Film

Ein Film - auch Film, Motion Picture, Moving Picture, Picture oder Photoplay genannt - ist ein Werk der visuellen Kunst, das Erfahrungen simuliert und auf andere Weise Ideen, Geschichten, Wahrnehmungen, Gefühle, Schönheit oder Atmosphäre durch den Einsatz von bewegten Bildern vermittelt. Diese Bilder werden in der Regel von Ton und seltener von anderen sensorischen Reizen begleitet. Das Wort "Kino", eine Abkürzung für Kinematografie, wird häufig verwendet, um sich auf das Filmemachen und die Filmindustrie sowie auf die Kunstform zu beziehen, die daraus hervorgegangen ist. ⓘ

Das Berliner Varieté Wintergarten wurde zum ersten Kino der Geschichte, als die Skladanowsky-Brüder dort 1895 zum ersten Mal einen Film vor Publikum vorführten. ⓘ

Der Film ist eine Kunstform, die ihren Ausdruck in der auch als Filmen bezeichneten Produktion bewegter Bilder mittels Foto-, Kamera- und Tontechnik findet, bei Stummfilmen war der Ton untergeordnet oder wurde durch unterschiedliche Möglichkeiten versucht. In der Regel werden die Bilder mit einem Filmprojektor im Dunkeln auf eine Bildwand projiziert oder auf einem Bildschirm erzeugt. Heutzutage handelt es sich bei den Filmen des Kinos und des Fernsehens meist um farbige Bilder, die vertont und musikalisch untermalt sind. Der Film ist unter anderem Gegenstand der Filmwissenschaft und der Filmtheorie. Die technische, kulturelle und künstlerische Entwicklung dieses optischen Mediums seit den Anfängen um 1900 ist unter Filmgeschichte ausführlich dargestellt. ⓘ

Aufzeichnung und Übertragung von Filmen

Die bewegten Bilder eines Films entstehen durch das Fotografieren tatsächlicher Szenen mit einer Laufbildkamera, durch das Fotografieren von Zeichnungen oder Miniaturmodellen mit traditionellen Animationstechniken, durch CGI und Computeranimation oder durch eine Kombination einiger oder aller dieser Techniken und anderer visueller Effekte. ⓘ

Vor der Einführung der digitalen Produktion wurden Serien von Standbildern auf einem Streifen chemisch sensibilisierten Zelluloids (fotografisches Filmmaterial) aufgezeichnet, in der Regel mit einer Geschwindigkeit von 24 Bildern pro Sekunde. Die Bilder werden mit der gleichen Geschwindigkeit, mit der sie aufgenommen wurden, durch einen Filmprojektor übertragen, wobei ein Genfer Antrieb dafür sorgt, dass jedes Bild während seiner kurzen Projektionszeit stillsteht. Ein rotierender Shutter sorgt für stroboskopische Intervalle der Dunkelheit, aber der Zuschauer bemerkt die Unterbrechungen aufgrund der Flimmerverschmelzung nicht. Die scheinbare Bewegung auf der Leinwand entsteht dadurch, dass der visuelle Sinn die einzelnen Bilder bei hohen Geschwindigkeiten nicht mehr wahrnehmen kann, so dass sich die Bildeindrücke mit den Dunkelintervallen vermischen und so die Illusion eines einzigen bewegten Bildes entsteht. Eine analoge optische Tonspur (eine grafische Aufzeichnung des gesprochenen Wortes, der Musik und anderer Geräusche) läuft entlang eines Teils des Films, der ausschließlich dafür reserviert ist, und wurde nicht projiziert. ⓘ

Zeitgenössische Filme sind in der Regel während des gesamten Prozesses der Produktion, des Vertriebs und der Vorführung vollständig digital. ⓘ

Etymologie

Der Name "Film" bezog sich ursprünglich auf die dünne Schicht einer fotochemischen Emulsion auf dem Zelluloidstreifen, der früher das eigentliche Medium für die Aufzeichnung und Wiedergabe von Filmen war. ⓘ

Es gibt viele andere Bezeichnungen für einen einzelnen Kinofilm, darunter Picture, Picture Show, Moving Picture, Photoplay und Flick. Der gebräuchlichste Begriff in den Vereinigten Staaten ist movie, während in Europa film bevorzugt wird. Zu den archaischen Begriffen gehören "animierte Bilder" und "animierte Fotografie". ⓘ

Zu den gebräuchlichen Begriffen für das Feld im Allgemeinen gehören die große Leinwand, die Silberleinwand, die Filme und das Kino; der letzte dieser Begriffe wird häufig als übergreifender Begriff in wissenschaftlichen Texten und kritischen Aufsätzen verwendet. In den Anfangsjahren wurde manchmal auch das Wort Blatt anstelle von Leinwand verwendet. ⓘ

Geschichte

Vorläufer

Die Filmkunst hat auf mehrere frühere Traditionen in Bereichen wie der mündlichen Erzählung, der Literatur, dem Theater und der bildenden Kunst zurückgegriffen. Zu den Kunst- und Unterhaltungsformen, in denen bereits bewegte und/oder projizierte Bilder verwendet wurden, gehören

• die Schattengrafie, die wahrscheinlich seit prähistorischen Zeiten verwendet wurde
• die Camera obscura, ein Naturphänomen, das möglicherweise seit prähistorischen Zeiten als künstlerisches Hilfsmittel genutzt wurde
• das Schattenspiel, das möglicherweise um 200 v. Chr. in Zentralasien, Indien, Indonesien oder China entstanden ist
• Die Laterna magica, entwickelt in den 1650er Jahren. Die multimedialen Phantasmagorie-Shows, bei denen die Laterna magica zum Einsatz kam, waren ab 1790 und in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts sehr beliebt und konnten mechanische Dias, Rückprojektionen, mobile Projektoren, Überlagerungen, Überblendungen, lebende Schauspieler, Rauch (manchmal zur Projektion von Bildern), Gerüche, Geräusche und sogar Elektroschocks beinhalten. ⓘ

Vor dem Zelluloid

Animiertes GIF von Prof. Stampfer's Stroboscopische Scheibe No. X (Trentsensky & Vieweg 1833) ⓘ

Das Prinzip der stroboskopischen Animation wurde 1833 mit der stroboskopischen Scheibe (besser bekannt als Phénakisticope) eingeführt und später im Zoetrop (seit 1866), im Daumenkino (seit 1868) und im Praxinoskop (seit 1877) angewandt, bevor es zum Grundprinzip der Kinematografie wurde. ⓘ

Experimente mit frühen Animationsprojektoren auf der Basis von Phénakisticope wurden mindestens seit 1843 durchgeführt und 1847 öffentlich vorgeführt. Jules Duboscq vermarktete Phénakisticope-Projektionssysteme in Frankreich von ca. 1853 bis in die 1890er Jahre. ⓘ

Die Fotografie wurde 1839 eingeführt, aber anfangs benötigten die Fotoemulsionen so lange Belichtungszeiten, dass die Aufnahme von sich bewegenden Motiven unmöglich schien. Mindestens seit 1844 wurden fotografische Serien von Personen in verschiedenen Positionen erstellt, um entweder einen Bewegungsablauf zu suggerieren oder um verschiedene Blickwinkel zu dokumentieren. Das Aufkommen der stereoskopischen Fotografie, mit der in den 1840er Jahren erste Versuche unternommen wurden und die seit den frühen 1850er Jahren kommerziell erfolgreich war, weckte das Interesse an einer Vervollständigung des fotografischen Mediums durch die Aufnahme von Farbe und Bewegung. 1849 veröffentlichte Joseph Plateau die Idee, seine Erfindung des Phénakisticope mit dem Stereoskop zu kombinieren, wie es ihm vom Erfinder des Stereoskops Charles Wheatstone vorgeschlagen worden war, und Fotos von Gipsskulpturen in verschiedenen Positionen zu verwenden, die in dem kombinierten Gerät animiert werden sollten. 1852 ließ Jules Duboscq ein solches Instrument als "Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope" patentieren, vermarktete es aber nur sehr kurz und ohne Erfolg. Eine Bïoscope-Scheibe mit stereoskopischen Aufnahmen einer Maschine befindet sich in der Plateau-Sammlung der Universität Gent, aber es wurden noch keine Instrumente oder andere Scheiben gefunden. ⓘ

Eine Animation der retuschierten Karte von Sallie Garner aus der Serie The Horse in Motion (1878-1879) von Muybridge ⓘ

In den späten 1850er Jahren gab es erste Beispiele für die Sofortbildfotografie, die hoffen ließen, dass die Bewegungsfotografie bald möglich sein würde, aber es dauerte noch einige Jahrzehnte, bis es gelang, sie mit einer Methode zur Aufzeichnung von Serienbildern in Echtzeit zu kombinieren. Im Jahr 1878 gelang es Eadweard Muybridge schließlich, mit einer Batterie von Kameras, die in einer Reihe entlang der Rennbahn aufgestellt waren, eine Reihe von Aufnahmen eines laufenden Pferdes zu machen und die Ergebnisse als The Horse in Motion auf Kabinettkarten zu veröffentlichen. Muybridge, aber auch Étienne-Jules Marey, Ottomar Anschütz und viele andere sollten noch viele weitere chronophotographische Studien erstellen. Muybridge ließ die Konturen von Dutzenden seiner chronophotographischen Serien auf Glasscheiben nachzeichnen und projizierte sie mit seinem Zoopraxiskop in seinen Vorlesungen von 1880 bis 1895. Anschütz entwickelte 1887 sein eigenes Elektrotachyskop, mit dem er 24 fotografische Diapositivbilder als bewegte Bilder auf Glasscheiben projizierte, die in einer Schleife so lange abgespielt wurden, wie es für das Publikum interessant war. ⓘ

Pauvre Pierrot (1892) übermalter Clip ⓘ

Émile Reynaud erwähnte bereits in seiner Patentanmeldung von 1877 die Möglichkeit, die Bilder des Praxinoskops zu projizieren. Am 4. Juni 1880 stellte er auf der Société française de photographie ein Praxinoskop-Projektionsgerät vor, brachte sein Praxinoskop aber erst 1882 auf den Markt. Anschließend entwickelte er das Gerät zum Théâtre Optique weiter, das längere Sequenzen mit separaten Hintergründen projizieren konnte und 1888 patentiert wurde. Er schuf mehrere Filme für das Gerät, indem er Bilder auf Hunderte von Gelatineplatten malte, die in Papprahmen montiert und an einem Stoffband befestigt wurden. Vom 28. Oktober 1892 bis März 1900 gab Reynaud im Pariser Musée Grévin mehr als 12.800 Vorführungen für insgesamt über 500.000 Besucher. ⓘ

Erste bewegte Bilder

Ein Bild aus Roundhay Garden Scene, dem weltweit ersten erhaltenen Film, der mit einer Laufbildkamera hergestellt wurde, von Louis Le Prince, 1888 ⓘ

Ende der 1880er Jahre ermöglichten die Einführung von langen Zelluloid-Fotofilmen und die Erfindung von Laufbildkameras, die mit nur einem Objektiv eine schnelle Bildfolge aufnehmen konnten, das Einfangen und Speichern von Ereignissen auf einer einzigen kompakten Filmspule. ⓘ

Zunächst wurden Filme mit Hilfe von "Peepshow"-Geräten wie dem Elektrotachyskop, dem Kinetoskop und dem Mutoskop jeweils nur einer Person vorgeführt. Wenig später gelang es den Kinobetreibern, Filme auf große Leinwände für das Theaterpublikum zu projizieren. ⓘ

Die ersten öffentlichen Vorführungen von Filmen, für die Eintritt verlangt wurde, wurden 1895 von dem Amerikaner Woodville Latham und seinen Söhnen mit Filmen ihrer Firma Eidoloscope und von den - wohl bekannteren - französischen Brüdern Auguste und Louis Lumière mit zehn eigenen Produktionen durchgeführt. Die privaten Vorführungen waren diesen um einige Monate vorausgegangen, wobei die von Latham etwas früher stattfand als die der Brüder Lumière. ⓘ

Frühe Entwicklung

Eine berühmte Aufnahme aus Georges Méliès Le Voyage dans la Lune (Eine Reise zum Mond) (1902), einem frühen Erzählfilm und auch einem frühen Science-Fiction-Film. ⓘ

Die ersten Filme bestanden aus einer einzigen statischen Aufnahme, die ein Ereignis oder eine Handlung ohne Schnitt oder andere filmische Techniken zeigte. Typische Filme zeigten Angestellte, die ein Werkstor verließen, Menschen, die auf der Straße spazieren gingen, oder den Blick von der Vorderseite eines Trollys, der die Hauptstraße einer Stadt befuhr. Die Legende besagt, dass das Publikum in Panik geriet und aus dem Kino rannte, wenn ein Film eine Lokomotive zeigte, die sich mit hoher Geschwindigkeit dem Publikum näherte. Um die Wende zum 20. Jahrhundert begannen Filme, mehrere Szenen aneinander zu reihen, um eine Geschichte zu erzählen. (Die Filmemacher, die als erste mehrere Aufnahmen oder Szenen aneinanderreihten, entdeckten, dass, wenn eine Aufnahme auf eine andere folgt, diese Handlung in den Köpfen der Zuschauer eine Beziehung zwischen den Inhalten der einzelnen Aufnahmen herstellt. Diese Beziehung macht das Erzählen von Filmgeschichten überhaupt erst möglich. Ein einfaches Beispiel: Wenn eine Person gezeigt wird, die aus einem Fenster schaut, wird das, was in der nächsten Einstellung zu sehen ist, als der Blick der Person angesehen). Jede Szene bestand aus einer einzigen unbewegten Aufnahme, vor der die Handlung stattfand. Später wurden die Szenen in mehrere Aufnahmen aufgeteilt, die aus unterschiedlichen Entfernungen und Winkeln aufgenommen wurden. Andere Techniken wie Kamerabewegungen wurden entwickelt, um mit dem Film eine Geschichte zu erzählen. Bis der Tonfilm in den späten 1920er Jahren kommerziell nutzbar wurde, waren Kinofilme eine rein visuelle Kunst, aber diese innovativen Stummfilme hatten die Vorstellungskraft der Öffentlichkeit erobert. Anstatt dem Publikum nur das Geräusch des Projektors als Begleitung zu überlassen, engagierten die Kinobesitzer einen Pianisten oder Organisten oder, in großen städtischen Theatern, ein ganzes Orchester, um Musik zu spielen, die zur jeweiligen Stimmung des Films passte. Anfang der 1920er Jahre wurden die meisten Filme mit einer vorbereiteten Liste von Notenblättern geliefert, die zu diesem Zweck verwendet werden konnten, und für große Produktionen wurden komplette Filmmusiken komponiert. ⓘ

Ein Ausschnitt aus dem Stummfilm The Bond von Charlie Chaplin (1918) ⓘ

Die Entwicklung des europäischen Kinos wurde durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs unterbrochen, während die Filmindustrie in den Vereinigten Staaten mit dem Aufstieg Hollywoods aufblühte, wofür vor allem die innovativen Arbeiten von D. W. Griffith in The Birth of a Nation (1915) und Intolerance (1916) stehen. In den 1920er Jahren holten jedoch europäische Filmemacher wie Eisenstein, F. W. Murnau und Fritz Lang, die in vielerlei Hinsicht durch den kometenhaften Aufstieg des Films in der Kriegszeit durch Griffith sowie durch die Beiträge von Charles Chaplin, Buster Keaton und anderen inspiriert wurden, das amerikanische Filmschaffen schnell ein und trieben das Medium weiter voran. ⓘ

Ton

In den 1920er Jahren ermöglichte die Entwicklung elektronischer Tonaufnahmetechniken die Einbindung einer Tonspur mit Sprache, Musik und Soundeffekten, die mit der Handlung auf der Leinwand synchronisiert wurde. Die daraus resultierenden Tonfilme wurden zunächst als "talking pictures" oder "talkies" von den üblichen stummen "moving pictures" oder "movies" unterschieden. Die Revolution, die sie auslösten, ging schnell vonstatten. Um 1930 war der Stummfilm in den USA praktisch ausgestorben und wurde bereits als "das alte Medium" bezeichnet. ⓘ

Farbe

Eine weitere wichtige technologische Entwicklung war die Einführung von "natürlichen Farben", d. h. von Farben, die fotografisch von der Natur aufgenommen und nicht durch Handfärbung, Schablonenfärbung oder andere willkürliche Verfahren zu Schwarzweißkopien hinzugefügt wurden, obwohl die ersten Verfahren in der Regel Farben ergaben, die alles andere als "natürlich" aussahen. Während das Aufkommen des Tonfilms den Stummfilm und die Theatermusiker schnell überflüssig machte, verdrängte die Farbe das Schwarz-Weiß sehr viel langsamer. Die entscheidende Neuerung war die Einführung der Drei-Streifen-Version des Technicolor-Verfahrens, das 1932 zunächst für Zeichentrickfilme, dann auch für Live-Action-Kurzfilme und einzelne Sequenzen in einigen Spielfilmen und schließlich 1935 für einen ganzen Spielfilm, Becky Sharp, eingesetzt wurde. Die Kosten für dieses Verfahren waren abschreckend, aber die positive Resonanz des Publikums in Form von höheren Einnahmen an den Kinokassen rechtfertigte in der Regel die zusätzlichen Kosten. Die Zahl der in Farbe gedrehten Filme nahm Jahr für Jahr langsam zu. ⓘ

1950er Jahre: Wachsender Einfluss des Fernsehens

In den frühen 1950er Jahren begann die Verbreitung des Schwarz-Weiß-Fernsehens die Besucherzahlen in den nordamerikanischen Kinos ernsthaft zu beeinträchtigen. Um das Publikum wieder in die Kinos zu locken, wurden größere Leinwände installiert, Breitbildverfahren, polarisierte 3D-Projektion und stereophoner Ton eingeführt, und es wurden mehr Filme in Farbe gedreht, was bald eher die Regel als die Ausnahme war. Einige wichtige Hollywood-Filme wurden noch bis Mitte der 1960er Jahre in Schwarz-Weiß gedreht, aber sie markierten das Ende einer Ära. Farbfernsehempfänger gab es in den USA bereits seit Mitte der 1950er Jahre, doch waren sie zunächst sehr teuer und nur wenige Sendungen wurden in Farbe ausgestrahlt. In den 1960er Jahren sanken die Preise allmählich, Farbsendungen wurden üblich, und der Verkauf boomte. Das überwältigende öffentliche Urteil zugunsten der Farbe war eindeutig. Nachdem Mitte des Jahrzehnts die letzten Schwarz-Weiß-Filme auf den Markt gekommen waren, wurden alle Hollywood-Studioproduktionen in Farbe gedreht, mit den üblichen Ausnahmen, die nur auf Drängen von "Star"-Filmemachern wie Peter Bogdanovich und Martin Scorsese gemacht wurden. ⓘ

1960er Jahre und später

Salah Zulfikar, einer der beliebtesten Schauspieler im goldenen Zeitalter des ägyptischen Kinos ⓘ

In den Jahrzehnten nach dem Niedergang des Studiosystems in den 1960er Jahren kam es zu Veränderungen in der Produktion und im Stil des Films. Verschiedene New-Wave-Bewegungen (u. a. die Französische Neue Welle, die Indische Neue Welle, die Japanische Neue Welle, das Neue Hollywood und die Ägyptische Neue Welle) und der Aufstieg der an Filmschulen ausgebildeten unabhängigen Filmemacher trugen zu den Veränderungen bei, die das Medium in der zweiten Hälfte des 20. Die Digitaltechnik war die treibende Kraft für den Wandel in den 1990er und in den 2000er Jahren. Die digitale 3D-Projektion hat frühere, problematische 3D-Filmsysteme weitgehend ersetzt und ist in den frühen 2010er Jahren populär geworden. ⓘ

Filmtheorie

Diese 16-mm-Spiegelreflexkamera mit Federaufzug (Bolex "H16") ist eine beliebte Einstiegskamera, die in Filmschulen verwendet wird. ⓘ

Die "Filmtheorie" versucht, prägnante und systematische Konzepte zu entwickeln, die für das Studium des Films als Kunst gelten. Das Konzept des Films als Kunstform begann 1911 mit Ricciotto Canudos Manifest The Birth of the Sixth Art. Die Moskauer Filmschule, die älteste Filmschule der Welt, wurde 1919 gegründet, um über Filmtheorie zu lehren und zu forschen. Die formalistische Filmtheorie, angeführt von Rudolf Arnheim, Béla Balázs und Siegfried Kracauer, betonte, dass sich der Film von der Realität unterscheide und daher als gültige bildende Kunst angesehen werden könne. André Bazin wandte sich gegen diese Theorie, indem er argumentierte, dass das künstlerische Wesen des Films in seiner Fähigkeit liege, die Realität mechanisch zu reproduzieren, und nicht in seiner Abweichung von der Realität, woraus sich die realistische Theorie entwickelte. Neuere Analysen, die unter anderem durch die Psychoanalyse von Jacques Lacan und die Semiotik von Ferdinand de Saussure angeregt wurden, haben die psychoanalytische Filmtheorie, die strukturalistische Filmtheorie, die feministische Filmtheorie und andere hervorgebracht. Auf der anderen Seite versuchen Kritiker aus der Tradition der analytischen Philosophie, die von Wittgenstein beeinflusst sind, die in theoretischen Studien verwendeten Missverständnisse zu klären und eine Analyse des Vokabulars eines Films und seiner Verbindung zu einer Lebensform zu erstellen. ⓘ

Sprache

Dem Film wird eine eigene Sprache zugeschrieben. James Monaco hat einen klassischen Text über Filmtheorie mit dem Titel "How to Read a Film" geschrieben, der sich mit diesem Thema beschäftigt. Der berühmte Regisseur Ingmar Bergman sagte: "Andrej Tarkowskij ist für mich der größte Regisseur, der eine neue Sprache erfunden hat, die dem Wesen des Films entspricht, weil sie das Leben als Spiegelbild, das Leben als Traum einfängt." Ein Beispiel für diese Sprache ist eine Abfolge von Hin- und Herbildern des linken Profils eines sprechenden Schauspielers, gefolgt vom rechten Profil eines anderen sprechenden Schauspielers und einer Wiederholung dieser Bilder, die vom Publikum als Hinweis auf ein Gespräch verstanden werden. Dies beschreibt eine andere Theorie des Films, die 180-Grad-Regel, als visuelles Erzählmittel mit der Fähigkeit, den Betrachter durch den Einsatz von Bildkomposition und Schnitt in einen psychologischen Kontext zu versetzen. Der "Hollywood-Stil" beinhaltet diese Erzähltheorie, da die Filmstudios in Hollywood, Kalifornien, während der klassischen Ära des Films diese Regel ausgiebig praktizierten. Ein weiteres Beispiel für die Filmsprache ist eine Einstellung, die auf die Stirn eines Schauspielers mit dem Ausdruck stiller Reflexion zoomt und dann auf eine Aufnahme eines jüngeren Schauspielers übergeht, der dem ersten Schauspieler vage ähnelt, was darauf hindeutet, dass sich die erste Person an ein vergangenes Ich erinnert, ein Schnitt der Kompositionen, der einen Zeitübergang bewirkt. ⓘ

Montage

Montage ist die Technik, bei der einzelne Filmteile ausgewählt, bearbeitet und dann zu einem neuen Filmabschnitt zusammengefügt werden. Eine Szene könnte zeigen, wie ein Mann in den Kampf zieht, mit Rückblenden auf seine Jugend und sein Privatleben und mit zusätzlichen Spezialeffekten, die nach Abschluss der Dreharbeiten in den Film eingefügt werden. Da alle diese Szenen separat und vielleicht mit verschiedenen Schauspielern gefilmt wurden, wird die endgültige Fassung als Montage bezeichnet. Regisseure entwickelten eine Theorie der Montage, beginnend mit Eisenstein und der komplexen Aneinanderreihung von Bildern in seinem Film Panzerkreuzer Potemkin. Die Einbeziehung von musikalischen und visuellen Kontrapunkten und die Entwicklung von Szenen durch Mise en Scene, Schnitt und Effekte haben zu komplexeren Techniken geführt, die mit denen in Oper und Ballett vergleichbar sind. ⓘ

Filmkritik

Wenn ein Film in der Lage ist, das Leben anderer Menschen zu beleuchten, die diesen Planeten mit uns teilen, und uns nicht nur zu zeigen, wie unterschiedlich sie sind, sondern auch, dass sie dieselben Träume und Schmerzen teilen, dann verdient er es, großartig genannt zu werden.

- Roger Ebert (1986) ⓘ

Filmkritik ist die Analyse und Bewertung von Filmen. Im Allgemeinen lassen sich diese Arbeiten in zwei Kategorien unterteilen: akademische Kritiken von Filmwissenschaftlern und journalistische Filmkritiken, die regelmäßig in Zeitungen und anderen Medien erscheinen. Filmkritiker, die für Zeitungen, Zeitschriften und Rundfunkmedien arbeiten, rezensieren hauptsächlich Neuerscheinungen. Normalerweise sehen sie einen Film nur einmal und haben nur ein oder zwei Tage Zeit, um ihre Meinung zu formulieren. Trotzdem haben Kritiker einen großen Einfluss auf die Publikumsresonanz und die Besucherzahlen von Filmen, insbesondere von Filmen bestimmter Genres. Action-, Horror- und Komödienfilme, die für den Massenmarkt bestimmt sind, werden in der Regel durch das Gesamturteil eines Kritikers über einen Film nicht stark beeinflusst. Die Zusammenfassung und Beschreibung der Handlung eines Films und die Bewertung der Arbeit des Regisseurs und der Drehbuchautoren, die den Großteil der meisten Filmkritiken ausmachen, können dennoch einen wichtigen Einfluss darauf haben, ob sich die Menschen für den Besuch eines Films entscheiden. Bei prestigeträchtigen Filmen wie den meisten Dramen und Kunstfilmen ist der Einfluss der Kritiken sehr groß. Schlechte Kritiken von führenden Kritikern großer Zeitungen und Zeitschriften verringern oft das Interesse des Publikums und die Besucherzahlen. ⓘ

Der Einfluss eines Kritikers auf das Einspielergebnis eines bestimmten Films ist umstritten. Einige Beobachter behaupten, dass das Filmmarketing in den 2000er Jahren so intensiv, gut koordiniert und gut finanziert ist, dass Kritiker einen schlecht geschriebenen oder gefilmten Blockbuster nicht am Markterfolg hindern können. Der katastrophale Misserfolg einiger stark beworbener Filme, die schlecht rezensiert wurden, sowie der unerwartete Erfolg von von der Kritik gelobten unabhängigen Filmen zeigt jedoch, dass extreme kritische Reaktionen erheblichen Einfluss haben können. Andere Beobachter stellen fest, dass positive Filmkritiken nachweislich das Interesse an wenig bekannten Filmen wecken. Umgekehrt gab es mehrere Filme, in die die Filmgesellschaften so wenig Vertrauen hatten, dass sie sich weigerten, den Kritikern eine Vorabbesichtigung zu gewähren, um zu verhindern, dass der Film auf breiter Front verrissen wird. Dies geht jedoch in der Regel nach hinten los, da die Kritiker diese Taktik durchschauen und die Öffentlichkeit warnen, dass der Film möglicherweise nicht sehenswert ist, und die Filme infolgedessen oft schlecht abschneiden. Journalistische Filmkritiker werden manchmal auch als Filmkritiker bezeichnet. Kritiker, die einen eher akademischen Ansatz zu Filmen verfolgen, indem sie in Filmzeitschriften veröffentlichen und Bücher über Filme schreiben und dabei filmtheoretische oder filmwissenschaftliche Ansätze verwenden, untersuchen, wie Filme und Filmtechniken funktionieren und welche Wirkung sie auf Menschen haben. Ihre Kritiken werden nicht in Zeitungen oder im Fernsehen veröffentlicht, sondern in Fachzeitschriften oder gehobenen Magazinen. In der Regel sind sie auch als Professoren oder Dozenten an Hochschulen oder Universitäten tätig. ⓘ

Branche

Das 1912 gegründete Studio Babelsberg bei Berlin war das erste große Filmstudio der Welt und der Vorläufer von Hollywood. Noch immer werden dort jedes Jahr Weltbestseller produziert. ⓘ

Die Herstellung und Vorführung von Kinofilmen wurde fast unmittelbar nach der Erfindung des Verfahrens zu einer Quelle des Profits. Als die Lumières sahen, wie erfolgreich ihre neue Erfindung und ihr Produkt in ihrem Heimatland Frankreich waren, machten sie sich schnell daran, den Kontinent zu bereisen, um die ersten Filme privat für Könige und öffentlich für die Massen vorzuführen. In jedem Land fügten sie ihrem Katalog normalerweise neue, lokale Szenen hinzu und fanden in den verschiedenen Ländern Europas schnell lokale Unternehmer, die ihre Ausrüstung kauften und zusätzliche Produkte fotografierten, exportierten, importierten und kommerziell vorführten. Die Oberammergauer Passionsspiele von 1898 waren der erste kommerzielle Kinofilm, der jemals produziert wurde. Bald folgten weitere Filme, und der Kinofilm entwickelte sich zu einer eigenständigen Industrie, die das Varieté in den Schatten stellte. Speziell für die Produktion und den Vertrieb von Filmen wurden eigene Theater und Unternehmen gegründet, während Filmschauspieler zu großen Berühmtheiten wurden und hohe Gagen für ihre Auftritte erhielten. Im Jahr 1917 hatte Charlie Chaplin einen Vertrag, der eine jährliche Gage von einer Million Dollar vorsah. Von 1931 bis 1956 war der Film auch das einzige Bildspeicher- und Wiedergabesystem für Fernsehprogramme, bis die Videokassettenrekorder eingeführt wurden. ⓘ

In den Vereinigten Staaten ist ein Großteil der Filmindustrie in Hollywood, Kalifornien, angesiedelt. Andere regionale Zentren gibt es in vielen Teilen der Welt, wie z. B. das in Mumbai beheimatete Bollywood, das Hindi-Kino der indischen Filmindustrie, das die meisten Filme der Welt produziert. Obwohl die mit der Herstellung von Filmen verbundenen Kosten dazu geführt haben, dass sich die Filmproduktion auf die Filmstudios konzentriert, haben die jüngsten Fortschritte bei erschwinglichen Filmausrüstungen dazu geführt, dass unabhängige Filmproduktionen florieren. ⓘ

Da das Filmemachen kostspielig und risikoreich ist, spielt der Profit in der Branche eine wichtige Rolle; viele Filme haben große Kostenüberschreitungen, wie zum Beispiel Kevin Costners Waterworld. Dennoch streben viele Filmemacher danach, Werke von bleibender gesellschaftlicher Bedeutung zu schaffen. Die Academy Awards (auch bekannt als "die Oscars") sind die wichtigsten Filmpreise in den Vereinigten Staaten, mit denen jedes Jahr Filme auf der Grundlage ihrer künstlerischen Leistungen ausgezeichnet werden. Es gibt auch eine große Industrie für Bildungs- und Lehrfilme, die anstelle von oder zusätzlich zu Vorträgen und Texten produziert werden. Die Einnahmen in dieser Branche sind manchmal unbeständig, da sie von Blockbuster-Filmen abhängen, die in den Kinos gezeigt werden. Der Aufstieg der alternativen Heimunterhaltung hat Fragen über die Zukunft der Filmindustrie aufgeworfen, und die Beschäftigung in Hollywood ist unzuverlässiger geworden, insbesondere bei Filmen mit mittlerem und niedrigem Budget. ⓘ

Die Filmkunst erfordert ein Zusammenwirken verschiedener kreativer und künstlerischer Fähigkeiten, unter anderem in den Bereichen Dramaturgie, Schauspielkunst, Fotografie (Lichtgestaltung, Kadrage bzw. Bildausschnitt, Filmschnitt und Tongestaltung). Die an einem Film maßgeblich beteiligten Personen werden als Stab bezeichnet. Aufgrund der hohen Aufwendungen für einen Film werden im Allgemeinen auch immer wirtschaftliche Fragestellungen berücksichtigt. In Europa sind Spielfilme in der Regel auf Filmförderungen angewiesen. ⓘ

Die Phasen einer typischen Filmproduktion sind:

1. Projektentwicklung
2. Vorproduktion
3. Dreharbeiten
4. Postproduktion
5. Filmverwertung ⓘ

Assoziierte Bereiche

Abgeleitete akademische Studienbereiche können sowohl mit dem Filmemachen interagieren als auch sich unabhängig davon entwickeln, wie z. B. die Filmtheorie und -analyse. Es sind akademische Fachgebiete entstanden, die sich vom Film ableiten oder von ihm abhängig sind, wie z. B. die Filmkritik, die Filmgeschichte, die Einteilung der Filmpropaganda in autoritären Regierungen oder die Psychologie der unterschwelligen Effekte (z. B. einer blinkenden Getränkedose während einer Vorführung). Aus diesen Bereichen können weitere abgeleitete Bereiche hervorgehen, wie z. B. ein Filmkritikteil in einer Zeitung oder eine Fernsehzeitschrift. Aus dem Film können sich Unterindustrien entwickeln, wie z. B. Popcorn-Maschinen und filmbezogenes Spielzeug (z. B. Star-Wars-Figuren). Unterindustrien bereits bestehender Industrien können sich speziell mit dem Film befassen, z. B. Produktplatzierung und andere Werbung in Filmen. ⓘ

Terminologie

Die Terminologie zur Beschreibung von Kinofilmen unterscheidet sich erheblich zwischen dem britischen und dem amerikanischen Englisch. Im britischen Sprachgebrauch lautet der Name des Mediums "film". Das Wort "movie" wird zwar verstanden, aber nur selten verwendet. Darüber hinaus wird halbwegs häufig "the pictures" (Plural) verwendet, um den Ort zu bezeichnen, an dem Filme gezeigt werden, während es im amerikanischen Englisch "the movies" heißen kann, was jedoch nicht mehr zeitgemäß ist. In anderen Ländern kann der Ort, an dem Filme gezeigt werden, als Kino oder Filmtheater bezeichnet werden. In den Vereinigten Staaten hingegen ist "movie" die vorherrschende Form. Obwohl die Begriffe "Film" und "Movie" manchmal synonym verwendet werden, wird der Begriff "Film" häufiger verwendet, wenn es um künstlerische, theoretische oder technische Aspekte geht. Der Begriff "Kino" bezieht sich eher auf Unterhaltungs- oder kommerzielle Aspekte, wie z. B. die Frage, wohin man für einen unterhaltsamen Abend bei einem Date geht. Ein Buch mit dem Titel "How to Understand a Film" (Wie man einen Film versteht) würde sich wahrscheinlich mit der Ästhetik oder Theorie des Films befassen, während ein Buch mit dem Titel "Let's Go to the Movies" (Gehen wir ins Kino) sich wahrscheinlich mit der Geschichte von Unterhaltungsfilmen und Blockbustern befassen würde. ⓘ

Zur Unterscheidung verschiedener Formen und Medien, die in der Filmindustrie verwendet werden, werden weitere Begriffe verwendet. "Spielfilme" und "bewegte Bilder" sind häufig verwendete Begriffe für Film- und Kinoproduktionen, die speziell für die Vorführung in Kinos bestimmt sind, wie z. B. Star Wars. "DVD" und "Videoband" sind Videoformate, die einen fotochemischen Film reproduzieren können. Eine darauf basierende Reproduktion wird als "Übertragung" bezeichnet. Nach dem Aufkommen des Kinofilms als Industriezweig begann die Fernsehindustrie, Videobänder als Aufzeichnungsmedium zu verwenden. Viele Jahrzehnte lang war das Tonband ein rein analoges Medium, auf das bewegte Bilder aufgezeichnet oder übertragen werden konnten. Die Begriffe "Film" und "Filmen" beziehen sich auf das fotochemische Medium, das ein visuelles Bild chemisch aufzeichnet, bzw. auf den Vorgang der Aufnahme. Das Aufnehmen von Bildern mit anderen visuellen Medien, z. B. mit einer Digitalkamera, wird jedoch nach wie vor als "Filmen" bezeichnet, und die daraus resultierenden Werke werden oft als "Filme" bezeichnet, obwohl sie nicht auf Film aufgenommen wurden. "Stummfilme" müssen nicht völlig stumm sein, sondern sind Filme und Spielfilme ohne hörbaren Dialog, einschließlich solcher mit Musikbegleitung. Der Begriff "Tonfilm" bezieht sich auf die ersten Tonfilme, die unabhängig von einer musikalischen Untermalung einen hörbaren Dialog aufweisen, der zusammen mit dem Film abgespielt wird. Der Begriff "Kino" umfasst entweder im weitesten Sinne sowohl Filme als auch Spielfilme, oder er ist in etwa ein Synonym für Film und Theateraufführung, und beide werden großgeschrieben, wenn sie sich auf eine Kunstkategorie beziehen. Die "Silberleinwand" bezieht sich auf die Projektionsfläche, auf der Filme gezeigt werden, und wird im weiteren Sinne auch als Metonym für die gesamte Filmindustrie verwendet. ⓘ

"Widescreen" bezieht sich auf ein größeres Verhältnis von Breite zu Höhe im Bild, verglichen mit früheren historischen Seitenverhältnissen. Ein "abendfüllender Film" oder "Spielfilm" hat eine herkömmliche volle Länge, in der Regel 60 Minuten oder mehr, und kann kommerziell ohne andere Filme in einer Vorführung mit Eintrittskarte allein stehen. Ein "Kurzfilm" ist ein Film, der nicht so lang wie ein abendfüllender Film ist und oft zusammen mit anderen Kurzfilmen oder vor einem abendfüllenden Film gezeigt wird. Ein "Independent" ist ein Film, der außerhalb der konventionellen Filmindustrie hergestellt wird. ⓘ

Im amerikanischen Sprachgebrauch spricht man von einer "Vorführung" oder "Projektion" eines Films oder Videos auf einer Leinwand in einem öffentlichen oder privaten "Theater". Im britischen Englisch findet eine "Filmvorführung" in einem Kino statt (niemals in einem "Theater", das ein völlig anderes Medium und einen anderen Ort darstellt). Ein Kino bezieht sich in der Regel auf einen Raum, der speziell für die Vorführung von Filmen konzipiert ist und in dem die Leinwand an einer Wand befestigt ist, während ein Theater in der Regel ein Ort ist, an dem Live-Aktionen ohne Aufzeichnung oder eine Kombination davon von einem Podium oder einer anderen Art von Bühne aus stattfinden, einschließlich eines Amphitheaters. In Theatern können nach wie vor Filme gezeigt werden, auch wenn das Theater dafür umgerüstet werden müsste. Man könnte "ins Kino gehen" vorschlagen, wenn man sich auf die Aktivität bezieht, oder manchmal "to the pictures" im britischen Englisch, während der US-Ausdruck gewöhnlich "going to the movies" lautet. Ein Kino zeigt in der Regel einen Massenfilm auf einer Frontprojektionsleinwand mit einem Filmprojektor oder neuerdings auch mit einem digitalen Projektor. Kinos können aber auch Kinofilme von ihren Heimvideoübertragungen wie Blu-ray Disc, DVD und Videokassette zeigen, wenn sie über eine ausreichende Projektionsqualität verfügen, oder bei Bedarf, z. B. bei Filmen, die nur in ihrem übertragenen Zustand existieren, was auf den Verlust oder die Verschlechterung des Filmmasters und der Kopien zurückzuführen sein kann, von denen der Film ursprünglich existierte. Durch das Aufkommen der digitalen Filmproduktion und -distribution kann der physische Film ganz fehlen. Ein "Double Feature" ist eine Vorführung von zwei unabhängig voneinander vermarkteten, eigenständigen Spielfilmen. Eine "Sichtung" ist das Anschauen eines Films. "Verkauf" und "an der Kinokasse" beziehen sich auf Eintrittskarten, die in einem Kino verkauft werden, oder, aktueller, auf Rechte, die für einzelne Vorführungen verkauft werden. Eine "Veröffentlichung" ist der Vertrieb und die oft gleichzeitige Vorführung eines Films. Eine "Vorpremiere" ist eine Vorführung, die der eigentlichen Veröffentlichung vorausgeht. ⓘ

Jeder Film kann auch eine "Fortsetzung" haben, in der die Ereignisse nach dem Film dargestellt werden. Bride of Frankenstein ist ein frühes Beispiel. Wenn es mehr als einen Film mit denselben Figuren, Handlungssträngen oder Themen gibt, werden diese Filme zu einer "Serie", wie z. B. die James-Bond-Reihe. Die Tatsache, dass ein Film außerhalb einer bestimmten Zeitlinie spielt, schließt nicht aus, dass er zu einer Serie gehört. Ein Film, der Ereignisse schildert, die in einer früheren Zeitlinie als die in einem anderen Film stattfinden, aber nach diesem Film veröffentlicht wird, wird manchmal als "Prequel" bezeichnet; ein Beispiel dafür ist Butch und Sundance: Die frühen Tage. ⓘ

Der "Abspann" oder "Nachspann" ist eine Liste, in der die an der Produktion eines Films beteiligten Personen genannt werden. Bei Filmen aus der Zeit vor den 1970er Jahren beginnt der Film in der Regel mit dem Abspann und endet oft nur mit einer Titelkarte, auf der "The End" oder ein ähnliches Wort steht, das oft von der Sprache der Produktion abhängt. Von da an steht der Abspann bei den meisten Filmen am Ende des Films. Bei Filmen mit einem Abspann am Ende des Films werden jedoch häufig einige Abspänne am oder in der Nähe des Anfangs eines Films wiederholt und erscheinen daher doppelt, wie z. B. die Hauptdarsteller des Films, während einige Abspänne, die am oder in der Nähe des Anfangs erscheinen, seltener nur dort und nicht am Ende auftauchen, was häufig mit dem Abspann des Regisseurs geschieht. Der Abspann, der am oder in der Nähe des Anfangs eines Films erscheint, wird gewöhnlich "Titel" oder "Anfangstitel" genannt. Eine Post-Credits-Szene ist eine Szene, die nach dem Ende des Abspanns gezeigt wird. In Ferris Bueller's Day Off gibt es eine Post-Credit-Szene, in der Ferris den Zuschauern mitteilt, dass der Film zu Ende ist und sie nach Hause gehen sollten. ⓘ

Die "Besetzung" eines Films bezieht sich auf die Gesamtheit der Schauspieler und Schauspielerinnen, die in einem Film auftreten oder "Stars" sind. Ein Star ist ein Schauspieler oder eine Schauspielerin, oft ein beliebter Schauspieler oder eine beliebte Schauspielerin, und in vielen Fällen eine Berühmtheit, die eine Hauptrolle in einem Film spielt. Gelegentlich kann sich der Begriff auch auf den Ruhm anderer Mitglieder der Crew beziehen, z. B. eines Regisseurs oder einer anderen Persönlichkeit wie Martin Scorsese. Unter einer "Crew" versteht man in der Regel die Personen, die an der physischen Konstruktion eines Films beteiligt sind und nicht zur Besetzung gehören, z. B. Regisseure, Cutter, Fotografen, Kameraleute, Dekorateure, Requisiteure und Kostümbildner. Eine Person kann sowohl zur Besetzung als auch zur Crew eines Films gehören, wie z. B. Woody Allen, der bei Take the Money and Run Regie führte und die Hauptrolle spielte. ⓘ

Ein "Filmgänger", "Kinobesucher" oder "Filmfan" ist eine Person, die gerne oder oft Filme und Kinos besucht, und jeder von ihnen, wenn auch häufiger der letztere, kann sich auch als Student von Filmen und Kinos oder des filmischen Prozesses sehen. Ein intensives Interesse an Filmen, Filmtheorie und Filmkritik wird als Cinephilie bezeichnet. Ein Filmliebhaber wird als Cinephile oder Cineast bezeichnet. ⓘ

Der Film in seinen verschiedenen Ausprägungsarten kommt der menschlichen Neugier und dem Bedürfnis nach Unterhaltung entgegen. Für den Zuschauer bieten fiktive Unterhaltungsfilme, die Spielfilme, die Möglichkeit, in eine imaginäre Phantasiewelt einzutauchen, in der die Regeln des Alltags auf den Kopf gestellt sind. Psychoanalytische Filmtheorien betonen dabei insbesondere die Verwandtschaft der Filmbilder mit den Bildern des Traumes, die beide dem Zuschauer und dem Träumenden die Möglichkeit zur Entspannung verschaffen. ⓘ

Für die maßgeblich an der Herstellung eines Films beteiligten Akteure – insbesondere Drehbuchautoren, Regisseure, Schauspieler, Kameraleute, Szenenbildner, Kostümbildner, Filmeditoren, Tongestalter und Filmkomponisten – ist der Film zudem ein Mittel künstlerischen Ausdrucks und kultureller Tätigkeit. So sind bestimmte Filme, ganz besonders die „Autorenfilme“, mittlerweile ein fester Bestandteil der Hochkultur etabliert und werden wie andere künstlerische Werke rezensiert und kunstgeschichtlich analysiert. Zu den künstlerischen Formen des Films zählt insbesondere der Experimentalfilm. Filme mit geringerer Qualität werden gern als B-Movie oder (Film-)Klamotte bezeichnet. ⓘ

Allgemein wird Film der Kunstform Literatur zugeordnet, wie das verwandte Theater. Abhängig von Art, Zweck, Inhalt oder Gestaltungsmerkmalen eines Films kann dieser einem oder mehreren Filmgenres wie Kriminalfilm, Komödie, Science-Fiction-Film, Horrorfilm, Kriegsfilm, Liebesfilm zugeordnet werden. ⓘ

Zahlreiche Filmfestivals (Filmfestspiele) weltweit vergeben ihre Filmpreise an Filmproduktionen und Filmschaffende, die sich an Qualitätskriterien, die von eigens zusammengestellten Jurys beurteilt werden, orientieren. Die bekanntesten und bedeutenden Filmpreise werden auf den so genannten „A-Festivals“ vergeben. ⓘ

Staaten, in denen sich ein Filmschaffen gebildet hat, betrachten dieses als Ausdruck ihrer kulturellen Identität. Die „Filmpolitik“ eines Landes besteht deshalb häufig darin, die nationale Filmproduktion auszubauen und ihre Leistungsfähigkeit – auch im internationalen Wettbewerb – zu sichern und zu fördern. ⓘ

Vorschau

Eine Vorpremiere ist eine Vorführung eines Films für ein ausgewähltes Publikum, in der Regel zu Werbezwecken, vor der eigentlichen öffentlichen Filmpremiere. Vorpremieren werden manchmal genutzt, um die Reaktion des Publikums zu beurteilen, die, wenn sie unerwartet negativ ausfällt, dazu führen kann, dass bestimmte Abschnitte auf der Grundlage der Publikumsreaktionen umgeschnitten oder sogar neu gedreht werden. Ein Beispiel für einen Film, der nach einer negativen Reaktion bei der Testvorführung geändert wurde, ist First Blood von 1982. Nachdem das Testpublikum sehr negativ auf den Tod des Protagonisten John Rambo, eines Vietnam-Veteranen, am Ende des Films reagierte, schrieb und drehte die Firma ein neues Ende, in dem die Figur überlebt. ⓘ

Trailer und Teaser

Trailer oder Vorschauen sind Werbespots für Filme, die in 1 bis 3 Monaten in den Kinos zu sehen sein werden. In den Anfängen des Kinos, als die Kinos nur eine oder zwei Leinwände hatten, wurden nur bestimmte Trailer für die Filme gezeigt, die dort gezeigt werden sollten. Später, als die Kinos mehr Leinwände hatten oder neue Kinos mit vielen Leinwänden gebaut wurden, wurden alle verschiedenen Trailer gezeigt, auch wenn der Film in dem Kino nicht gezeigt wurde. Die Filmstudios erkannten, dass je mehr Trailer gezeigt wurden (auch wenn der Film nicht in dem betreffenden Kino gezeigt wurde), desto mehr Besucher in ein anderes Kino gehen würden, um den Film zu sehen, wenn er herauskommt. Der Begriff "Trailer" kommt daher, dass sie ursprünglich am Ende eines Filmprogramms gezeigt wurden. Diese Praxis hielt sich nicht lange, da die Besucher dazu neigten, das Kino nach dem Ende der Filme zu verlassen, aber der Name ist geblieben. Heute werden die Trailer vor dem Beginn des Films (oder des "A-Films" in einem Doppelprogramm) gezeigt. Filmtrailer sind auch auf DVDs und Blu-ray Discs sowie im Internet und auf mobilen Geräten zu finden. Trailer werden so gestaltet, dass sie für die Zuschauer interessant und fesselnd sind. Im Zeitalter des Internets suchen die Zuschauer daher häufig nach Trailern, um sie sich anzusehen. Von den zehn Milliarden Videos, die im Jahr 2008 online angesehen wurden, standen Filmtrailer an dritter Stelle, nach Nachrichten und von Nutzern erstellten Videos. Teaser sind eine viel kürzere Vorschau oder Werbung, die nur 10 bis 30 Sekunden lang ist. Teaser werden verwendet, um die Zuschauer für einen Film zu begeistern, der in den nächsten sechs bis zwölf Monaten in die Kinos kommt. Teaser können bereits vor Abschluss der Filmproduktion produziert werden. ⓘ

Die Rolle des Films in der Kultur

Filme sind kulturelle Artefakte, die von bestimmten Kulturen geschaffen wurden und den interkulturellen Dialog erleichtern. Er gilt als wichtige Kunstform, die Unterhaltung und historischen Wert bietet und oft eine Zeitspanne visuell dokumentiert. Die visuelle Grundlage des Mediums verleiht ihm eine universelle Kommunikationskraft, die oft durch die Verwendung von Synchronisationen oder Untertiteln zur Übersetzung des Dialogs in andere Sprachen noch verstärkt wird. Allein die Tatsache, dass ein Ort in einem Film zu sehen ist, führt zu einem höheren Tourismusaufkommen an diesem Ort, was zeigt, wie stark der suggestive Charakter des Mediums sein kann. ⓘ

Bildung und Propaganda

Filme werden für eine Reihe von Zielen eingesetzt, unter anderem für Bildung und Propaganda, da sie einen effektiven interkulturellen Dialog ermöglichen. Wenn der Zweck in erster Linie pädagogischer Natur ist, wird ein Film als "Lehrfilm" bezeichnet. Beispiele hierfür sind Aufzeichnungen von akademischen Vorlesungen und Experimenten oder ein Film, der auf einem klassischen Roman basiert. Filme können ganz oder teilweise Propaganda sein, wie die Filme von Leni Riefenstahl in Nazi-Deutschland, die US-Kriegsfilmtrailer während des Zweiten Weltkriegs oder die unter Stalin entstandenen Kunstfilme von Sergei Eisenstein. Es kann sich auch um Werke des politischen Protests handeln, wie bei den Filmen von Andrzej Wajda oder, etwas subtiler, bei den Filmen von Andrei Tarkowskij. Ein und derselbe Film kann von den einen als pädagogisch wertvoll und von den anderen als Propaganda angesehen werden, da die Einstufung eines Films subjektiv sein kann. ⓘ

Produktion

Im Grunde genommen hängen die Mittel zur Herstellung eines Films von dem Inhalt ab, den der Filmemacher zeigen möchte, und von dem Apparat, mit dem er ihn darstellen will: Das Zoetrop benötigt lediglich eine Reihe von Bildern auf einem Papierstreifen. Für die Filmproduktion kann daher eine einzige Person mit einer Kamera (oder sogar ohne Kamera, wie in Stan Brakhages Film Mothlight von 1963) ausreichen, oder aber Tausende von Schauspielern, Statisten und Crew-Mitgliedern für ein abendfüllendes Epos in Spielfilmlänge. Die notwendigen Schritte für fast jeden Film lassen sich in Konzeption, Planung, Ausführung, Überarbeitung und Vertrieb unterteilen. Je umfangreicher die Produktion ist, desto wichtiger wird jeder dieser Schritte. In einem typischen Produktionszyklus eines Hollywood-Films sind diese Hauptphasen definiert als Entwicklung, Vorproduktion, Produktion, Postproduktion und Vertrieb. ⓘ

Dieser Produktionszyklus dauert in der Regel drei Jahre. Das erste Jahr ist der Entwicklung gewidmet. Das zweite Jahr umfasst die Vorproduktion und die Produktion. Das dritte Jahr ist der Postproduktion und dem Vertrieb gewidmet. Je größer die Produktion ist, desto mehr Ressourcen werden benötigt und desto wichtiger wird die Finanzierung; die meisten Spielfilme sind künstlerische Werke aus Sicht der Filmschaffenden (z. B. Regisseur, Kameramann, Drehbuchautor) und gewinnorientierte Geschäftseinheiten für die Produktionsfirmen. ⓘ

Besatzung

Eine Filmcrew ist eine Gruppe von Personen, die von einer Filmgesellschaft eingestellt und während der "Produktions-" oder "Aufnahme"-Phase für die Herstellung eines Films oder Spielfilms beschäftigt werden. Die Crew unterscheidet sich von der Besetzung, d. h. den Schauspielern, die vor der Kamera auftreten oder den Figuren im Film ihre Stimme leihen. Die Crew interagiert mit dem Produktionspersonal, das sich aus Produzenten, Managern, Unternehmensvertretern, ihren Assistenten und denjenigen zusammensetzt, deren Hauptverantwortung in der Vorproduktions- oder Postproduktionsphase liegt, wie z. B. Drehbuchautoren und Filmredakteure. Die Kommunikation zwischen Produktion und Crew läuft im Allgemeinen über den Regisseur und seine Assistenten. Mittlere bis große Crews sind in der Regel in Abteilungen mit klar definierten Hierarchien und Standards für die Interaktion und Zusammenarbeit zwischen den Abteilungen unterteilt. Abgesehen von der Schauspielerei ist die Crew in der Drehphase für alles zuständig: Requisiten und Kostüme, Dreharbeiten, Ton, Elektrik (d. h. Beleuchtung), Kulissen und Spezialeffekte. Caterer (in der Filmindustrie als "Craft Services" bekannt) werden in der Regel nicht als Teil der Crew betrachtet. ⓘ

Technik

Das Filmmaterial besteht aus einem transparenten Zelluloid-, Acetat- oder Polyesterträger, der mit einer Emulsion beschichtet ist, die lichtempfindliche Chemikalien enthält. Zellulosenitrat war der erste Filmträger, der für die Aufzeichnung von Kinofilmen verwendet wurde, wurde aber aufgrund seiner Entflammbarkeit schließlich durch sicherere Materialien ersetzt. Die Breite des Filmmaterials und das Filmformat für die Bilder auf der Rolle haben eine lange Geschichte, obwohl die meisten großen kommerziellen Filme immer noch auf 35-mm-Kopien gedreht (und an Kinos verteilt) werden. Ursprünglich wurden Filme mit Handkameras und Projektoren in verschiedenen Geschwindigkeiten gedreht und projiziert. Obwohl 1000 Bilder pro Minute (162/3 Bilder/s) allgemein als Standardgeschwindigkeit für Stummfilme genannt werden, zeigen Untersuchungen, dass die meisten Filme mit 16 bis 23 Bildern/s gedreht und ab 18 Bildern/s projiziert wurden (oft enthielten die Filmrollen Anweisungen, wie schnell jede Szene gezeigt werden sollte). Als der Tonfilm in den späten 1920er Jahren eingeführt wurde, war eine konstante Geschwindigkeit für den Tonkopf erforderlich. Man entschied sich für 24 Bilder pro Sekunde, weil dies die langsamste (und damit billigste) Geschwindigkeit war, die eine ausreichende Tonqualität ermöglichte. Zu den Verbesserungen seit dem späten 19. Jahrhundert gehören die Mechanisierung der Kameras, die eine Aufnahme mit gleichbleibender Geschwindigkeit ermöglicht, das ruhige Kameradesign, das es erlaubt, den am Set aufgezeichneten Ton zu nutzen, ohne dass große "Luftschiffe" zur Umhüllung der Kamera erforderlich sind, die Erfindung ausgefeilterer Filmmaterialien und Objektive, die es den Regisseuren ermöglichen, unter immer dunkleren Bedingungen zu filmen, und die Entwicklung des synchronisierten Tons, der es erlaubt, den Ton genau in der gleichen Geschwindigkeit wie die entsprechende Handlung aufzunehmen. Die Tonspur kann getrennt von den Filmaufnahmen aufgenommen werden, aber bei Live-Action-Filmen werden viele Teile der Tonspur normalerweise gleichzeitig aufgenommen. ⓘ

Als Medium ist der Film nicht auf Kinofilme beschränkt, da sich die Technik als Grundlage für die Fotografie entwickelt hat. Er kann verwendet werden, um eine fortlaufende Abfolge von Standbildern in Form einer Diashow zu präsentieren. Der Film wurde auch in multimediale Präsentationen integriert und hat oft eine Bedeutung als primäre historische Dokumentation. Historische Filme haben jedoch Probleme bei der Konservierung und Lagerung, und die Filmindustrie erforscht zahlreiche Alternativen. Die meisten Filme auf Zellulosenitratbasis sind auf moderne Sicherheitsfilme kopiert worden. Einige Studios retten Farbfilme durch die Verwendung von Separationsmastern: drei S/W-Negative, die jeweils durch Rot-, Grün- oder Blaufilter belichtet werden (im Wesentlichen eine Umkehrung des Technicolor-Verfahrens). Auch digitale Methoden wurden zur Restaurierung von Filmen eingesetzt, obwohl sie aufgrund ihrer ständigen Veralterung (Stand 2006) für eine langfristige Konservierung nicht geeignet sind. Die Filmkonservierung von veraltetem Filmmaterial ist ein Anliegen sowohl von Filmhistorikern und Archivaren als auch von Unternehmen, die daran interessiert sind, ihre bestehenden Produkte zu erhalten, um sie für künftige Generationen verfügbar zu machen (und damit ihre Einnahmen zu steigern). Die Konservierung von Nitrat- und Einstreifen-Farbfilmen ist aufgrund ihrer hohen Zerfallsrate im Allgemeinen ein größeres Problem; Schwarzweißfilme auf Sicherheitsbasis und Farbfilme, die auf Technicolor-Kopien konserviert wurden, halten sich in der Regel viel besser, vorausgesetzt, sie werden richtig behandelt und gelagert. ⓘ

Einige Filme der letzten Jahrzehnte wurden mit analoger Videotechnik aufgezeichnet, ähnlich wie sie in der Fernsehproduktion verwendet wird. Moderne digitale Videokameras und digitale Projektoren sind ebenfalls auf dem Vormarsch. Diese Ansätze werden von einigen Filmemachern bevorzugt, vor allem weil mit digitalem Kino gedrehtes Material mit nichtlinearen Schnittsystemen (NLE) ausgewertet und bearbeitet werden kann, ohne auf die Bearbeitung des Filmmaterials zu warten. Die Umstellung erfolgte schrittweise, und im Jahr 2005 wurden die meisten großen Kinofilme immer noch auf Film gedreht. ⓘ

Unabhängig

Die Brüder Lumière, die zu den ersten Filmemachern gehörten ⓘ

Unabhängiges Filmschaffen findet oft außerhalb von Hollywood oder anderen großen Studiosystemen statt. Ein unabhängiger Film (oder Indie-Film) ist ein Film, der zunächst ohne Finanzierung oder Vertrieb durch ein großes Filmstudio produziert wird. Kreative, geschäftliche und technologische Gründe haben alle zum Wachstum der Indie-Filmszene im späten 20. und frühen 21. Auf der geschäftlichen Seite führen die Kosten von Studiofilmen mit großen Budgets auch zu einer konservativen Auswahl von Darstellern und Mitarbeitern. In Hollywood geht der Trend zur Kofinanzierung (über zwei Drittel der von Warner Bros. im Jahr 2000 herausgebrachten Filme waren Joint Ventures, 1987 waren es noch 10 %). Ein hoffnungsvoller Regisseur erhält fast nie die Möglichkeit, einen Job bei einem Studiofilm mit großem Budget zu bekommen, es sei denn, er oder sie verfügt über beträchtliche Branchenerfahrung bei Film oder Fernsehen. Außerdem produzieren die Studios nur selten Filme mit unbekannten Schauspielern, insbesondere in den Hauptrollen. ⓘ

Vor dem Aufkommen digitaler Alternativen waren auch die Kosten für professionelle Filmausrüstung und Filmmaterial eine Hürde, um einen traditionellen Studiofilm zu produzieren, Regie zu führen oder darin mitzuspielen. Doch mit dem Aufkommen von Camcordern für den Endverbraucher im Jahr 1985 und, was noch wichtiger ist, mit dem Aufkommen von hochauflösendem Digitalvideo in den frühen 1990er Jahren wurde die technologische Hürde für die Filmproduktion erheblich gesenkt. Sowohl die Produktions- als auch die Postproduktionskosten wurden erheblich gesenkt; in den 2000er Jahren kann die Hardware und Software für die Postproduktion auf einem handelsüblichen PC installiert werden. Technologien wie DVDs, FireWire-Verbindungen und eine große Auswahl an professioneller und verbraucherfreundlicher Videobearbeitungssoftware machen die Filmproduktion relativ erschwinglich. ⓘ

Seit der Einführung der digitalen Video-DV-Technologie haben sich die Produktionsmittel weiter demokratisiert. Es ist denkbar, dass Filmemacher einen Film mit einer digitalen Videokamera aufnehmen und den Film bearbeiten, den Ton und die Musik erstellen und bearbeiten und den endgültigen Schnitt auf einem High-End-Heimcomputer mischen. Doch während die Produktionsmittel demokratisiert sein mögen, sind Finanzierung, Vertrieb und Marketing außerhalb des traditionellen Systems nach wie vor schwer zu bewerkstelligen. Die meisten unabhängigen Filmemacher sind auf Filmfestivals angewiesen, um auf ihre Filme aufmerksam zu machen und sie für den Vertrieb zu verkaufen. Das Aufkommen von internetbasierten Video-Websites wie YouTube und Veoh hat die Filmlandschaft weiter verändert und ermöglicht es Indie-Filmemachern, ihre Filme der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. ⓘ

Film mit offenem Inhalt

Ein Open-Content-Film ähnelt einem Independent-Film, wird aber in offener Zusammenarbeit produziert; sein Ausgangsmaterial steht unter einer Lizenz zur Verfügung, die so freizügig ist, dass andere Parteien Fan-Fiction oder abgeleitete Werke erstellen können, und nicht unter einem herkömmlichen Urheberrecht. Wie das unabhängige Filmemachen findet auch das Open-Source-Filmemachen außerhalb von Hollywood oder anderen großen Studiosystemen statt. Der Film Balloon zum Beispiel basiert auf einem realen Ereignis während des Kalten Krieges. ⓘ

Fan-Film

Ein Fan-Film ist ein Film oder ein Video, der/das von einem Film, einer Fernsehsendung, einem Comic oder einer ähnlichen Quelle inspiriert ist und von Fans und nicht von den Urhebern oder Schöpfern der Quelle erstellt wird. Fan-Filmemacher sind traditionell Amateure, aber einige der bemerkenswertesten Filme wurden von professionellen Filmemachern als Unterrichtsprojekte an Filmschulen oder als Demonstrationsfilme produziert. Die Länge von Fanfilmen ist sehr unterschiedlich und reicht von kurzen Faux-Teaser-Trailern für nicht existierende Kinofilme bis hin zu seltenen Kinofilmen in voller Länge. ⓘ

Vertrieb

Salah Zulfikar und Faten Hamama bei der Premiere von Bain Al-Atlal ("Among the Ruins") in Kairo, 1959 ⓘ

Der Filmverleih ist der Prozess, durch den ein Film für ein Publikum zugänglich gemacht wird. Dies ist in der Regel die Aufgabe eines professionellen Filmverleihs, der die Marketingstrategie für den Film, die Medien, über die der Film gezeigt oder zugänglich gemacht werden soll, sowie das Veröffentlichungsdatum und andere Dinge festlegt. Der Film kann der Öffentlichkeit direkt vorgeführt werden, entweder in einem Kino (in der Vergangenheit die wichtigste Art des Filmvertriebs) oder über das Fernsehen für den privaten Gebrauch (einschließlich DVD-Video oder Blu-ray Disc, Video-on-Demand, Online-Downloads, Fernsehsendungen durch Syndizierung usw.). Andere Möglichkeiten der Verbreitung eines Films sind der Verleih oder der persönliche Kauf des Films in verschiedenen Medien und Formaten, z. B. VHS-Kassetten oder DVDs, oder das Herunterladen aus dem Internet oder das Streaming über einen Computer. ⓘ

Animation

Ein animiertes Bild eines Pferdes, das aus acht Bildern besteht. ⓘ

Animation ist eine Technik, bei der jedes Bild eines Films einzeln erzeugt wird, sei es als Computergrafik, durch Fotografieren eines gezeichneten Bildes oder durch wiederholte kleine Änderungen an einem Modell (siehe Knetanimation und Stop-Motion), und das Ergebnis dann mit einer speziellen Animationskamera fotografiert wird. Wenn die Bilder aneinandergereiht werden und der daraus resultierende Film mit einer Geschwindigkeit von 16 oder mehr Bildern pro Sekunde betrachtet wird, entsteht die Illusion einer kontinuierlichen Bewegung (aufgrund des Phi-Phänomens). Die Erstellung eines solchen Films ist sehr arbeitsintensiv und langwierig, obwohl die Entwicklung der Computeranimation den Prozess erheblich beschleunigt hat. Da die Herstellung von Animationsfilmen sehr zeitaufwändig und oft sehr teuer ist, werden die meisten Animationsfilme für Fernsehen und Kino von professionellen Animationsstudios produziert. Der Bereich der unabhängigen Animation existiert jedoch mindestens seit den 1950er Jahren, wobei die Animation von unabhängigen Studios (und manchmal von einer einzelnen Person) produziert wird. Mehrere unabhängige Animationsproduzenten sind in die professionelle Animationsbranche eingestiegen. ⓘ

Limited Animation ist eine Methode zur Steigerung der Produktion und zur Senkung der Kosten von Zeichentrickfilmen durch die Verwendung von "Abkürzungen" im Animationsprozess. Diese Methode wurde von UPA entwickelt und von Hanna-Barbera in den Vereinigten Staaten sowie von Osamu Tezuka in Japan populär gemacht und von anderen Studios übernommen, als die Zeichentrickfilme vom Kino ins Fernsehen kamen. Obwohl die meisten Animationsstudios heute digitale Technologien für ihre Produktionen verwenden, gibt es einen bestimmten Animationsstil, der auf Film basiert. Bei der kameralosen Animation, die durch Filmemacher wie Norman McLaren, Len Lye und Stan Brakhage berühmt wurde, wird direkt auf Filmstücke gemalt und gezeichnet, die dann durch einen Projektor laufen. ⓘ

Gesellschaftliche Bedeutung

Dem Film kommen im Wesentlichen drei Bedeutungen zu: erstens als Massenmedium zur Information und zur Bewusstseinsbildung; zweitens – da die Produktion von professionellen Filmen in der Regel einen erheblichen technischen und finanziellen Aufwand bedeutet – eine wirtschaftliche Bedeutung; sowie drittens als Kunstgattung mit ihren eigenen unverwechselbaren Aspekten. ⓘ

Besonders zur Frühzeit des Films war es strittig, ob der Film als simples Unterhaltungsmedium oder als neue Kunstform anzusehen sei. Eine filmtheoretische Schrift aus dem Jahre 1928 berichtete:

„Wie wir sehen, sind also die an der Filmherstellung beteiligten Fachleute in zwei große, fast feindliche Lager getrennt. Die einen sehen im Film nichts anderes als ein gegenwärtig sehr gangbares Mittel, einträgliche Geschäfte zu machen, eine Ware, die man den Wünschen der Zwischenhändler oder Verbraucher anpasst; die anderen betrachten das Lichtspiel als ein neues Gebiet für den schöpferischen Gestaltungswillen, als ein Mittel zu neuartiger Formung und Ausbeutung von Lebenskräften, kurz: als eine neue Kunst. Billigerweise muss man beide Standpunkte gelten lassen, denn schließlich kann man diese Zweiteilung von Kunst und Geschäft, Schöpfung und Betrieb, Erhebung und Zerstreuung, Werk und Ware auch bei den anderen Kunstzweigen beobachten.“

– S. Walter Fischer ⓘ

Film als Massenmedium

Der Film kann seit dem 20. Jahrhundert als eines der wichtigsten Massenmedien überhaupt angesehen werden, sowohl in Form des Kinos als auch in Form des Fernsehens. Er ist damit zugleich eines der wichtigsten Elemente der modernen Kultur überhaupt geworden. So sind fiktive Filmfiguren, filmtypische Verhaltensweisen, Klischees und Stereotype, aber auch die Auslotung neuer bildhafter Wahrnehmungs- und Erfahrungsräume im Zeitalter der massenhaften Verbreitung des Films zu einem festen Bestandteil der Populärkultur avanciert und prägen diese entscheidend mit. Schon von Anfang an ist das Medium Film mit der Kultur der breiten Masse verbunden, die sich ihm, sei es gemeinsam im Kinosaal oder jeweils einzeln im Wohnzimmer, von Beginn an bereitwillig hingab. Die Filmindustrie – von Kritikern als „Kulturindustrie“ bezeichnet – hat auf diese Massenkompatibilität des Films früh reagiert und diese mit entsprechenden „leichten“ Produktionen als „Massenware“ kommerziell für sich zu nutzen gewusst. Gleichwohl war auch im Hollywood-Kino immer wieder Raum für filmische Experimente und künstlerische Weiterentwicklungen jenseits des klassischen „Erzählkinos“, auch wenn der Experimentalfilm im engeren Sinn nur außerhalb des etablierten (Kultur-)Betriebs möglich war. ⓘ

Institutionen und Organisationen

Zahlreiche Institutionen beschäftigen sich weltweit wissenschaftlich mit dem Film, dessen Bewahrung für die Zukunft und der Förderung qualitativen Filmschaffens in der Gegenwart. Eine langfristig besonders wichtige Rolle kommt dabei den Filmarchiven zu, die sich der Sammlung und Ordnung der weltweit produzierten Filme widmen und die vor allem seit der Zwischenkriegszeit in größerem Maße aufgebaut wurden. Verschiedene Arten von Filmorganisationen beschäftigen sich mit weiteren Aspekten des Films, etwa der Vermarktung und Bewerbung nationaler Produktionen. Vom Schauspieler bis zum Produzenten besteht weltweit eine Vielzahl an Interessens- und Berufsverbänden. ⓘ

Auf europäischer Ebene ist die European Film Promotion, ein Zusammenschluss von Filmorganisationen aus 28 europäischen Ländern, ergänzend zu den EU-Förderprogrammen Media Programm und EURIMAGES der bedeutendste überstaatliche Bewerber und Vermarkter des europäischen Films in der Welt. ⓘ