Blues
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| Stilistische Ursprünge |
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| Kulturelle Ursprünge | 1860er Jahre, tiefer Süden, U.S.A. |
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| Afroamerikaner |
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Blues ist ein Musikgenre und eine Musikform, die in den 1860er Jahren im tiefen Süden der Vereinigten Staaten von Afroamerikanern aus afroamerikanischen Arbeitsliedern und Spirituals entwickelt wurde. In den Blues flossen Spirituals, Arbeitslieder, Feldgeschrei, Rufe, Gesänge und gereimte, einfach erzählende Balladen ein. Die Form des Blues, die im Jazz, Rhythm and Blues und Rock and Roll allgegenwärtig ist, zeichnet sich durch das Call-and-Response-Muster, die Bluesskala und bestimmte Akkordfolgen aus, von denen der zwölftaktige Blues die häufigste ist. Blaue Noten (oder "besorgte Noten"), in der Regel Terzen, Quinten oder Septimen in abgeflachter Tonhöhe, sind ebenfalls ein wesentlicher Bestandteil des Sounds. Blues-Shuffles oder Walking Bass verstärken den tranceartigen Rhythmus und bilden einen sich wiederholenden Effekt, der als Groove bekannt ist. ⓘ
Der Blues als Genre ist auch durch seine Texte, Basslinien und Instrumentierung gekennzeichnet. Frühe traditionelle Blues-Strophen bestanden aus einer einzigen Zeile, die viermal wiederholt wurde. Erst in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts wurde die heute gebräuchlichste Struktur zum Standard: das AAB-Muster, bestehend aus einer gesungenen Zeile über die ersten vier Takte, ihrer Wiederholung über die nächsten vier und dann einer längeren Schlusszeile über die letzten Takte. Der frühe Blues nahm häufig die Form einer lockeren Erzählung an, die oft von der Rassendiskriminierung und anderen Herausforderungen für Afroamerikaner handelte. ⓘ
Viele Elemente, wie z. B. das Call-and-Response-Format und die Verwendung von Blue Notes, lassen sich auf die Musik Afrikas zurückführen. Die Ursprünge des Blues sind auch eng mit der religiösen Musik der afro-amerikanischen Gemeinschaft, den Spirituals, verbunden. Das erste Auftreten des Blues wird häufig auf die Zeit nach dem Ende der Sklaverei und später auf die Entwicklung der Juke Joints datiert. Er wird mit der neu erworbenen Freiheit der ehemaligen Sklaven in Verbindung gebracht. Chronisten begannen zu Beginn des 20. Jahrhunderts, über Bluesmusik zu berichten. Die erste Veröffentlichung von Blues-Noten erfolgte 1908. Seitdem hat sich der Blues aus der unbegleiteten Vokalmusik und den mündlichen Überlieferungen der Sklaven zu einer Vielzahl von Stilen und Untergattungen entwickelt. Zu den Untergattungen des Blues gehören der Country-Blues, wie der Delta-Blues und der Piedmont-Blues, sowie urbane Bluesstile wie der Chicago-Blues und der West Coast-Blues. Der Zweite Weltkrieg markierte den Übergang vom akustischen zum elektrischen Blues und die fortschreitende Öffnung der Bluesmusik für ein breiteres Publikum, insbesondere für weiße Zuhörer. In den 1960er und 1970er Jahren entwickelte sich eine Mischform, der so genannte Bluesrock, der Bluesstile mit Rockmusik vermischte. ⓘ
Etymologie
Der Begriff Blues stammt möglicherweise von "blue devils", was Melancholie und Traurigkeit bedeutet; eine frühe Verwendung des Begriffs in diesem Sinne findet sich in George Colmans einaktiger Farce Blue Devils (1798). Der Ausdruck "Blue Devils" könnte auch aus einem britischen Sprachgebrauch der 1600er Jahre stammen, der sich auf die "intensiven visuellen Halluzinationen, die einen schweren Alkoholentzug begleiten können", bezieht. Im Laufe der Zeit verlor der Ausdruck den Bezug zu Teufeln und bezeichnete stattdessen einen Zustand der Unruhe oder Depression. Um 1800 wurde der Begriff Blues in den Vereinigten Staaten mit dem Trinken von Alkohol in Verbindung gebracht, eine Bedeutung, die in der Formulierung blue law (blaues Gesetz) weiterlebt, die den Verkauf von Alkohol am Sonntag verbietet. Obwohl die Verwendung des Begriffs in der afroamerikanischen Musik älter sein mag, ist er seit 1912, als Hart Wands "Dallas Blues" die erste urheberrechtlich geschützte Blueskomposition wurde, in gedruckter Form nachweisbar. ⓘ
In Liedtexten wird der Ausdruck oft verwendet, um eine depressive Stimmung zu beschreiben. ⓘ
Im Jahr 1827 schrieb John James Audubon im Sinne eines traurigen Gemütszustands an seine Frau, dass er "den Blues" habe. ⓘ
Der Ausdruck "the blues" wurde von Charlotte Forten, damals 25 Jahre alt, am 14. Dezember 1862 in ihr Tagebuch geschrieben. Sie war eine frei geborene Schwarze aus Pennsylvania, die als Lehrerin in South Carolina arbeitete und sowohl Sklaven als auch Freigelassene unterrichtete, und schrieb, dass sie "mit dem Blues nach Hause kam", weil sie sich einsam fühlte und sich selbst bemitleidete. Sie überwand ihre Depression und notierte später eine Reihe von Liedern, wie "Poor Rosy", die unter den Sklaven beliebt waren. Obwohl sie zugab, dass sie nicht in der Lage war, die Art des Gesangs, den sie hörte, zu beschreiben, schrieb Forten, dass die Lieder "nicht ohne ein volles Herz und einen aufgewühlten Geist gesungen werden können", Bedingungen, die unzählige Blues-Songs inspiriert haben. ⓘ
Liedtexte
Die Texte der frühen traditionellen Blues-Strophen bestanden wahrscheinlich oft aus einer einzigen Zeile, die viermal wiederholt wurde. Erst in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts wurde die gängigste Struktur zum Standard: das so genannte "AAB"-Muster, bestehend aus einer gesungenen Zeile über die ersten vier Takte, ihrer Wiederholung über die nächsten vier und dann einer längeren Schlusszeile über die letzten Takte. Zwei der ersten veröffentlichten Blues-Songs, "Dallas Blues" (1912) und "Saint Louis Blues" (1914), waren 12-taktige Blues mit der AAB-Textstruktur. W.C. Handy schrieb, dass er diese Konvention annahm, um die Monotonie von dreimal wiederholten Zeilen zu vermeiden. Die Zeilen werden oft nach einem Muster gesungen, das eher an einen rhythmischen Vortrag erinnert als an eine Melodie. ⓘ
Der frühe Blues hatte häufig die Form einer losen Erzählung. Afroamerikanische Sänger brachten ihre "persönlichen Sorgen in einer Welt der harten Realität zum Ausdruck: eine verlorene Liebe, die Grausamkeit von Polizisten, die Unterdrückung durch die Weißen und harte Zeiten". Diese Melancholie hat zu der Vermutung geführt, dass der Blues seinen Ursprung bei den Igbo hat, denn die Igbo waren auf den Plantagen in Amerika für ihre melancholische Musik und ihre Lebenseinstellung bekannt, als sie versklavt wurden. ⓘ
Die Texte erzählen oft von Problemen in der afroamerikanischen Gesellschaft. Blind Lemon Jeffersons "Rising High Water Blues" (1927) zum Beispiel erzählt von der großen Mississippi-Flut von 1927:
Der Rückstau steigt, die Südstaatler haben keine Zeit
Ich sagte: "Backwater rising, Southern peoples can't make no time
Und ich kriege kein Gehör bei meinem Mädchen aus Memphis ⓘ
Obwohl der Blues mit Elend und Unterdrückung in Verbindung gebracht wurde, konnten die Texte auch humorvoll und anzüglich sein:
Rebecca, Rebecca, nimm deine dicken Beine von mir,
Rebecca, Rebecca, nimm deine dicken Beine von mir,
Es schickt dich vielleicht, Baby, aber es beunruhigt mich zu Tode. ⓘ
Der Hokum-Blues zelebrierte sowohl den komödiantischen Inhalt der Texte als auch einen ausgelassenen, farcenhaften Vortragsstil. It's Tight Like That" (1928) von Tampa Red und Georgia Tom ist ein hinterhältiges Wortspiel mit der doppelten Bedeutung von "eng" mit jemandem sein, gepaart mit einer eher anzüglichen körperlichen Vertrautheit. Blues-Songs mit sexuell expliziten Texten wurden als "Dirty Blues" bezeichnet. Der lyrische Inhalt wurde im Nachkriegsblues etwas einfacher und konzentrierte sich eher auf Beziehungsprobleme oder sexuelle Sorgen. Lyrische Themen, die im Vorkriegsblues häufig auftauchten, wie wirtschaftliche Depression, Landwirtschaft, Teufel, Glücksspiel, Magie, Überschwemmungen und Dürre, waren im Nachkriegsblues weniger häufig. ⓘ
Der Schriftsteller Ed Morales behauptete, dass die Yoruba-Mythologie im frühen Blues eine Rolle spielte, und zitierte Robert Johnsons "Cross Road Blues" als eine "kaum verhüllte Anspielung auf Eleggua, den Orisha, der für die Kreuzungen zuständig ist". Der christliche Einfluss war jedoch viel offensichtlicher. Das Repertoire vieler bedeutender Blueskünstler wie Charley Patton und Skip James enthielt religiöse Lieder oder Spirituals. Reverend Gary Davis und Blind Willie Johnson sind Beispiele für Künstler, die aufgrund ihrer Musik oft als Bluesmusiker eingestuft werden, obwohl ihre Texte eindeutig zu den Spirituals gehören. ⓘ
Form
Der Blues ist eine zyklische Musikform, bei der eine sich wiederholende Akkordfolge das Ruf- und Antwortschema widerspiegelt, das in der afrikanischen und afroamerikanischen Musik üblich ist. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts war die Bluesmusik nicht eindeutig in Form einer bestimmten Akkordfolge definiert. Mit der Popularität früher Interpreten wie Bessie Smith verbreitete sich der Zwölftakt-Blues in den 1920er und 30er Jahren in der Musikindustrie. Andere Akkordfolgen, wie 8-taktige Formen, werden immer noch als Blues bezeichnet; Beispiele sind "How Long Blues", "Trouble in Mind" und Big Bill Broonzys "Key to the Highway". Es gibt auch 16-taktige Blues, wie Ray Charles' Instrumental "Sweet 16 Bars" und Herbie Hancocks "Watermelon Man". Gelegentlich werden idiosynkratische Taktzahlen verwendet, wie z. B. die 9-taktige Progression in "Sitting on Top of the World" von Walter Vinson. ⓘ
| Akkorde, die über ein 12-taktiges Schema gespielt werden: | Akkorde für einen Blues in C: ⓘ | ||||||||||||||||||||||||
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Das grundlegende 12-taktige lyrische Gerüst einer Blueskomposition wird durch eine standardmäßige harmonische Progression von 12 Takten in einem 4/4-Takt widergespiegelt. Die Blues-Akkorde, die zu einem 12-taktigen Blues gehören, sind in der Regel eine Reihe von drei verschiedenen Akkorden, die über ein 12-taktiges Schema gespielt werden. Sie werden mit römischen Zahlen bezeichnet, die sich auf die Grade der Progression beziehen. Bei einem Blues in der Tonart C zum Beispiel ist C der Tonika-Akkord (I) und F die Subdominante (IV). ⓘ
Der letzte Akkord ist die Umkehrung der Dominante (V), die den Übergang zum Beginn der nächsten Progression markiert. Der Text endet im Allgemeinen auf dem letzten Schlag des zehnten Taktes oder dem ersten Schlag des elften Taktes, und die letzten beiden Takte werden dem Instrumentalisten als Pause überlassen; die Harmonie dieser zweitaktigen Pause, der Umkehrung, kann äußerst komplex sein und manchmal aus einzelnen Noten bestehen, die sich einer Analyse in Form von Akkorden entziehen. ⓘ
Meistens werden einige oder alle dieser Akkorde in der Form der harmonischen Septime (7.) gespielt. Die Verwendung des Intervalls der harmonischen Septime ist charakteristisch für den Blues und wird im Volksmund als "Blues Seven" bezeichnet. Blues-Sieben-Akkorde fügen dem harmonischen Akkord eine Note mit einer Frequenz im Verhältnis 7:4 zur Grundnote hinzu. Mit einem Verhältnis von 7:4 liegt sie nicht in der Nähe eines Intervalls der herkömmlichen westlichen diatonischen Tonleiter. Der Einfachheit halber oder aus Notwendigkeit wird er oft durch ein Intervall der kleinen Septime oder einen Dominantseptakkord angenähert. ⓘ
In der Melodie zeichnet sich der Blues durch die Verwendung der abgeflachten Terz, Quinte und Septime der zugehörigen Durtonleiter aus. ⓘ
Blues-Shuffles oder Walking Bass verstärken den tranceartigen Rhythmus und Call-and-Response und bilden einen sich wiederholenden Effekt, der Groove genannt wird. Die Shuffles, die für den Blues seit seinen afroamerikanischen Ursprüngen charakteristisch sind, spielten eine zentrale Rolle in der Swing-Musik. Die einfachsten Shuffles, die das deutlichste Kennzeichen der Mitte der 1940er Jahre einsetzenden R&B-Welle waren, bestanden aus einem dreistimmigen Riff auf den Basssaiten der Gitarre. Wenn dieses Riff über den Bass und das Schlagzeug gespielt wurde, entstand das "Groove-Feeling". Der Shuffle-Rhythmus wird oft als "dow, da dow, da dow, da" oder "dump, da dump, da dump, da" geäußert: Er besteht aus ungeraden oder "geschwungenen" Achtelnoten. Auf der Gitarre kann dies als einfacher, gleichmäßiger Bass gespielt werden, oder es kann zu der schrittweisen Viertelnotenbewegung von der Quinte zur Sexte des Akkords und zurück hinzukommen. ⓘ
Geschichte
Ursprünge
Die erste Veröffentlichung von Blues-Noten könnte "I Got the Blues" gewesen sein, das 1908 von dem New-Orleans-Musiker Antonio Maggio veröffentlicht wurde und als "die früheste veröffentlichte Komposition, die den Zustand, den Blues zu haben, mit der musikalischen Form verbindet, die im Volksmund als 'Blues' bekannt wurde", beschrieben wird. Hart Wands "Dallas Blues" wurde 1912 veröffentlicht; W.C. Handys "The Memphis Blues" folgte im selben Jahr. Die erste Aufnahme einer afroamerikanischen Sängerin war Mamie Smiths 1920 aufgenommene Version von Perry Bradfords "Crazy Blues". Die Ursprünge des Blues liegen jedoch einige Jahrzehnte früher, wahrscheinlich um 1890. Diese Musik ist kaum dokumentiert, was zum Teil auf die Rassendiskriminierung in der US-Gesellschaft, auch in akademischen Kreisen, und zum Teil auf die niedrige Alphabetisierungsrate unter den Afroamerikanern auf dem Lande zu jener Zeit zurückzuführen ist. ⓘ
Berichte über Bluesmusik in Südtexas und im tiefen Süden wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts verfasst. Charles Peabody erwähnte das Auftreten von Bluesmusik in Clarksdale, Mississippi, und Gate Thomas berichtete um 1901-1902 von ähnlichen Liedern in Südtexas. Diese Beobachtungen decken sich mehr oder weniger mit den Erinnerungen von Jelly Roll Morton, der sagte, er habe den Blues 1902 in New Orleans zum ersten Mal gehört; Ma Rainey, die sich daran erinnerte, den Blues im selben Jahr in Missouri zum ersten Mal gehört zu haben; und W.C. Handy, der den Blues 1903 in Tutwiler, Mississippi, zum ersten Mal hörte. Die erste umfassende Forschung auf diesem Gebiet wurde von Howard W. Odum durchgeführt, der zwischen 1905 und 1908 eine Anthologie von Volksliedern aus Lafayette County, Mississippi, und Newton County, Georgia, veröffentlichte. Die ersten nichtkommerziellen Aufnahmen von Bluesmusik, von Paul Oliver als Proto-Blues bezeichnet, wurden von Odum zu Forschungszwecken gleich zu Beginn des 20. Sie sind heute verschollen. ⓘ
Andere Aufnahmen, die noch verfügbar sind, wurden 1924 von Lawrence Gellert gemacht. Später wurden mehrere Aufnahmen von Robert W. Gordon gemacht, der Leiter des Archive of American Folk Songs der Library of Congress wurde. Gordons Nachfolger in der Bibliothek war John Lomax. In den 1930er Jahren machten Lomax und sein Sohn Alan eine große Anzahl nicht-kommerzieller Blues-Aufnahmen, die von der großen Vielfalt der Proto-Blues-Stile, wie Field Hollers und Ring Shouts, zeugen. Eine Aufzeichnung der Bluesmusik, wie sie vor 1920 existierte, findet sich auch in den Aufnahmen von Künstlern wie Lead Belly und Henry Thomas. All diese Quellen zeigen, dass es viele verschiedene Strukturen gab, die sich von zwölf-, acht- oder sechzehntaktigen unterscheiden. Die sozialen und wirtschaftlichen Gründe für das Aufkommen des Blues sind nicht vollständig bekannt. Das erste Auftreten des Blues wird in der Regel auf die Zeit nach dem Emanzipationsgesetz von 1863 datiert, d. h. auf die Zeit zwischen den 1860er und 1890er Jahren, eine Zeit, die mit der Zeit nach der Emanzipation und später mit der Etablierung der Juke Joints als Orte zusammenfällt, an denen Schwarze nach einem harten Arbeitstag Musik hören, tanzen oder spielen konnten. Diese Zeit fällt mit dem Übergang von der Sklaverei zu Sharecropping, landwirtschaftlicher Kleinproduktion und dem Ausbau der Eisenbahnen im Süden der USA zusammen. Mehrere Wissenschaftler charakterisieren die Entwicklung der Bluesmusik in den frühen 1900er Jahren als einen Übergang von der Gruppen- zur Individualmusik. Sie argumentieren, dass die Entwicklung des Blues mit der neu erlangten Freiheit der versklavten Menschen zusammenhängt. ⓘ
Laut Lawrence Levine "gab es eine direkte Beziehung zwischen der nationalen ideologischen Betonung des Individuums, der Popularität von Booker T. Washingtons Lehren und dem Aufstieg des Blues". Levine stellte fest, dass "die Afroamerikaner psychologisch, sozial und wirtschaftlich in einer Weise akkulturiert wurden, die während der Sklaverei unmöglich gewesen wäre, und es ist kaum überraschend, dass ihre weltliche Musik dies ebenso widerspiegelte wie ihre religiöse Musik." ⓘ
Es gibt nur wenige Merkmale, die der gesamten Bluesmusik gemeinsam sind, da das Genre seine Form aus den Eigenheiten der einzelnen Interpreten erhielt. Es gibt jedoch einige Merkmale, die schon lange vor der Entstehung des modernen Blues vorhanden waren. Call-and-Response-Shouts waren eine frühe Form der bluesähnlichen Musik; sie waren ein "funktionaler Ausdruck ... Stil ohne Begleitung oder Harmonie und nicht durch die Formalität einer bestimmten musikalischen Struktur begrenzt". Eine Form dieses Vor-Blues war in Sklavenrufe und Feldgeschrei zu hören, die zu "einfachen, mit emotionalem Inhalt beladenen Solosongs" erweitert wurden. ⓘ
Der Blues hat sich aus der unbegleiteten Vokalmusik und den mündlichen Traditionen der aus Westafrika importierten Sklaven und der Schwarzen auf dem Land zu einer Vielzahl von Stilen und Subgenres entwickelt, die in den Vereinigten Staaten regional unterschiedlich ausgeprägt sind. Obwohl der Blues (wie er heute bekannt ist) als ein Musikstil angesehen werden kann, der sowohl auf der europäischen harmonischen Struktur als auch auf der afrikanischen Call-and-Response-Tradition basiert, die sich in ein Zusammenspiel von Stimme und Gitarre verwandelte, hat die Bluesform selbst keine Ähnlichkeit mit den melodischen Stilen der westafrikanischen Griots. Außerdem gibt es Theorien, dass die Vier-Takt-Struktur des Blues ihren Ursprung in der indianischen Tradition des Pow-Wow-Trommelns haben könnte. ⓘ
Keine spezifische afrikanische Musikform kann als direkter Vorfahre des Blues identifiziert werden. Das Call-and-Response-Format lässt sich jedoch auf die Musik Afrikas zurückführen. Dass blaue Noten schon vor ihrer Verwendung im Blues einen afrikanischen Ursprung haben, beweist "A Negro Love Song" des englischen Komponisten Samuel Coleridge-Taylor aus seiner 1898 geschriebenen African Suite for Piano, die blaue Terzen und Septimen enthält. ⓘ
Der Diddley-Bogen (ein selbstgebautes einsaitiges Instrument, das Anfang des 20. Jahrhunderts in Teilen des amerikanischen Südens zu finden war) und das Banjo sind aus Afrika stammende Instrumente, die möglicherweise dazu beigetragen haben, afrikanische Spieltechniken in das frühe Instrumentalvokabular des Blues zu übertragen. Das Banjo scheint direkt aus der westafrikanischen Musik importiert worden zu sein. Es ähnelt dem Musikinstrument, das Griots und andere Afrikaner wie die Igbo spielten (von afrikanischen Völkern wie den Wolof, Fula und Mandinka Halam oder Akonting genannt). In den 1920er Jahren, als der Country-Blues aufkam, war die Verwendung des Banjos in der Blues-Musik jedoch eher marginal und beschränkte sich auf Personen wie Papa Charlie Jackson und später Gus Cannon. ⓘ
Die Bluesmusik übernahm auch Elemente aus den "Ethiopian Airs", Minstrel-Shows und Negro Spirituals, einschließlich der instrumentalen und harmonischen Begleitung. Der Stil war auch eng mit dem Ragtime verwandt, der sich etwa zur gleichen Zeit entwickelte, obwohl der Blues "die ursprünglichen melodischen Muster der afrikanischen Musik" besser bewahrte. ⓘ
Die Musikformen und -stile, die heute als Blues bezeichnet werden, sowie die moderne Country-Musik entstanden im 19. Jahrhundert in denselben Regionen im Süden der Vereinigten Staaten. Aufgenommene Blues- und Countrymusik gibt es bereits seit den 1920er Jahren, als die Plattenindustrie die Marketingkategorien "Rassenmusik" und "Hillbilly-Musik" schuf, um Musik von Schwarzen für Schwarze bzw. von Weißen für Weiße zu verkaufen. Damals gab es keine klare musikalische Trennung zwischen "Blues" und "Country", abgesehen von der ethnischen Zugehörigkeit des Interpreten, und selbst das wurde von den Plattenfirmen manchmal falsch dokumentiert. ⓘ
Obwohl Musikwissenschaftler heute versuchen, den Blues anhand bestimmter Akkordstrukturen und lyrischer Formen zu definieren, von denen man annimmt, dass sie ihren Ursprung in Westafrika haben, wurde die Musik vom Publikum ursprünglich viel allgemeiner verstanden: Es war einfach die Musik des ländlichen Südens, insbesondere des Mississippi-Deltas. Schwarze und weiße Musiker teilten dasselbe Repertoire und betrachteten sich selbst eher als "Songster" denn als Bluesmusiker. Die Vorstellung vom Blues als eigenständiges Genre entstand im Zuge der Migration der Schwarzen vom Land in die Städte in den 1920er Jahren und der gleichzeitigen Entwicklung der Schallplattenindustrie. Blues wurde zu einem Codewort für eine Schallplatte, die sich an schwarze Hörer verkaufen sollte. ⓘ
Die Ursprünge des Blues sind eng mit der religiösen Musik der afro-amerikanischen Gemeinschaft, den Spirituals, verbunden. Die Ursprünge der Spirituals reichen viel weiter zurück als die des Blues und gehen in der Regel auf die Mitte des 18. Jahrhunderts zurück, als die Sklaven christianisiert wurden und begannen, christliche Hymnen zu singen und zu spielen, insbesondere die von Isaac Watts, die sehr beliebt waren. Bevor der Blues seine formale Definition in Form von Akkordfolgen erhielt, wurde er als das weltliche Gegenstück zu den Spirituals definiert. Er war die niedere Musik, die von den Schwarzen auf dem Lande gespielt wurde. ⓘ
Je nachdem, welcher Religionsgemeinschaft ein Musiker angehörte, galt es mehr oder weniger als Sünde, diese niedere Musik zu spielen: Blues war die Musik des Teufels. Die Musiker wurden daher in zwei Kategorien eingeteilt: Gospelsänger und Bluessänger, Gitarrenprediger und Liedermacher. Als jedoch in den 1920er Jahren schwarze Musik auf dem Lande aufgenommen wurde, verwendeten beide Kategorien von Musikern ähnliche Techniken: Call-and-Response-Muster, Blue Notes und Slide-Gitarren. Die Gospelmusik verwendete jedoch musikalische Formen, die mit christlichen Hymnen kompatibel waren und daher weniger von der Bluesform geprägt waren als ihr weltliches Pendant. ⓘ
Vorkriegs-Blues
Die amerikanische Notenindustrie produzierte eine große Menge an Ragtime-Musik. Bis 1912 veröffentlichte die Notenindustrie drei populäre, bluesähnliche Kompositionen, die den Anstoß für die Übernahme von Blueselementen durch die Tin Pan Alley gaben: "Baby Seals' Blues" von "Baby" Franklin Seals (arrangiert von Artie Matthews), "Dallas Blues" von Hart Wand und "The Memphis Blues" von W.C. Handy. ⓘ
Handy war ein ausgebildeter Musiker, Komponist und Arrangeur, der dazu beitrug, den Blues populär zu machen, indem er den Blues in einem fast symphonischen Stil mit Bands und Sängern transkribierte und orchestrierte. Er wurde ein beliebter und produktiver Komponist und bezeichnete sich selbst als "Vater des Blues"; seine Kompositionen können jedoch als eine Fusion von Blues mit Ragtime und Jazz beschrieben werden, eine Fusion, die durch den kubanischen Habanera-Rhythmus erleichtert wurde, der seit langem Teil des Ragtime war; Handys Hauptwerk war der "Saint Louis Blues". ⓘ
In den 1920er Jahren wurde der Blues zu einem wichtigen Bestandteil der afroamerikanischen und amerikanischen Popmusik und erreichte durch Handys Arrangements und die klassischen Blues-Darstellerinnen auch das weiße Publikum. Diese Künstlerinnen wurden vielleicht die ersten afroamerikanischen "Superstars", und ihre Plattenverkäufe zeigten, dass "ein riesiger Appetit auf Platten von und für Schwarze" bestand. Der Blues entwickelte sich von informellen Auftritten in Bars zur Unterhaltung in Theatern. Blues-Aufführungen wurden von der Theater Owners Bookers Association in Nachtclubs wie dem Cotton Club und Juke Joints wie den Bars entlang der Beale Street in Memphis organisiert. Mehrere Plattenfirmen wie die American Record Corporation, Okeh Records und Paramount Records begannen, afroamerikanische Musik aufzunehmen. ⓘ
Mit dem Aufkommen der Schallplattenindustrie wurden Country-Blues-Interpreten wie Bo Carter, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Tampa Red und Blind Blake in der afroamerikanischen Gemeinschaft immer beliebter. Der aus Kentucky stammende Sylvester Weaver war 1923 der erste, der den Slide-Gitarren-Stil aufnahm, bei dem die Gitarre mit einer Messerklinge oder dem abgesägten Hals einer Flasche gespielt wird. Die Slide-Gitarre wurde ein wichtiger Bestandteil des Delta-Blues. Die ersten Bluesaufnahmen aus den 1920er Jahren lassen sich in einen traditionellen, ländlichen Country-Blues und einen ausgefeilteren City- oder Stadtblues einteilen. ⓘ
Country-Blues-Interpreten improvisierten oft, entweder ohne Begleitung oder nur mit einem Banjo oder einer Gitarre. Die regionalen Stile des Country-Blues waren im frühen 20. Jahrhundert sehr unterschiedlich. Der (Mississippi-)Delta-Blues war ein bodenständiger, karger Stil mit leidenschaftlichem Gesang, der von einer Slide-Gitarre begleitet wurde. Der wenig bekannte Robert Johnson kombinierte Elemente des städtischen und des ländlichen Blues. Zu den einflussreichen Interpreten dieses Stils gehörten neben Robert Johnson auch seine Vorgänger Charley Patton und Son House. Sänger wie Blind Willie McTell und Blind Boy Fuller traten in der "zarten und lyrischen" Piedmont-Blues-Tradition des Südostens auf, bei der eine ausgefeilte Ragtime-basierte Fingerpicking-Gitarren-Technik zum Einsatz kam. Auch in Georgia gab es eine frühe Slide-Tradition, mit Curley Weaver, Tampa Red, "Barbecue Bob" Hicks und James "Kokomo" Arnold als Vertretern dieses Stils. ⓘ
Der lebendige Memphis-Blues-Stil, der sich in den 1920er und 1930er Jahren in der Nähe von Memphis, Tennessee, entwickelte, wurde von Jug-Bands wie der Memphis Jug Band oder den Gus Cannon's Jug Stompers beeinflusst. Interpreten wie Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy, Casey Bill Weldon und Memphis Minnie benutzten eine Vielzahl ungewöhnlicher Instrumente wie Waschbrett, Fiddle, Kazoo oder Mandoline. Memphis Minnie war berühmt für ihren virtuosen Gitarrenstil. Der Pianist Memphis Slim begann seine Karriere in Memphis, doch sein Stil war weicher und enthielt einige Swing-Elemente. Viele Bluesmusiker aus Memphis zogen in den späten 1930er oder frühen 1940er Jahren nach Chicago und wurden Teil der städtischen Bluesbewegung. ⓘ
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Urbaner Blues
Die Stile des städtischen oder urbanen Blues waren kodifizierter und ausgefeilter, da die Interpreten nicht mehr in ihrer lokalen, unmittelbaren Gemeinschaft verankert waren, sondern sich an die Ästhetik eines größeren, vielfältigeren Publikums anpassen mussten. In den 1920er Jahren waren die klassischen Sängerinnen des Stadt- und Varieté-Blues sehr beliebt, darunter "die großen Drei" - Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith und Lucille Bogan. Mamie Smith, eher eine Varietékünstlerin als eine Blueskünstlerin, war die erste Afroamerikanerin, die 1920 einen Blues-Song aufnahm; ihre zweite Platte, "Crazy Blues", verkaufte sich im ersten Monat 75.000 Mal. Ma Rainey, die "Mutter des Blues", und Bessie Smith "[sangen] jeweils um die Mitteltöne herum, vielleicht um ihre Stimme leichter in den hinteren Teil eines Raumes zu projizieren". Smith "sang ein Lied in einer ungewöhnlichen Tonart, und ihre Kunstfertigkeit, die Noten mit ihrer schönen, kraftvollen Altstimme zu biegen und zu dehnen, um ihre eigene Interpretation zu ermöglichen, war unübertroffen". ⓘ
1920 war die Vaudeville-Sängerin Lucille Hegamin die zweite schwarze Frau, die Blues aufnahm, als sie "The Jazz Me Blues" aufnahm, und Victoria Spivey, manchmal auch Queen Victoria oder Za Zu Girl genannt, hatte eine Plattenkarriere, die 1926 begann und vierzig Jahre lang andauerte. Diese Aufnahmen wurden in der Regel als "Rassenplatten" bezeichnet, um sie von Platten zu unterscheiden, die an ein weißes Publikum verkauft wurden. Nichtsdestotrotz wurden die Aufnahmen einiger klassischer Bluessängerinnen auch von weißen Käufern erworben. Zu den Beiträgen dieser Bluesfrauen zum Genre gehörten "verstärkte Improvisationen über melodische Linien, ungewöhnliche Phrasierungen, die die Betonung und Wirkung der Texte veränderten, und stimmliche Dramatik unter Verwendung von Schreien, Stöhnen, Jammern und Wehklagen. Die Blues-Frauen bewirkten damit Veränderungen in anderen Arten des populären Gesangs, die sich im Jazz, in Broadway-Musicals, in den Torch-Songs der 1930er und 1940er Jahre, im Gospel, im Rhythm and Blues und schließlich im Rock and Roll niederschlugen. ⓘ
Zu den städtischen männlichen Interpreten gehörten beliebte schwarze Musiker dieser Zeit, wie Tampa Red, Big Bill Broonzy und Leroy Carr. Ein wichtiges Label dieser Ära war das in Chicago ansässige Bluebird Records. Vor dem Zweiten Weltkrieg wurde Tampa Red gelegentlich als "The Guitar Wizard" bezeichnet. Carr begleitete sich selbst am Klavier mit Scrapper Blackwell an der Gitarre, ein Format, das bis in die 1950er Jahre mit Künstlern wie Charles Brown und sogar Nat "King" Cole fortgesetzt wurde. ⓘ
Boogie-Woogie war ein weiterer wichtiger Stil des urbanen Blues der 1930er und frühen 1940er Jahre. Während der Stil oft mit dem Solo-Piano in Verbindung gebracht wird, wurde der Boogie-Woogie auch zur Begleitung von Sängern und als Solostimme in Bands und kleinen Combos verwendet. Der Boogie-Woogie-Stil zeichnete sich durch eine regelmäßige Bassfigur, ein Ostinato oder Riff und Höhenverschiebungen in der linken Hand aus, die jeden Akkord sowie Triller und Verzierungen in der rechten Hand ausarbeiteten. Wegbereiter des Boogie-Woogie waren der in Chicago lebende Jimmy Yancey und das Boogie-Woogie Trio (Albert Ammons, Pete Johnson und Meade Lux Lewis). Zu den Chicagoer Boogie-Woogie-Interpreten gehörten Clarence "Pine Top" Smith und Earl Hines, die "die treibenden Rhythmen der Ragtime-Pianisten in der linken Hand mit melodischen Figuren verbanden, die denen von Armstrongs Trompete in der rechten Hand ähnelten". Der sanfte Louisiana-Stil von Professor Longhair und in jüngerer Zeit von Dr. John vermischt den klassischen Rhythm and Blues mit Blues-Stilen. ⓘ
Eine weitere Entwicklung in dieser Zeit war der Big-Band-Blues. Die "Territory Bands" aus Kansas City, das Bennie Moten Orchestra, Jay McShann und das Count Basie Orchestra konzentrierten sich ebenfalls auf den Blues, mit 12-taktigen Blues-Instrumentalstücken wie Basies "One O'Clock Jump" und "Jumpin' at the Woodside" und dem ungestümen "Blues Shouting" von Jimmy Rushing bei Songs wie "Going to Chicago" und "Sent for You Yesterday". Ein bekannter Big-Band-Blues-Titel ist Glenn Millers "In the Mood". In den 1940er Jahren entwickelte sich der Jump-Blues-Stil. Der Jump Blues entwickelte sich aus der Boogie-Woogie-Welle und wurde stark von der Big-Band-Musik beeinflusst. Er verwendet Saxophon oder andere Blechblasinstrumente und die Gitarre in der Rhythmusgruppe, um einen jazzigen, temporeichen Sound mit deklamatorischem Gesang zu erzeugen. Die Jump-Blues-Melodien von Louis Jordan und Big Joe Turner aus Kansas City, Missouri, beeinflussten die Entwicklung späterer Stile wie Rock and Roll und Rhythm and Blues. Der in Dallas geborene T-Bone Walker, der oft mit dem kalifornischen Bluesstil in Verbindung gebracht wird, vollzog einen erfolgreichen Übergang vom frühen urbanen Blues à la Lonnie Johnson und Leroy Carr zum Jump-Blues-Stil und dominierte die Blues-Jazz-Szene in Los Angeles während der 1940er Jahre. ⓘ
1950s
Der Übergang vom Country Blues zum Urban Blues, der in den 1920er Jahren begann, wurde durch die aufeinanderfolgenden Wellen wirtschaftlicher Krisen und Booms vorangetrieben, die viele Schwarze vom Lande dazu brachten, in die Städte zu ziehen, eine Bewegung, die als Great Migration bekannt wurde. Der lange Boom nach dem Zweiten Weltkrieg führte zu einer weiteren massiven Migration der afroamerikanischen Bevölkerung, der Zweiten Großen Migration, die mit einem erheblichen Anstieg des Realeinkommens der städtischen Schwarzen einherging. Die neuen Migranten bildeten einen neuen Markt für die Musikindustrie. Der Begriff "race record", den die Musikindustrie zunächst für afroamerikanische Musik verwendete, wurde durch den Begriff "Rhythm and Blues" ersetzt. Dieser sich rasch entwickelnde Markt spiegelte sich in den Rhythm & Blues-Charts der Zeitschrift Billboard wider. Diese Marketingstrategie verstärkte Trends in der urbanen Bluesmusik wie die Verwendung elektrischer Instrumente und Verstärker sowie die Verallgemeinerung des Bluesbeats, des Blues Shuffle, der im Rhythm and Blues (R&B) allgegenwärtig wurde. Dieser kommerzielle Strom hatte wichtige Folgen für die Bluesmusik, die zusammen mit Jazz und Gospelmusik zu einem Bestandteil des R&B wurde. ⓘ
Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden neue Stile des elektrischen Blues in Städten wie Chicago, Memphis, Detroit und St. Louis populär. Für den elektrischen Blues wurden elektrische Gitarren, Kontrabass (der allmählich durch die Bassgitarre ersetzt wurde), Schlagzeug und Mundharmonika (oder "Blues Harp") verwendet, die über ein Mikrofon und ein PA-System oder einen übersteuerten Gitarrenverstärker gespielt wurden. Chicago wurde ab 1948, als Muddy Waters seinen ersten Erfolg "I Can't Be Satisfied" aufnahm, zu einem Zentrum des elektrischen Blues. Der Chicago-Blues ist in hohem Maße vom Delta-Blues beeinflusst, da viele Interpreten aus der Region Mississippi eingewandert waren. ⓘ
Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon und Jimmy Reed wurden alle in Mississippi geboren und zogen während der Great Migration nach Chicago. Ihr Stil ist gekennzeichnet durch den Einsatz von E-Gitarre, manchmal Slide-Gitarre, Mundharmonika und einer Rhythmusgruppe aus Bass und Schlagzeug. Der Saxophonist J. T. Brown spielte in den Bands von Elmore James und J. B. Lenoir, aber das Saxophon wurde eher als Begleitinstrument zur rhythmischen Unterstützung denn als Hauptinstrument eingesetzt. ⓘ
Little Walter, Sonny Boy Williamson (Rice Miller) und Sonny Terry sind bekannte Mundharmonikaspieler (von Bluesmusikern "Harp" genannt) der frühen Chicagoer Bluesszene. Andere Mundharmonikaspieler wie Big Walter Horton waren ebenfalls einflussreich. Muddy Waters und Elmore James waren für ihren innovativen Einsatz der elektrischen Slide-Gitarre bekannt. Howlin' Wolf und Muddy Waters waren für ihre tiefen, "kiesigen" Stimmen bekannt. ⓘ
Der Bassist, Songschreiber und Komponist Willie Dixon spielte eine wichtige Rolle in der Chicagoer Bluesszene. Er komponierte und schrieb viele Standard-Blues-Songs der damaligen Zeit, wie "Hoochie Coochie Man", "I Just Want to Make Love to You" (beide aus der Feder von Muddy Waters) und "Wang Dang Doodle" und "Back Door Man" für Howlin' Wolf. Die meisten Künstler des Chicago-Blues-Stils nahmen für die in Chicago ansässigen Labels Chess Records und Checker Records auf. Zu den kleineren Blues-Labels dieser Ära gehörten Vee-Jay Records und J.O.B. Records. In den frühen 1950er Jahren wurden die dominierenden Chicagoer Labels von Sam Phillips' Firma Sun Records in Memphis herausgefordert, die B. B. King und Howlin' Wolf aufnahm, bevor er 1960 nach Chicago zog. Nachdem Phillips 1954 Elvis Presley entdeckt hatte, wandte sich das Sun-Label dem schnell wachsenden weißen Publikum zu und begann, hauptsächlich Rock 'n' Roll aufzunehmen. ⓘ
In den 1950er Jahren hatte der Blues einen großen Einfluss auf die populäre amerikanische Musik des Mainstreams. Populäre Musiker wie Bo Diddley und Chuck Berry, die beide für Chess aufnahmen, waren zwar vom Chicago-Blues beeinflusst, doch ihre enthusiastische Spielweise entfernte sich von den melancholischen Aspekten des Blues. Der Chicago-Blues beeinflusste auch die Zydeco-Musik von Louisiana, wobei Clifton Chenier Blues-Akzente setzte. Zydeco-Musiker verwendeten elektrische Sologitarren und Cajun-Arrangements von Blues-Standards. ⓘ
In England fasste der elektrische Blues während einer viel beachteten Tournee von Muddy Waters im Jahr 1958 Fuß. Waters, der nicht ahnte, dass sein Publikum zu Skiffle, einer akustischen, weicheren Art des Blues, neigte, drehte seinen Verstärker auf und begann, seinen Chicagoer Elektroblues zu spielen. Obwohl das Publikum von der Darbietung weitgehend aufgerüttelt wurde, beeinflusste der Auftritt lokale Musiker wie Alexis Korner und Cyril Davies, diesen lauteren Stil nachzuahmen, und inspirierte die britische Invasion der Rolling Stones und der Yardbirds. ⓘ
In den späten 1950er Jahren entwickelte sich an der West Side Chicagos ein neuer Blues-Stil, der von Magic Sam, Buddy Guy und Otis Rush bei Cobra Records vorangetrieben wurde. Der "West Side Sound" hatte eine starke rhythmische Unterstützung durch Rhythmusgitarre, Bassgitarre und Schlagzeug und wurde von Guy, Freddie King, Magic Slim und Luther Allison perfektioniert und von einer verstärkten elektrischen Leadgitarre dominiert. Ausdrucksstarke Gitarrensoli waren ein Hauptmerkmal dieser Musik. ⓘ
Andere Blueskünstler, wie John Lee Hooker, hatten Einflüsse, die nicht direkt mit dem Chicago-Stil zusammenhängen. Der Blues von John Lee Hooker ist "persönlicher" und basiert auf Hookers tiefer, rauer Stimme, die von einer einzigen elektrischen Gitarre begleitet wird. Obwohl er nicht direkt vom Boogie Woogie beeinflusst wurde, wird sein "grooviger" Stil manchmal als "Gitarren-Boogie" bezeichnet. Sein erster Hit, "Boogie Chillen", erreichte 1949 Platz 1 der R&B-Charts. ⓘ
In den späten 1950er Jahren entwickelte sich in der Nähe von Baton Rouge das Genre des Swamp Blues mit Künstlern wie Lightnin' Slim, Slim Harpo, Sam Myers und Jerry McCain um den Produzenten J. D. "Jay" Miller und das Excello-Label. Der stark von Jimmy Reed beeinflusste Swamp-Blues hat ein langsameres Tempo und einen einfacheren Einsatz der Mundharmonika als der Chicago-Blues-Stil von Künstlern wie Little Walter oder Muddy Waters. Zu den Songs dieses Genres gehören "Scratch my Back", "She's Tough" und "I'm a King Bee". Alan Lomax' Aufnahmen von Mississippi Fred McDowell verschafften ihm schließlich sowohl im Blues- als auch im Folkbereich größere Aufmerksamkeit, und McDowells dröhnender Stil beeinflusste die Bluesmusiker in den Hügeln von Mississippi. ⓘ
1960er und 1970er Jahre
Zu Beginn der 1960er Jahre gehörten von der afroamerikanischen Musik beeinflusste Genres wie Rock and Roll und Soul zum Mainstream der Popmusik. Weiße Interpreten wie die Rolling Stones und die Beatles hatten die afroamerikanische Musik sowohl in den USA als auch im Ausland einem neuen Publikum nahe gebracht. Die Blueswelle, die Künstler wie Muddy Waters in den Vordergrund brachte, war jedoch zum Stillstand gekommen. Blueser wie Big Bill Broonzy und Willie Dixon begannen, in Europa nach neuen Märkten zu suchen. Dick Waterman und die von ihm organisierten Bluesfestivals in Europa spielten eine wichtige Rolle bei der Verbreitung der Bluesmusik im Ausland. Im Vereinigten Königreich eiferten Bands den US-Blueslegenden nach, und britische Bluesrock-Bands spielten in den 1960er Jahren eine einflussreiche Rolle. ⓘ
Blueskünstler wie John Lee Hooker und Muddy Waters traten weiterhin vor einem begeisterten Publikum auf und inspirierten neue Künstler, die sich dem traditionellen Blues verschrieben hatten, wie den in New York geborenen Taj Mahal. John Lee Hooker mischte seinen Bluesstil mit Rockelementen und spielte mit jüngeren weißen Musikern zusammen und schuf einen Musikstil, der auf dem Album Endless Boogie von 1971 zu hören ist. B. B. Kings Gesang und virtuose Gitarrentechnik brachten ihm den gleichnamigen Titel "King of the Blues" ein. King führte einen ausgefeilten Stil von Gitarrensoli ein, der auf fließenden Saitenbeugungen und schimmerndem Vibrato basierte und viele spätere E-Blues-Gitarristen beeinflusste. Im Gegensatz zum Chicago-Stil verwendete Kings Band starke Bläserunterstützung durch Saxophon, Trompete und Posaune, anstatt Slide-Gitarre oder Harp zu verwenden. Der in Tennessee geborene Bobby "Blue" Bland bewegte sich wie B. B. King ebenfalls zwischen den Genres Blues und R&B. Freddie King und Albert King spielten in dieser Zeit häufig mit Rock- und Soulmusikern (Eric Clapton und Booker T & the MGs) zusammen und hatten großen Einfluss auf diese Musikstile. ⓘ
Die Musik der Bürgerrechtsbewegung und des Free Speech Movement in den USA führte zu einem Wiederaufleben des Interesses an der amerikanischen Roots-Musik und der frühen afroamerikanischen Musik. Außerdem brachten Festivals wie das Newport Folk Festival den traditionellen Blues einem neuen Publikum nahe, was dazu beitrug, das Interesse am akustischen Vorkriegsblues und an Interpreten wie Son House, Mississippi John Hurt, Skip James und Reverend Gary Davis wiederzubeleben. Viele Kompilationen des klassischen Vorkriegsblues wurden von Yazoo Records neu veröffentlicht. J. B. Lenoir aus der Chicagoer Blues-Bewegung nahm in den 1950er Jahren mehrere LPs mit akustischer Gitarre auf, manchmal begleitet von Willie Dixon am akustischen Bass oder Schlagzeug. Seine Songs, die ursprünglich nur in Europa vertrieben wurden, kommentierten politische Themen wie Rassismus oder den Vietnamkrieg, was für diese Zeit ungewöhnlich war. Sein Album Alabama Blues enthielt einen Song mit dem folgenden Text:
Ich werde niemals zurück nach Alabama gehen, das ist nicht der richtige Ort für mich (2×)
Du weißt, sie haben meine Schwester und meinen Bruder getötet
und die ganze Welt ließ die Leute dort unten frei herumlaufen ⓘ
Das Interesse des weißen Publikums am Blues stieg in den 1960er Jahren durch die Paul Butterfield Blues Band aus Chicago mit dem Gitarristen Michael Bloomfield und dem Singer/Songwriter Nick Gravenites sowie durch die britische Bluesbewegung. Der Stil des britischen Blues entwickelte sich im Vereinigten Königreich, als Bands wie die Animals, Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, die Rolling Stones, die Yardbirds, die Supergroup Cream und der irische Musiker Rory Gallagher klassische Blues-Songs aus der Tradition des Delta- oder Chicago-Blues aufführten. ⓘ
1963 schrieb LeRoi Jones, später bekannt als Amiri Baraka, als erster ein Buch über die Sozialgeschichte des Blues in Blues People: Die Musik der Neger im weißen Amerika. Die britischen und Blues-Musiker der frühen 1960er Jahre inspirierten eine Reihe amerikanischer Blues-Rock-Fusion-Künstler, darunter die Doors, Canned Heat, die frühen Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, die J. Geils Band, Ry Cooder und die Allman Brothers Band. Ein Blues-Rock-Künstler, Jimi Hendrix, war damals eine Rarität auf seinem Gebiet: ein Schwarzer, der Psychedelic Rock spielte. Hendrix war ein geschickter Gitarrist und ein Pionier in der innovativen Verwendung von Verzerrungen und Rückkopplungen in seiner Musik. Durch diese und andere Künstler beeinflusste die Bluesmusik die Entwicklung der Rockmusik. ⓘ
In den frühen 1970er Jahren entstand der texanische Rock-Blues-Stil, bei dem die Gitarre sowohl als Solo- als auch als Rhythmusinstrument eingesetzt wurde. Im Gegensatz zum West-Side-Blues ist der Texas-Stil stark von der britischen Rock-Blues-Bewegung beeinflusst. Zu den wichtigsten Vertretern des texanischen Stils gehören Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, die Fabulous Thunderbirds (angeführt vom Mundharmonikaspieler und Singer-Songwriter Kim Wilson) und ZZ Top. Alle diese Künstler begannen ihre musikalische Karriere in den 1970er Jahren, hatten aber erst im folgenden Jahrzehnt internationalen Erfolg. ⓘ
1980er Jahre bis heute
Seit den 1980er Jahren hat ein Teil der afroamerikanischen Bevölkerung, vor allem in Jackson, Mississippi und anderen Regionen des tiefen Südens, das Interesse am Blues wiederentdeckt. Die oft als "Soul Blues" oder "Southern Soul" bezeichnete Musik, die im Mittelpunkt dieser Bewegung steht, erhielt durch den unerwarteten Erfolg von zwei besonderen Aufnahmen des in Jackson ansässigen Labels Malaco neues Leben: Z. Z. Hill's Down Home Blues (1982) und Little Milton's The Blues is Alright (1984). Zu den zeitgenössischen afroamerikanischen Interpreten, die in diesem Stil des Blues arbeiten, gehören Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Mel Waiters, Clarence Carter, Dr. "Feelgood" Potts, O.B. Buchana, Ms. Jody, Shirley Brown und Dutzende anderer. ⓘ
In den 1980er Jahren wurde der Blues sowohl in traditionellen als auch in neuen Formen weitergeführt. 1986 machte das Album Strong Persuader Robert Cray zu einem wichtigen Blueskünstler. Die erste Aufnahme von Stevie Ray Vaughan, Texas Flood, wurde 1983 veröffentlicht, und der aus Texas stammende Gitarrist eroberte die internationale Bühne im Sturm. Die Popularität von John Lee Hooker wurde 1989 mit dem Album The Healer wiederbelebt. Eric Clapton, bekannt für seine Auftritte mit den Blues Breakers und Cream, feierte in den 1990er Jahren ein Comeback mit seinem Album Unplugged, auf dem er einige Standard-Bluesnummern auf der akustischen Gitarre spielte. ⓘ
Seit den 1990er Jahren haben jedoch digitale Mehrspuraufnahmen und andere technische Fortschritte sowie neue Marketingstrategien wie die Produktion von Videoclips die Kosten in die Höhe getrieben und die Spontaneität und Improvisation, die ein wichtiger Bestandteil der Bluesmusik sind, in Frage gestellt. In den 1980er und 1990er Jahren wurden Blues-Publikationen wie Living Blues und Blues Revue ins Leben gerufen, in den Großstädten wurden Blues-Gesellschaften gegründet, Blues-Festivals unter freiem Himmel wurden häufiger, und es entstanden mehr Nachtclubs und Veranstaltungsorte für Blues. ⓘ
In den 1990er Jahren erlangte der weitgehend ignorierte Hill-Country-Blues mit den Künstlern R. L. Burnside und Junior Kimbrough aus dem nördlichen Mississippi sowohl in Blues- als auch in alternativen Rockmusikkreisen eine gewisse Anerkennung. Bluesinterpreten erforschten eine Reihe von Musikgenres, wie man zum Beispiel an der breiten Palette der Nominierten der jährlichen Blues Music Awards, früher W.C. Handy Awards genannt, oder der Grammy Awards für das beste zeitgenössische und traditionelle Bluesalbum sehen kann. Die Billboard-Blues-Album-Charts geben einen Überblick über die aktuellen Blues-Hits. Die zeitgenössische Bluesmusik wird von mehreren Blues-Labels gepflegt, wie z.B.: Alligator Records, Ruf Records, Severn Records, Chess Records (MCA), Delmark Records, NorthernBlues Music, Fat Possum Records und Vanguard Records (Artemis Records). Einige Labels sind für die Wiederentdeckung und das Remastering von Blues-Raritäten bekannt, darunter Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings (Erbe von Folkways Records) und Yazoo Records (Shanachie Records). ⓘ
Musikalischer Einfluss
Die musikalischen Stile, Formen (12-Takt-Blues), Melodien und die Blues-Tonleiter haben viele andere Musikrichtungen wie Rock 'n' Roll, Jazz und populäre Musik beeinflusst. Prominente Jazz-, Folk- und Rockmusiker wie Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis und Bob Dylan haben bedeutende Bluesaufnahmen gemacht. Die Bluesskala wird häufig in populären Liedern wie Harold Arlens "Blues in the Night", in Bluesballaden wie "Since I Fell for You" und "Please Send Me Someone to Love" und sogar in Orchesterwerken wie George Gershwins "Rhapsody in Blue" und "Concerto in F" verwendet. Gershwins zweites "Prelude" für Klavier solo ist ein interessantes Beispiel für einen klassischen Blues, der die Form mit akademischer Strenge beibehält. Die Bluesskala ist in der modernen Popmusik allgegenwärtig und prägt viele modale Rahmen, insbesondere die in der Rockmusik verwendete Terzenleiter (z. B. in "A Hard Day's Night"). Bluesformen finden sich in der Titelmelodie der Fernsehserie Batman, im Hit "Turn Me Loose" des Teenie-Idols Fabian Forte, in der Musik des Country-Stars Jimmie Rodgers und im Hit "Give Me One Reason" der Gitarristin und Sängerin Tracy Chapman. ⓘ
"Beim Bluesgesang geht es um Emotionen. Sein Einfluss auf den populären Gesang ist so weit verbreitet, dass, zumindest bei Männern, Singen und Emotionen fast identisch geworden sind - es geht eher um Projektion als um das Treffen der Noten."
-Robert Christgau, 1972 ⓘ
Frühe Country-Blueser wie Skip James, Charley Patton und Georgia Tom Dorsey spielten Country- und Urban-Blues und hatten Einflüsse aus dem spirituellen Gesang. Dorsey trug zur Popularisierung der Gospelmusik bei. Die Gospelmusik entwickelte sich in den 1930er Jahren mit dem Golden Gate Quartet. In den 1950er Jahren verwendete die Soulmusik von Sam Cooke, Ray Charles und James Brown Elemente der Gospel- und Bluesmusik. In den 1960er und 1970er Jahren wurden Gospel und Blues in der Soul-Blues-Musik verschmolzen. Die Funkmusik der 1970er Jahre wurde vom Soul beeinflusst; Funk kann als Vorläufer des Hip-Hop und des heutigen R&B betrachtet werden. ⓘ
Die R&B-Musik lässt sich auf Spirituals und Blues zurückführen. Musikalisch gehen die Spirituals auf die Chortraditionen Neuenglands und insbesondere auf die Hymnen von Isaac Watts zurück, die mit afrikanischen Rhythmen und Call-and-Response-Formen vermischt wurden. Spirituals oder religiöse Gesänge in der afroamerikanischen Gemeinschaft sind viel besser dokumentiert als der "Low-Down"-Blues. Spirituals entwickelten sich, weil sich afroamerikanische Gemeinschaften zu Gottesdiensten oder Anbetungsversammlungen, den so genannten Camp Meetings, zusammenfinden konnten. ⓘ
Edward P. Comentale hat darauf hingewiesen, dass der Blues oft als Medium für Kunst oder Selbstdarstellung genutzt wurde, indem er feststellte: "Von den Hütten im Delta über die Mietskasernen in Chicago bis hin zu den Kabaretts in Harlem erwies sich der Blues - trotz seiner schmerzhaften Ursprünge - als bemerkenswert flexibles Medium und als neue Arena für die Gestaltung von Identität und Gemeinschaft." ⓘ
Vor dem Zweiten Weltkrieg waren die Grenzen zwischen Blues und Jazz weniger klar. Normalerweise hatte der Jazz harmonische Strukturen, die von Blaskapellen stammten, während der Blues Blues Formen wie den 12-Bar-Blues hatte. Der Jump Blues der 1940er Jahre vermischte jedoch beide Stile. Nach dem Zweiten Weltkrieg hatte der Blues einen erheblichen Einfluss auf den Jazz. Bebop-Klassiker wie Charlie Parkers "Now's the Time" verwendeten die Bluesform mit der pentatonischen Tonleiter und blauen Noten. ⓘ
Mit dem Bebop änderte sich die Rolle des Jazz grundlegend: Er wurde von einer populären Tanzmusik zu einer anspruchsvollen, weniger zugänglichen, intellektuellen "Musikermusik". Das Publikum für Blues und Jazz spaltete sich, und die Grenze zwischen Blues und Jazz wurde deutlicher. ⓘ
Die 12-Takt-Struktur des Blues und die Blues-Tonleiter waren ein wichtiger Einfluss auf die Rock'n'Roll-Musik. Der Rock and Roll wurde als "Blues mit einem Backbeat" bezeichnet; Carl Perkins nannte den Rockabilly "Blues mit einem Country-Beat". Rockabillies wurden auch als 12-Takt-Blues mit einem Bluegrass-Beat bezeichnet. "Hound Dog" ist mit seiner unveränderten 12-taktigen Struktur (sowohl in der Harmonie als auch im Text) und einer Melodie, die auf der abgeflachten Terz der Tonika (und der abgeflachten Septime der Subdominante) basiert, ein Blues-Song, der in einen Rock'n'Roll-Song verwandelt wurde. Der Rock'n'Roll-Stil von Jerry Lee Lewis war stark vom Blues und dem davon abgeleiteten Boogie-Woogie beeinflusst. Sein Musikstil war nicht gerade Rockabilly, aber er wurde oft als echter Rock'n'Roll bezeichnet (diese Bezeichnung teilt er mit mehreren afroamerikanischen Rock'n'Roll-Künstlern). ⓘ
Viele frühe Rock'n'Roll-Songs basieren auf dem Blues: "That's All Right Mama", "Johnny B. Goode", "Blue Suede Shoes", "Whole Lotta Shakin' Goin On", "Shake, Rattle, and Roll" und "Long Tall Sally". Die frühen afroamerikanischen Rockmusiker behielten die sexuellen Themen und Anspielungen der Bluesmusik bei: "Got a gal named Sue, knows just what to do" ("Tutti Frutti", Little Richard) oder "See the girl with the red dress on, She can do the Birdland all night long" ("What'd I Say", Ray Charles). Die 12-taktige Bluesstruktur findet sich sogar in neuen Popsongs wie "Obviously Five Believers" von Bob Dylan und "Cinderella Rockefella" von Esther und Abi Ofarim. ⓘ
Die frühe Country-Musik war durchdrungen vom Blues. Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Bob Wills, Bill Monroe und Hank Williams haben sich selbst als Bluessänger bezeichnet, und ihre Musik hat einen Blueseinschlag, der sich zumindest auf den ersten Blick von dem späteren Country-Pop von Künstlern wie Eddy Arnold unterscheidet. Blickt man jedoch weiter zurück, so sang auch Arnold anfangs bluesige Lieder wie "I'll Hold You in My Heart". Ein Großteil der "Outlaw"-Countrymusik der 1970er Jahre von Willie Nelson und Waylon Jennings nahm ebenfalls Anleihen beim Blues. Als Jerry Lee Lewis nach dem Niedergang des Rock'n'Roll der 1950er Jahre zur Country-Musik zurückkehrte, sang er mit einem Blues-Einschlag und nahm oft Blues-Standards in seine Alben auf. ⓘ
In der Popkultur
Wie Jazz, Rock'n'Roll, Heavy Metal, Hip-Hop, Reggae, Country, Latin, Funk und Pop wurde auch der Blues als "Teufelsmusik" bezeichnet, die zu Gewalt und schlechtem Benehmen anregt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts galt der Blues als anrüchig, vor allem als weiße Zuhörer in den 1920er Jahren begannen, den Blues zu hören. Jahrhunderts war W.C. Handy der erste, der die vom Blues beeinflusste Musik unter nicht-schwarzen Amerikanern populär machte. ⓘ
Während des Blues-Revivals in den 1960er und 1970er Jahren schrieben und spielten der Akustik-Blueser Taj Mahal und der texanische Blueser Lightnin' Hopkins Musik, die in dem von der Kritik gefeierten Film Sounder (1972) eine wichtige Rolle spielte. Der Film brachte Mahal eine Grammy-Nominierung in der Kategorie "Best Original Score Written for a Motion Picture" und eine BAFTA-Nominierung ein. Fast 30 Jahre später schrieb Mahal einen Blues für den Film Songcatcher (2001), in dem es um die Bewahrung der Roots-Musik der Appalachen geht, und spielte eine Banjo-Komposition im Claw-Hammer-Stil. ⓘ
Das vielleicht sichtbarste Beispiel für den Blues-Musikstil im späten 20. Jahrhundert kam 1980, als Dan Aykroyd und John Belushi den Film The Blues Brothers veröffentlichten. Der Film brachte viele der größten lebenden Einflussnehmer des Rhythm & Blues-Genres zusammen, wie Ray Charles, James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin und John Lee Hooker. Die Band begann auch eine erfolgreiche Tournee unter dem Blues Brothers-Zelt. 1998 kam eine Fortsetzung, Blues Brothers 2000, die zwar keinen so großen kritischen und finanziellen Erfolg hatte, aber eine viel größere Anzahl von Blueskünstlern wie B.B. King, Bo Diddley, Erykah Badu, Eric Clapton, Steve Winwood, Charlie Musselwhite, Blues Traveler, Jimmie Vaughan und Jeff Baxter aufwies. ⓘ
Im Jahr 2003 unternahm Martin Scorsese erhebliche Anstrengungen, um den Blues einem größeren Publikum nahe zu bringen. Er bat mehrere berühmte Regisseure wie Clint Eastwood und Wim Wenders, an einer Reihe von Dokumentarfilmen für PBS mit dem Titel The Blues teilzunehmen. Außerdem beteiligte er sich an der Wiedergabe von Zusammenstellungen bedeutender Blueskünstler in einer Reihe von hochwertigen CDs. Der Blues-Gitarrist und Sänger Keb' Mo' sang 2006 zum Abschluss der letzten Staffel der Fernsehserie The West Wing seine Blues-Version von "America, the Beautiful". ⓘ
Der Blues wurde in Staffel 2012, Folge 1 von In Performance at the White House mit dem Titel "Red, White and Blues" hervorgehoben. In der von Barack und Michelle Obama moderierten Sendung traten B.B. King, Buddy Guy, Gary Clark Jr., Jeff Beck, Derek Trucks, Keb Mo und andere auf. ⓘ