolg. Schauspieler wenden seine grundlegenden Konzepte häufig an, ohne sich dessen bewusst zu sein. Dank seiner Förderung und Ausarbeitung durch Schauspiellehrer, die ehemalige Schüler waren, und der zahlreichen Übersetzungen seiner theoretischen Schriften erlangte Stanislawskis "System" eine beispiellose Fähigkeit, kulturelle Grenzen zu überschreiten, und entwickelte eine internationale Reichweite, die die Debatten über das Schauspiel in Europa und den Vereinigten Staaten dominierte. Viele Schauspieler setzen sein "System" routinemäßig mit der Nordamerikanischen Methode gleich, obwohl deren ausschließlich psychologische Techniken in scharfem Kontrast zu Stanislawskis multivariatem, ganzheitlichem und psychophysischem Ansatz stehen, der Charakter und Handlung sowohl von "innen nach außen" als auch von "außen nach innen" erforscht und den Geist und Körper des Schauspielers als Teile eines Kontinuums behandelt. ⓘ
Technische Aspekte
Theater setzt kollaborative Produktionsweisen und eine kollektive Form der Rezeption voraus. Die Struktur dramatischer Texte wird im Gegensatz zu anderen Formen der Literatur unmittelbar von dieser kollaborativen Produktion und kollektiven Rezeption beeinflusst. An der Produktion eines Theaterstücks sind in der Regel der Autor, der Regisseur, die Schauspieler und ein technisches Produktionsteam beteiligt, zu dem ein Bühnenbildner, ein Beleuchter, ein Kostümbildner, ein Tonmeister, ein Inspizient, ein Produktionsleiter und ein technischer Leiter gehören. Je nach Inszenierung kann dieses Team auch einen Komponisten, Dramaturgen, Videodesigner oder Kampfleiter umfassen. ⓘ
Bühnenkunst ist ein allgemeiner Begriff, der sich auf die technischen Aspekte der Theater-, Film- und Videoproduktion bezieht. Er umfasst unter anderem den Bau und die Montage von Kulissen, die Aufhängung und Ausrichtung der Beleuchtung, den Entwurf und die Beschaffung von Kostümen, das Make-up, die Beschaffung von Requisiten, das Bühnenmanagement sowie die Aufnahme und Abmischung von Ton. Das Bühnenhandwerk unterscheidet sich von dem weiter gefassten Oberbegriff der Szenografie. Sie wird eher als technisches denn als künstlerisches Fachgebiet betrachtet und bezieht sich in erster Linie auf die praktische Umsetzung der künstlerischen Vision eines Designers. ⓘ
In ihrer einfachsten Form wird die Bühnentechnik von einer einzelnen Person (oft dem Inspizienten einer kleineren Produktion) geleitet, die alle Kulissen, Kostüme, Beleuchtung und Ton arrangiert und die Besetzung organisiert. Auf professionellerer Ebene, z. B. in modernen Broadway-Häusern, wird die Bühnentechnik von Hunderten von qualifizierten Schreinern, Malern, Elektrikern, Bühnenarbeitern, Näherinnen, Perückenmachern und dergleichen geleitet. Diese moderne Form des Bühnenhandwerks ist hochgradig technisch und spezialisiert: Sie umfasst viele Teildisziplinen und einen großen Fundus an Geschichte und Tradition. Der Großteil des Bühnenhandwerks liegt zwischen diesen beiden Extremen. Regionale Theater und größere Gemeinschaftstheater haben in der Regel einen technischen Direktor und mehrere Bühnenbildner, die jeweils direkt an der Gestaltung beteiligt sind. ⓘ
Die meisten Theater haben eigene technische Abteilungen, unterteilt in
- Technische Leitung (Technischer Direktor mit Assistenten) für die Gesamtverantwortung und Organisation aller technischen Abteilungen
- Konstruktionsabteilung (Entwurf und Konstruktion der Bauten, Planung und Statik)
- Werkstättenleitung (Organisation der Herstellung des Bühnenbildes und der Werkstätten)
- Tischlerei
- Schlosserei
- Malersaal
- Tapezierer (auch Polsterer)
- Plastiker (auch Bildhauer)
- Kostümabteilung
- Gewandmeister (Organisation der Herstellung der Kostüme, Schnittmuster)
- Schneider
- Garderobier (österr. Garderober) oder Ankleider (Betreuung der Schauspieler, u. a. beim Anziehen der Kostüme, auch die Bereitstellung selbiger. Der Begriff wird umgangssprachlich manchmal auch für das Personal verwendet das Jacken und Mäntel der Theaterbesucher während der Vorstellung verwahrt.)
- Gewandmeister (Organisation der Herstellung der Kostüme, Schnittmuster)
- Bühneninspektion (Organisation der technischen Abläufe auf der Bühne: Auf- und Abbauten, Lagerung)
- Bühnenmeister
- Bühnentechniker
- Dekorateur
- Obermaschinist
- Untermaschinist
- Bühnenmeister
- Beleuchtung
- Beleuchtungsmeister
- Beleuchter
- Beleuchtungsmeister
- Ton/Video
- Tontechniker
- Requisiteure (Herstellung und Organisation der Requisiten, Betreuung bei Proben und Vorstellungen)
- Waffenmeister ⓘ
Von den Technischen Abteilungen wird im Theater große Kunstfertigkeit, Erfindungsreichtum, Flexibilität und Verständnis für künstlerische Prozesse verlangt. In vielen kleineren und sogenannten Freien und Off-Theatern beschränkt sich der Technische Bereich oft auf ein Minimum. ⓘ
Unterkategorien und Organisation
Es gibt viele moderne Theaterbewegungen, die auf unterschiedliche Weise Theater produzieren. Die Theaterbetriebe sind sehr unterschiedlich in Bezug auf ihren Anspruch und ihre Zielsetzung. Die beteiligten Personen reichen von Anfängern und Hobbyisten (im Gemeinschaftstheater) bis hin zu Profis (in Broadway- und ähnlichen Produktionen). Theater kann mit kleinem Budget oder im großen Stil mit Millionenbudgets aufgeführt werden. Diese Vielfalt zeigt sich in der Fülle der Unterkategorien des Theaters, zu denen gehören:
- Broadway-Theater und West-End-Theater
- Straßentheater
- Gemeinschaftstheater
- Playback-Theater
- Dinner-Theater
- Fringe-Theater
- Off-Broadway und Off West End
- Off-Off-Broadway
- Regionaltheater in den Vereinigten Staaten
- Tournee-Theater
- Sommertheater ⓘ
Repertoire-Theater
Während die meisten modernen Theatergruppen jeweils nur ein Stück einstudieren, dieses Stück eine bestimmte Zeit lang aufführen, dann das Stück zurückziehen und mit den Proben für eine neue Show beginnen, proben Repertoiretheater mehrere Shows gleichzeitig. Diese Kompanien sind in der Lage, diese verschiedenen Stücke auf Anfrage aufzuführen und spielen die Stücke oft jahrelang, bevor sie sie aufgeben. Die meisten Tanzkompanien arbeiten nach diesem Repertoiresystem. Das Royal National Theatre in London arbeitet nach einem Repertoire-System. ⓘ
Beim Repertoiretheater handelt es sich in der Regel um eine Gruppe ähnlich versierter Schauspieler, die sich mehr auf den Ruf der Gruppe als auf einen einzelnen Starschauspieler stützt. In der Regel ist es auch weniger auf die strenge Kontrolle durch einen Regisseur und die Einhaltung von Theaterkonventionen angewiesen, da Schauspieler, die bereits in mehreren Produktionen zusammengearbeitet haben, aufeinander reagieren können, ohne sich so sehr auf Konventionen oder externe Anweisungen verlassen zu müssen. ⓘ
Produzieren vs. Präsentieren
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Um ein Theaterstück aufführen zu können, braucht man sowohl eine Theatergruppe als auch einen Spielort. Wenn ein Theaterensemble das einzige an einem Ort ansässige Unternehmen ist, nennt man dieses Theater (und das dazugehörige Theaterensemble) ein ansässiges Theater oder ein produzierendes Theater, da das Theater seine eigene Arbeit produziert. Andere Theatertruppen sowie Tanzkompanien, die keine eigene Spielstätte haben, spielen in Miettheatern oder in Präsentationstheatern. Sowohl die Miettheater als auch die Vorführtheater haben keine festangestellten Ensembles. Sie verfügen jedoch manchmal über ein oder mehrere festangestellte Ensembles, die in Teilzeit arbeiten, sowie über andere unabhängige Partnerunternehmen, die die Räumlichkeiten nach Absprache nutzen. Ein Miettheater ermöglicht es den freien Ensembles, die Räumlichkeiten aufzusuchen, während ein Präsentationstheater die freien Ensembles sucht, um ihre Arbeit zu unterstützen, indem es sie auf seiner Bühne präsentiert. ⓘ
Einige Gruppen treten in nicht-theatralischen Räumen auf. Solche Aufführungen können draußen oder drinnen, in einem nicht traditionellen Aufführungsraum stattfinden und umfassen Straßentheater und ortsspezifisches Theater. Nicht-traditionelle Aufführungsorte können genutzt werden, um ein intensiveres oder bedeutungsvolleres Umfeld für das Publikum zu schaffen. Sie können manchmal stärker umgebaut werden als traditionelle Theaterräume oder bieten Platz für andere Arten von Ausrüstung, Beleuchtung und Kulissen. ⓘ
Ein Tourneetheater ist ein unabhängiges Theater- oder Tanzensemble, das auf Reisen geht, oft international, und in jeder Stadt an einem anderen Theater auftritt. ⓘ
Der Vorteil des Tourneetheater-Modells aus Sicht der gastgebenden Kommune: Es ist eine Vielfalt an unterschiedlichen Aufführungen möglich, da zahlreiche Tournee-Theater und Theaterproduzenten Produktionen anbieten, ohne dass die Dauerkosten eines Theater-Betriebes anfallen. ⓘ
Abgesehen davon machen Theater mit eigenem festen Ensemble auch zahlreiche Gastspiele, vor allem die Landestheater, aber auch andere Bühnen. Dabei haben sich in der Regel viele feste Partnerschaften ergeben. Deutschlands größte Gastspieltheater sind das Landestheater Detmold und die Landesbühnen Sachsen. ⓘ
Gewerkschaften
Es gibt viele Theatergewerkschaften, darunter: Actors' Equity Association (AEA, für Schauspieler und Bühnenmanager), Stage Directors and Choreographers Society (SDC) und International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, für Designer und Techniker). Viele Theater verlangen, dass ihr Personal Mitglied in diesen Organisationen ist. ⓘ
Siehe auch
- Schauspielerei
- Antitheatralität
- Schwarzlichttheater
- Kulinarisches Theater
- Illusionistische Tradition
- Liste der Auszeichnungen im Theater
- Liste der Dramatikerinnen und Dramatiker
- Liste des Theaterpersonals
- Liste der Theaterfestivals
- Liste der Theaterregisseure
- Listen von Theatern
- Darstellende Kunst
- Puppenspiel
- Lesetheater
- Ortsspezifisches Theater
- Theaterberater
- Theater für Entwicklung
- Theater (Struktur)
- Theatertechnik
- Theatralischer Stil
- Theatertruppe
- Welttheatertag ⓘ
Allgemeine Quellen
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Sparten des Theaters
Es gibt vier klassische Sparten des Theaters:
- Sprechtheater oder Schauspiel (Tragödie, Komödie)
- Musiktheater (Oper, Operette, Musical)
- Tanztheater oder Ballett
- Figurentheater ⓘ
Das Figurentheater (zum Beispiel Marionettentheater) und verwandte Formen wie das Schattentheater wurden noch im 19. Jahrhundert zum Handwerk der Wanderbühnen und Schausteller gerechnet und fanden selten Eingang in die kommunalen Theater. ⓘ
Die Spartentrennung vollzog sich seit ungefähr 1830. In den jeweiligen Sparten sind unterschiedlich ausgebildete und qualifizierte Künstler tätig.
- Im Sprechtheater: Schauspieler, Regisseure, Schauspielmusiker
- Im Musiktheater: Sänger (Solisten und Choristen), Orchestermusiker, Korrepetitoren, Dirigenten, Regisseure.
- Im Tanztheater: Tänzer, Choreografen, Korrepetitoren ⓘ
Theater, in denen mehrere Sparten zu Hause sind, nennt man Mehrspartentheater. An ihnen arbeiten die unterschiedlichsten Künstler. Immer mehr Stadttheater, die oft Mehrspartenhäuser sind, sind aus Kostengründen gezwungen, einzelne Sparten abzuschaffen. Dem fallen oft zuerst die Tanzsparten und Jugendtheater zum Opfer. ⓘ
Kunstform Theater
Als Minimalformel von Theater kann gelten: A spielt (B) und C schaut zu (und beide haben ein Bewusstsein von ihren Rollen als Spieler und Zuschauer). Das bedeutet vor allem: zum Theater gehört ein Publikum. Das Publikum kann in einer Aufführung diese teilweise beeinflussen (Zustimmung und Ablehnung). ⓘ
Theater kann religiös, gesellschaftskritisch, politisch oder auch nur ästhetisch ambitioniert sein. Vor allem ist es eine Sparte der Kunst und deshalb frei. Aufgrund der kollektiven Rezeption und des Live-Charakters von Aufführungen (wegen des transitorischen Elements also) steht Theater in besonderer Nähe zur (realen) Gesellschaft: Es erzählt von Menschen und vom Leben. Die Zuschauer können je nach Inhalt und Darbietung dabei manches wiedererkennen und Neues entdecken. Ein Bühnengeschehen kann bestätigen oder konterkarieren, kann neue Perspektiven eröffnen, den Blick für Alternativen schärfen. Sprachliche Formulierungen, die Figuren und die Gesten der Schauspieler unterliegen hierbei einer ständigen Anpassung an den gesellschaftlichen Kontext. Die Theaterkritik bewegt sich dabei neuerdings oft in dem Spannungsfeld zwischen Werktreue und Regietheater. ⓘ
Theaterbau
Stadttheater, Landesbühnen und Staatstheater sind – architektonisch gesehen – meistens besondere Bauten und werden auch heute noch als architektonische Glanzbauten geplant und gebaut. Besonders herausgefordert werden die Architekten durch den Zwang, raffinierte ästhetische Vorstellungen und praktische Erfordernisse miteinander vereinen zu müssen, bis hin zu dem profanen Umstand, dass ein Theater vor allem auch von der Akustik im Inneren her hohen Ansprüchen genügen und zudem gegen Außenlärm praktisch schalldicht sein soll. ⓘ
Wie alt oder neu Theaterbauten auch sind, sie müssen als Versammlungsstätten strengen Sicherheitsvorschriften genügen. Es gibt mannigfache Auflagen für alle Funktionsbereiche: für die Bühne, den Zuschauerraum (bis hin zur „Bestuhlung“), für das Foyer (die – häufig bewirtete – Begegnungsstätte des Publikums), auch für die Zuschauergarderobe und die Toiletten sowie für alle Verwaltungs- und Werkstätteneinheiten bis hin zu Sozialräumen, Kantine und Arztraum, in dem (womöglich notwendig werdende) Erste Hilfe geleistet werden kann. ⓘ
Worauf in Klein- oder Zimmertheatern (bis maximal 99 Zuschauerplätze) noch verzichtet werden kann, ist in größeren Häusern nicht möglich. Bei jeder größeren Bühne müssen verantwortliche Bühnenmeister angestellt sein; zu jeder Vorstellung müssen je nach Größe des Hauses eine bestimmte Anzahl Feuerwehrleute präsent sein, die vor der Vorstellung die Bühne inspizieren und sich während der Vorstellung unmittelbar an der Bühne aufhalten. In den großen Theatern ist (in Deutschland seit 1889) ein „Eiserner Vorhang“ Pflicht, der im Falle einer Gefahr (Brand) von oben herabgelassen wird und als Schutz-„Wand“ Bühne und Zuschauerraum trennt. Alle Stoffe (Vorhänge) müssen schwer entflammbar sein, alle technischen Geräte müssen den „TÜV“-Standards entsprechen und dürfen nur von ausgebildetem Personal (z. B. von Veranstaltungstechnikern) bedient werden – um nur einige der zahlreichen bau-, brand- und sicherheitstechnischen Auflagen zu erwähnen. ⓘ
Zum modernen Theaterbetrieb gehören aufwändige Licht- und Tonanlagen (beides heute in der Regel computergesteuert), wofür auch nur geschultes Fachpersonal einzusetzen ist. ⓘ
Die großen Häuser haben ausreichend große Seitenbühnen, auf denen die Kulissen und Requisiten für die verschiedenen Szenen des laufenden Stückes „versteckt“ werden können. Die Hinterbühne wird heutzutage in modernen Inszenierungen als willkommene Möglichkeit gesehen, große Tiefe der Spielfläche zu erreichen. Die Oberbühne, der Schnürboden („Bühnen-Himmel“), ist allein schon wegen des Eisernen Vorhangs mindestens ebenso hoch wie die sichtbare Bühne selbst. Dort oben hängt, was beim Umbau der Bühne von einer Szene zur anderen an Vorhängen, Bühnenbildern u. a. mit Hilfe von Seilzügen herabgelassen werden kann. In Bühnennähe findet man die Künstler-Garderoben sowie Handmagazine für den Tagesbedarf an Requisiten und Dekorationen. ⓘ
Neben den ausgedehnten Magazinen, in denen Kulissen und Requisiten aller abgespielten Produktionen und der Repertoirestücke gelagert werden, gibt es auch einen großen Fundus, wo der häufig riesige Bestand (zum Teil schon sehr alter) Kostüme aufbewahrt wird, auf den immer wieder zurückgegriffen werden kann. Im Theaterbau sind auch viele Werkstätten (Malersaal, Schreinerei, Schlosserei, Schneiderei, Maskenbildnerei, Elektrowerkstatt) untergebracht sowie die Büros der Verwaltung. ⓘ
In Opernhäusern und Mehrspartenhäusern sitzt zwischen der ersten Sitzreihe und der Bühnenrampe das Orchester im Orchestergraben, der bei Musicals, Opern und Operetten abgesenkt ist, aber bei Schauspiel-Inszenierungen hoch gefahren wird, wodurch die Bühne nach vorne erweitert wird. Große Häuser haben Drehbühnen. Das erleichtert den Szenenwechsel und ermöglicht ebenso inszenatorische Besonderheiten wie die Möglichkeit, den Bühnenboden in Segmenten hydraulisch absenken oder über das Normalniveau hochfahren zu können. Der Zuschauerraum im Theater ist normalerweise völlig abzudunkeln, was insbesondere zu Beginn einer Vorstellung praktiziert wird, um das Publikum in dieser Phase gleichsam in eine andere Welt zu führen, von dem „Vorher“ wegzubringen. Der dunkle Zuschauerraum ermöglicht auch Blackouts (bei denen durch „Ausschalten“ der Bühnen-Scheinwerfer der gesamte Raum auf einen Schlag dunkel wird). Weil der Zuschauerraum während des Spiels dunkel, die Bühne aber aus Richtung der Zuschauer mit Scheinwerfern ausgeleuchtet ist, sind die Akteure auf der Bühne „geblendet“. Sie sehen das Publikum nicht. Sie spielen gegen die „vierte Wand“, die durch die Helligkeit der En-face-Beleuchtung errichtet wird. ⓘ
Außer der Bühne im Großen Haus haben die großen Theater Probebühnen, Foyerbühnen und Ähnliches. Seit den 60er Jahren des vorigen Jahrhunderts, als Kleinbühnen mit damals neuen Stücken und vielen Experimenten Furore machten, haben die großen Häuser in der Regel auch Studiobühnen, Werkstattbühnen und Podien, die diesen avantgardistischen Konkurrenten äußerlich nachempfunden sind (bis hin zur „offenen“, einsehbaren Technik), und in denen ein „junger“ Spielplan gepflegt wird. ⓘ
Viele Neubauten wenden sich ab von der traditionellen Guckkastenbühne hin zur Raumbühne, Arenabühne und Rundumbühne, um eine andere Zuschauer-Darsteller-Zuordnung zu erreichen (die so neu allerdings auch nicht ist, denkt man etwa an die Shakespeare-Bühne, das „Globe-Theater“). Damit das Geschehen eine direkte Verbindung zum Publikum hat, gehen Bühne und Zuschauerraum architektonisch ineinander über. Es gibt einen (immer mal wieder aufflammenden) Disput unter Theatermachern darüber, ob es nicht dem Wesen des Theaters widerspricht, die Zuschauer rund um eine Bühne zu setzen. Kritiker dieser aus ihrer Sicht nur scheinbar modernen Praxis meinen, dabei entstünde kein (Bühnen-)„Raum“ – das Geheimnis des „Dahinter“, der imaginären anderen, nicht sichtbaren Räume ginge verloren. Es fehle der Zuschauerfokus auf das Geschehen, die Phantasie über das „Dahinter“ werde beschnitten. Man werde zum Beobachter der jeweiligen anderen Besucher, was die Beobachteten an der völligen Konzentration hindere, sie negativ beeinflusse und die Rezeption des Bühnengeschehens mit allen Sinnen unmöglich mache. Beobachtet man das aktuelle Theatergeschehen, stellt man fest: Auch ansonsten frei und unkonventionell arbeitende Theatermacher greifen, was die Zuordnung Bühne / Zuschauerraum angeht, eher wieder zur „alten“ Praxis zurück. ⓘ
Aufbau eines heutigen Theaters
In einem Theater arbeiten Menschen zusammen, die sehr unterschiedliche Berufe haben. Vor allem in den Theatern in öffentlicher Trägerschaft, aber auch in den meisten mit diesen vergleichbaren größeren Privattheatern wird arbeitsteilig „produziert“. Dort dürfen Schauspieler beispielsweise keine technischen Arbeiten verrichten. Von der guten Kooperation der künstlerisch und nichtkünstlerisch Beschäftigten hängt der Erfolg der Theater-Produktionen ab. Es gibt allerdings mehr Theater, in denen solch geteiltes Arbeiten nicht möglich und/oder nicht gewollt ist. ⓘ
Organisatorischer Bereich
Theater in öffentlicher Trägerschaft werden in der Regel künstlerisch vom Intendanten (von der Intendantin) geleitet. Intendanten von Stadttheatern werden zum Beispiel (für eine bestimmte Zeit) vom Rat der Kommune gewählt. Meistens ist ein (beamteter) Verwaltungsdirektor zur Seite gestellt. Die Intendanten-Verträge legen den Aufgabenbereich fest. Dazu gehören Einzelheiten, zum Beispiel ob und wie oft der Intendant (die Intendantin) selbst im eigenen Hause inszeniert, ob und wie viele auswärtige Regie-Arbeiten er/sie übernehmen darf. Es werden auch Rahmenbedingungen festgeschrieben, so die Zahl der (Neu-)Inszenierungen (in den Sparten und Genres) pro Spielzeit und vieles mehr. ⓘ
In enger Zusammenarbeit mit dem Dramaturgen wird für ein bis zwei Jahre im Voraus der komplette Spielplan erstellt. Er ist Grundlage für alle Dispositionen bis hin zum Lösen bisheriger Verträge und zu (Neu-)Verpflichtungen im Bereich künstlerisches Personal. ⓘ
Das Künstlerische Betriebsbüro (KBB) ist Anlaufstelle und Sammelpunkt für den Proben- und Spielbetrieb eines Theaters. Das KBB ist eine organisatorische Einheit, die alle Aufgaben, Personen und Vorgänge koordiniert. ⓘ
Die Presse- und Öffentlichkeitsarbeit ist für die Verbindungen nach „draußen“, zu den Medien und anderen Ansprechpartnern, verantwortlich; sie gibt Pressemitteilungen heraus, sie steuert die Werbung (Plakate, Flyer, Postkarten und Monatsleporello usw.), und es gibt in vielen Häusern Spezialisten für die Zusammenarbeit mit Besucherringen, Schulen, mit dem jungen Publikum und anderen Zielgruppen. Die Arbeit der Marketingabteilungen der Musicalhäuser und anderer Privattheater wird als zentral für den Erfolg des Hauses angesehen. Viele Leiter von Theatern in öffentlicher Trägerschaft setzen eher auf die vermeintliche Attraktivität ihres künstlerischen Angebotes, stehen dem „Verkauf“ ihrer Produkte reserviert gegenüber und verlassen sich auf immer weniger greifende herkömmliche Mittel und Wege beim Bemühen, ihr – oder ein neues – Publikum zu erreichen. ⓘ
Die Verwaltung, zu der auch eine Personalabteilung gehört, plant, kontrolliert und bilanziert alle finanz- und verwaltungstechnischen Vorgänge. Der Etat der öffentlich getragenen Theater wird von den Trägern vorgegeben, inklusive der zu erzielenden Eigeneinnahmen. Dabei wird an einigen Häusern immer noch nach dem kameralistischen System verfahren, viele Theater haben aber bereits auf die Doppik, die aus der Industrie bekannte doppelte Buchführung umgestellt. In der Regel erhalten die Theater Budgets, die einen gewissen Spielraum beim Verwenden der Gelder zulassen, wobei etwa 85 % des Budgets für Personalausgaben gebunden sind. Für die Verwaltung fallen in der Regel etwa 9 % des Budgets an. ⓘ
Künstlerischer Bereich
Im Theater arbeiten viele Künstler und Personen auf und hinter der Bühne:
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Theater und Ökonomie
Öffentliche Trägerschaft
Es gibt in Deutschland rund 140 Theater in öffentlicher Trägerschaft. Diese Häuser werden mit Mitteln aus Landes- und Kommunalhaushalten unterstützt. Die Einnahmen durch Kartenverkauf (Eigenanteil) belaufen sich in diesen Theatern durchschnittlich auf rund 20 Prozent des Gesamtetats. Eine Theaterkarte in Deutschland wird im Durchschnitt mit 95,74 Euro gestützt. Trotz knapper öffentlicher Haushalte halten die Subventionsgeber weitgehend an der öffentlichen Finanzierung der Theater fest; zudem sind sie vor allem beim nichtkünstlerischen Personal als Arbeitgeber an Tarifverträge gebunden. Da aber dennoch die Subventionen in den letzten Jahren eingefroren oder auch gekürzt wurden, suchen die Theater nach anderen Quellen: Mäzene, Sponsoren, Fördervereine und Stiftungen (Kulturstiftung des Bundes). Weiterhin sind in den neuen Ländern viele Theater in Haustarifverträgen, in denen die Gehälter gekürzt sind. Somit finanzieren die Mitarbeiter der Theater ihr Theater selbst mit. ⓘ
Privattheater
Neben den rund 150 öffentlich getragenen Theatern (Stadttheater, Staatstheater und Landesbühnen) gibt es in Deutschland etwa 220 Privattheater. Das sind Theater höchst unterschiedlicher Größe, künstlerischer Ausrichtung, Provenienz und Tradition. Rund 80 dieser Privattheater sind im Deutschen Bühnenverein organisiert (Beispiele: Altes Schauspielhaus, Stuttgart; Ohnsorg-Theater und Schmidt Theater, Hamburg; Komödie am Kurfürstendamm, Berlin; Millowitsch-Theater, Köln; Komödie im Bayerischen Hof, München, Grenzlandtheater Aachen). Es gibt kaum etwas, was für alle Privattheater gleichermaßen gilt, sei es in künstlerischer oder in organisatorisch-verwaltungstechnischer oder in finanzieller Hinsicht. Manche dieser Theater sind größer als Stadt-Theater und haben denselben „Apparat“ (Verwaltung, Werkstätten, große Ensemble), andere Privattheater sind so klein, dass es keinerlei Arbeitsteilung gibt und alle Beteiligten alle Arbeiten machen (müssen). ⓘ
Während für die nichtkünstlerisch Beschäftigten an Stadt- und Staatstheatern die Tarifverträge des öffentlichen Dienstes gelten, arbeiten die künstlerisch Beschäftigten – mit Ausnahme der Orchestermusiker – überwiegend auf der Grundlage von befristeten Arbeitsverträgen. ⓘ
Die Privattheater, die größere Prozentsätze ihrer Finanzmittel aus Eigeneinnahmen erwirtschaften müssen als die öffentlich getragenen Häuser, sind nicht an die Tarife des öffentlichen Dienstes gebunden. Jedoch wenden sie in der Regel den „Normalvertrag (NV) Bühne“ an (vor allem die Häuser, die von der Struktur und der Größe her den Bühnen in öffentlicher Trägerschaft nahekommen) – oder aber sie arbeiten nach individuellen Regelungen (freie Verträge). Meistens können diese weder im künstlerischen noch im nichtkünstlerischen Bereich fest anstellen. Es wird eher mit frei ausgehandelten Gagen pro gespielter Vorstellung gearbeitet. Da in Klein- und Mittelstädten nur wenige Tage pro Woche gespielt werden kann, fallen die Honorare für die Künstler, auf den Monat gerechnet, dort niedrig aus. Auf den Bühnen der größeren Privattheater spielen allerdings regelmäßig die deutschen TV- und Kino-Stars von Mario Adorf und Uwe Ochsenknecht über Heiner Lauterbach bis Judy Winter, Katja Riemann und Désirée Nick. ⓘ
Aus den genannten Gründen finden sich die bekannteren Privattheater in Großstädten, da sich durch das dort vorhandene Zuschauer-Aufkommen sowie Touristen der Betrieb eher rechnet. ⓘ
Während die öffentlich getragenen Häuser in der Spielzeit 2003/04 ein Minus von rund 300.000 Zuschauern hinnehmen mussten, hatten die Privattheater, zu denen auch die Musical-Häuser gehören, einen Besucherzuwachs von rund 500.000 zu verzeichnen. ⓘ
Theaterlandschaft
Theater im deutschen Sprachraum
Das Bild der Theaterlandschaft in Deutschland wird wesentlich durch die rund 140 öffentlich getragenen Theater bestimmt, also durch Stadttheater, Staatstheater und Landesbühnen. Hinzu kommen rund 220 Privattheater und ca. 70 Festspiele, rund 150 Theater- und Spielstätten ohne festes Ensemble und um die 100 Tournee- und Gastspielbühnen ohne festes Haus. Darüber hinaus gibt es noch eine unübersehbare Anzahl freier Gruppen. Die meisten der heutigen Stadttheater entstanden auf private Initiative und wurden auch zunächst als Privattheater geführt. Noch zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es nur 16 Stadttheater in kommunaler Verantwortung, aber es gab 360 Privattheater. ⓘ
In Österreich konzentriert sich das Geschehen auf die Bundestheater (Staatsoper und Volksoper, Burg- und Akademietheater, inklusive Nebenbühnen), die großen Wiener Privattheater, die Vereinigten Bühnen Wien, das Theater der Jugend sowie die Länderbühnen und Stadttheater. Die dortigen Aufführungen wurden 2012/13 von 3,59 Mio. Zuschauern und Zuschauerinnen besucht. Zudem gibt es noch einige private Amateurtheaterbühnen. ⓘ
In Liechtenstein zählen das Theater am Kirchplatz (TaK) in Schaan mit 295 Plätzen, die Nebenspielstätte im TaKino mit 100 Plätzen und die Kleinkunstbühne in Vaduz zu den meistbesuchten Theaterbühnen. ⓘ
Für die Schweiz gibt es keine genauen Zahlen, in Bern, Basel, Zürich und Genf gibt es jedoch eine reiche Theatertradition. ⓘ
Theater in anderen Ländern
Am Broadway gibt es rund 40 Privattheater, wobei diese sich überwiegend auf Musicals spezialisiert haben. In Paris gibt es 208 Theater und Cabarets. ⓘ