Rockmusik
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| Stilistische Ursprünge |
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| Kulturelle Ursprünge | 1950er und 1960er Jahre, USA und Großbritannien |
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 2023 in der Rockmusik | |
Rockmusik ist ein breites Genre der populären Musik, das in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten als "Rock and Roll" entstand und sich ab Mitte der 1960er Jahre insbesondere in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich zu einer Reihe verschiedener Stile entwickelte. Er hat seine Wurzeln im Rock'n'Roll der 1940er und 1950er Jahre, einem Stil, der sich direkt aus den Genres Blues und Rhythm and Blues der afroamerikanischen Musik und der Country-Musik speiste. Die Rockmusik lehnt sich auch stark an eine Reihe anderer Genres an, wie z. B. den elektrischen Blues und Folk, und nimmt Einflüsse aus Jazz, Klassik und anderen Musikstilen auf. Im Mittelpunkt der Rockmusik steht die E-Gitarre, meist als Teil einer Rockgruppe mit E-Bass, Schlagzeug und einem oder mehreren Sängern. In der Regel handelt es sich bei Rock um songbasierte Musik mit einem 4
4-Takt mit einer Strophe-Refrain-Form, aber das Genre ist sehr vielfältig geworden. Wie in der Popmusik geht es in den Texten oft um romantische Liebe, aber auch um eine Vielzahl anderer Themen, die häufig sozialer oder politischer Natur sind. ⓘ
Mitte der 1960er Jahre begannen Rockmusiker, das Album gegenüber der Single als vorherrschende Form des Ausdrucks und des Konsums von Tonträgern durchzusetzen, allen voran die Beatles. Ihre Beiträge verliehen dem Genre eine kulturelle Legitimität im Mainstream und leiteten in der Musikindustrie für die nächsten Jahrzehnte eine vom Rock geprägte Album-Ära ein. Ende der 1960er Jahre, in der Zeit des "Classic Rock", entstand eine Reihe verschiedener Subgenres der Rockmusik, darunter Mischformen wie Blues Rock, Folk Rock, Country Rock, Southern Rock, Raga Rock und Jazz Rock, von denen viele zur Entwicklung des Psychedelic Rock beitrugen, der von der gegenkulturellen Psychedelic- und Hippie-Szene beeinflusst wurde. Zu den neu entstandenen Genres gehörten der Progressive Rock, der die künstlerischen Elemente erweiterte, der Glam Rock, bei dem Show und visueller Stil im Vordergrund standen, und das vielfältige und dauerhafte Subgenre des Heavy Metal, bei dem Lautstärke, Kraft und Geschwindigkeit im Vordergrund standen. In der zweiten Hälfte der 1970er Jahre reagierte der Punk-Rock mit einer entschärften, energiegeladenen sozialen und politischen Kritik. In den 1980er Jahren beeinflusste der Punk den New Wave, den Post-Punk und schließlich den Alternative Rock. ⓘ
Ab den 1990er Jahren begann der Alternative Rock die Rockmusik zu dominieren und in Form von Grunge, Britpop und Indie-Rock in den Mainstream vorzudringen. Seitdem sind weitere Fusion-Subgenres entstanden, darunter Pop-Punk, Elektro-Rock, Rap-Rock und Rap-Metal, sowie bewusste Versuche, die Geschichte des Rock wieder aufleben zu lassen, darunter die Garage-Rock/Post-Punk- und Techno-Pop-Revivals in den 2000er Jahren. In den 2010er Jahren nahm die Popularität und kulturelle Relevanz der Rockmusik langsam ab, und der Hip-Hop überholte sie als beliebtestes Genre in den Vereinigten Staaten. ⓘ
Die Rockmusik hat auch kulturelle und soziale Bewegungen verkörpert und als Vehikel für diese gedient, was zu bedeutenden Subkulturen wie den Mods und Rockern im Vereinigten Königreich und der Hippie-Gegenkultur führte, die sich in den 1960er Jahren von San Francisco in den USA ausbreitete. In ähnlicher Weise brachte die Punk-Kultur der 1970er Jahre die Subkulturen Gothic, Punk und Emo hervor. Als Erbe der Folk-Tradition des Protestsongs wurde die Rockmusik mit politischem Aktivismus sowie mit Veränderungen in der gesellschaftlichen Einstellung zu Rasse, Sex und Drogenkonsum in Verbindung gebracht und wird oft als Ausdruck der Jugendrevolte gegen den Konsumismus und die Konformität der Erwachsenen gesehen. Gleichzeitig war sie kommerziell sehr erfolgreich, was zu dem Vorwurf des Ausverkaufs führte. ⓘ
Merkmale
Eine gute Definition von Rock ist eigentlich, dass es sich um populäre Musik handelt, der es bis zu einem gewissen Grad egal ist, ob sie populär ist.
-Bill Wyman in Vulture (2016) ⓘ
Im Mittelpunkt des Rocks steht traditionell die verstärkte E-Gitarre, die in den 1950er Jahren mit der Popularität des Rock 'n' Roll in ihrer modernen Form aufkam. Außerdem wurde er von den Klängen elektrischer Bluesgitarristen beeinflusst. Der Klang der E-Gitarre wird in der Rockmusik in der Regel von einer elektrischen Bassgitarre unterstützt, die in der gleichen Epoche in der Jazzmusik zum ersten Mal eingesetzt wurde, sowie von einem Schlagzeug, das aus Trommeln und Becken besteht. Dieses Instrumententrio wurde häufig durch andere Instrumente ergänzt, insbesondere durch Keyboards wie Klavier, Hammond-Orgel und Synthesizer. Die Grundbesetzung der Rockmusik wurde von der Grundbesetzung einer Bluesband abgeleitet (prominente Leadgitarre, zweites Akkordinstrument, Bass und Schlagzeug). Eine Gruppe von Musikern, die Rockmusik spielt, wird als Rockband oder Rockgruppe bezeichnet. Außerdem besteht sie in der Regel aus drei (Power Trio) bis fünf Mitgliedern. Klassischerweise hat eine Rockband die Form eines Quartetts, dessen Mitglieder eine oder mehrere Rollen übernehmen, darunter Sänger, Leadgitarrist, Rhythmusgitarrist, Bassgitarrist, Schlagzeuger und oft auch Keyboarder oder andere Instrumentalisten. ⓘ
Rockmusik basiert traditionell auf einem Fundament aus einfachen synkopischen Rhythmen im 4
4-Takt, mit einem sich wiederholenden Snare-Drum-Rückschlag auf den Takten zwei und vier. Die Melodien entstammen oft älteren musikalischen Modi wie dem dorischen und dem mixolydischen sowie den Dur- und Moll-Tonarten. Die Harmonik reicht vom gewöhnlichen Dreiklang über parallele Quarten und Quinten bis hin zu dissonanten harmonischen Verläufen. Seit den späten 1950er Jahren und insbesondere ab Mitte der 1960er Jahre wurde in der Rockmusik häufig die aus dem Blues und der Folkmusik abgeleitete Strophe-Refrain-Struktur verwendet, wobei es jedoch erhebliche Abweichungen von diesem Modell gab. Kritiker haben den Eklektizismus und die stilistische Vielfalt des Rock hervorgehoben. Aufgrund seiner komplexen Geschichte und seiner Tendenz, Anleihen bei anderen musikalischen und kulturellen Formen zu machen, wurde argumentiert, dass es unmöglich ist, Rockmusik an eine fest umrissene musikalische Definition zu binden". Der Musikjournalist Robert Christgau ist der Meinung, dass "der beste Rock die Tugenden der Volkskunst - Direktheit, Nützlichkeit, natürliches Publikum - mit einem Schuss moderner Technologie und modernistischer Distanzierung in die Gegenwart holt". ⓘ
Rock'n'Roll wurde als Ventil für jugendliche Sehnsüchte konzipiert ... Rock 'n' Roll zu machen ist auch ein idealer Weg, um die Überschneidungen von Sex, Liebe, Gewalt und Spaß zu erforschen, die Freuden und Grenzen des Regionalen zu verbreiten und sich mit den Verwerfungen und Vorzügen der Massenkultur selbst auseinanderzusetzen.
-Robert Christgau in Christgau's Record Guide (1981)
Im Gegensatz zu vielen früheren populären Musikstilen befassen sich Rocktexte mit einer breiten Palette von Themen, darunter romantische Liebe, Sex, Rebellion gegen das "Establishment", soziale Belange und Lebensstile. Diese Themen stammen aus verschiedenen Quellen wie der Tin-Pan-Alley-Poptradition, der Volksmusik und dem Rhythm and Blues. Christgau charakterisiert Rocktexte als "kühles Medium" mit einfacher Diktion und sich wiederholenden Refrains und behauptet, dass die primäre "Funktion" des Rock "die Musik oder, allgemeiner ausgedrückt, der Lärm" ist. Die Vorherrschaft weißer, männlicher und häufig aus der Mittelschicht stammender Musiker in der Rockmusik ist oft bemerkt worden, und der Rock wurde als Aneignung schwarzer Musikformen für ein junges, weißes und überwiegend männliches Publikum angesehen. Infolgedessen wurde auch die Auffassung vertreten, dass die Rockmusik die Anliegen dieser Gruppe sowohl in Stil als auch in den Texten zum Ausdruck bringt. Christgau schrieb 1972: "Trotz einiger Ausnahmen impliziert Rock and Roll in der Regel eine Identifikation mit männlicher Sexualität und Aggression". ⓘ
Seitdem der Begriff "Rock" ab Ende der 1960er Jahre anstelle von "Rock and Roll" verwendet wird, wird er in der Regel der Popmusik gegenübergestellt, mit der er viele Merkmale gemeinsam hat, von der er sich aber häufig durch die Betonung der Musikalität, der Live-Performance und der Konzentration auf ernste und progressive Themen als Teil einer Ideologie der Authentizität, die häufig mit einem Bewusstsein für die Geschichte und Entwicklung des Genres verbunden ist, abgrenzt. Simon Frith zufolge war Rock "etwas mehr als Pop, etwas mehr als Rock'n'Roll", und "Rockmusiker verbanden die Betonung von Können und Technik mit dem romantischen Konzept von Kunst als künstlerischem Ausdruck, ursprünglich und aufrichtig". ⓘ
Im neuen Jahrtausend wird der Begriff Rock gelegentlich als Oberbegriff verwendet, der auch Formen wie Popmusik, Reggae, Soul und sogar Hip-Hop einschließt, von denen er über weite Strecken seiner Geschichte beeinflusst, aber oft auch abgegrenzt wurde. Christgau hat den Begriff im weitesten Sinne verwendet, um populäre und semipopuläre Musik zu bezeichnen, die seiner Sensibilität als "Rock-and-Roller" entspricht, einschließlich einer Vorliebe für einen guten Beat, einen aussagekräftigen Text mit etwas Witz und das Thema der Jugend, das eine "ewige Anziehungskraft" ausübt, die so objektiv ist, "dass alle Jugendmusik an der Soziologie und dem Erfahrungsbericht teilhat". In Christgaus Record Guide: The '80s (1990) schrieb er, dass diese Sensibilität in der Musik des Folk-Sängers und Songwriters Michelle Shocked, des Rappers LL Cool J und des Synth-Pop-Duos Pet Shop Boys - "alles Kids, die ihre Identität ausarbeiten" - ebenso deutlich wird wie in der Musik von Chuck Berry, den Ramones und den Replacements. ⓘ
Ende der 1940er-Mitte der 1960er
Rock'n'Roll
Die Grundlagen der Rockmusik liegen im Rock 'n' Roll, der in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten entstand und sich schnell in weiten Teilen der übrigen Welt verbreitete. Seine unmittelbaren Ursprünge liegen in der Verschmelzung verschiedener schwarzer Musikgenres der damaligen Zeit, darunter Rhythm and Blues und Gospelmusik, mit Country und Western. 1951 begann der Discjockey Alan Freed aus Cleveland, Ohio, damit, Rhythm and Blues-Musik (damals als "Rassenmusik" bezeichnet) für ein multirassisches Publikum zu spielen, und es wird ihm zugeschrieben, dass er als Erster den Begriff "Rock and Roll" zur Beschreibung der Musik verwendete. ⓘ
Die vielen Aufnahmen, die als "erste Rock'n'Roll-Platte" bezeichnet wurden, sind umstritten. Zu den Anwärtern gehören Wynonie Harris' "Good Rocking Tonight" (1948), Goree Carters "Rock Awhile" (1949), Jimmy Prestons "Rock the Joint" (1949), das später von Bill Haley & His Comets 1952 gecovert wurde, und "Rocket 88" von Jackie Brenston und seinen Delta Cats (in Wirklichkeit Ike Turner und seine Band, die Kings of Rhythm), aufgenommen von Sam Phillips für Sun Records im Jahr 1951. Vier Jahre später war "Rock Around the Clock" (1955) von Bill Haley der erste Rock'n'Roll-Song, der die wichtigsten Verkaufs- und Airplay-Charts des Billboard-Magazins anführte und dieser neuen Welle der Popkultur weltweit die Tür öffnete. ⓘ
Es wird auch behauptet, dass "That's All Right (Mama)" (1954), Elvis Presleys erste Single für Sun Records in Memphis, die erste Rock'n'Roll-Platte sein könnte, aber zur gleichen Zeit war Big Joe Turners "Shake, Rattle & Roll", das später von Haley gecovert wurde, bereits an der Spitze der Billboard R&B-Charts. Andere Künstler mit frühen Rock'n'Roll-Hits waren Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis und Gene Vincent. Schon bald war der Rock'n'Roll die wichtigste Kraft bei den amerikanischen Plattenverkäufen, und Schlagersänger wie Eddie Fisher, Perry Como und Patti Page, die das vorangegangene Jahrzehnt der populären Musik dominiert hatten, mussten feststellen, dass ihr Zugang zu den Pop-Charts erheblich eingeschränkt wurde. ⓘ
Der Rock'n'Roll hat zu einer Reihe verschiedener Subgenres geführt, darunter der Rockabilly, eine Kombination aus Rock'n'Roll und Hillbilly"-Country-Musik, die Mitte der 1950er Jahre von weißen Sängern wie Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly und dem kommerziell erfolgreichsten Elvis Presley gespielt und aufgenommen wurde. Die hispano- und lateinamerikanischen Bewegungen im Rock'n'Roll, die schließlich zum Erfolg des Latin Rock und des Chicano Rock in den USA führen sollten, begannen im Südwesten aufzusteigen; mit dem Rock'n'Roll-Standardmusiker Ritchie Valens und sogar mit anderen traditionellen Genres wie Al Hurricane und seinen Brüdern Tiny Morrie und Baby Gaby, die begannen, Rock'n'Roll mit Country-Western in der traditionellen Musik von New Mexico zu kombinieren. Andere Stile wie Doo Wop legten den Schwerpunkt auf mehrstimmige Gesangsharmonien und Hintergrundtexte (von denen das Genre später seinen Namen erhielt), die in der Regel mit leichter Instrumentierung unterstützt wurden und ihren Ursprung in afroamerikanischen Gesangsgruppen der 1930er und 1940er Jahre hatten. Acts wie die Crows, die Penguins, die El Dorados und die Turbans hatten alle große Hits, und Gruppen wie die Platters mit Songs wie "The Great Pretender" (1955) und die Coasters mit humorvollen Liedern wie "Yakety Yak" (1958) zählten zu den erfolgreichsten Rock'n'Roll-Acts dieser Zeit. ⓘ
In diese Zeit fällt auch die wachsende Popularität der elektrischen Gitarre und die Entwicklung eines spezifischen Rock'n'Roll-Spielstils durch Vertreter wie Chuck Berry, Link Wray und Scotty Moore. Die Verwendung von Verzerrern, die von elektrischen Blues-Gitarristen wie Guitar Slim, Willie Johnson und Pat Hare in den frühen 1950er Jahren eingeführt wurde, wurde von Chuck Berry Mitte der 1950er Jahre populär gemacht. Die Verwendung von Powerchords, die von Willie Johnson und Pat Hare in den frühen 1950er Jahren eingeführt wurde, wurde von Link Wray in den späten 1950er Jahren populär gemacht. ⓘ
Im Vereinigten Königreich brachten die Trad-Jazz- und Folk-Bewegungen Gastkünstler der Bluesmusik nach Großbritannien. Lonnie Donegans Hit "Rock Island Line" aus dem Jahr 1955 war ein wichtiger Einfluss und trug dazu bei, den Trend der Skiffle-Musikgruppen im ganzen Land zu entwickeln, von denen viele, einschließlich John Lennons Quarrymen, später Rock and Roll spielten. ⓘ
Kommentatoren haben traditionell einen Niedergang des Rock 'n' Roll in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren wahrgenommen. Der Tod von Buddy Holly, Big Bopper und Ritchie Valens bei einem Flugzeugabsturz, der Weggang von Elvis zur Armee, der Rückzug von Little Richard, um Prediger zu werden, die strafrechtliche Verfolgung von Jerry Lee Lewis und Chuck Berry und das Bekanntwerden des Payola-Skandals (bei dem wichtige Persönlichkeiten, darunter Alan Freed, in Bestechung und Korruption bei der Werbung für einzelne Acts oder Songs verwickelt waren) vermittelten 1959 das Gefühl, dass die zu diesem Zeitpunkt etablierte Rock-'n'-Roll-Ära zu einem Ende gekommen war. ⓘ
Die Rockmusik als eigenständige Musikform unterscheidet sich vom Rock ’n’ Roll wesentlich durch den Rhythmus: Im Rock werden die Achtelnoten binär gespielt, also „gerade“, so wie man es aus der lateinamerikanischen und europäischen Musik kennt. Im Rock ’n’ Roll werden die Achtelnoten zwischen den Beats (zwischen den Viertelnoten) hingegen leicht nach hinten verschoben, so dass ein ternärer Rhythmus entsteht (Shuffle), wie man ihn aus dem klassischen Jazz kennt. ⓘ
Seit den 50er Jahren und in den frühen 60er Jahren musste um die neue Musikrichtung, die ohne ihre elektrische Verstärkung undenkbar gewesen wäre, eine gänzlich neue Peripherie von technischen Gegenständen erfunden werden. Der Tüftler Leo Fender erfand mit der Telecaster 1950 die erste massive Solidbody-E-Gitarre, die das lästige Feedback verminderte, das bei Gitarren mit Vollresonanzkörper beständig aufgetreten war. 1951 setzte er mit dem ersten E-Bass (Fender-Bass) einen weiteren Maßstab. Gibson zog 1952 schnell mit den Les-Paul- und 1961 mit den einfacheren SG-Modellen nach. Jim Marshall sorgte seit 1962 mit seinen im englischen Harnwell produzierten Verstärkern und Boxen für die nötige Lautstärke. Ernie Ball ersetzte die bis dahin behelfsmäßig benutzten Banjo-Saiten durch dünnere, leichter zu spielende Exemplare, die nun speziell für E-Gitarren und Bässe produziert wurden. Eine weitere Erfindung von Ball, selbst Gitarrist, waren seine „Slinky“-Saitensätze von „extra“ (08–38) bis „not even Slinky“ (12–56), die die unterschiedlichsten Vorlieben und Gewohnheiten bedienten. Fender, Marshall, Gibson und Ball arbeiteten alle eng mit verschiedenen Gitarristen wie Pete Townshend, Ritchie Blackmore und Jimi Hendrix zusammen, um mit ihnen neue und verbesserte Produkte weiterzuentwickeln. ⓘ
Pop-Rock und Instrumental-Rock
Der Begriff Pop wird seit Anfang des 20. Jahrhunderts für populäre Musik im Allgemeinen verwendet, doch ab Mitte der 1950er Jahre wurde er für ein bestimmtes Genre verwendet, das sich an einen jugendlichen Markt richtete und oft als eine weichere Alternative zum Rock 'n' Roll bezeichnet wurde. Ab etwa 1967 wurde der Begriff zunehmend im Gegensatz zur Rockmusik verwendet, um eine kommerziellere, kurzlebigere und zugänglichere Form zu beschreiben. Im Gegensatz dazu konzentrierte sich die Rockmusik auf längere Werke, insbesondere Alben, wurde oft mit bestimmten Subkulturen (wie der Gegenkultur der 1960er Jahre) in Verbindung gebracht, legte Wert auf künstlerische Werte und "Authentizität", betonte die Live-Performance und instrumentale oder gesangliche Virtuosität und wurde oft als Ausdruck fortschrittlicher Entwicklungen gesehen, anstatt einfach nur bestehende Trends widerzuspiegeln. Dennoch sind sich Pop- und Rockmusik in Bezug auf Klang, Instrumentierung und sogar Textinhalte sehr ähnlich. ⓘ
Die späten 1950er und frühen 1960er Jahre werden traditionell als eine Zeit der Pause für den Rock'n'Roll angesehen. In jüngerer Zeit haben einige Autoren wichtige Innovationen und Trends in dieser Zeit hervorgehoben, ohne die künftige Entwicklungen nicht möglich gewesen wären. Während der frühe Rock'n'Roll, insbesondere durch das Aufkommen des Rockabilly, den größten kommerziellen Erfolg für männliche und weiße Künstler brachte, wurde das Genre in dieser Zeit von schwarzen und weiblichen Künstlern dominiert. Der Rock 'n' Roll war Ende der 1950er Jahre noch nicht verschwunden, und ein Teil seiner Energie zeigt sich in der Twist-Tanzwut der frühen 1960er Jahre, die vor allem der Karriere von Chubby Checker zugute kam. ⓘ
Cliff Richard hatte mit "Move It" den ersten britischen Rock'n'Roll-Hit und begründete damit den Sound des britischen Rock. Zu Beginn der 1960er Jahre war seine Begleitgruppe The Shadows die erfolgreichste Gruppe, die Instrumentalstücke aufnahm. Während der Rock 'n' Roll in leichte Popmusik und Balladen überging, begannen britische Rockgruppen in Clubs und auf Tanzveranstaltungen, die stark von Blues-Rock-Pionieren wie Alexis Korner beeinflusst waren, mit einer Intensität und einem Schwung zu spielen, den man bei weißen amerikanischen Bands nur selten findet. ⓘ
Ebenfalls von Bedeutung war das Aufkommen der Soulmusik als wichtige kommerzielle Kraft. Sie entwickelte sich aus dem Rhythm and Blues mit einem erneuten Einschlag von Gospelmusik und Pop, angeführt von Pionieren wie Ray Charles und Sam Cooke ab Mitte der 1950er Jahre. Anfang der 1960er Jahre dominierten Musiker wie Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield und Stevie Wonder die R&B-Charts und schafften den Durchbruch in den wichtigsten Pop-Charts, was dazu beitrug, deren Deregulierung zu beschleunigen, während Motown und Stax/Volt Records zu wichtigen Kräften in der Plattenindustrie wurden. Einige Musikhistoriker haben auch auf wichtige und innovative technische Entwicklungen hingewiesen, die den Rock'n'Roll in dieser Zeit vorantrieben, darunter die elektronische Bearbeitung von Klängen durch Innovatoren wie Joe Meek und die aufwendigen Produktionsmethoden der Wall of Sound von Phil Spector. ⓘ
Surf-Musik
Der instrumentale Rock'n'Roll von Künstlern wie Duane Eddy, Link Wray und den Ventures wurde von Dick Dale entwickelt, der den unverwechselbaren "nassen" Hall, das schnelle Wechselpicking und Einflüsse aus dem Nahen Osten und Mexiko einbrachte. Er produzierte 1961 den regionalen Hit "Let's Go Trippin'" und begründete damit den Surf-Musik-Wahn, der mit Songs wie "Misirlou" (1962) fortgesetzt wurde. Wie Dale und seine Del-Tones wurden die meisten frühen Surf-Bands in Südkalifornien gegründet, darunter die Bel-Airs, die Challengers und Eddie & the Showmen. Die Chantays landeten 1963 mit "Pipeline" einen nationalen Top-Ten-Hit, und der wohl bekannteste Surf-Song war 1963 "Wipe Out" von den Surfaris, der 1965 Platz 2 und Platz 10 der Billboard-Charts erreichte. ⓘ
Ihren größten kommerziellen Erfolg erzielte die Surfmusik als Vokalmusik, insbesondere durch die 1961 in Südkalifornien gegründeten Beach Boys. Ihre frühen Alben enthielten sowohl instrumentalen Surf-Rock (u. a. Coverversionen von Dick Dale) als auch gesungene Songs, die sich am Rock'n'Roll und Doo Wop sowie an den engen Harmonien von Vokal-Popgruppen wie den Four Freshmen orientierten. Der erste Hit der Beach Boys, "Surfin'" aus dem Jahr 1962, erreichte die Billboard Top 100 und trug dazu bei, dass die Surfmusik zu einem nationalen Phänomen wurde. Es wird oft behauptet, dass die Surf-Musikbegeisterung und die Karrieren fast aller Surf-Acts mit dem Aufkommen der British Invasion von 1964 effektiv beendet wurden, da die meisten Surf-Musikhits zwischen 1961 und 1965 aufgenommen und veröffentlicht wurden. ⓘ
Mitte der 1960er bis Ende der 1980er Jahre
Britische Invasion
Ende 1962 begann die britische Rockszene mit Beatgruppen wie den Beatles, Gerry & the Pacemakers und den Searchers aus Liverpool sowie Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits und den Hollies aus Manchester. Sie griffen auf eine breite Palette amerikanischer Einflüsse zurück, darunter Rock'n'Roll der 1950er Jahre, Soul, Rhythm and Blues und Surf Music, wobei sie zunächst amerikanische Standardmelodien neu interpretierten und für Tänzer spielten. Bands wie die Animals aus Newcastle und Them aus Belfast und vor allem Bands aus London wie die Rolling Stones und die Yardbirds waren viel direkter vom Rhythm and Blues und später von der Bluesmusik beeinflusst. Schon bald komponierten diese Gruppen ihr eigenes Material, in dem sie amerikanische Musikformen kombinierten und mit einem energiegeladenen Beat versahen. Beatbands tendierten zu "schwungvollen, unwiderstehlichen Melodien", während die frühen britischen Bluesbands zu weniger sexuell unschuldigen, aggressiveren Songs tendierten und oft eine Anti-Establishment-Haltung einnahmen. Dennoch gab es, vor allem in der Anfangsphase, beträchtliche musikalische Überschneidungen zwischen den beiden Tendenzen. 1963 begannen die Beat-Gruppen, angeführt von den Beatles, in Großbritannien landesweit erfolgreich zu werden, und bald darauf folgten die eher auf Rhythm and Blues ausgerichteten Bands in den Charts. ⓘ
"I Want to Hold Your Hand" war der erste Nummer-eins-Hit der Beatles in den Billboard Hot 100 und hielt sich sieben Wochen an der Spitze und insgesamt 15 Wochen in der Hitparade. Ihr erster Auftritt in der Ed Sullivan Show am 9. Februar 1964 mit geschätzten 73 Millionen Zuschauern (damals ein Rekord für eine amerikanische Fernsehsendung) gilt als ein Meilenstein der amerikanischen Popkultur. In der Woche vom 4. April 1964 erreichten die Beatles 12 Positionen in den Billboard Hot 100 Singles Charts, darunter die gesamten Top Five. Die Beatles avancierten zur meistverkauften Rockband aller Zeiten, und zahlreiche britische Bands folgten ihnen in die US-Charts. In den folgenden zwei Jahren dominierten britische Bands ihre eigenen und die US-Charts: Peter and Gordon, die Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, die Rolling Stones, die Troggs und Donovan hatten alle eine oder mehrere Nummer-eins-Singles. Zu den anderen großen Künstlern, die an der Invasion beteiligt waren, gehörten die Kinks und die Dave Clark Five. ⓘ
Die British Invasion trug zur Internationalisierung der Rock'n'Roll-Produktion bei und öffnete nachfolgenden britischen (und irischen) Künstlern die Tür zu internationalem Erfolg. In Amerika bedeutete sie wohl das Ende der instrumentalen Surfmusik, der gesanglichen Girlgroups und (eine Zeit lang) der Teenie-Idole, die in den späten 1950er und 1960er Jahren die amerikanischen Charts dominiert hatten. Sie beeinträchtigte die Karriere etablierter R&B-Acts wie Fats Domino und Chubby Checker und brachte sogar den Erfolg überlebender Rock'n'Roll-Acts, darunter Elvis, vorübergehend zum Entgleisen. Die British Invasion spielte auch eine wichtige Rolle bei der Entstehung eines eigenen Genres der Rockmusik und zementierte die Vorrangstellung der Rockgruppe, die sich auf Gitarren und Schlagzeug stützt und als Singer-Songwriter ihr eigenes Material produziert. Nach dem Vorbild der 1965 erschienenen LP Rubber Soul der Beatles veröffentlichten 1966 auch andere britische Rockbands Rockalben mit künstlerischem Anspruch, darunter Aftermath von den Rolling Stones, Revolver von den Beatles und A Quick One von The Who, aber auch amerikanische Bands wie die Beach Boys (Pet Sounds) und Bob Dylan (Blonde on Blonde). ⓘ
Garage-Rock
Garage Rock war eine rohe Form der Rockmusik, die Mitte der 1960er Jahre vor allem in Nordamerika verbreitet war und so genannt wurde, weil man annahm, dass sie in der Garage der Vorstadtfamilie geprobt wurde. Garage-Rock-Songs drehten sich oft um die Traumata des Highschool-Lebens, wobei Lieder über "lügende Mädchen" und ungerechte soziale Umstände besonders häufig vorkamen. Die Texte und die Vortragsweise waren tendenziell aggressiver als damals üblich, oft mit geknurrtem oder geschrieenem Gesang, der sich in zusammenhangloses Geschrei auflöste. Die Bandbreite reichte von kruder Ein-Akkord-Musik (wie bei den Seeds) bis hin zur Qualität von Studiomusikern (wie bei den Knickerbockers, The Remains und The Fifth Estate). In vielen Teilen des Landes gab es auch regionale Unterschiede, wobei die Szenen vor allem in Kalifornien und Texas florierten. In den Staaten des pazifischen Nordwestens, Washington und Oregon, war der regionale Sound vielleicht am stärksten ausgeprägt. ⓘ
Der Stil hatte sich bereits 1958 aus regionalen Szenen heraus entwickelt. "Tall Cool One" (1959) von den Wailers und "Louie Louie" von den Kingsmen (1963) sind Mainstream-Beispiele für das Genre in seinem Entstehungsstadium. Ab 1963 erreichten Garagenband-Singles in größerer Zahl die nationalen Charts, darunter Paul Revere and the Raiders (Boise), die Trashmen (Minneapolis) und die Rivieras (South Bend, Indiana). Andere einflussreiche Garagenbands, wie die Sonics (Tacoma, Washington), erreichten nie die Billboard Hot 100. ⓘ
Die britische Invasion hatte großen Einfluss auf die Garagenbands, verschaffte ihnen ein nationales Publikum, führte dazu, dass viele (oft Surf- oder Hot-Rod-Gruppen) einen britischen Einfluss annahmen, und ermutigte viele weitere Gruppen zur Gründung. In dieser Zeit gab es in den USA und Kanada Tausende von Garagenbands, von denen Hunderte regionale Hits produzierten. Obwohl zahlreiche Bands bei großen oder regionalen Labels unter Vertrag genommen wurden, waren die meisten kommerziell erfolglos. Es herrscht Einigkeit darüber, dass der Garage-Rock seinen kommerziellen und künstlerischen Höhepunkt um 1966 erreichte. Bis 1968 verschwand der Stil weitgehend aus den nationalen Charts und auf lokaler Ebene, da die Amateurmusiker mit dem Studium, der Arbeit oder dem Wehrdienst konfrontiert waren. Neue Stilrichtungen traten an die Stelle des Garage Rock. ⓘ
Blues-Rock
Obwohl der erste Einfluss der British Invasion auf die amerikanische Populärmusik von Beat- und R&B-Bands ausging, wurde der Impuls bald von einer zweiten Welle von Bands aufgegriffen, die ihre Inspiration direkter aus dem amerikanischen Blues bezogen, darunter die Rolling Stones und die Yardbirds. Die britischen Bluesmusiker der späten 1950er und frühen 1960er Jahre waren vom akustischen Spiel von Musikern wie Lead Belly, der einen großen Einfluss auf den Skiffle-Wahn hatte, und Robert Johnson inspiriert worden. Sie übernahmen zunehmend einen lauten, verstärkten Sound, bei dem die E-Gitarre oft im Mittelpunkt stand und der auf dem Chicagoer Blues basierte, insbesondere nach der Tournee von Muddy Waters durch Großbritannien im Jahr 1958, die Cyril Davies und den Gitarristen Alexis Korner dazu veranlasste, die Band Blues Incorporated zu gründen. Die Band inspirierte viele Persönlichkeiten des nachfolgenden britischen Bluesbooms, darunter Mitglieder der Rolling Stones und von Cream, indem sie Bluesstandards und -formen mit Rockinstrumenten und -akzenten kombinierte. ⓘ
Ein weiterer wichtiger Impulsgeber für den britischen Blues war John Mayall; zu seiner Band, den Bluesbreakers, gehörten Eric Clapton (nach Claptons Ausstieg bei den Yardbirds) und später Peter Green. Von besonderer Bedeutung war die Veröffentlichung des Albums Bluesbreakers with Eric Clapton (Beano) (1966), das als eine der wichtigsten britischen Bluesaufnahmen gilt und dessen Sound sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten viel Nachahmung fand. Eric Clapton gründete später die Supergruppen Cream, Blind Faith und Derek and the Dominos, gefolgt von einer ausgedehnten Solokarriere, die dazu beitrug, den Bluesrock in den Mainstream zu bringen. Zusammen mit der Rhythmusgruppe der Bluesbreaker, Mick Fleetwood und John McVie, gründete Green die Gruppe Peter Green's Fleetwood Mac, die zu den größten kommerziellen Erfolgen des Genres zählte. In den späten 1960er Jahren entwickelte Jeff Beck, ebenfalls ein ehemaliger Yardbirds-Gitarrist, mit seiner Band, der Jeff Beck Group, den Bluesrock in Richtung Heavy Rock. Der letzte Gitarrist der Yardbirds war Jimmy Page, der daraufhin The New Yardbirds gründete, aus denen bald Led Zeppelin wurde. Viele der Songs auf ihren ersten drei Alben und gelegentlich auch später in ihrer Karriere waren Erweiterungen traditioneller Bluessongs. ⓘ
In Amerika hatte der Gitarrist Lonnie Mack in den frühen 1960er Jahren Pionierarbeit für den Bluesrock geleistet, aber das Genre begann sich Mitte der 1960er Jahre zu entwickeln, als die Musiker einen ähnlichen Sound wie die britischen Bluesmusiker entwickelten. Zu den wichtigsten Künstlern gehörten Paul Butterfield (dessen Band wie Mayall's Bluesbreakers in Großbritannien als Ausgangspunkt für viele erfolgreiche Musiker diente), Canned Heat, die frühen Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, die J. Geils Band und Jimi Hendrix mit seinen Power-Trios, der Jimi Hendrix Experience (der zwei britische Mitglieder angehörten und die in Großbritannien gegründet wurde) und die Band of Gypsys, deren Gitarrenvirtuosität und Showmanship zu den am meisten nachgeahmten des Jahrzehnts gehören sollten. Bluesrock-Bands aus den Südstaaten wie die Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd und ZZ Top ließen Country-Elemente in ihren Stil einfließen und schufen so das unverwechselbare Genre Southern Rock. ⓘ
Die frühen Bluesrock-Bands orientierten sich oft am Jazz und spielten lange, verwickelte Improvisationen, die später ein wichtiges Element des Progressive Rock sein sollten. Ab etwa 1967 entfernten sich Bands wie Cream und Jimi Hendrix Experience von der reinen Bluesmusik und wandten sich der Psychedelia zu. In den 1970er Jahren wurde der Bluesrock härter und rifflastiger, wie zum Beispiel bei Led Zeppelin und Deep Purple, und die Grenzen zwischen Bluesrock und Hardrock waren kaum noch zu erkennen, da die Bands begannen, Alben im Rockstil aufzunehmen. Das Genre wurde in den 1970er Jahren von Künstlern wie George Thorogood und Pat Travers weitergeführt, aber vor allem in der britischen Szene (vielleicht mit Ausnahme von Gruppen wie Status Quo und Foghat, die sich auf eine Form von energiegeladenem und repetitivem Boogie-Rock zubewegten) konzentrierten sich die Bands auf die Innovation des Heavy Metal, und der Blues-Rock begann aus dem Mainstream zu verschwinden. ⓘ
Folk-Rock
In den 1960er Jahren hatte sich die Szene, die sich aus dem amerikanischen Folk-Revival entwickelt hatte, zu einer großen Bewegung entwickelt, die traditionelle Musik und neue Kompositionen im traditionellen Stil, meist auf akustischen Instrumenten, verwendete. In Amerika leisteten Persönlichkeiten wie Woody Guthrie und Pete Seeger Pionierarbeit für dieses Genre, das oft mit progressiver oder Arbeiterpolitik in Verbindung gebracht wurde. In den frühen sechziger Jahren traten Persönlichkeiten wie Joan Baez und Bob Dylan als Singer-Songwriter in den Vordergrund dieser Bewegung. Dylan hatte mit Hits wie "Blowin' in the Wind" (1963) und "Masters of War" (1963) begonnen, ein Mainstream-Publikum zu erreichen, das "Protestsongs" einem breiteren Publikum nahebrachte, aber obwohl sie begannen, sich gegenseitig zu beeinflussen, waren Rock- und Folkmusik weitgehend getrennte Genres geblieben, die sich oft gegenseitig ausschlossen. ⓘ
Zu den frühen Versuchen, Elemente von Folk und Rock zu kombinieren, gehörten "House of the Rising Sun" (1964) von den Animals, der erste kommerziell erfolgreiche Folksong, der mit Rock'n'Roll-Instrumenten aufgenommen wurde, und "I'm a Loser" (1964) von den Beatles, der wohl erste Beatles-Song, der direkt von Dylan beeinflusst wurde. Man geht davon aus, dass die Folk-Rock-Bewegung mit der Aufnahme von Dylans "Mr. Tambourine Man" durch die Byrds, die 1965 die Hitparade anführte, ihren Anfang nahm. Die Mitglieder der Byrds, die aus der Folkszene von Los Angeles stammten, übernahmen Rockinstrumente wie Schlagzeug und 12-saitige Rickenbacker-Gitarren, die den Sound des Genres maßgeblich prägten. Später im selben Jahr setzte Dylan zur Empörung vieler Folk-Puristen elektrische Instrumente ein, und sein "Like a Rolling Stone" wurde zu einer US-Hitsingle. Ritchie Unterberger zufolge beeinflusste Dylan (noch bevor er elektrische Instrumente einsetzte) Rockmusiker wie die Beatles, indem er "der Rockgeneration im Allgemeinen zeigte, dass ein Album auch ohne Hit-Singles eine wichtige eigenständige Aussage sein kann", wie etwa auf The Freewheelin' Bob Dylan (1963). ⓘ
Der Folk-Rock entwickelte sich vor allem in Kalifornien, wo Künstler wie die Mamas & the Papas und Crosby, Stills und Nash zur elektrischen Instrumentierung übergingen, und in New York, wo er Künstler wie die Lovin' Spoonful und Simon and Garfunkel hervorbrachte, deren akustisches "The Sounds of Silence" (1965) mit Rockinstrumenten neu abgemischt wurde und der erste von vielen Hits war. Diese Acts hatten direkten Einfluss auf britische Künstler wie Donovan und Fairport Convention. 1969 gaben Fairport Convention ihre Mischung aus amerikanischen Covers und Dylan-beeinflussten Songs auf und spielten traditionelle englische Folkmusik auf elektrischen Instrumenten. Dieser britische Folk-Rock wurde von Bands wie Pentangle, Steeleye Span und der Albion Band aufgegriffen, was wiederum irische Gruppen wie Horslips und schottische Bands wie die JSD Band, Spencer's Feat und später Five Hand Reel dazu veranlasste, ihre traditionelle Musik zu nutzen, um in den frühen 1970er Jahren eine Art Celtic Rock zu schaffen. ⓘ
Der Folk-Rock erreichte seinen kommerziellen Höhepunkt in den Jahren 1967-68, bevor sich viele Künstler in verschiedene Richtungen bewegten, darunter Dylan und die Byrds, die begannen, Country-Rock zu entwickeln. Die Vermischung von Folk und Rock wird jedoch als wichtiger Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik angesehen, da sie psychedelische Elemente einbrachte und dazu beitrug, die Ideen des Singer-Songwriters, des Protestsongs und des Konzepts der "Authentizität" zu entwickeln. ⓘ
Psychedelischer Rock
Die LSD-inspirierte Stimmung der psychedelischen Musik begann in der Folkszene. Die erste Gruppe, die sich selbst als Psychedelic Rock bezeichnete, waren die 13th Floor Elevators aus Texas. Die Beatles führten in dieser Zeit viele der wichtigsten Elemente des psychedelischen Sounds ein, wie z. B. Gitarrenrückkopplungen, die indische Sitar und Backmasking-Soundeffekte. Der Psychedelic Rock entwickelte sich vor allem in der aufstrebenden Musikszene Kaliforniens, als die Gruppen ab 1965 dem Wechsel der Byrds vom Folk zum Folkrock folgten. Der psychedelische Lebensstil, der sich um halluzinogene Drogen drehte, hatte sich bereits in San Francisco entwickelt, und besonders prominente Produkte der Szene waren Big Brother and the Holding Company, die Grateful Dead und Jefferson Airplane. Der Leadgitarrist der Jimi Hendrix Experience, Jimi Hendrix, spielte verzerrte, mit Rückkopplungen gefüllte Jams, die zu einem Hauptmerkmal der Psychedelia wurden. Der Psychedelic Rock erreichte seinen Höhepunkt in den letzten Jahren des Jahrzehnts. 1967 veröffentlichten die Beatles mit Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ihr endgültiges psychedelisches Statement, einschließlich des umstrittenen Titels Lucy in the Sky with Diamonds", die Rolling Stones antworteten im selben Jahr mit Their Satanic Majesties Request und Pink Floyd debütierten mit The Piper at the Gates of Dawn. Zu den wichtigsten Aufnahmen gehörten Jefferson Airplanes Surrealistic Pillow und Strange Days von den Doors. Diese Trends erreichten ihren Höhepunkt auf dem Woodstock-Festival 1969, auf dem die meisten der großen psychedelischen Bands auftraten. ⓘ
Sgt. Pepper wurde später als das beste Album aller Zeiten und als Ausgangspunkt für die Album-Ära angesehen, in der die Rockmusik vom Single-Format zum Album überging und eine kulturelle Legitimität im Mainstream erreichte. Angeführt von den Beatles Mitte der 1960er Jahre setzten Rockmusiker die LP als dominierende Form des Ausdrucks und des Konsums von Tonträgern durch und leiteten damit für die nächsten Jahrzehnte eine vom Rock geprägte Album-Ära in der Musikindustrie ein. ⓘ
Progressiver Rock
Progressiver Rock, ein Begriff, der manchmal mit Artrock gleichgesetzt wird, ging über die etablierten musikalischen Formeln hinaus, indem er mit verschiedenen Instrumenten, Songtypen und Formen experimentierte. Ab Mitte der 1960er Jahre leisteten die Left Banke, die Beatles, die Rolling Stones und die Beach Boys Pionierarbeit bei der Einbeziehung von Cembalo, Bläsern und Streichern in ihre Aufnahmen, um eine Form des Barock-Rocks zu erzeugen, was in Singles wie A Whiter Shade of Pale" (1967) von Procol Harum mit seiner von Bach inspirierten Einleitung zu hören ist. The Moody Blues setzten auf ihrem Album Days of Future Passed" (1967) ein ganzes Orchester ein und erzeugten später mit Synthesizern orchestrale Klänge. Klassische Orchestrierung, Keyboards und Synthesizer waren eine häufige Ergänzung zum etablierten Rockformat mit Gitarren, Bass und Schlagzeug im späteren Progressive Rock. ⓘ
Instrumentalstücke waren weit verbreitet, während Songs mit Texten manchmal konzeptionell, abstrakt oder in Fantasy und Science Fiction angesiedelt waren. SF Sorrow (1968) von The Pretty Things und Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) von The Kinks führten das Format der Rockopern ein und öffneten die Tür zu Konzeptalben, die oft eine epische Geschichte erzählten oder ein großes übergreifendes Thema behandelten. King Crimsons Debütalbum In the Court of the Crimson King (1969), das kraftvolle Gitarrenriffs und Mellotron mit Jazz und symphonischer Musik mischte, wird oft als Schlüsselaufnahme des Progressive Rock angesehen und trug dazu bei, dass sich das Genre in den frühen 1970er Jahren bei bestehenden Bluesrock- und Psychedelic-Bands sowie bei neu gegründeten Bands durchsetzte. In der lebhaften Canterbury-Szene folgten Soft Machine Acts, die sich von Psychedelia über Jazz-Einflüsse hin zu expansiverem Hardrock entwickelten, darunter Caravan, Hatfield and the North, Gong und National Health. ⓘ
Größeren kommerziellen Erfolg hatten Pink Floyd, die sich nach dem Ausscheiden von Syd Barrett 1968 ebenfalls von der Psychedelik abwandten. The Dark Side of the Moon (1973), das als Meisterwerk des Genres gilt, wurde zu einem der meistverkauften Alben aller Zeiten. Der Schwerpunkt lag auf der instrumentalen Virtuosität, wobei Yes die Fähigkeiten des Gitarristen Steve Howe und des Keyboarders Rick Wakeman zur Geltung brachten, während Emerson, Lake & Palmer eine Supergruppe waren, die einige der technisch anspruchsvollsten Werke des Genres produzierte. Jethro Tull und Genesis verfolgten beide eine sehr unterschiedliche, aber eindeutig englische Musikrichtung. Renaissance, 1969 von den ehemaligen Yardbirds Jim McCarty und Keith Relf gegründet, entwickelte sich zu einer hochkonzeptionellen Band mit der Drei-Oktaven-Stimme von Annie Haslam. Die meisten britischen Bands konnten sich auf eine relativ kleine Kultgemeinde stützen, aber einigen wenigen, darunter Pink Floyd, Genesis und Jethro Tull, gelang es, in ihrer Heimat Top-Ten-Singles zu produzieren und den amerikanischen Markt zu erobern. Der amerikanische Progressive Rock reichte von den eklektischen und innovativen Frank Zappa, Captain Beefheart und Blood, Sweat & Tears bis hin zu eher poprock-orientierten Bands wie Boston, Foreigner, Kansas, Journey und Styx. Neben den britischen Bands Supertramp und ELO wiesen sie alle einen Prog-Rock-Einfluss auf und gehörten zu den kommerziell erfolgreichsten Acts der 1970er Jahre. Sie läuteten die Ära des Pomp- oder Arena-Rocks ein, die so lange andauern sollte, bis die Kosten für aufwändige Shows (oft mit theatralischen Inszenierungen und Spezialeffekten) in den 1990er Jahren durch kostengünstigere Rockfestivals als wichtige Live-Veranstaltungsorte ersetzt wurden. ⓘ
Der instrumentale Teil des Genres führte zu Alben wie Mike Oldfields Tubular Bells (1973), dem ersten Album und weltweiten Hit für das Label Virgin Records, das zu einer tragenden Säule des Genres wurde. Der Instrumentalrock war besonders in Kontinentaleuropa von Bedeutung und ermöglichte es Bands wie Kraftwerk, Tangerine Dream, Can und Faust, die Sprachbarriere zu überwinden. Ihr Synthesizer-lastiger "Krautrock" und die Arbeit von Brian Eno (zeitweise Keyboarder bei Roxy Music) hatten einen großen Einfluss auf den späteren elektronischen Rock. Mit dem Aufkommen des Punkrock und dem technologischen Wandel in den späten 1970er Jahren wurde der Progressive Rock zunehmend als prätentiös und aufgeblasen abgetan. Viele Bands lösten sich auf, aber einige, darunter Genesis, ELP, Yes und Pink Floyd, erreichten regelmäßig Top-Ten-Alben und gingen erfolgreich auf Welttournee. Einige Bands, die im Gefolge des Punk entstanden, wie Siouxsie and the Banshees, Ultravox und Simple Minds, zeigten den Einfluss des Progressive Rock ebenso wie ihre bekannteren Punk-Einflüsse. ⓘ
Jazz-Rock
In den späten 1960er Jahren entwickelte sich der Jazz-Rock als eigenständiges Subgenre aus der Blues-Rock-, Psychedelic- und Progressive-Rock-Szene, das die Kraft des Rock mit der musikalischen Komplexität und den improvisatorischen Elementen des Jazz verband. AllMusic erklärt, dass der Begriff Jazz-Rock "sich auf die lautesten, wildesten und elektrifiziertesten Fusion-Bands aus dem Jazz-Lager beziehen kann, aber meistens beschreibt er Interpreten, die von der Rock-Seite der Gleichung kommen". Jazz-Rock "...ist im Allgemeinen aus den künstlerisch ambitioniertesten Rock-Subgenres der späten 60er und frühen 70er Jahre hervorgegangen", einschließlich der Singer-Songwriter-Bewegung. Viele frühe US-amerikanische Rock'n'Roll-Musiker hatten ihre Anfänge im Jazz und übernahmen einige dieser Elemente in die neue Musik. In Großbritannien war das Subgenre des Blues Rock und viele seiner führenden Vertreter, wie Ginger Baker und Jack Bruce von der von Eric Clapton angeführten Band Cream, aus der britischen Jazzszene hervorgegangen. Als erste echte Jazz-Rock-Aufnahme wird oft das einzige Album der relativ obskuren New Yorker Free Spirits mit Out of Sight and Sound (1966) hervorgehoben. Die erste Gruppe von Bands, die die Bezeichnung selbstbewusst verwendete, waren R&B-orientierte weiße Rockbands, die sich jazzige Bläsersätze zunutze machten, wie Electric Flag, Blood, Sweat & Tears und Chicago, die zu den kommerziell erfolgreichsten Bands der späten 1960er und frühen 1970er Jahre gehörten. ⓘ
Zu den britischen Acts, die im gleichen Zeitraum aus der Bluesszene hervorgingen und sich die klanglichen und improvisatorischen Aspekte des Jazz zunutze machten, gehörten Nucleus und das aus Graham Bond und John Mayall hervorgegangene Colosseum. Aus der Psychedelic-Rock- und der Canterbury-Szene stammten Soft Machine, die eine der künstlerisch erfolgreichsten Fusionen der beiden Genres vollzogen haben sollen. Die vielleicht von der Kritik am meisten beachtete Fusion kam von der Jazzseite, als Miles Davis, besonders beeinflusst von Hendrix' Arbeit, für das Album Bitches Brew (1970) Rockinstrumente in seinen Sound einbaute. Dies war ein wichtiger Einfluss auf nachfolgende, von Rockmusik beeinflusste Jazzkünstler, darunter Herbie Hancock, Chick Corea und Weather Report. Das Genre begann in den späten 1970er Jahren zu verblassen, als eine sanftere Form der Fusion sein Publikum eroberte, aber Künstler wie Steely Dan, Frank Zappa und Joni Mitchell nahmen in dieser Zeit bedeutende jazzbeeinflusste Alben auf, und es ist weiterhin ein wichtiger Einfluss auf die Rockmusik. ⓘ
Zunehmende Kommerzialisierung in den 1970er Jahren
Im Hinblick auf die Entwicklungen in der Rockmusik in den frühen 1970er Jahren schrieb Robert Christgau in Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981):
Das Jahrzehnt ist natürlich selbst ein willkürliches Schema - die Zeit vollzieht nicht nur alle zehn Jahre eine saubere Wendung in Richtung Zukunft. Aber wie viele künstliche Konzepte - zum Beispiel Geld - nimmt die Kategorie eine eigene Realität an, sobald die Menschen herausgefunden haben, wie man sie einsetzen kann. Der Slogan "Die 60er Jahre sind vorbei", den man erst 1972 oder so zu hören bekam, mobilisierte all diejenigen, die glauben wollten, dass der Idealismus passé sei, und sobald sie mobilisiert waren, war er es auch. In der populären Musik bedeutete die Umarmung der 70er Jahre sowohl einen elitären Rückzug aus der chaotischen Konzert- und Gegenkulturszene als auch ein profitorientiertes Streben nach dem kleinsten gemeinsamen Nenner im UKW-Radio und im Plattenrock. ⓘ
Der Rock wurde in diesem Jahrzehnt immer stärker kommerzialisiert, verwandelte sich in eine Multimilliarden-Dollar-Industrie und verdoppelte seinen Markt, während er, wie Christgau feststellte, einen erheblichen "Verlust an kulturellem Prestige" erlitt. "Vielleicht wurden die Bee Gees populärer als die Beatles, aber sie waren nie populärer als Jesus", sagte er. "Es gab viele Songs über das Rock'n'Roll-Leben, aber nur sehr wenige darüber, wie Rock die Welt verändern könnte, außer als neues Schmerzmittel... In den 70er Jahren übernahmen die Mächtigen das Ruder, als Rockindustrielle aus der nationalen Stimmung Kapital schlugen, um potente Musik auf eine oft reaktionäre Art von Unterhaltung zu reduzieren - und um die populäre Basis des Rock vom Publikum zum Markt umzuwandeln." ⓘ
Roots-Rock
Der Begriff Roots-Rock bezeichnet heute die Abkehr von den Exzessen der psychedelischen Szene und die Hinwendung zu einer einfacheren Form des Rock 'n' Roll, die ihre ursprünglichen Einflüsse, insbesondere die Country- und Folk-Musik, mit einbezieht, was zur Entstehung des Country-Rock und des Southern Rock führte. 1966 ging Bob Dylan nach Nashville, um das Album Blonde on Blonde aufzunehmen. Dieses und die folgenden, stärker von der Country-Musik beeinflussten Alben gelten als Geburtsstunde des Country-Folk-Genres, das von einer Reihe akustischer Folk-Musiker weitergeführt wurde. Auch die kanadische Gruppe The Band und das in Kalifornien ansässige Creedence Clearwater Revival folgten dem Back-to-Basics-Trend. Beide mischten einfachen Rock'n'Roll mit Folk, Country und Blues und gehörten damit zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Bands der späten 1960er Jahre. Dieselbe Bewegung war der Beginn der Plattenkarriere kalifornischer Solokünstler wie Ry Cooder, Bonnie Raitt und Lowell George und beeinflusste die Arbeit etablierter Künstler wie Beggar's Banquet (1968) von den Rolling Stones und Let It Be (1970) von den Beatles. In seiner Kolumne "Consumer Guide" vom Juni 1970 schrieb Christgau über diesen Trendwechsel in der Rockmusik der letzten Jahre, dass diese "neue Orthodoxie" und "kulturelle Verzögerung" improvisatorische, studioverzierte Produktionen zugunsten einer Betonung von "straffer, sparsamer Instrumentierung" und Songkomposition aufgab: "Ihre Bezugspunkte sind der Rock der 50er Jahre, Country-Musik und Rhythm-and-Blues, und ihre Hauptinspiration ist die Band." ⓘ
1968 nahm Gram Parsons mit der International Submarine Band Safe at Home auf, wohl das erste echte Country-Rock-Album. Später im selben Jahr schloss er sich den Byrds für Sweetheart of the Rodeo (1968) an, das allgemein als eine der einflussreichsten Aufnahmen des Genres gilt. Die Byrds machten in der gleichen Weise weiter, aber Parsons verließ die Band, um zusammen mit einem anderen Ex-Byrds-Mitglied, Chris Hillman, die Flying Burrito Brothers zu gründen, die dazu beitrugen, die Seriosität und die Parameter des Genres zu etablieren, bevor Parsons sich auf eine Solokarriere verlegte. Zu den kalifornischen Bands, die sich dem Country-Rock anschlossen, gehörten Hearts and Flowers, Poco, New Riders of the Purple Sage, die Beau Brummels und die Nitty Gritty Dirt Band. Einige Interpreten erlebten ebenfalls eine Renaissance, indem sie den Country-Sound übernahmen, darunter die Everly Brothers, das einstige Teenie-Idol Rick Nelson, der Frontmann der Stone Canyon Band wurde, der ehemalige Monkee Mike Nesmith, der die First National Band gründete, und Neil Young. Die Dillards waren ungewöhnlicherweise eine Countryband, die sich der Rockmusik zuwandte. Der größte kommerzielle Erfolg des Country-Rock kam in den 1970er Jahren mit Künstlern wie den Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt und den Eagles (die sich aus Mitgliedern der Burritos, Poco und der Stone Canyon Band zusammensetzten), die sich mit Alben wie Hotel California (1976) zu einer der erfolgreichsten Rockbands aller Zeiten entwickelten. ⓘ
Als Begründer des Südstaaten-Rocks gilt in der Regel die Allman Brothers Band, die Anfang der 1970er Jahre einen unverwechselbaren Sound entwickelte, der weitgehend vom Bluesrock abgeleitet war, aber auch Elemente des Boogie, Soul und Country enthielt. Die erfolgreichste Band nach ihnen war Lynyrd Skynyrd, die dazu beitrug, das "Good ol' boy"-Image des Subgenres und die allgemeine Form des Gitarrenrocks der 1970er Jahre zu etablieren. Zu ihren Nachfolgern gehörten die Fusion/Progressiv-Instrumentalisten Dixie Dregs, die eher Country-beeinflussten Outlaws, die an Funk/R&B orientierten Wet Willie und (mit Elementen von R&B und Gospel) die Ozark Mountain Daredevils. Nach dem Verlust von Originalmitgliedern der Allmans und Lynyrd Skynyrd begann das Genre Ende der 1970er Jahre an Popularität zu verlieren, wurde aber in den 1980er Jahren durch Bands wie .38 Special, Molly Hatchet und die Marshall Tucker Band wiederbelebt. ⓘ
Glam-Rock
Der Glam-Rock entstand aus der englischen Psychedelic- und Art-Rock-Szene der späten 1960er Jahre und kann sowohl als Erweiterung als auch als Reaktion auf diese Trends betrachtet werden. Musikalisch war er sehr vielfältig und reichte vom einfachen Rock'n'Roll-Revivalismus eines Alvin Stardust bis hin zum komplexen Art-Rock von Roxy Music und kann sowohl als Modeerscheinung als auch als musikalisches Subgenre betrachtet werden. Optisch war er ein Geflecht aus verschiedenen Stilen, die vom Hollywood-Glamour der 1930er Jahre über den Pin-up-Sexappeal der 1950er Jahre, die Theatralik des Vorkriegs-Cabaret, den viktorianischen Literatur- und Symbolismus-Stil, die Science-Fiction bis hin zu antiker und okkulter Mystik und Mythologie reichten und sich in unverschämter Kleidung, Make-up, Frisuren und Stiefeln mit Plateausohlen manifestierten. Glam ist vor allem für seine sexuelle und geschlechtliche Zweideutigkeit und die Darstellung von Androgynität bekannt, neben dem ausgiebigen Einsatz von Theatralik. Vorreiter waren die Showeinlagen und die Manipulation der Geschlechteridentität amerikanischer Bands wie den Cockettes und Alice Cooper. ⓘ
Die Ursprünge des Glam Rock werden mit Marc Bolan in Verbindung gebracht, der sein Folk-Duo in T. Rex umbenannt und Ende der 1960er Jahre zu elektrischen Instrumenten gegriffen hatte. Oft wird sein Auftritt in der BBC-Musiksendung Top of the Pops im März 1971, bei dem er in Glitzer und Satin gekleidet seinen zweiten Top-10-Hit im Vereinigten Königreich (und seinen ersten Nummer-1-Hit im Vereinigten Königreich), "Hot Love", vortrug, als Gründungsmoment genannt. Ab 1971, als David Bowie bereits ein kleinerer Star war, entwickelte er seine Ziggy-Stardust-Persönlichkeit, indem er Elemente von professionellem Make-up, Pantomime und Performance in seinen Auftritt einbaute. Diesen Künstlern folgten bald auch andere Künstler wie Roxy Music, Sweet, Slade, Mott the Hoople, Mud und Alvin Stardust. Während sie im Vereinigten Königreich in den Single-Charts sehr erfolgreich waren, gelang es nur wenigen dieser Musiker, in den Vereinigten Staaten ernsthaft Fuß zu fassen. Bowie war die große Ausnahme und wurde zu einem internationalen Superstar, was dazu führte, dass Bands wie Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls und Jobriath den Glam-Stil übernahmen, der oft als "Glitter Rock" bezeichnet wurde und einen dunkleren textlichen Inhalt hatte als ihre britischen Vorbilder. Im Vereinigten Königreich wurde der Begriff Glitter Rock meist für die extreme Version des Glam verwendet, die von Gary Glitter und seinen Begleitmusikern, der Glitter Band, betrieben wurde, die zwischen 1972 und 1976 insgesamt achtzehn Top-Ten-Singles im Vereinigten Königreich erreichten. Eine zweite Welle von Glam-Rock-Acts, darunter Suzi Quatro, Roy Wood's Wizzard und Sparks, dominierte die britischen Single-Charts von etwa 1974 bis 1976. Auch bereits existierende Künstler, von denen einige normalerweise nicht zu diesem Genre gehörten, übernahmen den Glam-Stil, darunter Rod Stewart, Elton John, Queen und zeitweise sogar die Rolling Stones. Er war auch ein direkter Einfluss auf später aufstrebende Bands wie Kiss und Adam Ant und, weniger direkt, auf die Entstehung von Gothic Rock und Glam Metal sowie auf den Punkrock, der dazu beitrug, dass der Glam ab etwa 1976 aus der Mode kam. Seitdem erlebt der Glam ein sporadisches, bescheidenes Revival durch Bands wie Chainsaw Kittens, The Darkness und die R&B-Crossover-Band Prince. ⓘ
Chicano-Rock
Nach den frühen Erfolgen des Latin Rock in den 1960er Jahren setzten Chicano-Musiker wie Carlos Santana und Al Hurricane ihre erfolgreichen Karrieren in den 1970er Jahren fort. Santana eröffnete das Jahrzehnt mit dem Erfolg seiner 1970er Single Black Magic Woman" auf dem Album Abraxas. Sein drittes Album Santana III brachte die Single No One to Depend On" hervor, und auf seinem vierten Album Caravanserai experimentierte er mit seinem Sound, der gemischt aufgenommen wurde. Später veröffentlichte er eine Reihe von vier Alben, die alle Goldstatus erreichten: Welcome, Borboletta, Amigos und Festivál. Al Hurricane mischte weiterhin seine Rockmusik mit der Musik New Mexicos, experimentierte aber auch verstärkt mit Jazzmusik, was zu mehreren erfolgreichen Singles führte, vor allem auf seinem Album Vestido Mojado", darunter das gleichnamige Vestido Mojado", sowie Por Una Mujer Casada" und Puño de Tierra"; seine Brüder hatten mit La Del Moño Colorado" von Tiny Morrie und La Cumbia De San Antone" von Baby Gaby erfolgreiche Singles mit Musik aus New Mexiko. Auch Al Hurricane Jr. begann seine erfolgreiche, von Rockmusik beeinflusste New-Mexico-Musikkarriere in den 1970er Jahren mit seiner Interpretation von "Flor De Las Flores" aus dem Jahr 1976. Los Lobos erlangten zu dieser Zeit mit ihrem ersten Album Los Lobos del Este de Los Angeles im Jahr 1977 Popularität. ⓘ
Soft Rock, Hard Rock und früher Heavy Metal
1971 war eine merkwürdige Zeit - obwohl die Aufteilung des Rock in verschiedene Genres schon weit fortgeschritten war, war es oft schwer, ein Schlagwort vom anderen zu unterscheiden. "Art-Rock" konnte alles von den Velvets bis zu den Moody Blues bedeuten, und obwohl Led Zeppelin ins Leben gerufen und Black Sabbath gefeiert wurde, blieb "Heavy Metal" ein amorpher Begriff.
-Robert Christgau
Ab den späten 1960er Jahren wurde es üblich, die Mainstream-Rockmusik in Soft- und Hardrock zu unterteilen. Soft-Rock wurde oft vom Folk-Rock abgeleitet, wobei akustische Instrumente verwendet wurden und mehr Wert auf Melodien und Harmonien gelegt wurde. Zu den wichtigsten Künstlern gehörten Carole King, Cat Stevens und James Taylor. Seinen kommerziellen Höhepunkt erreichte er Mitte bis Ende der 1970er Jahre mit Künstlern wie Billy Joel, America und den reformierten Fleetwood Mac, deren Rumours (1977) das meistverkaufte Album des Jahrzehnts war. Im Gegensatz dazu war der Hard Rock häufiger vom Blues-Rock abgeleitet und wurde lauter und intensiver gespielt. Der Schwerpunkt lag häufig auf der E-Gitarre, sowohl als Rhythmusinstrument mit einfachen, sich wiederholenden Riffs als auch als Solo-Lead-Instrument, und es wurde häufiger mit Verzerrungen und anderen Effekten gearbeitet. Zu den Hauptakteuren gehörten Bands der British Invasion wie die Kinks sowie Künstler der psychedelischen Ära wie Cream, Jimi Hendrix und die Jeff Beck Group. Zu den vom Hardrock beeinflussten Bands, die in den späteren 1970er Jahren internationale Erfolge feierten, gehörten Queen, Thin Lizzy, Aerosmith, AC/DC und Van Halen. ⓘ
Ab den späten 1960er Jahren wurde der Begriff "Heavy Metal" zur Beschreibung von Hardrock verwendet, der mit noch größerer Lautstärke und Intensität gespielt wurde, zunächst als Adjektiv und in den frühen 1970er Jahren als Substantiv. In der Musik wurde der Begriff erstmals in Steppenwolfs "Born to Be Wild" (1967) verwendet und mit Pionierbands wie Blue Cheer aus San Francisco, James Gang aus Cleveland und Grand Funk Railroad aus Michigan in Verbindung gebracht. Bis 1970 hatten drei wichtige britische Bands die charakteristischen Klänge und Stile entwickelt, die das Subgenre mitprägen sollten. Led Zeppelin fügten ihrem riffgeladenen Bluesrock Fantasyelemente hinzu, Deep Purple brachten symphonische und mittelalterliche Elemente aus ihrer Progressive-Rock-Phase ein und Black Sabbath führten Facetten des Gothic und der modalen Harmonie ein und trugen so zu einem "dunkleren" Sound bei. Diese Elemente wurden von einer "zweiten Generation" von Heavy-Metal-Bands in den späten 1970er Jahren aufgegriffen, darunter: Judas Priest, UFO, Motörhead und Rainbow aus Großbritannien; Kiss, Ted Nugent und Blue Öyster Cult aus den USA; Rush aus Kanada und Scorpions aus Deutschland, die alle die Popularität des Subgenres ausweiteten. Trotz des Mangels an Airplay und der geringen Präsenz in den Single-Charts fand der Heavy Metal Ende der 1970er Jahre eine beachtliche Anhängerschaft, insbesondere unter männlichen Jugendlichen aus der Arbeiterklasse in Nordamerika und Europa. ⓘ
Christlicher Rock
Rock, vor allem das Heavy-Metal-Genre, wurde von einigen christlichen Führern kritisiert, die es als unmoralisch, antichristlich und sogar satanisch verurteilten. Der christliche Rock begann sich jedoch in den späten 1960er Jahren zu entwickeln, insbesondere aus der in Südkalifornien entstandenen Jesus-Bewegung, und entwickelte sich in den 1970er Jahren zu einem Subgenre mit Künstlern wie Larry Norman, der gewöhnlich als der erste große Star" des christlichen Rocks gilt. Das Genre war vor allem ein Phänomen in den Vereinigten Staaten. Viele christliche Rockmusiker haben Verbindungen zur zeitgenössischen christlichen Musikszene. Ab den 1980er Jahren hatten christliche Popkünstler einen gewissen Erfolg im Mainstream. Während diese Künstler in den christlichen Gemeinden weitgehend akzeptiert wurden, war die Übernahme von Heavy-Rock- und Glam-Metal-Stilen durch Bands wie Stryper, die in den 1980er Jahren einen beachtlichen Mainstream-Erfolg erzielten, eher umstritten. Ab den 1990er Jahren gab es eine wachsende Zahl von Bands, die versuchten, das Etikett "christliche Band" zu vermeiden, und es vorzogen, als Gruppen gesehen zu werden, die auch Christen waren, darunter P.O.D. ⓘ
Heartland-Rock
Der an der Arbeiterklasse orientierte amerikanische Heartland Rock, der sich durch einen geradlinigen Musikstil und die Beschäftigung mit dem Leben der einfachen amerikanischen Arbeiter auszeichnet, entwickelte sich in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre. Der Begriff "Heartland Rock" wurde zunächst zur Beschreibung von Arenarock-Gruppen aus dem Mittleren Westen wie Kansas, REO Speedwagon und Styx verwendet, wurde dann aber mit einer sozialeren Form des Roots-Rock assoziiert, die direkter von Folk, Country und Rock and Roll beeinflusst war. Sie wurde als Gegenstück zum Country-Rock der Westküste und zum Southern-Rock des amerikanischen Südens gesehen, der aus dem Mittleren Westen und dem Rust Belt stammt. Angeführt von Persönlichkeiten, die anfangs mit Punk und New Wave in Verbindung gebracht wurden, war sie am stärksten von Acts wie Bob Dylan, den Byrds, Creedence Clearwater Revival und Van Morrison sowie dem Basisrock der 1960er Jahre und den Rolling Stones beeinflusst. ⓘ
Der kommerzielle Erfolg von Singer-Songwritern wie Bruce Springsteen, Bob Seger und Tom Petty sowie von weniger bekannten Acts wie Southside Johnny and the Asbury Jukes und Joe Grushecky and the Houserockers war zum Teil eine Reaktion auf den postindustriellen Niedergang der Städte im Osten und Mittleren Westen, die sich häufig mit Fragen des sozialen Zerfalls und der Isolation befassten, und eine Art Wiederbelebung des Rock 'n' Roll. Das Genre erreichte seinen kommerziellen, künstlerischen und einflussreichen Höhepunkt Mitte der 1980er Jahre mit Springsteens Born in the USA (1984), das weltweit die Charts anführte und eine Reihe von Top-Ten-Singles hervorbrachte, sowie mit der Ankunft von Künstlern wie John Mellencamp, Steve Earle und sanfteren Singer-Songwritern wie Bruce Hornsby. Auch bei so unterschiedlichen Künstlern wie Billy Joel, Kid Rock und den Killers ist der Einfluss dieser Musik zu hören. ⓘ
Anfang der 1990er Jahre verschwand der Heartland-Rock als anerkanntes Genre, da die Rockmusik im Allgemeinen und die Themen der Arbeiterschaft und der weißen Arbeiterklasse im Besonderen bei einem jüngeren Publikum an Einfluss verloren und sich die Künstler des Heartland-Rocks persönlicheren Werken zuwandten. Viele Heartland-Rock-Künstler nehmen auch heute noch mit kritischem und kommerziellem Erfolg Platten auf, vor allem Bruce Springsteen, Tom Petty und John Mellencamp, obwohl ihre Werke persönlicher und experimenteller geworden sind und sich nicht mehr ohne weiteres einem einzigen Genre zuordnen lassen. Neuere Künstler, deren Musik in den 1970er oder 1980er Jahren vielleicht als Heartland Rock bezeichnet worden wäre, wie z. B. die Bottle Rockets aus Missouri und Uncle Tupelo aus Illinois, werden heute oft als Alt-Country bezeichnet. ⓘ
Punk-Rock
Der Punkrock entwickelte sich zwischen 1974 und 1976 in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich. Punkrockbands, die ihre Wurzeln im Garagenrock und anderen Formen der heute als Protopunk bezeichneten Musik haben, lehnten die vermeintlichen Exzesse des Mainstream-Rock der 1970er Jahre ab. Sie schufen schnelle, kantige Musik mit kurzen Liedern, einer reduzierten Instrumentierung und oft politischen, gegen das Establishment gerichteten Texten. Punk steht für eine DIY-Ethik (Do It Yourself), wobei viele Bands ihre Aufnahmen selbst produzierten und über informelle Kanäle vertrieben. ⓘ
Ende 1976 wurden Bands wie die Ramones und Patti Smith in New York City sowie die Sex Pistols und The Clash in London als Vorreiter einer neuen Musikbewegung anerkannt. Im darauf folgenden Jahr verbreitete sich der Punkrock in der ganzen Welt. Im Vereinigten Königreich wurde Punk schnell zu einem bedeutenden kulturellen Phänomen. Das Live-Fernsehduell der Sex Pistols mit Bill Grundy am 1. Dezember 1976 war der Wendepunkt, an dem sich der britische Punk zu einem großen Medienphänomen entwickelte, auch wenn sich einige Geschäfte weigerten, die Platten zu verkaufen, und es schwer war, im Radio gespielt zu werden. Im Mai 1977 erreichten die Sex Pistols mit ihrem Song "God Save the Queen", der sich auf Königin Elisabeth II. anlässlich ihres silbernen Thronjubiläums bezog, einen neuen Höhepunkt der Kontroverse (und Platz zwei in den Single-Charts). Der Punk entwickelte sich größtenteils in lokalen Szenen, die sich dem Mainstream eher verweigerten. Es entstand eine entsprechende Punk-Subkultur, die jugendliche Rebellion zum Ausdruck brachte und sich durch einen ausgeprägten Kleidungsstil und eine Vielzahl antiautoritärer Ideologien auszeichnete. ⓘ
Zu Beginn der 1980er Jahre wurden schnellere, aggressivere Stile wie Hardcore und Oi! zur vorherrschenden Spielart des Punkrock. Daraus entwickelten sich verschiedene Spielarten des Hardcore-Punk, wie z. B. D-Beat (ein von der britischen Band Discharge beeinflusstes, verzerrungslastiges Subgenre), Anarcho-Punk (wie Crass), Grindcore (wie Napalm Death) und Crust-Punk. Musiker, die sich mit dem Punk identifizierten oder von ihm inspiriert wurden, verfolgten auch eine breite Palette anderer Varianten, aus denen New Wave, Post-Punk und die alternative Rockbewegung hervorgingen. ⓘ
Neue Welle
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Obwohl der Punk-Rock ein bedeutendes soziales und musikalisches Phänomen war, konnte er sich weder in Bezug auf die Plattenverkäufe (er wurde von kleinen Speziallabels wie Stiff Records vertrieben) noch in Bezug auf die Ausstrahlung im amerikanischen Radio durchsetzen (da die Radioszene weiterhin von Mainstream-Formaten wie Disco und albumorientiertem Rock dominiert wurde). Der Punkrock hatte Anhänger aus der Kunst- und Hochschulwelt angezogen, und schon bald begannen Bands mit einem eher literarischen, künstlerischen Ansatz wie Talking Heads und Devo die Punkszene zu infiltrieren; in einigen Kreisen wurde die Bezeichnung "New Wave" verwendet, um diese weniger offenkundigen Punkbands zu kennzeichnen. Die Plattenfirmen, die von der Punk-Bewegung weitgehend unbeeindruckt waren, erkannten das Potenzial der leichter zugänglichen New-Wave-Bands und begannen, aggressiv jede Band unter Vertrag zu nehmen und zu vermarkten, die auch nur im Entferntesten mit Punk oder New Wave in Verbindung gebracht werden konnte. Viele dieser Bands, wie z. B. die Cars und die Go-Go's, können als Popbands betrachtet werden, die als New Wave vermarktet wurden; andere bereits existierende Bands, wie z. B. The Police, The Pretenders und Elvis Costello, nutzten die New-Wave-Bewegung als Sprungbrett für relativ lange und erfolgreiche Karrieren, während "Skinny-Tie"-Bands, wie z. B. The Knack oder die fotogenen Blondie, als Punkbands begannen und sich auf kommerzielleres Terrain begaben. ⓘ
Zwischen 1979 und 1985 entwickelte sich der britische New Wave unter dem Einfluss von Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, David Bowie und Gary Numan in Richtung der New Romantics wie Spandau Ballet, Ultravox, Japan, Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk und Eurythmics, wobei der Synthesizer manchmal alle anderen Instrumente ersetzte. Diese Zeit fiel mit dem Aufkommen von MTV zusammen und verhalf dieser Art von Synthie-Pop zu einem großen Bekanntheitsgrad, so dass man von einer zweiten britischen Invasion sprechen kann. Einige traditionellere Rockbands passten sich dem Videozeitalter an und profitierten von der Ausstrahlung auf MTV, allen voran die Dire Straits, die sich mit "Money for Nothing" über den Sender lustig machten, obwohl dieser sie zu internationalen Stars gemacht hatte, doch im Allgemeinen wurde der gitarrenorientierte Rock kommerziell verdrängt. ⓘ
Post-Punk
Während der Hardcore am direktesten die nüchterne Ästhetik des Punk verfolgte und der New Wave dessen kommerziellen Flügel darstellte, entwickelte sich der Post-Punk in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren zu seiner künstlerischeren und anspruchsvolleren Seite. Wichtige Einflüsse neben den Punkbands waren Velvet Underground, Frank Zappa und Captain Beefheart sowie die New Yorker No-Wave-Szene, die den Schwerpunkt auf Performance legte, darunter Bands wie James Chance and the Contortions, DNA und Sonic Youth. Zu den frühen Vertretern des Genres gehörten die US-Bands Pere Ubu, Devo, The Residents und Talking Heads. ⓘ
Zur ersten Welle des britischen Post-Punk gehörten Gang of Four, Siouxsie and the Banshees und Joy Division, die weniger Wert auf Kunst als ihre US-amerikanischen Vorbilder legten und mehr auf die düsteren emotionalen Qualitäten ihrer Musik. Bands wie Siouxsie and the Banshees, Bauhaus, The Cure und die Sisters of Mercy bewegten sich zunehmend in diese Richtung und begründeten den Gothic Rock, der Anfang der 1980er Jahre zur Grundlage einer bedeutenden Subkultur geworden war. Ein ähnliches emotionales Terrain wurde von australischen Bands wie The Birthday Party und Nick Cave beschritten. Mitglieder von Bauhaus und Joy Division erkundeten als Love and Rockets bzw. New Order neues stilistisches Terrain. Eine weitere frühe Post-Punk-Bewegung war die von den britischen Bands Throbbing Gristle und Cabaret Voltaire sowie der New Yorker Band Suicide entwickelte Industrial-Musik, die eine Vielzahl von elektronischen und Sampling-Techniken verwendete, die den Klang industrieller Produktion nachahmten und sich in den 1980er Jahren zu einer Vielzahl von Formen postindustrieller Musik entwickelten. ⓘ
Die zweite Generation britischer Post-Punk-Bands, die Anfang der 1980er Jahre den Durchbruch schafften, darunter The Fall, The Pop Group, The Mekons, Echo and the Bunnymen und The Teardrop Explodes, bewegten sich eher weg von dunklen Klanglandschaften. Die wohl erfolgreichste Band, die aus dem Post-Punk hervorging, war die irische Band U2, die Elemente religiöser Bilder und politischer Kommentare in ihre oft hymnische Musik einfließen ließ und in den späten 1980er Jahren zu einer der größten Bands der Welt wurde. Obwohl viele Post-Punk-Bands weiterhin Platten aufnahmen und auftraten, ging die Bewegung Mitte der 1980er Jahre zurück, da sich die Bands auflösten oder sich anderen musikalischen Bereichen zuwandten, aber sie beeinflusste weiterhin die Entwicklung der Rockmusik und wird als ein wichtiges Element bei der Entstehung der alternativen Rockbewegung angesehen. ⓘ
Entstehung des alternativen Rock
Der Begriff Alternative Rock wurde in den frühen 1980er Jahren geprägt, um Rockkünstler zu beschreiben, die nicht in die Mainstream-Genres der damaligen Zeit passten. Die Bands, die als "alternativ" bezeichnet wurden, hatten keinen einheitlichen Stil, sondern unterschieden sich alle vom Mainstream. Alternative Bands wurden durch ihre kollektive Schuld am Punkrock, durch Hardcore, New Wave oder die Post-Punk-Bewegung miteinander verbunden. Zu den wichtigsten alternativen Rockbands der 1980er Jahre gehörten in den USA R.E.M., Hüsker Dü, Jane's Addiction, Sonic Youth und die Pixies und im Vereinigten Königreich The Cure, New Order, The Jesus and Mary Chain und The Smiths. Die Künstler waren weitgehend auf unabhängige Plattenlabels beschränkt und bauten eine umfangreiche Underground-Musikszene auf, die auf College-Radio, Fanzines, Tourneen und Mundpropaganda basierte. Sie lehnten den dominanten Synthie-Pop der frühen 1980er Jahre ab und kehrten zum gruppenbasierten Gitarrenrock zurück. ⓘ
Nur wenige dieser frühen Bands erreichten den Mainstream-Erfolg, obwohl Ausnahmen wie R.E.M., The Smiths und The Cure zu dieser Regel gehören. Trotz des allgemeinen Mangels an spektakulären Albumverkäufen übten die ursprünglichen Alternative-Rock-Bands einen beträchtlichen Einfluss auf die Generation von Musikern aus, die in den 1980er Jahren erwachsen wurden und schließlich in den 1990er Jahren den Durchbruch zum Mainstream-Erfolg schafften. Zu den alternativen Rockstilen der 1980er Jahre in den USA gehörten der Jangle-Pop, der mit den frühen Aufnahmen von R.E.M. in Verbindung gebracht wird und die klingenden Gitarren des Pop und Rock der Mitte der 1960er Jahre einbezieht, und der College-Rock, mit dem alternative Bands bezeichnet werden, die ihre Anfänge in der College-Szene und im College-Radio hatten, darunter Bands wie 10.000 Maniacs und die Feelies. Im Vereinigten Königreich dominierte in den frühen 1980er Jahren der Gothic-Rock, doch gegen Ende des Jahrzehnts kamen Indie- oder Dream-Pop-Bands wie Primal Scream, Bogshed, Half Man Half Biscuit und The Wedding Present sowie so genannte Shoegaze-Bands wie My Bloody Valentine, Slowdive, Ride und Lush auf. Besonders lebendig war die Madchester-Szene, die Bands wie Happy Mondays, Inspiral Carpets und die Stone Roses hervorbrachte. Das nächste Jahrzehnt war geprägt vom Erfolg des Grunge in den USA und des Britpop im Vereinigten Königreich, die den alternativen Rock in den Mainstream brachten. ⓘ
Anfang der 1990er-Ende der 2000er
Grunge
Aus Enttäuschung über den kommerziellen und hochproduzierten Pop und Rock Mitte der 1980er Jahre gründeten Bands im Bundesstaat Washington (insbesondere in der Gegend von Seattle) einen neuen Rockstil, der sich deutlich vom Mainstream der damaligen Zeit abhob. Das sich entwickelnde Genre wurde als "Grunge" bekannt, ein Begriff, der den schmutzigen Sound der Musik und das ungepflegte Aussehen der meisten Musiker beschreibt, die sich aktiv gegen das übermäßig gepflegte Image anderer Künstler auflehnten. Grunge verschmolz Elemente des Hardcore-Punk und des Heavy Metal zu einem einzigen Sound und setzte Gitarrenverzerrungen, Fuzz und Rückkopplungen stark ein. Die Texte waren typischerweise apathisch und angsterfüllt und behandelten oft Themen wie soziale Entfremdung und Verstrickung, obwohl sie auch für ihren schwarzen Humor und Parodien des kommerziellen Rock bekannt waren. ⓘ
Bands wie Green River, Soundgarden, Melvins und Skin Yard leisteten Pionierarbeit in diesem Genre, wobei Mudhoney am Ende des Jahrzehnts am erfolgreichsten wurde. Grunge blieb weitgehend ein lokales Phänomen bis 1991, als das Album Nevermind von Nirvana mit dem hymnischen Song Smells Like Teen Spirit" ein großer Erfolg wurde. Nevermind war melodiöser als seine Vorgänger, und durch die Unterzeichnung bei Geffen Records war die Band eine der ersten, die traditionelle Werbe- und Marketingmechanismen der Unternehmen einsetzte, wie z. B. ein MTV-Video, Anzeigen in Geschäften und den Einsatz von Radio-"Beratern", die die Ausstrahlung bei den großen Mainstream-Rocksendern förderten. In den Jahren 1991 und 1992 gehörten andere Grunge-Alben wie Ten von Pearl Jam, Badmotorfinger von Soundgarden und Dirt von Alice in Chains sowie das Album Temple of the Dog, an dem Mitglieder von Pearl Jam und Soundgarden beteiligt waren, zu den 100 meistverkauften Alben. Die meisten der verbliebenen Grunge-Bands wurden von großen Plattenfirmen in Seattle unter Vertrag genommen, und ein zweiter Zustrom von Bands zog in der Hoffnung auf Erfolg in die Stadt. Mit dem Tod von Kurt Cobain und der anschließenden Auflösung von Nirvana im Jahr 1994, den Tourneeschwierigkeiten von Pearl Jam und dem Ausstieg des Leadsängers von Alice in Chains, Layne Staley, im Jahr 1998 begann jedoch der Niedergang des Genres, das teilweise vom Britpop und dem kommerzieller klingenden Post-Grunge überschattet wurde. ⓘ
Britpop
Britpop entstand aus der britischen alternativen Rockszene der frühen 1990er Jahre und wurde von Bands geprägt, die besonders von der britischen Gitarrenmusik der 1960er und 1970er Jahre beeinflusst waren. The Smiths waren ein wichtiger Einfluss, ebenso wie die Bands der Madchester-Szene, die sich Anfang der 1990er Jahre aufgelöst hatte. Die Bewegung wurde zum Teil als Reaktion auf verschiedene musikalische und kulturelle Trends der späten 1980er und frühen 1990er Jahre in den USA, insbesondere auf das Grunge-Phänomen, und als Rückbesinnung auf eine britische Rock-Identität gesehen. Der Stil des Britpop war vielfältig, doch häufig wurden Ohrwurm-Melodien und -Hooks verwendet, daneben Texte mit besonders britischen Anliegen und die Übernahme der Ikonographie der British Invasion der 1960er Jahre, einschließlich der Symbole der britischen Identität, die zuvor von den Mods verwendet wurden. Sie begann um 1993 mit Veröffentlichungen von Gruppen wie Suede und Blur, denen sich bald weitere Gruppen wie Oasis, Pulp, Supergrass und Elastica anschlossen, die eine Reihe erfolgreicher Alben und Singles veröffentlichten. Eine Zeit lang wurde der Wettstreit zwischen Blur und Oasis von der Boulevardpresse zum "Battle of Britpop" hochstilisiert, aus dem Blur zunächst als Sieger hervorging, wobei Oasis jedoch einen größeren langfristigen und internationalen Erfolg erzielte und spätere Britpop-Bands wie Ocean Colour Scene und Kula Shaker direkt beeinflusste. Britpop-Gruppen brachten den britischen Alternativrock in den Mainstream und bildeten das Rückgrat einer größeren britischen Kulturbewegung, die als Cool Britannia bekannt wurde. Obwohl die populäreren Bands, insbesondere Blur und Oasis, ihren kommerziellen Erfolg auch im Ausland, insbesondere in den Vereinigten Staaten, verbreiten konnten, war die Bewegung gegen Ende des Jahrzehnts weitgehend zerfallen. ⓘ
Post-Grunge
Der Begriff Post-Grunge wurde für die Generation von Bands geprägt, die auf das Auftauchen der Grunge-Bands aus Seattle im Mainstream und ihre anschließende Pause folgten. Post-Grunge-Bands ahmten deren Einstellungen und Musik nach, allerdings mit einem radiotauglichen, kommerziell orientierten Sound. Oft arbeiteten sie mit den großen Labels zusammen und nahmen verschiedene Einflüsse aus Jangle Pop, Pop-Punk, Alternative Metal oder Hard Rock auf. Der Begriff Post-Grunge war ursprünglich abwertend gemeint und suggerierte, dass es sich lediglich um musikalische Ableitungen oder eine zynische Antwort auf eine "authentische" Rockbewegung handelte. Ursprünglich wurden Grunge-Bands, die auftauchten, als Grunge bereits Mainstream war, und die im Verdacht standen, den Grunge-Sound nachzuahmen, abwertend als Post-Grunge bezeichnet. Ab 1994 trug die neue Band des ehemaligen Nirvana-Schlagzeugers Dave Grohl, die Foo Fighters, dazu bei, das Genre zu popularisieren und seine Parameter zu definieren. ⓘ
Einige Post-Grunge-Bands wie Candlebox stammten aus Seattle, aber das Subgenre war durch eine Ausweitung der geografischen Basis des Grunge gekennzeichnet, mit Bands wie Audioslave aus Los Angeles und Collective Soul aus Georgia und über die USA hinaus mit Silverchair aus Australien und Bush aus Großbritannien, die alle den Post-Grunge als eines der kommerziell erfolgreichsten Subgenres der späten 1990er Jahre festigten. Obwohl die männlichen Bands den Post-Grunge dominierten, wurde das 1995 erschienene Album Jagged Little Pill der Solokünstlerin Alanis Morissette, das als Post-Grunge bezeichnet wurde, ebenfalls ein Multiplatin-Hit. Der Post-Grunge wandelte sich in den späten 1990er Jahren mit dem Aufkommen von Post-Grunge-Bands wie Creed und Nickelback. Bands wie Creed und Nickelback führten den Post-Grunge mit beträchtlichem kommerziellem Erfolg ins 21. Jahrhundert, indem sie die Angst und Wut der ursprünglichen Bewegung zugunsten von konventionelleren Hymnen, Erzählungen und romantischen Liedern aufgaben, und wurden in diesem Sinne von neueren Bands wie Shinedown, Seether, 3 Doors Down und Puddle of Mudd abgelöst. ⓘ
Pop-Punk
Die Ursprünge des Pop-Punk der 1990er Jahre liegen in den eher songorientierten Bands der Punk-Bewegung der 1970er Jahre wie den Buzzcocks und The Clash, in kommerziell erfolgreichen New-Wave-Bands wie The Jam und The Undertones sowie in den eher Hardcore-geprägten Elementen des Alternative Rock der 1980er Jahre. Pop-Punk tendiert dazu, Power-Pop-Melodien und Akkordwechsel mit schnellem Punk-Tempo und lauten Gitarren zu verbinden. Punkmusik inspirierte Anfang der 1990er Jahre einige kalifornische Bands, die bei unabhängigen Labels unter Vertrag standen, darunter Rancid, Pennywise, Weezer und Green Day. 1994 wechselten Green Day zu einem Major-Label und produzierten das Album Dookie, das ein neues, größtenteils jugendliches Publikum fand und sich als überraschender Diamantenerfolg erwies, der zu einer Reihe von Hitsingles führte, darunter zwei Nummer-eins-Hits in den USA. Bald darauf folgte das gleichnamige Debüt von Weezer, das in den USA drei Top-Ten-Singles hervorbrachte. Dieser Erfolg öffnete der Metallic-Punk-Band The Offspring mit ihrem Album Smash (1994) die Tür zu Mehrfach-Platin. Diese erste Welle des Pop-Punk erreichte ihren kommerziellen Höhepunkt mit Nimrod (1997) von Green Day und Americana (1998) von The Offspring. ⓘ
Eine zweite Welle des Pop-Punk wurde von Blink-182 mit ihrem Durchbruch-Album Enema of the State (1999) angeführt, gefolgt von Bands wie Good Charlotte, Simple Plan und Sum 41, die in ihren Videos Humor einsetzten und einen radiotauglicheren Ton anschlugen, während sie das Tempo, einige der Attitüden und sogar den Look des Punk der 1970er Jahre beibehielten. Spätere Pop-Punk-Bands wie All Time Low, die All-American Rejects und Fall Out Boy hatten einen Sound, der eher dem Hardcore der 1980er Jahre entsprach, aber dennoch kommerziellen Erfolg hatte. ⓘ
Indie-Rock
In den 1980er Jahren wurden die Begriffe Indie-Rock und Alternative Rock synonym verwendet. Mitte der 1990er Jahre, als Elemente der Bewegung das Interesse des Mainstreams auf sich zogen, insbesondere Grunge und später Britpop, Post-Grunge und Pop-Punk, begann der Begriff Alternative seine Bedeutung zu verlieren. Die Bands, die den weniger kommerziellen Konturen der Szene folgten, wurden zunehmend mit dem Begriff Indie bezeichnet. Sie versuchten, die Kontrolle über ihre Karriere zu behalten, indem sie Alben auf ihren eigenen oder kleinen unabhängigen Labels veröffentlichten und sich auf Tourneen, Mund-zu-Mund-Propaganda und die Ausstrahlung auf unabhängigen oder College-Radiosendern verließen, um Werbung zu machen. Die Indie-Rock-Bewegung, die mehr durch ein Ethos als durch einen musikalischen Ansatz verbunden war, umfasste eine breite Palette von Stilen, von kantigen, Grunge-beeinflussten Bands wie den Cranberries und Superchunk über experimentelle Do-it-yourself-Bands wie Pavement bis hin zu Punk-Folk-Sängerinnen wie Ani DiFranco. Es wurde festgestellt, dass der Indie-Rock im Vergleich zu den vorangegangenen Rockgenres einen relativ hohen Anteil an weiblichen Künstlern aufweist, eine Tendenz, die durch die Entwicklung der feministisch geprägten Riot-Grrrl-Musik veranschaulicht wird. In vielen Ländern hat sich eine umfangreiche lokale Indie-Szene entwickelt, die mit Bands floriert, deren Popularität ausreicht, um innerhalb des jeweiligen Landes zu überleben, die aber außerhalb des Landes praktisch unbekannt sind. ⓘ
Ende der 1990er Jahre wurden viele erkennbare Subgenres, von denen die meisten ihren Ursprung in der Alternativbewegung der späten 1980er Jahre haben, unter dem Begriff Indie zusammengefasst. Lo-Fi verzichtete auf ausgefeilte Aufnahmetechniken zugunsten eines D.I.Y.-Ethos und wurde von Beck, Sebadoh und Pavement vorangetrieben. Die Arbeit von Talk Talk und Slint trug dazu bei, sowohl den Post-Rock zu inspirieren, einen experimentellen, von Jazz und elektronischer Musik beeinflussten Stil, der von Bark Psychosis entwickelt und von Bands wie Tortoise, Stereolab und Laika aufgegriffen wurde, als auch den dichteren und komplexeren gitarrenbasierten Math-Rock, der von Bands wie Polvo und Chavez entwickelt wurde. Der Space Rock besann sich auf seine progressiven Wurzeln, mit drone-lastigen und minimalistischen Acts wie Spacemen 3, den beiden Bands, die aus deren Split hervorgingen, Spectrum und Spiritualized, und später Gruppen wie Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor und Quickspace. Im Gegensatz dazu betonte der Sadcore Schmerz und Leid durch den melodischen Einsatz akustischer und elektronischer Instrumente in der Musik von Bands wie American Music Club und Red House Painters, während die Wiederbelebung des Barockpop auf Lo-Fi und experimentelle Musik reagierte, indem sie den Schwerpunkt auf Melodie und klassische Instrumentierung legte, mit Künstlern wie Arcade Fire, Belle and Sebastian und Rufus Wainwright. ⓘ
Alternative Metal, Rap-Rock und Nu Metal
Alternative Metal entstand in den späten 1980er Jahren in den USA aus der Hardcore-Szene des alternativen Rocks, fand aber ein breiteres Publikum, nachdem Grunge in den frühen 1990er Jahren den Mainstream eroberte. Frühe Alternative-Metal-Bands mischten eine Vielzahl von Genres mit Hardcore- und Heavy-Metal-Sensibilitäten, wobei Bands wie Jane's Addiction und Primus progressiven Rock, Soundgarden und Corrosion of Conformity Garage-Punk, Jesus Lizard und Helmet Noise-Rock, Ministry und Nine Inch Nails Industrial-Musik, Monster Magnet Psychedelia, Pantera, Sepultura und White Zombie Groove-Metal und Biohazard, Limp Bizkit und Faith No More Hip-Hop und Rap verwendeten. ⓘ
Hip-Hop hatte in den frühen 1980er Jahren durch Rockbands wie The Clash mit "The Magnificent Seven" (1980) und Blondie mit "Rapture" (1980) Aufmerksamkeit erlangt. Zu den frühen Crossover-Acts gehörten Run DMC und die Beastie Boys. Der Detroiter Rapper Esham wurde durch seinen Acid-Rap"-Stil bekannt, der das Rappen mit einem Sound verband, der oft auf Rock und Heavy Metal basierte. Zu den Rappern, die Rocksongs sampelten, gehörten Ice-T, die Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy und Whodini. Die Verbindung von Thrash Metal und Rap wurde von Anthrax auf ihrer von Comedy geprägten Single "I'm the Man" aus dem Jahr 1987 zum ersten Mal praktiziert. ⓘ
1990 gelang Faith No More mit ihrer Single "Epic" der Durchbruch im Mainstream, die oft als die erste wirklich erfolgreiche Kombination von Heavy Metal und Rap angesehen wird. Dies ebnete den Weg für den Erfolg bestehender Bands wie 24-7 Spyz und Living Colour und neuer Bands wie Rage Against the Machine und Red Hot Chili Peppers, die alle Rock und Hip-Hop und andere Einflüsse miteinander verbanden. Zu den ersten Künstlern, die mit Rap-Rock im Mainstream Erfolg hatten, gehörten 311, Bloodhound Gang und Kid Rock. Ein metallischerer Sound - Nu Metal - wurde von Bands wie Limp Bizkit, Korn und Slipknot verfolgt. Später im Jahrzehnt brachte dieser Stil, der eine Mischung aus Grunge, Punk, Metal, Rap und Turntable-Scratching enthielt, eine Welle erfolgreicher Bands wie Linkin Park, P.O.D. und Staind hervor, die oft als Rap-Metal oder Nu-Metal eingestuft wurden, wobei erstere die meistverkaufte Band des Genres sind. ⓘ
Im Jahr 2001 erreichte der Nu Metal mit Alben wie Break the Cycle von Staind, Satellite von P.O.D, Iowa von Slipknot und Hybrid Theory von Linkin Park seinen Höhepunkt. Es entstanden auch neue Bands wie Disturbed, Godsmack und Papa Roach, deren Major-Label-Debüt Infest ein Platin-Hit wurde. Das lang erwartete fünfte Album Untouchables von Korn und das zweite Album Lovehatetragedy von Papa Roach verkauften sich nicht so gut wie ihre vorherigen Veröffentlichungen, während Nu-Metal-Bands von den Rock-Radiosendern immer seltener gespielt wurden und MTV sich auf Pop-Punk und Emo konzentrierte. Seitdem haben viele Bands zu einem konventionelleren Hardrock-, Heavy-Metal- oder elektronischen Musiksound gewechselt. ⓘ
Post-Britpop
Ab etwa 1997, als die Unzufriedenheit mit dem Konzept von Cool Britannia wuchs und sich Britpop als Bewegung aufzulösen begann, begannen aufstrebende Bands, das Etikett Britpop zu vermeiden, obwohl sie immer noch Musik produzierten, die davon abgeleitet war. Viele dieser Bands tendierten dazu, Elemente des traditionellen britischen Rock (oder British Trad Rock), insbesondere der Beatles, Rolling Stones und Small Faces, mit amerikanischen Einflüssen, einschließlich Post-Grunge, zu mischen. Die Musiker kamen aus dem gesamten Vereinigten Königreich (mehrere wichtige Bands kamen aus Nordengland, Schottland, Wales und Nordirland), und die Themen ihrer Musik waren weniger auf das britische, englische und Londoner Leben ausgerichtet und introspektiver als beim Britpop in seiner Blütezeit. Dies und eine größere Bereitschaft, sich mit der amerikanischen Presse und den Fans auseinanderzusetzen, mag einigen von ihnen zu internationalem Erfolg verholfen haben. ⓘ
Post-Britpop-Bands wurden so gesehen, als würden sie das Bild des Rockstars als gewöhnliche Person präsentieren, und ihre zunehmend melodische Musik wurde als fade oder abgeleitet kritisiert. Post-Britpop-Bands wie Travis mit The Man Who (1999), Stereophonics mit Performance and Cocktails (1999), Feeder mit Echo Park (2001) und insbesondere Coldplay mit ihrem Debütalbum Parachutes (2000) erzielten einen viel größeren internationalen Erfolg als die meisten Britpop-Gruppen, die ihnen vorausgegangen waren, Sie gehörten zu den kommerziell erfolgreichsten Bands der späten 1990er und frühen 2000er Jahre und waren wohl der Ausgangspunkt für das nachfolgende Garage-Rock- oder Post-Punk-Revival, das auch als Reaktion auf ihre introspektive Art von Rock gesehen wird. ⓘ
Post-Hardcore und Emo
Der Post-Hardcore entwickelte sich Anfang bis Mitte der 1980er Jahre in den USA, vor allem in den Regionen Chicago und Washington, DC, mit Bands, die sich von der Do-it-yourself-Moral und der gitarrenlastigen Musik des Hardcore-Punk inspirieren ließen, aber vom Post-Punk beeinflusst waren und längere Songformate, komplexere musikalische Strukturen und manchmal auch melodischere Gesangsstile anwandten. ⓘ
Emo entstand auch aus der Hardcore-Szene in Washington, D.C. in den 1980er Jahren, zunächst als "Emocore", ein Begriff zur Beschreibung von Bands, die ausdrucksstarken Gesang gegenüber dem häufigeren rauen, bellenden Stil bevorzugten. Die frühe Emo-Szene agierte als Underground-Szene mit kurzlebigen Bands, die Vinylplatten in kleinen Auflagen auf winzigen unabhängigen Labels veröffentlichten. Mit dem Platin-Erfolg von Jimmy Eat World's Bleed American (2001) und Dashboard Confessional's The Places You Have Come to Fear the Most (2003) brach Emo Anfang der 2000er Jahre in die Mainstream-Kultur ein. Die neue Emo-Bewegung hatte einen wesentlich mainstreamigeren Sound als in den 1990er Jahren und fand bei Jugendlichen weitaus mehr Anklang als ihre früheren Ausprägungen. Gleichzeitig ging die Verwendung des Begriffs Emo über das Musikgenre hinaus und wurde mit Mode, einer Frisur und jeder Musik, die Emotionen ausdrückte, assoziiert. Bis 2003 hatten Post-Hardcore-Bands auch die Aufmerksamkeit der großen Plattenfirmen auf sich gezogen und begannen, in den Albumcharts zu reüssieren. Einige dieser Bands wurden als aggressiverer Ableger des Emo angesehen und erhielten die oft vage Bezeichnung Screamo. ⓘ
Garage-Rock/Post-Punk-Revival
In den frühen 2000er Jahren tauchte eine neue Gruppe von Bands auf, die eine abgespeckte und auf die Grundlagen zurückgehende Version des Gitarrenrocks spielten. Sie wurden auf unterschiedliche Weise als Teil eines Garage-Rock-, Post-Punk- oder New-Wave-Revivals charakterisiert. Da die Bands aus der ganzen Welt kamen, unterschiedliche Einflüsse anführten (von traditionellem Blues über New Wave bis hin zu Grunge) und sich unterschiedlich kleideten, war ihre Einheit als Genre umstritten. In den 1980er und 1990er Jahren gab es Versuche, den Garagenrock und Elemente des Punk wiederzubeleben, und bis zum Jahr 2000 hatten sich in mehreren Ländern Szenen gebildet. ⓘ
Der kommerzielle Durchbruch dieser Szenen wurde von vier Bands angeführt: den Strokes, die mit ihrem Debütalbum Is This It (2001) aus der New Yorker Clubszene hervorgingen; den White Stripes aus Detroit mit ihrem dritten Album White Blood Cells (2001); den Hives aus Schweden nach ihrem Compilation-Album Your New Favourite Band (2001) und den Vines aus Australien mit Highly Evolved (2002). Sie wurden von den Medien als "die" Bands bezeichnet und als "die Retter des Rock 'n' Roll" tituliert, was zu Vorwürfen des Hypes führte. Eine zweite Welle von Bands, die durch die Bewegung internationale Anerkennung erlangten, waren Black Rebel Motorcycle Club, The Killers, Interpol und Kings of Leon aus den USA, The Libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party, Kaiser Chiefs und Franz Ferdinand aus dem Vereinigten Königreich, Jet aus Australien und die Datsuns und D4 aus Neuseeland. ⓘ
Digitaler elektronischer Rock
In den 2000er Jahren, als die Computertechnologie zugänglicher wurde und die Musiksoftware sich weiterentwickelte, wurde es möglich, mit wenig mehr als einem einzigen Laptop qualitativ hochwertige Musik zu machen. Dies führte zu einem massiven Anstieg der Menge an selbst produzierter elektronischer Musik, die der Öffentlichkeit über das wachsende Internet zur Verfügung stand, und zu neuen Formen der Performance wie Laptronica und Live-Coding. Diese Techniken wurden auch von bestehenden Bands und von sich entwickelnden Genres genutzt, die Rock mit digitalen Techniken und Klängen mischten, darunter Indie Electronic, Electroclash, Dance-Punk und New Rave. ⓘ
2010s
Abnehmende Relevanz im Mainstream
In den 2010er Jahren nahm die Popularität und kulturelle Relevanz der Rockmusik im Mainstream ab, und 2017 wurde sie von der Hip-Hop-Musik als meist konsumierte Musikrichtung in den Vereinigten Staaten überholt. Kritiker in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts nahmen die schwindende Popularität des Genres zur Kenntnis und nannten als Faktoren die Popularität von elektronischer Tanzmusik im Hip-Hop, das Aufkommen von Streaming und das Aufkommen von Technologien, die die Herangehensweise an die Musikproduktion verändert haben. Ken Partridge von Genius schlug vor, dass Hip-Hop populärer wurde, weil es ein transformativeres Genre ist und sich nicht auf vergangene Klänge verlassen muss, und dass es eine direkte Verbindung zum Niedergang der Rockmusik und den sich ändernden sozialen Einstellungen in den 2010er Jahren gibt. Bill Flanagan verglich 2016 in einem Meinungsbeitrag für die New York Times den Zustand der Rockmusik in dieser Zeit mit dem des Jazz in den frühen 1980er Jahren: "Verlangsamung und Rückblick". Vice meint, dass dieser Rückgang der Popularität dem Genre sogar zugute kommen könnte, da es Außenseiter anzieht, die "etwas zu beweisen und nichts zu gewinnen haben". ⓘ
Trotz des Rückgangs der Popularität des Rock im Mainstream haben einige Rockbands in den 2010er und 2020er Jahren weiterhin Erfolg im Mainstream, darunter Tool, Fall Out Boy, Greta Van Fleet, Panic! at the Disco, Twenty One Pilots, Walk the Moon, Portugal. The Man, The Black Keys, Avenged Sevenfold und die Foo Fighters. ⓘ
2020s
Inmitten der COVID-19-Pandemie brachte das Virus extreme Veränderungen in der weltweiten Rockszene mit sich. Restriktionen wie Quarantänevorschriften führten zu weit verbreiteten Absagen und Verschiebungen von Konzerten, Tourneen, Festivals, Albumveröffentlichungen, Preisverleihungen und Wettbewerben. Einige Künstler zogen sich auf Online-Auftritte zurück, um ihre Karriere aufrechtzuerhalten. Eine andere Methode, die Quarantänebeschränkungen zu umgehen, wurde bei einem Konzert des dänischen Rockmusikers Mads Langer angewandt: Das Publikum verfolgte den Auftritt von seinem Auto aus, ähnlich wie in einem Autokino. Musikalisch führte die Pandemie zu einem Anstieg neuer Veröffentlichungen der langsameren, weniger energiegeladenen und eher akustischen Subgenres der Rockmusik. Die Branche sammelte Geld, um sich selbst zu helfen, z. B. durch Crew Nation, einen von Livenation organisierten Hilfsfonds für Live-Musik-Crews. ⓘ
Zu Beginn der 2020er Jahre veröffentlichten sowohl Pop- als auch Rap-Künstler populäre Pop-Punk-Aufnahmen, von denen viele vom Blink-182-Schlagzeuger Travis Barker produziert oder unterstützt wurden. Machine Gun Kelly, Willow Smith, Trippie Redd, Halsey, Yungblud und Olivia Rodrigo gehören zu diesen Künstlern, die einen kommerziellen Aufschwung des Genres darstellen. Die Popularität der Social-Media-Plattform TikTok trug dazu bei, bei jungen Hörern während der Pandemie eine Nostalgie für den angstgetriebenen Musikstil zu wecken. Zu den erfolgreichsten dieser Veröffentlichungen gehören Machine Gun Kellys Album Tickets To My Downfall (2020), das die Billboard 200 anführte, und Rodrigos Nummer-eins-Hit "Good 4 U" (2021). ⓘ
Soziale Auswirkungen
Die verschiedenen Subgenres des Rock wurden von zahlreichen Subkulturen übernommen und wurden zu einem zentralen Bestandteil ihrer Identität. In den 1950er- bzw. 1960er-Jahren übernahmen britische Jugendliche die Subkulturen Teddy Boy und Rocker, die sich um den US-amerikanischen Rock and Roll drehten. Die Gegenkultur der 1960er Jahre war eng mit dem psychedelischen Rock verbunden. Die Punk-Subkultur entstand Mitte/Ende der 1970er Jahre in den USA, erhielt aber durch die britische Designerin Vivienne Westwood einen unverwechselbaren Look, der sich weltweit verbreitete. Aus der Punk-Szene entwickelten sich die Goth- und Emo-Subkulturen, die beide einen unverwechselbaren visuellen Stil entwickelten. ⓘ
Als sich eine internationale Rockkultur entwickelte, verdrängte sie das Kino als Hauptquelle für modische Einflüsse. Paradoxerweise haben die Anhänger der Rockmusik der Welt der Mode oft misstraut, da diese das Image über die Substanz stellte. In der Rockmode wurden Elemente verschiedener Kulturen und Epochen kombiniert und unterschiedliche Auffassungen von Sexualität und Geschlecht zum Ausdruck gebracht, und die Rockmusik im Allgemeinen wurde dafür kritisiert, dass sie eine größere sexuelle Freiheit ermöglichte. Rock wurde auch mit verschiedenen Formen des Drogenkonsums in Verbindung gebracht, darunter die Amphetamine, die von den Mods Anfang bis Mitte der 1960er Jahre eingenommen wurden, LSD, Meskalin, Haschisch und andere halluzinogene Drogen, die mit dem psychedelischen Rock Mitte/Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre in Verbindung gebracht wurden, und manchmal auch Cannabis, Kokain und Heroin, die alle in Liedern besungen wurden. ⓘ
Dem Rock wird zugeschrieben, dass er die Einstellung zu Rassenfragen verändert hat, indem er die afroamerikanische Kultur für ein weißes Publikum zugänglich machte; gleichzeitig wurde dem Rock aber auch vorgeworfen, sich diese Kultur anzueignen und auszubeuten. Während die Rockmusik viele Einflüsse aufgenommen und das westliche Publikum mit verschiedenen Musiktraditionen bekannt gemacht hat, wurde die weltweite Verbreitung der Rockmusik als eine Form des Kulturimperialismus interpretiert. Die Rockmusik hat die volkstümliche Tradition des Protestsongs geerbt, der politische Aussagen zu Themen wie Krieg, Religion, Armut, Bürgerrechte, Gerechtigkeit und Umwelt macht. Der politische Aktivismus erreichte seinen Höhepunkt mit der Single "Do They Know It's Christmas?" (1984) und dem Live-Aid-Konzert für Äthiopien 1985, das zwar erfolgreich das Bewusstsein für die Armut in der Welt schärfte und Gelder für Hilfsmaßnahmen sammelte, aber auch (wie ähnliche Veranstaltungen) kritisiert wurde, weil es den beteiligten Rockstars eine Bühne für ihre Selbstverherrlichung und höhere Gewinne bot. ⓘ
Seit ihren Anfängen wird die Rockmusik mit der Rebellion gegen soziale und politische Normen in Verbindung gebracht, was sich am deutlichsten in der Ablehnung einer von Erwachsenen dominierten Kultur durch den frühen Rock'n'Roll, der Ablehnung von Konsum und Konformität durch die Gegenkultur und der Ablehnung aller Formen sozialer Konventionen durch den Punk zeigt. ⓘ
Die Rolle der Frauen
Professionelle weibliche Instrumentalisten sind in Rockgenres wie dem Heavy Metal eher selten, obwohl Bands wie Within Temptation Frauen als Leadsängerinnen und Männer als Instrumentalisten hatten. Schaap und Berkers zufolge ist "das Spielen in einer Band weitgehend eine männliche homosoziale Aktivität, d. h. das Erlernen des Spielens in einer Band ist weitgehend eine auf Gleichaltrigen basierende ... Erfahrung, die durch bestehende geschlechtergetrennte Freundschaftsnetzwerke geprägt ist. Sie stellen fest, dass Rockmusik "oft als eine Form der männlichen Rebellion gegen die weibliche Schlafzimmerkultur definiert wird." (Die Theorie der "Schlafzimmerkultur" besagt, dass die Gesellschaft Mädchen beeinflusst, sich nicht an Verbrechen und Abweichungen zu beteiligen, indem sie sie praktisch in ihrem Schlafzimmer gefangen hält; sie wurde von einer Soziologin namens Angela McRobbie entwickelt). In der populären Musik gibt es eine geschlechtsspezifische "Unterscheidung zwischen öffentlicher (männlicher) und privater (weiblicher) Beteiligung" an der Musik. "Mehrere Wissenschaftler haben argumentiert, dass Männer Frauen von Bands oder von den Proben, Aufnahmen, Auftritten und anderen sozialen Aktivitäten der Bands ausschließen". "Frauen werden hauptsächlich als passive und private Konsumentinnen vermeintlich glatter, vorgefertigter - und damit minderwertiger - Popmusik betrachtet ..., was sie von der Teilnahme als hochrangige Rockmusikerinnen ausschließt". Einer der Gründe dafür, dass es selten gemischtgeschlechtliche Bands gibt, ist, dass "Bands als geschlossene Einheiten funktionieren, in denen homosoziale Solidarität - soziale Bindungen zwischen Menschen gleichen Geschlechts ... - eine entscheidende Rolle spielt". In der Rockmusikszene der 1960er Jahre war "Singen manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen ... wurde einfach nicht gemacht". ⓘ
"Die Rebellion der Rockmusik war größtenteils eine männliche Rebellion; die Frauen - in den 1950er und 60er Jahren oft Mädchen im Teenageralter - in der Rockmusik sangen gewöhnlich Lieder als Personen, die völlig von ihren Macho-Freunden abhängig waren...". Philip Auslander sagt: "Obwohl es in den späten 1960er Jahren viele Frauen im Rock gab, traten die meisten nur als Sängerinnen auf, eine traditionell weibliche Position in der Popmusik". Obwohl einige Frauen in amerikanischen Garage-Rock-Bands Instrumente spielten, erreichte keine dieser Bands mehr als regionalen Erfolg. Sie boten also "keine brauchbaren Vorlagen für die fortgesetzte Beteiligung von Frauen am Rock". In Bezug auf die geschlechtsspezifische Zusammensetzung von Heavy-Metal-Bands heißt es, dass "[h]eavy metal performers are almost exclusively male" "...at least until the mid-1980s" apart from "...exceptions such as Girlschool". Doch "...jetzt [in den 2010er Jahren] haben sich vielleicht mehr denn je starke Metal-Frauen in Schale geworfen" und sich "einen beachtlichen Platz erobert". Als Suzi Quatro 1973 auftauchte, "arbeitete keine andere prominente Musikerin im Rock gleichzeitig als Sängerin, Instrumentalistin, Songschreiberin und Bandleaderin". Laut Auslander trat sie "die männliche Tür im Rock 'n' Roll ein und bewies, dass eine weibliche Musikerin ... und das ist ein Punkt, der mir sehr am Herzen liegt ... genauso gut, wenn nicht sogar besser als die Jungs spielen kann". ⓘ
Eine All-Female-Band ist eine Musikgruppe in Genres wie Rock und Blues, die ausschließlich aus weiblichen Musikern besteht. Dies unterscheidet sich von einer Girlgroup, in der die weiblichen Mitglieder ausschließlich Sängerinnen sind, auch wenn diese Terminologie nicht allgemein verwendet wird. ⓘ
Siehe auch
- Liste der Rockgenres
- Liste der Mainstream-Rockmusiker ⓘ
Weiterführende Literatur und Hörbeispiele
- Bogdanov, V.; Woodstra, C.; Erlewine, S. T., (Hrsg.) (2002). All Music Guide to Rock: der endgültige Führer zu Rock, Pop und Soul (3. Auflage). Milwaukee, WI: Backbeat Books. ISBN . 0-87930-653-X.
- Christgau, Robert (1992). "B.E.: Ein Dutzend Momente in der Vorgeschichte des Rock and Roll". Details.
- Gilliland, John (1969). "Pauker: Ein lebendiger Paukkurs über die Geschichte des Rock und einige andere Dinge" (Audio). Pop Chronicles. Bibliotheken der Universität von Nordtexas.
- Robinson, Richard. Pop, Rock und Soul. New York: Pyramid Books, 1972. ISBN 0-0515-2660-3
- Shepherd, J., ed. (2003). Continuum Encyclopedia of Popular Music of the World: Band II: Aufführung und Produktion. New York: Continuum. ISBN 0-8264-6322-3.
- Szatmary, David P. Rockin' in Time: a Social History of Rock-and-Roll. Dritte Auflage. Upper Saddle River NJ: Prentice-Hall, 1996. xvi, 320 S., Abb., meist mit s/w-Fotos. ISBN 0-13-440678-8 ⓘ
Besetzung einer Rockband
Die Besetzung von Rockgruppen besteht traditionell aus elektrischen und bzw. oder akustischen Gitarren, E-Bass, Schlagzeug und Gesang. Diese Besetzung wird oft durch Klavier und Keyboards wie Hammond-Orgel und Synthesizer ergänzt. Je nach Stilrichtung (z. B. Funk Rock) werden auch Bläser eingesetzt. Musiktheoretisch betrachtet handelt es sich dabei um homophone Musik: Eine Rhythmusgruppe begleitet; Gesang, Gitarren- oder andere Soloinstrumente führen mit einer herausstechenden Melodie. ⓘ
Kult und Kultur
Mit seinem Auftauchen auf der Bildfläche löste der Rockstar, der zuerst von Elvis Presley, später von den Beatles, den Rolling Stones und in der Folge von immer neuen Protagonisten und Bands personifiziert wurde, den Hollywoodstar als Identifikationsfigur ab. Im Vergleich zu letzterem entfesselte der Rockstar eine Jugendbewegung, die Generations- und Gesellschaftskonflikte aufbrechen ließ, wie es in der Geschichte bisher ohne Vergleich ist. Die Gründe dafür sind vielfältig. Zuerst kann festgestellt werden, dass die Rockmusik auf eine weiße, angloamerikanische Vorstadtgesellschaft traf, deren Mischung aus Wohlstand und patriarchalem Weltkriegsstolz eine dünne Kruste bildete, die nur darauf wartete, aufgebrochen zu werden. ⓘ
Dies war dem Filmstar nicht möglich, da er ein makelloses Produkt ist, das dem jugendlichen Konsumenten bereits fertig präsentiert wird und den er nach der Kinovorstellung hinter sich lassen muss. Tragbare Plattenspieler sowie Transistor- und Autoradios machten es möglich, sich mit der Musik permanent zu umgeben, und sie überall mit hinzunehmen. Allein die physische Präsenz des Sounds, der in der Rockmusik strukturell das Element „Lärm“ benutzt, dient als Abgrenzung zu anderen Generationen und angepassteren Jugendgruppierungen. Neben der eigentlichen Musik spielt aber auch die Peripherie eine wichtige Rolle. Mit dem Plattencover in der Hand, gekleidet wie der Star und umgeben von den Postern mit den berühmten Posen, Show- oder Tanzdarbietungen wurde Rockkultur auf eine neue Art im Jugendlichenzimmer präsent. ⓘ
Dazu kommt, dass es in der Rockmusik nicht, wie z. B. im Hollywoodfilm, der klassischen Musik oder dem Jazz, um Perfektion oder handwerkliche Virtuosität geht. Seit dem hüpfenden Gesang von Elvis Presley auf That’s All Right, über die bewusst aufs Album genommenen Verspielfehler von Jimmy Page auf dem Album Led Zeppelin II, der rauen Amateurhaftigkeit der Sex Pistols bis zu den Kieksern und hohen Schreien von Michael Jackson ist es das Momentane, Körperliche, das Authentische und Individuelle, das im Zentrum steht, die Unwiederholbarkeit des Augenblicks, die die Grenzen zwischen Musiker und Musikhörer noch weiter verschwinden lässt. ⓘ
Geschichte
1970er Jahre
Als Weiterentwicklung der sexuellen Befreiung der späten Sechziger ist der Glamrock zu verstehen, eine Mischung aus Hardrock und Popmusik, der sich durch eine futuristische, androgyne Ästhetik ausdrückte. Besonders populär waren britische Bands wie The Sweet, Slade oder T. Rex, und auch David Bowie und Queen hatten hier ihre Wurzeln. Parallel hatte der Hard Rock, aus dem sich später Metal entwickelte, eine Hochphase. Wegbereiter hier waren vor allem Deep Purple und Led Zeppelin. ⓘ
Eine weitere Hauptrichtung der frühen 1970er Jahre war ein künstlerischer Ansatz, der sich aus dem Psychedelic Rock entwickelte, aber auch Elemente aus klassischer Musik, neuer Musik, Jazz oder Folk aufgriff und sich in den Genres Artrock und Progressive Rock manifestierte. Wichtige Vertreter waren Pink Floyd, Genesis, Yes, Emerson, Lake and Palmer und Jethro Tull. ⓘ
Bis in die Mitte der Siebziger etablierte und kommerzialisierte sich das Genre weiter und wurde zum „Stadionrock“, eine Entwicklung, die unter anderem von den Eagles und Led Zeppelin revolutioniert und perfektioniert wurde. Ausgedehnte Tourneen, die große Stadien quer über den ganzen Erdball füllten, endlose Armeen von Stagehands, Toningenieuren und Roadies, ausgefeilte Lightshows, enorme Mengen an Trockeneis, Lasern, Monitorboxen und Verstärkern, die in unzähligen Sattelschleppern transportiert wurden, prägten nun das Bild. ⓘ
Als Antwort auf diese Entwicklung hin zum Bombast, aber auch als Gegenbewegung zur aufstrebenden Diskomusik und zu dem als friedfertig betrachteten Hippietum entstand im weiteren Verlauf des Jahrzehnts die rebellischere Subkultur des Punk. Vorläufer der Punkbewegung, die noch stark in der klassischen Rockmusik verwurzelt sind, lassen sich bei AC/DC und Motörhead erkennen, die eine Rückkehr und Entschlackung zum einfachen, schnell, pur und schnörkellos gespielten Rock einleiteten. Wichtige Vertreter des Punk waren die Sex Pistols, The Clash und die Ramones. Auch hier waren Elemente anderer Musikrichtungen Grundlage für ein neues Genre, den New Wave. Typisch für die Musik dieser Zeit war die Fusion aus Reggae und Punk, zu hören in der Musik von The Police oder Fischer-Z. Aber auch Vertreter der Black Music wie Michael Jackson gingen Verbindungen mit Rockmusik ein. ⓘ
Die fortschreitende Digitalisierung in der Musikproduktion und ein immer stärker werdender Perfektionismus machten die Entstehung von Musikrichtungen jenseits des Rock möglich. Bereits die Avantgardisten des Krautrock wie zum Beispiel Can oder vor allem Kraftwerk hatten ihren Anteil an dieser Entwicklung, indem sie mit ihrer experimentellen Musik den Grundstein für elektronische Popmusik legten. ⓘ
Seit 2010
Schon in den letzten Jahren vor 2010 stieg die Bedeutsamkeit elektronischer Klänge und Synthesizer in der Rockmusik wieder. Elektronische Einflüsse waren so auch in der Entwicklung von Bands zu hören, die wie die Arctic Monkeys oder Franz Ferdinand anfangs (noch) zum Post-Punk-Revival gezählt wurden. Erkennbar wurde sie später auch bei den Strokes. Indie-Rock bewegte sich damit generell vom „Garagencharakter“ hin zu progressiverer Musik. Bands wie Foals, Klaxons oder Vampire Weekend trugen mit ihrer Form des Indie-Rock zu diesem Trend bei. Ebenfalls größerer unmittelbarer Einfluss ist in der neueren Musik bei These New Puritans oder den Wild Beasts zu hören. ⓘ
Seit Beginn der 2010er Jahre konnte um Bands wie Tame Impala, Allah-Las, Foxygen, John Steel Singers, Temples und Warpaint ein Psychedelic-Rock-Revival beobachtet werden. Auch auf dem 2013 erschienenen Album AM der Arctic Monkeys, welches vom New Musical Express als bis dahin bestes Album des Jahrzehnts bezeichnet wurde, findet man Elemente dieses Genres. ⓘ
2017 wurde Rockmusik in den US-Charts als meistgekauftes Genre abgelöst; Rhythm and Blues und Hip-Hop hatten mit 25,1 Prozent den größten Anteil am Konsum, Rock folgte mit 23 Prozent. Rockmusik hat mit 40 Prozent noch den Hauptanteil am Albumverkauf, doch sind die Verkaufszahlen seit Jahren rückläufig. ⓘ