Grunge
| Grunge ⓘ | |
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| Stilistische Ursprünge |
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| Kulturelle Ursprünge | Mitte der 1980er Jahre, Seattle, Washington |
| Abgeleitete Formen | Post-Grunge |
| Regionale Szenen | |
| Washington | |
| Andere Themen | |
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Grunge (manchmal auch als Seattle-Sound bezeichnet) ist ein alternatives Rockgenre und eine Subkultur, die Mitte der 1980er Jahre im amerikanischen Bundesstaat Washington im pazifischen Nordwesten entstanden ist, insbesondere in Seattle und den umliegenden Städten. Grunge vereint Elemente des Punkrock und des Heavy Metal, jedoch ohne die Struktur und Geschwindigkeit des Punk. Das Genre zeichnet sich durch den verzerrten E-Gitarren-Sound aus, der in beiden Genres verwendet wird, auch wenn einige Bands den Schwerpunkt mehr auf das eine oder das andere legen. Wie diese Genres verwendet Grunge typischerweise E-Gitarre, Bassgitarre, Schlagzeug und Gesang. Grunge enthält auch Einflüsse von Indie-Rock-Bands wie Sonic Youth. Die Texte sind in der Regel angstbesetzt und introspektiv und behandeln oft Themen wie soziale Entfremdung, Selbstzweifel, Missbrauch, Vernachlässigung, Verrat, soziale und emotionale Isolation, psychologische Traumata und den Wunsch nach Freiheit. ⓘ
Die frühe Grunge-Bewegung drehte sich um das unabhängige Plattenlabel Sub Pop in Seattle und die Underground-Musikszene in der Region. Die Besitzer von Sub Pop vermarkteten den Stil geschickt und ermutigten die Medien, ihn als "Grunge" zu bezeichnen; der Stil wurde als eine Mischung aus Punk und Metal bekannt. Anfang der 1990er Jahre hatte sich die Popularität der Musik verbreitet, und Grunge-Bands traten zunächst in Kalifornien, dann auch in anderen Teilen der Vereinigten Staaten und in Australien auf, wo sie eine große Anhängerschaft hatten und große Plattenverträge unterzeichneten. Anfang bis Mitte der 1990er Jahre war Grunge aufgrund von Veröffentlichungen wie Nevermind von Nirvana, Ten von Pearl Jam, Superunknown von Soundgarden, Dirt von Alice in Chains und Core von Stone Temple Pilots kommerziell erfolgreich. Der Erfolg dieser Bands steigerte die Popularität des alternativen Rock und machte den Grunge zur populärsten Form der Rockmusik jener Zeit. ⓘ
Mehrere Faktoren trugen dazu bei, dass Grunge immer mehr an Bedeutung verlor. Mitte bis Ende der 1990er Jahre lösten sich viele Grunge-Bands auf oder wurden weniger bekannt. Kurt Cobain von Nirvana, der von Time als "der John Lennon des swingenden Nordwestens" bezeichnet wurde, kämpfte mit einer Heroinsucht, bevor er 1994 im Alter von 27 Jahren starb. Obwohl sich die meisten Grunge-Bands in den späten 1990er Jahren auflösten oder von der Bildfläche verschwanden, beeinflussten sie die moderne Rockmusik, da ihre Texte sozialkritische Themen in die Popkultur einbrachten und die Selbstreflexion und die Frage, was es bedeutet, sich selbst treu zu bleiben, in den Vordergrund stellten. Grunge war auch ein Einfluss auf spätere Genres wie Post-Grunge. ⓘ
Ursprung des Begriffs
Das Wort "Grunge" ist ein amerikanischer Slangbegriff für "jemanden oder etwas, das abstoßend ist" und auch für "Schmutz". Das Wort wurde zum ersten Mal im Juli 1987 auf Musiker aus Seattle angewandt, als Bruce Pavitt die EP Dry as a Bone von Green River in einem Katalog der Plattenfirma Sub Pop als "düsteren Gesang, röhrende Marshall-Verstärker, ultralockeren Grunge, der die Moral einer ganzen Generation zerstört" beschrieb. Obwohl das Wort "Grunge" schon seit den 1960er Jahren zur Beschreibung von Bands verwendet wurde, war dies die erste Assoziation von Grunge mit dem knirschenden, schlammigen Sound von Seattle. Es ist teuer und zeitaufwändig, eine Aufnahme sauber klingen zu lassen, so dass es für die Bands aus dem Nordwesten, die gerade erst anfingen, billiger war, den Sound schmutzig zu lassen und einfach die Lautstärke aufzudrehen. Dieser schmutzige Sound, der auf geringe Budgets, mangelnde Erfahrung mit Aufnahmen und fehlende Professionalität zurückzuführen ist, könnte der Ursprung des Begriffs "Grunge" sein. ⓘ
Die "Seattle-Szene" bezieht sich auf die alternative Musikbewegung dieser Stadt, die mit der University of Washington und dem Evergreen State College verbunden war. Evergreen ist ein progressives College, das kein konventionelles Notensystem verwendet und einen eigenen Radiosender, KAOS, hat. Die Abgeschiedenheit Seattles von Los Angeles führte zu einer vermeintlichen Reinheit der Musik. Die Musik dieser Bands, von denen viele bei Seattles unabhängigem Plattenlabel Sub Pop aufgenommen hatten, wurde als "Grunge" bezeichnet. Der Frontmann von Nirvana, Kurt Cobain, schrieb in einem seiner letzten Interviews Jonathan Poneman, dem Mitbegründer von Sub Pop, die Prägung des Begriffs "Grunge" zur Beschreibung dieser Musik zu. ⓘ
Der Begriff "Seattle Sound" wurde zu einem Marketing-Trick der Musikindustrie. Im September 1991 wurde das Nirvana-Album Nevermind veröffentlicht, das der Musik aus Seattle die Aufmerksamkeit des Mainstreams einbrachte. Cobain verabscheute das Wort "Grunge" und verachtete die neue Szene, die sich entwickelte, da er der Meinung war, dass die Plattenfirmen alte "Cock-Rock"-Bands unter Vertrag nahmen, die vorgaben, Grunge zu sein und behaupteten, aus Seattle zu kommen. ⓘ
Einige Bands, die mit dem Genre in Verbindung gebracht werden, wie Soundgarden, Pearl Jam und Alice in Chains, haben sich gegen diese Bezeichnung gewehrt und ziehen es vor, als "Rock and Roll"-Bands bezeichnet zu werden. Ben Shepherd von Soundgarden erklärte, er "hasse das Wort" Grunge und hasse es, "damit in Verbindung gebracht zu werden". Der Musiker Jeff Stetson aus Seattle erklärte, als er in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren als Musiker auf Tournee in Seattle war, bezeichneten sich die dortigen Musiker nicht als "Grunge"-Interpreten oder ihren Stil als "Grunge", und sie fühlten sich nicht geschmeichelt, dass ihre Musik "Grunge" genannt wurde. ⓘ
Der Rolling Stone stellte fest, dass es keine klare Definition des Genres gibt. Robert Loss räumt ein, dass es schwierig ist, den Begriff "Grunge" zu definieren, und erklärt, dass er zwar Geschichten über Grunge erzählen kann, diese aber nicht dazu dienen, eine brauchbare Definition zu liefern. Roy Shuker stellt fest, dass der Begriff "eine Vielzahl von Stilen verschleiert". Stetson stellt fest, dass Grunge keine Bewegung, kein "monolithisches Musikgenre" oder eine Reaktion auf den Metal-Pop der 1980er Jahre war; er bezeichnet den Begriff als eine falsche Bezeichnung, die hauptsächlich auf einem Hype beruht. Stetson stellt fest, dass prominente Bands, die als Grunge gelten (Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains, Mudhoney und Hammerbox), alle unterschiedlich klingen. Mark Yarm, Autor des Buches Everybody Loves Our Town: An Oral History of Grunge, wies auf die großen Unterschiede zwischen den Grunge-Bands hin, von denen einige dem Punk und andere dem Metal zuzuordnen sind. ⓘ
Musikalischer Stil
1984 tourte die Punkrock-Band Black Flag durch Kleinstädte in den USA, um den Punk auch in die entlegeneren Gegenden des Landes zu bringen. Zu dieser Zeit war ihre Musik langsam und schlammig geworden, weniger wie die Sex Pistols und mehr wie Black Sabbath. Krist Novoselic, der spätere Bassist von Nirvana, erinnerte sich daran, dass er mit den Melvins eines dieser Konzerte besuchte, woraufhin Melvins-Frontmann Buzz Osborne begann, "langsame und schwere Riffs" zu schreiben, um eine düstere Musik zu kreieren, die der Beginn des nordwestlichen Grunge war. Die Melvins waren die einflussreichste der frühen Grunge-Bands. Der Sub Pop-Produzent Jack Endino beschrieb Grunge als "von den Siebzigern beeinflusste, verlangsamte Punkmusik". ⓘ
Leighton Beezer, der mit Mark Arm und Steve Turner bei den Thrown Ups spielte, erklärte, als er Green River Come On Down spielen hörte, sei ihm klar geworden, dass sie Punkrock rückwärts spielten. Er merkte an, dass die verminderte Quinte von Black Sabbath verwendet wurde, um ein bedrohliches Gefühl zu erzeugen, aber im Punkrock wird sie nicht verwendet. In der Grunge-Filmdokumentation Hype! von 1996 demonstrierte Beezer auf der Gitarre den Unterschied zwischen Punk und Grunge. Zuerst spielte er das Riff aus "Rockaway Beach" von den Ramones, das den Hals der Gitarre hinaufsteigt, dann "Come On Down" von Green River, das den Hals hinuntersteigt. Die beiden Stücke sind nur wenige Noten voneinander entfernt, klingen aber nicht gleich. Er nahm denselben Rhythmus mit demselben Akkord, aber durch das Absenken des Halses klang es dunkler und damit grungeiger. Frühe Grunge-Bands kopierten auch ein Riff aus dem Metal und verlangsamten es, spielten es rückwärts, verzerrten es und vergruben es in Rückkopplungen, um dann Texte mit wenig Melodie darüber zu schreien. ⓘ
Grunge vereint Elemente des Punk-Rock (insbesondere des amerikanischen Hardcore-Punk wie Black Flag) und des Heavy Metal (insbesondere traditioneller, früherer Heavy-Metal-Gruppen wie Black Sabbath), obwohl einige Bands den Schwerpunkt eher auf die eine oder die andere Seite legten. Alex DiBlasi ist der Meinung, dass der Indie-Rock eine dritte wichtige Quelle war, wobei der wichtigste Einfluss vom "Freiform"-Krach von Sonic Youth ausging. Der Grunge hat mit dem Punk einen rohen Lo-Fi-Sound und ähnliche lyrische Anliegen gemeinsam, und er nutzt auch die zufällige und ungeübte Herangehensweise des Punks beim Spielen und Auftreten. Allerdings klang Grunge "tiefer und dunkler" als Punkrock und verringerte das "adrenalingetriebene" Tempo des Punk auf ein langsames, "schlammiges" Tempo und verwendete mehr dissonante Harmonien. Der Musikjournalist Charles R. Cross aus Seattle definiert "Grunge" als verzerrten, heruntergestimmten und auf Riffs basierenden Rock, bei dem laute E-Gitarrenrückkopplungen und schwere, "schwerfällige" Bässe zur Unterstützung der Songmelodien eingesetzt werden. Robert Loss bezeichnet Grunge als eine Verschmelzung von "Gewalt und Geschwindigkeit, Muskelkraft und Melodie", in der alle Menschen Platz haben, auch Musikerinnen. Der VH1-Autor Dan Tucker ist der Meinung, dass die verschiedenen Grunge-Bands von unterschiedlichen Genres beeinflusst wurden. Während Nirvana sich am Punk orientierte, war Pearl Jam vom klassischen Rock beeinflusst, und "schlammige, dunkle, schwere Bands" wie Soundgarden und Alice in Chains hatten einen düsteren Metal-Sound. ⓘ
Grunge-Musik hat eine "hässliche" Ästhetik, die sich sowohl im Dröhnen der verzerrten E-Gitarren als auch in den düsteren lyrischen Themen zeigt. Dieser Ansatz wurde gewählt, um dem "glatten", eleganten Sound des damals vorherrschenden Mainstream-Rock etwas entgegenzusetzen, und weil die Grunge-Künstler die "Hässlichkeit", die sie um sich herum sahen, widerspiegeln und ein Licht auf die ungesehenen "Tiefen und Verderbtheiten" der realen Welt werfen wollten. Einige Schlüsselfiguren bei der Entwicklung des Grunge-Sounds, darunter der Sub-Pop-Produzent Jack Endino und die Melvins, bezeichneten die Aufnahme von Heavy-Rock-Einflüssen wie Kiss in den Grunge als "musikalische Provokation". Grunge-Künstler hielten diese Bands für "kitschig", hatten aber dennoch Spaß an ihnen; Buzz Osborne von den Melvins beschrieb es als einen Versuch, herauszufinden, was für lächerliche Dinge Bands tun und sich erlauben konnten. In den frühen 1990er Jahren wurde Nirvanas charakteristisches "Stop-Start"-Songformat und der Wechsel zwischen leisen und lauten Abschnitten zu einer Genrekonvention. ⓘ
In dem Buch Accidental Revolution: The Story of Grunge" schrieb Kyle Anderson:
Die zwölf Songs auf Sixteen Stone klingen genau so, wie Grunge klingen sollte, während der ganze Sinn des Grunge darin bestand, dass er nach gar nichts klang, auch nicht nach sich selbst. Wenn man bedenkt, wie viele verschiedene Bands und Musikstile allein in dieser Diskografie unter dem Begriff "Grunge" zusammengefasst wurden, wird einem klar, dass Grunge wahrscheinlich das am schlechtesten definierte Musikgenre der Geschichte ist. ⓘ
Instrumentierung
Elektrische Gitarre
Grunge zeichnet sich im Allgemeinen durch einen matschigen E-Gitarrensound mit dicken Mitten und abgerundeten Höhen sowie einem hohen Maß an Verzerrung und Fuzz aus, der in der Regel mit kleinen Pedalen im Stil der 1970er Jahre erzeugt wird. Manche Gitarristen schalten mehrere Fuzz-Pedale zusammen und schließen sie an einen Röhrenverstärker und eine Lautsprecherbox an. Grunge-Gitarristen verwenden sehr laute Marshall-Gitarrenverstärker und einige leistungsstarke Mesa-Boogie-Verstärker, darunter Kurt Cobain und Dave Grohl (letzterer in frühen, Grunge-orientierten Foo-Fighters-Songs). Grunge wurde als das Rockgenre mit dem "düstersten Sound" bezeichnet; die Verwendung von starker Verzerrung und lauten Verstärkern wurde mit einer massiven "Ansammlung von Klangnebel" verglichen oder von einem Kritiker sogar als "Lärm" abgetan. Wie bei Metal und Punk sind auch beim Grunge stark verzerrte Powerchords auf der E-Gitarre ein wesentlicher Bestandteil des Sounds. ⓘ
Während der übersteuerte Sound der Metal-Gitarristen in der Regel aus einer Kombination von übersteuerten Verstärkern und Verzerrungspedalen stammt, beziehen die Grunge-Gitarristen ihren "dreckigen" Sound in der Regel aus Overdrive- und Fuzz-Pedalen, wobei der Verstärker nur dazu dient, den Sound lauter zu machen. Grunge-Gitarristen benutzten in der Regel den Fender Twin Reverb und den Fender Champion 100 Combo-Verstärker (Cobain benutzte diese beiden Verstärker). Die Verwendung von Pedalen durch Grunge-Gitarristen war eine Abkehr von den teuren, studiotauglichen Rackmount-Effektgeräten, die in anderen Rockgenres verwendet wurden. Wie positiv Grunge-Bands Stompbox-Pedale sahen, zeigt sich daran, dass Mudhoney den Namen zweier Overdrive-Pedale, des Univox Super-Fuzz und des Big Muff, im Titel ihrer "Debüt-EP Superfuzz Bigmuff" verwendeten. In dem Song "Mudride" sollen die Gitarren der Band "bösartig" durch die "Cro-magnon slog" gebrummt haben. ⓘ
Andere wichtige Pedale, die von Grunge-Bands verwendet wurden, waren vier Marken von Verzerrerpedalen (Big Muff, DOD, Boss DS-2 und Boss DS-1) und der Chorus-Effekt Small Clone, der von Kurt Cobain bei Come As You Are" und von den Screaming Trees bei Nearly Lost You" verwendet wurde. Das DS-1 (später DS-2) Verzerrerpedal spielte eine Schlüsselrolle bei Cobains Wechsel von leisen zu lauten und wieder zu leisen Songs. Die Verwendung kleiner Pedale durch Grunge-Gitarristen trug dazu bei, das Interesse an handgelöteten analogen Boutique-Pedalen im Stil der 1970er Jahre wieder aufleben zu lassen. Der andere Effekt, den die Grunge-Gitarristen verwendeten, war eines der technisch einfachsten Effektgeräte, das Wah-Wah-Pedal. Sowohl "[Kim] Thayil als auch Jerry Cantrell von Alice in Chains ... waren große Verfechter des Wah-Wah-Pedals." Das Wah wurde auch von den Screaming Trees, Pearl Jam, Soundgarden, Mudhoney und Dinosaur Jr. verwendet. ⓘ
Grunge-Gitarristen spielten laut, wobei der frühe Gitarrensound von Kurt Cobain aus einer ungewöhnlichen Anordnung von vier 800-Watt-PA-Verstärkern kam. Gitarrenrückkopplungseffekte, bei denen eine stark verstärkte E-Gitarre vor den Lautsprecher gehalten wird, wurden eingesetzt, um hohe, anhaltende Töne zu erzeugen, die mit normaler Gitarrentechnik nicht möglich sind. Grunge-Gitarristen wurden vom rohen, primitiven Sound des Punk beeinflusst und bevorzugten "... Energie und fehlende Finesse gegenüber Technik und Präzision"; zu den wichtigsten Gitarreneinflüssen gehörten die Sex Pistols, The Dead Boys, Celtic Frost, King's X, Voivod, Neil Young (Rust Never Sleeps, Seite zwei), The Replacements, Hüsker Dü, Black Flag und The Melvins. Grunge-Gitarristen haben ihre Instrumente oft heruntergestimmt, um einen tieferen, härteren Sound zu erzielen. Der Gitarrist von Soundgarden, Kim Thayil, benutzte keinen normalen Gitarrenverstärker, sondern einen Bass-Combo-Verstärker mit einem 15-Zoll-Lautsprecher, wenn er tiefe Riffs spielte, und der Bassverstärker gab ihm einen tieferen Ton. ⓘ
Gitarrensolos
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Grunge-Gitarristen lehnten die virtuosen "schreddernden" Gitarrensoli, die zum Herzstück von Heavy-Metal-Songs geworden waren, rundheraus ab und entschieden sich stattdessen für melodische, vom Blues inspirierte Soli - und konzentrierten sich "auf den Song, nicht auf das Gitarrensolo". Jerry Cantrell von Alice in Chains erklärte, dass Soli dem Song dienen sollten und nicht dazu, die technischen Fähigkeiten eines Gitarristen zur Schau zu stellen. Anstelle der stolzierenden Gitarrenhelden des Metal gab es im Grunge "Gitarren-Anti-Helden" wie Cobain, die wenig Interesse an der Beherrschung des Instruments zeigten. ⓘ
In Will Byers' Artikel "Grunge committed a crime against music-it killed the guitar solo" in The Guardian stellt er fest, dass das Gitarrensolo zwar die Punkrock-Ära überlebt hat, aber durch Grunge geschwächt wurde. Als Kurt Cobain Gitarrensoli spielte, die eine Wiederholung der Hauptgesangsmelodie darstellten, erkannten die Fans, dass man kein Jimi Hendrix-Virtuose sein musste, um das Instrument zu spielen. Er sagt, dass dieser Ansatz dazu beitrug, dass sich die Musik für die Fans so zugänglich anfühlte wie seit der Folkmusikbewegung der 1960er Jahre nicht mehr. Der Produzent von Nirvanas Nevermind, Butch Vig, erklärte, dass dieses Album und Nirvana "das Gitarrensolo getötet haben". Der Soundgarden-Gitarrist Kim Thayil erklärte, dass er sich für den "Tod des Gitarrensolos" mitverantwortlich fühlt; er sagte, dass seine Punkrocker-Aspekte ihm das Gefühl gaben, dass er kein Solo spielen wollte, weshalb er es in den 1980er Jahren vorzog, während des Gitarrensolos Krach zu machen und Feedback zu geben. Baeble Music nennt die Grunge-Gitarrensoli der 1990er Jahre "...roh", "schlampig" und "einfach". ⓘ
Nicht alle Quellen unterstützen das Argument "Grunge hat das Gitarrensolo getötet". Sean Gonzalez stellt fest, dass es bei Pearl Jam zahlreiche Beispiele für Gitarrensolos gibt. Michael Azerrad lobt das Gitarrenspiel von Steve Turner von Mudhoney und bezeichnet ihn als "... Eric Clapton des Grunge", eine Anspielung auf den britischen Blues-Gitarristen, den das Time Magazine in seiner Liste der "10 besten elektrischen Gitarristen" auf Platz fünf gesetzt hat. Pearl Jam-Gitarrist Mike McCready wurde für seine bluesbeeinflussten, schnellen Licks gelobt. Der Gitarrist der Smashing Pumpkins, Billy Corgan, wurde als "... Arena-Rock-Genie der 90er Jahre" bezeichnet, weil er bahnbrechende Gitarrentechniken entwickelt und durch sein Spiel gezeigt hat, dass Grunge-Gitarristen keine schlampigen Spieler sein müssen, um gegen den Mainstream zu rebellieren. Als andere große Grunge-Bands wie Nirvana ihre Gitarrensoli reduzierten, reagierten Soundgarden darauf, indem sie die Soli wieder einführten, so Thayil. ⓘ
Bassgitarre
Das frühe Seattle-Grunge-Album Skin Yard, das 1987 von der gleichnamigen Band aufgenommen wurde, enthielt Fuzz-Bass (übersteuerte Bassgitarre), gespielt von Jack Endino und Daniel House. Einige Grunge-Bassisten, wie z. B. Ben Shepherd, überlagerten Powerchords mit verzerrter Low-End-Dichte, indem sie eine Quinte und eine Oktave höher eine Bassnote hinzufügten. ⓘ
Ein Beispiel für die leistungsstarken, lauten Bassverstärkersysteme, die im Grunge verwendet wurden, ist das Setup von Alice in Chains-Bassist Mike Inez. Er verwendet vier leistungsstarke Ampeg SVT-2 PRO-Röhrenverstärker, von denen zwei an vier 1x18"-Subwooferboxen für die tiefen Töne angeschlossen sind, und die anderen beiden an zwei 8x10"-Boxen. Krist Novoselic und Jeff Ament sind ebenfalls dafür bekannt, Ampeg SVT-Röhrenverstärker zu verwenden. Ben Shepherd verwendet einen 300-Watt-Vollröhrenverstärker Ampeg SVT-VR und einen 600-Watt-Verstärker Mesa/Boogie Carbine M6. Ament verwendet vier 6x10"-Lautsprecherboxen. ⓘ
Schlagzeug
Im Gegensatz zu den massiven Drumkits", die im Pop-Metal der 1980er Jahre verwendet wurden, benutzten die Grunge-Schlagzeuger relativ kleine Drumkits. Ein Beispiel ist das Schlagzeug des Soundgarden-Schlagzeugers Matt Cameron. Er verwendet ein sechsteiliges Kit (diese Art der Beschreibung von Drumkits zählt nur die Holztrommeln und nicht die Becken), darunter ein "12x8-Zoll-Rack-Tom; 13x9-Zoll-Rack-Tom; 16x14-Zoll-Floor-Tom; 18x16-Zoll-Floor-Tom; 24x14-Zoll-Bass-Drum" und eine Snare-Drum sowie bei den Becken Instrumente von Zildjian, darunter ". ... 14-Zoll K Light [Hi]hats; 17-Zoll K Custom Dark Crash [Becken] und 18-Zoll K Crash Ride; 19-Zoll Projection Crash; ein 20-Zoll Rezo Crash; ... und ein ... 22-Zoll A Medium Ride [Becken]". ⓘ
Ein zweites Beispiel ist das Set-up von Nirvana-Schlagzeuger Dave Grohl in den Jahren 1990 und 1991. Er benutzte ein vierteiliges Tama-Drumset mit einer 8" × 14" Birke Snare Drum, einem 14" × 15" Rack Tom, einem 16" × 18" Floor Tom und einer 16" × 24" Bass Drum (dieses Kit "... wurde im Cabaret Metro, Chicago, am 12.10.91 demoliert"). Wie Matt Cameron benutzte auch Dave Grohl Zildjian-Becken. Grohl benutzte die A Series Medium Becken der Firma, darunter ein 18" und ein 20" Crash-Becken, ein 22" Ride-Becken und ein Paar 15" Hi-Hat-Becken. ⓘ
Andere Instrumente
Obwohl Keyboards im Allgemeinen im Grunge nicht verwendet werden, sorgte die Band Gorilla aus Seattle für eine Kontroverse, als sie mit dem Ansatz "nur Gitarren" brach und eine Vox-Orgel im Stil der 1960er Jahre in ihrer Gruppe verwendete. Im Jahr 2002 fügte Pearl Jam einen Keyboarder, Kenneth "Boom" Gaspar, hinzu, der Klavier, Hammond-Orgel und andere Keyboards spielte; die Hinzufügung eines Keyboarders zur Band wäre in den "grungigen" Anfangsjahren der Band "unvorstellbar" gewesen, zeigt aber, wie sich der Sound einer Gruppe im Laufe der Zeit verändern kann. ⓘ
Gesang
Der Grunge-Gesangsstil ähnelte in Ton und Vortrag dem "Ausbruch" lauter, stark verzerrter E-Gitarren; Kurt Cobain verwendete eine "schroffe, undeutliche Artikulation und ein düsteres Timbre", und Eddie Vedder von Pearl Jam nutzte ein "breites, kraftvolles Vibrato", um seine "Ausdruckstiefe" zu zeigen. Im Allgemeinen verwendeten Grunge-Sänger einen "tieferen Gesangsstil", der zu den tiefer klingenden, tiefer gestimmten Gitarren und den dunkleren Themen dieser Musikrichtung passte. Grunge-Sänger verwendeten "kiesige, raue" Stimmen, "... Growls, Stöhnen, Schreie und Nuscheln" und "klagendes Stöhnen"; diese Bandbreite an Gesangsstilen wurde verwendet, um die "vielfältigen Emotionen" der Texte zu vermitteln. Cobain reagierte auf die "schlechten Zeiten" und die Unzufriedenheit der damaligen Zeit, indem er seine Texte schrie. Im Allgemeinen wurden Grunge-Songs "einfach, oft etwas unverständlich" gesungen; die virtuose "Opernhaftigkeit des Hair-Metal wurde gemieden." Der Grunge-Gesang wurde als "grenzwertig verstimmter Gesang" bezeichnet. ⓘ
Texte und Themen
Grunge-Texte sind in der Regel düster, nihilistisch, erbärmlich, angsterfüllt und verzweifelt und behandeln oft Themen wie soziale Entfremdung, Selbstzweifel, Missbrauch, Übergriffe, Vernachlässigung, Verrat, soziale Isolation/emotionale Isolation, psychologische Traumata und den Wunsch nach Freiheit. In einem Artikel des MIT heißt es, dass die Grunge-Texte von der Entfremdung besessen sind und eine Stimmung der "resignierten Verzweiflung" beschreiben. Catherine Strong stellt fest, dass Grunge-Songs in der Regel von "negativen Erfahrungen oder Gefühlen" handeln, wobei die Hauptthemen Entfremdung und Depression sind, jedoch mit einem "ironischen Spott". Grunge-Künstler brachten in ihren Texten "starke Gefühle" über "gesellschaftliche Missstände" zum Ausdruck, einschließlich des "Wunsches, die Unaufrichtigen zu kreuzigen", ein Ansatz, den die Fans wegen seiner Authentizität schätzten. Grunge-Texte wurden als "... gewalttätig und oft obszön" kritisiert. 1996 schrieb der konservative Kolumnist Rich Lowry einen kritischen Essay über Grunge mit dem Titel "Heroin, unser Held"; er nannte es eine Musik, die meist ... von Idealen und dem Impuls zu politischem Handeln befreit ist". ⓘ
Eine Reihe von Faktoren beeinflusste die Konzentration auf solche Themen. Viele Grunge-Musiker zeigten eine allgemeine Enttäuschung über den Zustand der Gesellschaft sowie ein Unbehagen gegenüber sozialen Vorurteilen. Grunge-Texte enthielten "... explizite politische Botschaften und ... Fragen über ... die Gesellschaft und wie sie verändert werden könnte ...". Obwohl Grunge-Texte weniger offenkundig politisch waren als Punk-Songs, zeigten Grunge-Songs immer noch ein Interesse an sozialen Fragen, insbesondere an solchen, die junge Menschen betreffen. Die Hauptthemen des Grunge waren "Toleranz gegenüber Unterschieden", "Unterstützung von Frauen", "Misstrauen gegenüber Autoritäten" und "Zynismus gegenüber großen Unternehmen". Die Themen der Grunge-Songs ähneln denen, die von Punkrockmusikern angesprochen wurden. 1992 sagte der Musikkritiker Simon Reynolds, dass "in der gesamten Kultur ein Gefühl des Burnouts herrscht. Die Kids sind deprimiert, was die Zukunft angeht". Die Themen der Grunge-Texte - Obdachlosigkeit, Selbstmord, Vergewaltigung, "zerrüttete Familien, Drogensucht und Selbstverachtung" - standen in scharfem Kontrast zu den Glam-Metal-Texten von Poison, die das "Leben auf der Überholspur", Partys und Hedonismus beschrieben. ⓘ
Grunge-Texte entwickelten sich als Teil des Unbehagens der "Generation X" und spiegelten die Gefühle der "Desillusionierung und Nutzlosigkeit" dieser Bevölkerungsgruppe wider. Grunge-Songs über die Liebe handelten in der Regel von "... gescheiterten, langweiligen, zum Scheitern verurteilten oder zerstörerischen Beziehungen". (z. B. "Black" von Pearl Jam). Die Alice in Chains-Songs "Sickman", "Junkhead", "God Smack" und "Hate to Feel" enthalten Bezüge zu Heroin. Grunge-Texte waren eher introspektiv und zielten darauf ab, dem Hörer Einblick in "verborgene" persönliche Probleme zu geben und die "Verkommenheit" der Welt zu untersuchen. Dieser Ansatz zeigt sich in dem Lied "Touch Me I'm Sick" von Mudhoney, das einen Text mit "gestörten Bildern" enthält, die eine "kaputte Welt und ein fragmentiertes Selbstbild" beschreiben; das Lied enthält die Zeilen "I feel bad, and I've felt worse" und "I won't live long and I'm full of rot". Der Song "Lithium" von Nirvana aus dem Album "Nevermind" von 1991 handelt von einem "... Mann, der nach dem Selbstmord seiner Freundin zum Glauben findet"; er zeigt "... Ironie und Hässlichkeit" als einen Weg, mit diesen "dunklen Themen" umzugehen. ⓘ
Aufnahme der Produktion
Wie der Punk entstand auch der Grunge-Sound aus einer Lo-Fi-Aufnahme und -Produktion (low fidelity). Vor dem Aufkommen der Major-Labels wurden die frühen Grunge-Alben in analogen Low-Budget-Studios aufgenommen: "Das erste Album von Nirvana, Bleach, wurde 1989 für 606,17 Dollar aufgenommen. Sub Pop nahm den Großteil ihrer Musik in einem "... billigen Studio namens Reciprocal" auf, wo der Produzent Jack Endino die Ästhetik des Grunge-Genres schuf, einen "rohen und ungeschliffenen Sound mit Verzerrung, aber normalerweise ohne zusätzliche Studioeffekte". Endino ist bekannt für seine reduzierten Aufnahmepraktiken und seine Abneigung gegen die Überproduktion" von Musik mit Effekten und Remastering. Seine Arbeit an "Screaming Life" von Soundgarden und "Bleach" von Nirvana sowie an den Bands Green River, Screaming Trees, L7, The Gits, Hole, 7 Year Bitch und TAD hat dazu beigetragen, den Grunge-Sound zu definieren. Ein Beispiel für den kostengünstigen Produktionsansatz ist Mudhoney; selbst nachdem die Band bei Warner Music unterschrieben hatte, "[t]rue to [the band's] indie roots ... [sind sie] ... wahrscheinlich eine der wenigen Bands, die mit [ihrem Label] darum kämpfen mussten, mit einem niedrigeren Budget aufzunehmen, anstatt mit einem höheren." ⓘ
Steve Albini war ein weiterer wichtiger Einfluss auf den Grunge-Sound. Albini zieht es vor, als "Tontechniker" bezeichnet zu werden, weil er der Meinung ist, dass die Beauftragung von Plattenproduzenten mit Aufnahmesessions oft den eigentlichen Sound der Band zerstört, während die Rolle des Tontechnikers darin besteht, den tatsächlichen Sound der Musiker einzufangen und nicht die Kontrolle der Künstler über ihr kreatives Produkt zu gefährden. Albinis Aufnahmen wurden von Autoren wie Michael Azerrad analysiert, der feststellte, dass Albinis "Aufnahmen sowohl sehr einfach als auch sehr anspruchsvoll waren: Wie Endino verwendete Albini nur wenige Spezialeffekte, sorgte für einen aggressiven, oft gewalttätigen Gitarrensound und stellte sicher, dass die Rhythmusgruppe wie aus einem Guss klang". ⓘ
In Utero von Nirvana ist ein typisches Beispiel für Albinis Aufnahmeverfahren. Er zog es vor, die gesamte Band live im Studio spielen zu lassen, anstatt den Ansatz des Mainstream-Rocks zu verwenden, jedes Instrument auf einer separaten Spur zu verschiedenen Zeiten aufzunehmen und sie dann mit Hilfe von Mehrspuraufnahmen zu mischen. Multitracking führt zwar zu einem ausgefeilteren Produkt, fängt aber nicht den "Live"-Sound der zusammenspielenden Band ein. Albini verwendete eine Reihe verschiedener Mikrofone für den Gesang und die Instrumente. Wie die meisten Metal- und Punk-Aufnahmetechniker mikrofoniert er die Lautsprecher der Gitarren- und Bassverstärker, um den einzigartigen Klang jedes Musikers einzufangen. ⓘ
Konzerte
Grunge-Konzerte waren für ihre geradlinigen, energiegeladenen Auftritte bekannt. Grunge-Konzerte waren "... Feste, Partys [und] Karnevals", bei denen das Publikum seine Stimmung durch Stagediving, Moshen und Dreschen zum Ausdruck brachte. Simon Reynolds stellt fest, dass bei "... einigen der maskulinsten Formen des Rock - Thrash Metal, Grunge - das Moshen zu einer Form des Ersatzkampfes wird", bei dem "männliche Körper" im "Schweiß- und Blutbad" des Moshpits in Kontakt treten können. Wie bei Punk-Shows ging es bei Grunge "... um Frontmänner, die schrien und auf der Bühne herumsprangen, und um Musiker, die wild auf ihren Instrumenten herumhüpften." Während sich die lyrischen Themen des Grunge auf "Angst und Wut" konzentrierten, war das Publikum bei den Konzerten positiv eingestellt und vermittelte eine "lebensbejahende" Haltung. Grunge-Bands lehnten die komplexen und hochbudgetierten Darbietungen vieler Mainstream-Musikgenres ab, einschließlich des Einsatzes komplexer, digital gesteuerter Lichtanlagen, Pyrotechnik und anderer visueller Effekte, die damals bei "Hair Metal"-Shows beliebt waren. Für Grunge-Künstler hatten diese Elemente nichts mit dem Spielen der Musik zu tun. Schauspielerei und Theatralik auf der Bühne wurden generell vermieden. ⓘ
Stattdessen präsentierten sich die Bands als nichts anderes als kleinere lokale Bands. Jack Endino sagte 1996 in dem Dokumentarfilm Hype!, dass die Bands aus Seattle inkonsequente Live-Performer waren, da ihr Hauptziel nicht darin bestand, Entertainer zu sein, sondern einfach nur zu "rocken". Grunge-Bands traten mit Begeisterung auf; sie zerzausten sich während der Auftritte ihre langen Haare als "symbolische Waffe", um "aufgestaute Aggressionen" loszuwerden (Dave Grohl war besonders für seine "Headflips" bekannt). Eine der Philosophien der Grunge-Szene war die Authentizität. Dave Rimmer schreibt, dass mit der Wiederbelebung der Punk-Ideale einer entschlackten Musik in den frühen 1990er Jahren "für Cobain und viele andere Kids wie ihn, Rock & Roll ... eine Herausforderung darstellte: Kannst du rein genug sein, Tag für Tag, Jahr für Jahr, um deine Authentizität zu beweisen, um der Musik gerecht zu werden ... Und wenn du das nicht kannst, kannst du damit leben, ein Wichtigtuer, ein Schwindler, ein Verräter zu sein?" ⓘ
Kleidung und Mode
1980er-1990er Jahre
Die Kleidung, die Grunge-Musiker in Washington häufig trugen, war ein "alltäglicher Stil", bei dem sie auf der Bühne dieselbe Kleidung trugen, die sie auch zu Hause trugen. Dieser "Slacker-Style" oder "Slouch-Look" des pazifischen Nordwestens stand im krassen Gegensatz zu den "wilden" Irokesen, Lederjacken und Ketten der Punks. Diese alltägliche Kleidung wurde von Grunge-Musikern verwendet, da Authentizität in der Szene von Seattle ein wichtiges Prinzip war. Der Grunge-Look bestand typischerweise aus Secondhand-Kleidung oder Secondhand-Ladenartikeln und der für die Region typischen Outdoor-Kleidung (vor allem Flanellhemden) sowie einem allgemein ungepflegten Erscheinungsbild und langen Haaren. Bei Grunge-Sängern dienten lange Haare "als Maske, um das Gesicht zu verbergen", damit sie "ihre innersten Gedanken ausdrücken" konnten; Cobain ist ein bemerkenswertes Beispiel. Männliche Grunge-Musiker waren "... ungekämmt ... [und] ... unrasiert [,] mit ... zerzaustem Haar", das oft ungewaschen, fettig und "... verfilzt [zu einem] Schafsmopp" war. ⓘ
Die Holzfällerkleidung war in den Secondhand-Läden in der Nähe von Seattle wegen der niedrigen Preise, die sich die Musiker leisten konnten, ein häufiger Anblick. Der Grunge-Stil bestand aus zerrissenen Jeans, Thermounterwäsche, Doc-Martens-Stiefeln oder Kampfstiefeln (oft ungeschnürt), Band-T-Shirts, übergroßen Strickpullovern, langen und hängenden Röcken, zerrissenen Strumpfhosen, Birkenstocks, Wanderschuhen und umweltfreundlicher Kleidung aus recycelten Textilien oder fair gehandelter Bio-Baumwolle. Da Frauen in der Grunge-Szene "... die gleichen karierten [Hemden], Stiefel und kurzgeschnittenen Köpfe wie ihre männlichen Kollegen" trugen, zeigten sie, "... dass sie nicht durch ihren Sexappeal definiert sind." ⓘ
"Grunge ... wurde zu einer Anti-Konsum-Bewegung, bei der man umso cooler war, je weniger man für Kleidung ausgab. Der Stil entstand nicht aus dem bewussten Versuch, eine ansprechende Mode zu kreieren; der Musikjournalist Charles R. Cross sagte: "[Nirvana-Frontmann] Kurt Cobain war einfach zu faul zum Shampoonieren", und Jonathan Poneman von Sub Pop meinte: "Diese [Kleidung] ist billig, sie ist haltbar und sie ist irgendwie zeitlos. Sie widerspricht auch der ganzen auffälligen Ästhetik der 80er Jahre." Der Flanell und die "... rissigen Kunstledermäntel" der Grunge-Szene waren Teil "... der Sparsamkeitsladen-Ästhetik des pazifischen Nordwestens. Die Grunge-Mode war eine Anti-Mode-Reaktion und eine nonkonformistische Bewegung gegen das "fabrizierte Image", die die Musiker oft dazu drängte, sich authentisch zu kleiden und sich nicht zu verherrlichen. Gleichzeitig nutzte Sub-Pop den "Grunge-Look" für die Vermarktung ihrer Bands. In einem Interview mit VH1 sagte der Fotograf Charles Peterson, dass die Mitglieder der Grunge-Band Tad "eine Blue-Collar-Identität erhielten, die sie nicht ganz verdient hatten. Bruce (Pavitt) hat ihn dazu gebracht, sich in Flanellhemden und mit einer echten Kettensäge zu kleiden und dieses Image eines Mannes aus den Bergen aufrechtzuerhalten, und es hat funktioniert." ⓘ
Die Zeitschrift Dazed nannte Courtney Love eine der "zehn Frauen, die die 1990er Jahre aus stilistischer Sicht definierten": Das "... Bild von Courtney Loves zu kurzem Babypuppenkleid, ihrem zerfetzten Pelzmantel und ihrem platinfarbenen Haarschopf", ein Look, der als "Kinderwhore" bezeichnet wurde, "... natürlich mit einem Diadem gekrönt - hat sich in das Gedächtnis eines jeden eingebrannt, der das Jahrzehnt erlebt hat." Der Kinderwhore-Look bestand aus zerrissenen, zerrissenen engen oder tief ausgeschnittenen Babydolls und Kleidern mit Peter-Pan-Kragen, Slips, starkem Make-up mit dunklem Eyeliner, Haarspangen und Lederstiefeln oder Mary-Jane-Schuhen. Kat Bjelland von Babes in Toyland war die erste, die diesen Stil definierte, während Courtney Love von Hole ihn als erste populär machte. Love hat behauptet, dass sie den Stil von der Divinyls-Frontfrau Christina Amphlett übernommen hat. Der Look wurde im Jahr 1994 sehr populär. ⓘ
In der Vogue hieß es 2014: "Cobain bediente sich großzügig an beiden Enden der Garderobe einer Frau und eines Mannes, und sein Secondhand-Look aus Seattle reichte von maskuliner Holzfäller-Arbeitskleidung bis zu femininen Kleidern im Stil der 40er und 70er Jahre. Er stand in jeder Hinsicht im Gegensatz zu der schalenartigen, auffälligen Ästhetik der 1980er Jahre. In zerzausten Jeans und geblümten Kutten milderte er das harte Äußere des archetypischen Rebellen von innen heraus und gab den Anstoß für eine radikale, tausendjährige Vorstellung von Androgynität." Cobains Art, sich zu kleiden, "war die Antithese zum amerikanischen Macho", denn er "... machte es cooler, schlampig und locker auszusehen, egal, ob man ein Junge oder ein Mädchen war." Die Musik- und Kulturautorin Julianne Escobedo Shepherd schrieb, dass Cobain mit seinem Kleidungsstil "es nicht nur in Ordnung brachte, ein Freak zu sein, er machte es sogar begehrenswert." ⓘ
Übernahme durch den Mainstream
Die Grunge-Musik wurde in den frühen 1990er Jahren zum Mainstream, als Soundgarden, Alice in Chains und Nirvana bei großen Plattenfirmen unter Vertrag genommen wurden. Die Grunge-Mode begann sich Mitte 1992 bei beiden Geschlechtern im Mainstream durchzusetzen und erreichte Ende 1993 und Anfang 1994 ihren Höhepunkt. Als der Trend an Fahrt aufnahm, wurde das Grunge-Etikett von Geschäften verwendet, die teure Flanellhemden verkauften, um von diesem Trend zu profitieren. Ironischerweise wurde der unangepasste Look plötzlich zu einem Mainstream-Trend. In der Modewelt präsentierte Marc Jacobs 1992 eine Show für Perry Ellis (die Frühjahrskollektion 1993), bei der Grunge-inspirierte Kleidung mit hochwertigen Stoffen kombiniert wurde. Jacobs ließ sich vom "Realismus" der Grunge-Streetwear inspirieren und vermischte ihn mit dem Luxus der Mode, indem er Models in Beanies, Blumenkleidern und Seidenflanellhemden über den Laufsteg schickte. Das gefiel den Markeninhabern jedoch nicht und Jacobs wurde entlassen. Andere Designer wie Anna Sui ließen sich in der Frühjahr/Sommer-Saison 1993 ebenfalls vom Grunge inspirieren. ⓘ
Im selben Jahr machte die Vogue eine Fotostrecke mit dem Titel "Grunge & Glory" mit dem Modefotografen Steven Meisel, der die Supermodels Kristen McMenamy, Naomi Campbell und Nadja Auermann in einer Savannenlandschaft und in Kleidung im Grunge-Stil ablichtete. Dieses Shooting machte McMenamy zum Gesicht des Grunge, da sie sich die Augenbrauen rasieren und die Haare kurz schneiden ließ. Designer wie Christian Lacroix, Donna Karen und Karl Lagerfeld griffen den Grunge-Einfluss in ihren Look auf. Im Jahr 1993 sagte James Truman, Herausgeber von Details, dazu: "Für mich ist Grunge nicht anti-modisch, sondern unmodisch. Punk war anti-modisch. Er gab ein Statement ab. Bei Grunge geht es darum, kein Statement abzugeben, und deshalb ist es verrückt, dass es zu einem Modestatement wird." Der ungepflegte Modesinn definierte den Look der "Slacker-Generation", die "die Schule schwänzte, Gras rauchte ... [und] Zigaretten rauchte und Musik hörte" und hoffte, eines Tages ein Rockstar zu werden. ⓘ
2000er-2010er Jahre
Auch wenn die Grunge-Bewegung 1994 nach dem Tod von Kurt Cobain erlosch, ließen sich die Designer von Zeit zu Zeit von ihr inspirieren. Grunge tauchte 2008 wieder als Trend auf, und für Herbst/Winter 2013 brachte Hedi Slimane von Yves Saint Laurent den Grunge zurück auf den Laufsteg. Courtney Love, die seine Muse für die Kollektion war, soll die Kollektion geliebt haben. "Nichts gegen MJ [Marc Jacobs], aber er hat es nie richtig gemacht", sagte Courtney. "Das ist es, was es wirklich war. Hedi weiß, was er tut. Er hat es richtig gemacht, und MJ und Anna [Sui] nicht." Sowohl Cobain als auch Love verbrannten offenbar die Perry Ellis-Kollektion, die sie 1993 von Marc Jacobs erhalten hatten. Im Jahr 2016 inspirierte der Grunge eine gehobene "Neuerfindung" des Stils durch A$AP Rocky, Rihanna und Kanye West. Doch "Grunge zu tragen ist nicht länger ein Zeichen von Authentizität: Die Zeichen der Rebellion (Dr. Martens-Stiefel, karierte Hemden) sind auf der Straße allgegenwärtig", sagt Lynette Nylander, stellvertretende Redakteurin des Magazins i-D. ⓘ
Alkohol und Drogen
Viele musikalische Subkulturen werden mit bestimmten Drogen in Verbindung gebracht, wie z. B. die Hippie-Gegenkultur und Reggae, die beide mit Marihuana und Psychedelika in Verbindung gebracht werden. In den 1990er Jahren konzentrierten sich die Medien auf den Heroinkonsum der Musiker in der Grunge-Szene von Seattle. In einem Artikel der New York Times von 1992 wurden die "drei wichtigsten Drogen" der Stadt als "Espresso, Bier und Heroin" bezeichnet, und in einem Artikel von 1996 wurde die Grunge-Szene von Seattle als die "... Subkultur, die sich am stärksten dem Heroin verschrieben hat" bezeichnet. Tim Jonze von The Guardian stellt fest, dass "... Heroin die [Grunge-]Szene seit ihren Anfängen Mitte der 80er Jahre heimgesucht hat", und er argumentiert, dass die "... Heroin spiegelt den selbsthassenden, nihilistischen Aspekt der Musik wider"; zusätzlich zu den Heroin-Todesfällen weist Jonze darauf hin, dass Scott Weiland von den Stone Temple Pilots sowie Courtney Love, Mark Lanegan, Jimmy Chamberlin und Evan Dando "... alle mit der Droge in Berührung kamen, aber überlebten, um die Geschichte zu erzählen." In einem Buch aus dem Jahr 2014 heißt es, dass in den 1980er Jahren das "Stimulans" Kokain verwendet wurde, um Kontakte zu knüpfen und "... gute Zeiten zu feiern", während in der Grunge-Szene der 1990er Jahre das "Depressivum" Heroin verwendet wurde, um sich in einen "Kokon" zurückzuziehen und "... vor einer harten und unversöhnlichen Welt geschützt zu sein, die ... wenig Aussichten auf ... Veränderung oder Hoffnung bot." Justin Henderson stellt fest, dass alle "Downer"-Opiate, einschließlich "Heroin, Morphin, Etorphin, Kodein, Opium [und] Hydrocodon ... die Gewohnheit der Wahl für viele Grunger zu sein schienen". ⓘ
Der Titel von Nirvanas Debütalbum Bleach wurde von einem Plakat zur Schadensminimierung inspiriert, das sich an Heroinspritzende richtete und auf dem stand: "Bleach your works [z. B. Spritze und Nadel] before you get stoned". Das Plakat wurde von der US-Gesundheitsbehörde herausgegeben, die versuchte, die Übertragung von AIDS durch das gemeinsame Benutzen von Nadeln zu reduzieren. Der Song "God Smack" von Alice in Chains enthält die Zeile "stick your arm for some real fun", eine Anspielung auf das Spritzen von Heroin. Zu den Musikern aus Seattle, die dafür bekannt sind, Heroin zu konsumieren, gehören Cobain, der "Heroin nahm, als er sich in den Kopf schoss"; "Andrew Wood von Mother Love Bone [der] 1990 an einer Überdosis Heroin starb"; "Stefanie Sargent von 7 Year Bitch [die] 1992 an einer Überdosis desselben Opiats starb ... [und] Layne Staley von Alice in Chains [der] öffentlich über seine Kämpfe mit Heroin berichtete ...". Mike Starr von Alice in Chains und Jonathan Melvoin von The Smashing Pumpkins starben ebenfalls an Heroin. Nach Cobains Tod bezeichnete seine "... Witwe, die Sängerin Courtney Love, Seattle als ein Drogenmekka, in dem Heroin leichter zu bekommen ist als in San Francisco oder Los Angeles." ⓘ
Daniel House, der Besitzer von C/Z Records, bestritt jedoch 1994 diese Wahrnehmungen. House erklärte, dass es "... hier [in Seattle] nicht mehr (Heroin) gibt als anderswo"; er erklärte, dass "Heroin kein großer Teil der [Musik-]Kultur in Seattle ist" und dass "Marihuana und Alkohol ... viel stärker verbreitet sind". Jeff Gilbert, einer der Herausgeber der Zeitschrift Guitar World, erklärte 1994, dass die Assoziation der Medien mit der Grunge-Szene von Seattle und Heroin "wirklich übertrieben" sei; stattdessen seien die Musiker in Seattle "... alle ein Haufen Kiffer". In Gil Troys Geschichte Amerikas in den 1990er Jahren heißt es, dass in der Grunge-Szene von Seattle die "... bevorzugte Droge vom gehobenen Kokain [der 1980er Jahre] zum Marihuana der Arbeiter überging." Das Magazin Rolling Stone berichtete, dass die Mitglieder der Grunge-Szene von Seattle tagsüber "kaffeesüchtig" waren und Espresso tranken, und "... nachts tranken sie Unmengen von Bier - von Java durchgeschüttelt und mit Alkohol vollgepumpt, ist es kein Wunder, dass die [Grunge-]Musik so klingt, wie sie klingt." "Einige Veteranen der Szene in [Seattle] behaupten, dass MDA", eine mit Ecstasy verwandte Droge, einen entscheidenden Beitrag zum Grunge" leistete, weil sie den Konsumenten ein Körper-High" (im Gegensatz zum Kopf-High" von Marihuana) verschaffte, das sie basslastige Grooves" schätzen ließ. In Pat Longs History of the NME heißt es, dass Mitglieder der Szene, die mit dem Sub Pop-Label zusammenarbeiteten, mehrtägige MDMA-Partys in den Wäldern veranstalteten, was zeigt, dass das, was Long das "warme Glühen" von Ecstasy nennt, selbst in der nassen, grauen und isolierten Region des pazifischen Nordwestens Wirkung zeigte. ⓘ
Grafische Gestaltung
Was Grafikdesign und Bilder betrifft, so war ein gemeinsames Merkmal der Grunge-Bands die Verwendung von "Lo-Fi" (low fidelity) und bewusst unkonventionellen Albumcovern, die beispielsweise absichtlich trübe oder fehlgefärbte Fotografien, Collagen oder gestörte Schriftzüge zeigten. Die frühen Grunge-Albumcover und Konzertflyer wurden nicht im Sinne einer DIY-Ästhetik kopiert, sondern aus "wirtschaftlicher Notwendigkeit", da "die Bands so wenig Geld hatten". Dies war bereits ein gängiges Merkmal des Punkrock-Designs, konnte aber in der Grunge-Periode durch den zunehmenden Einsatz von Macintosh-Computern für Desktop-Publishing und digitale Bildbearbeitung erweitert werden. Der Stil wurde manchmal als "Grunge-Typografie" bezeichnet, wenn er außerhalb der Musik verwendet wurde. Ein berühmtes Beispiel für experimentelles Design im Grunge-Stil war das Magazin Ray Gun, das von David Carson gestaltet wurde. ⓘ
Carson entwickelte eine Technik des "Zerreißens, Schredderns und Wiederherstellens von Buchstaben" und verwendete "überdruckte, disharmonische Buchstaben" und experimentelle Designansätze, einschließlich "absichtlicher 'Fehler' in der Ausrichtung". Carsons Kunst verwendet "... unordentliches und chaotisches Design" und er "... respektiert keine Kompositionsregeln" und verwendet einen "... experimentellen, persönlichen und intuitiven" Ansatz. Ein weiterer "Grunge-Grafikdesigner" war Elliott Earls, der "verzerrte ... ältere Schriftarten" und "aggressiv unleserliche" Schriften verwendete, die die "ungepflegte Ausdruckskraft" der "Grunge-[Musik-]Ästhetik" aufgriffen; dieser radikale, gegen das Establishment gerichtete Ansatz im Grafikdesign wurde von der avantgardistischen Dada-Bewegung der 1910er Jahre beeinflusst. Die Droplet von Hat Nguyen, die Morire von Harriet Goren und die Tema Canante von Eric Lin sind allesamt "charakteristische Grunge-Schriften". Sven Lennartz erklärt, dass Grunge-Design-Bilder ein "realistisches, echtes Aussehen" haben, das durch das Hinzufügen von simuliertem zerrissenem Papier, Eselsohren, Knicken, vergilbtem Klebeband, Flecken von Kaffeetassen, handgezeichneten Bildern und handgeschriebenen Wörtern entsteht, typischerweise über einer "schmutzigen" Hintergrundtextur, die mit matten, gedämpften Farben ausgeführt wird. ⓘ
Eine Schlüsselfigur bei der Gestaltung des "Looks" der Grunge-Szene für Außenstehende war der Musikfotograf Charles Peterson. Petersons schwarz-weiße, unbeschnittene und manchmal unscharfe Aufnahmen von Mitgliedern der Underground-Musikszene des pazifischen Nordwestens, die in ihrer charakteristischen Alltagskleidung spielen und jammen, wurden von Sub Pop verwendet, um ihre Bands aus Seattle zu bewerben. ⓘ
Literatur
Zines
In Anlehnung an die Tradition der 1980er Jahre in der US-amerikanischen Punk-Subkultur, in der Zines von Amateuren und Fans hergestellt wurden, produzierten auch die Mitglieder der Grunge-Szene DIY-Publikationen, die bei Konzerten oder per Postversand verteilt wurden". Die Zines waren in der Regel fotokopiert und enthielten handgeschriebene, "handkolorierte Seiten", "Tipp- und Grammatikfehler, Rechtschreibfehler und durcheinandergewürfelte Seiten", alles Beweise für ihren Amateurcharakter. Backlash war ein Zine, das von 1987 bis 1991 von Dawn Anderson herausgegeben wurde und die "... schmutzigere, schwerere, unterirdischere und rockigere Seite der Musikszene von Seattle" abdeckte, einschließlich "... Punk, Metal, Underground-Rock, Grunge, bevor es Grunge genannt wurde, und sogar etwas lokalen Hip-Hop." Grunge Gerl #1 war ein Grunge-Zine aus den frühen 1990er Jahren, das von und für Riot Grrrls in der Gegend von Los Angeles geschrieben wurde. Darin hieß es: "... wir sind Mädchen, wir sind wütend, wir sind mächtig." ⓘ
Lokale Zeitungen
1992 bezeichnete der Musikkritiker des Rolling Stone, Michael Azerrad, The Rocket als den "angesehensten Kommentator der Musikszene von Seattle". The Rocket war eine kostenlose Zeitung über die Musikszene des pazifischen Nordwestens, die 1979 gegründet wurde. Die von Charles R. Cross herausgegebene Zeitung berichtete nur über "ziemlich obskure alternative Bands" in der Region, wie The Fartz, The Allies, The Heats/The Heaters, Visible Targets, Red Dress und The Cowboys. Mitte der 1980er Jahre berichtete die Zeitung über Slayer, Wild Dogs, Queensrÿche und Metal Church. Im Jahr 1988 war die Metalszene verblasst, und der Schwerpunkt von The Rocket verlagerte sich auf die Berichterstattung über lokale alternative Rockbands aus der Zeit vor dem Grunge. Dawn Anderson erklärt, dass Soundgarden und Nirvana 1988, lange bevor andere Publikationen auf sie aufmerksam wurden, Rocket-Coverstars waren. Im Jahr 1991 wurde The Rocket um eine Ausgabe für Portland, Oregon, erweitert. ⓘ
Belletristik
Grunge-Literatur ist ein australisches Literaturgenre, das Anfang der 1990er Jahre fiktionale oder halbautobiografische Texte über junge Erwachsene in einer "innerstädtischen" Welt schrieb "... Welt der zerfallenden Zukunft, in der die einzige Erleichterung aus der ... Langeweile in der nihilistischen Jagd nach Sex, Gewalt, Drogen und Alkohol besteht". Oft sind die Hauptfiguren entrechtet, entfremdet und haben keinen Antrieb und keine Entschlossenheit, die über den Wunsch nach Befriedigung ihrer Grundbedürfnisse hinausgeht. Sie wurde in der Regel von "neuen, jungen Autoren" geschrieben, die "düstere, schmutzige, reale Existenzen" von Alltagsfiguren untersuchten. Sie wurde sowohl als Untergruppe des schmutzigen Realismus als auch als Ableger der Literatur der Generation X beschrieben. Stuart Glover erklärt, dass der Begriff "Grunge-Literatur" den Begriff "Grunge" von den "späten 80er und frühen 90er Jahren - ... Seattle [Grunge]-Bands". Glover stellt fest, dass der Begriff "grunge lit" hauptsächlich ein Marketingbegriff war, der von Verlagen verwendet wurde; er erklärt, dass die meisten Autoren, die als "grunge lit"-Autoren kategorisiert wurden, diese Bezeichnung ablehnen. Die australischen Belletristik-Autoren McGahan, McGregor und Tsiolkas kritisierten den "homogenisierenden Effekt", der durch die Zusammenlegung einer so unterschiedlichen Gruppe von Schriftstellern entsteht. Tsiolkas bezeichnete den Begriff "Grunge Lit" als eine "Medienkreation". ⓘ
Die Rolle der Frauen
Viele rein weibliche oder von Frauen geführte Bands werden mit Grunge in Verbindung gebracht, darunter L7, Lunachicks, Dickless, 7 Year Bitch, The Gits, Courtney Loves Band Hole und Babes in Toyland. Der VH1-Autor Dan Tucker beschrieb L7 als eine "reine Frauen-Grunge-Band [die] aus der fruchtbaren L.A.-Untergrundszene hervorging und [die] starke Verbindungen zu ... Black Flag und konnte es mit jeder männlichen Band in Sachen Attitüde und Lautstärke aufnehmen". Grunge war auch eng mit Riot Grrrl, einer feministischen Underground-Punk-Bewegung, verbunden. Die Riot-Grrrl-Pionierin und Bikini-Kill-Frontfrau Kathleen Hanna war die Quelle für den Namen von Nirvanas Durchbruchssingle "Smells Like Teen Spirit" aus dem Jahr 1991, eine Anspielung auf ein Deodorant, das speziell für junge Frauen vermarktet wurde. Bemerkenswerte Instrumentalistinnen sind die Bassistinnen D'arcy Wretzky und Melissa Auf der Maur von den Smashing Pumpkins sowie die Schlagzeugerinnen Patty Schemel von Hole und Lori Barbero von Babes in Toyland. Die Einbeziehung von Instrumentalistinnen in den Grunge ist bemerkenswert, da professionelle Instrumentalistinnen in den meisten Rockgenres unüblich sind. ⓘ
Die 1983 in Seattle gegründete Band Bam Bam wurde von einer Afroamerikanerin namens Tina Bell angeführt und durchbrach damit die Norm der damals überwiegend von Weißen dominierten Szene. Zu Bam Bam Bam gehörte auch der spätere Schlagzeuger von Soundgarden und Pearl Jam, Matt Cameron. Kurt Cobain war ein Roadie von Bam Bam, bevor er berühmt wurde, und war ebenfalls ein Fan der Band. Bell starb 2012. Beobachter haben spekuliert, dass die mangelnde Anerkennung zu ihren Lebzeiten als eine der Urväter der Grunge-Musik auf Sexismus und Rassismus zurückzuführen war. ⓘ
Frauen spielten auch als Nicht-Musikerinnen eine aktive Rolle in der Underground-Grunge-Szene, wie z. B. Riot Grrrls, die Zines über Grunge-Bands und Indie-Plattenlabels produzierten (z. B. Grunge Gerl #1), und die Autorin Dawn Anderson vom Seattle-Fanzine Backlash, das viele lokale Bands unterstützte, bevor sie größere Bekanntheit erlangten. Tina Casale war in den 1980er Jahren Mitbegründerin von C/Z Records (zusammen mit Chris Hanzsek), einem Indie-Label in Seattle, das 1986 die bahnbrechende Grunge-Compilation Deep Six veröffentlichte. ⓘ
Susan Silver war die erste weibliche Managerin in der Musikszene von Seattle. Sie begann ihre Karriere 1983 und managte mehrere Bands wie The U-Men, Soundgarden, Alice in Chains und Screaming Trees. 1991 nannte die Seattle Times Silver "die mächtigste Figur im lokalen Rockmanagement". Silver war auch als Berater für Nirvana tätig. Kurt Cobain und Bassist Krist Novoselic baten Silver um Rat, als sie mit der mangelnden Promotion für ihr Debütalbum Bleach durch Sub Pop unzufrieden waren. Silver sah sich ihren Vertrag mit dem Label an und sagte ihnen, dass sie einen Anwalt bräuchten. Silver stellte sie dann dem Agenten Don Muller und dem Anwalt für Musikgeschäft Alan Mintz vor, die anfingen, Nirvanas Demoband an große Labels zu schicken, die nach Verträgen suchten. Die Band entschied sich schließlich für DGC und das Label veröffentlichte 1991 ihr bahnbrechendes Album Nevermind. Als Nirvana 2014 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde, dankte Novoselic Silver in seiner Rede dafür, dass er sie "richtig in die Musikindustrie eingeführt" habe. ⓘ
Geschichte
1965-1985: Wurzeln, Vorgänger und Einflüsse
Der Begriff Proto-Grunge wurde verwendet, um Künstler zu beschreiben, die Elemente des Grunge aufwiesen, lange bevor das Genre Mitte/Ende der 1980er Jahre aufkam. Das vielleicht früheste Proto-Grunge-Album ist Here Are The Sonics, das 1965 von The Sonics veröffentlicht wurde. Neil Youngs Alben Rust Never Sleeps (1979) und Ragged Glory (1990) wurden als Beispiele für Proto-Grunge und Grunge-Musik genannt. Außerdem wurde er von Pearl Jam als Einfluss genannt, was dazu führte, dass sie Young bei dem 1995 veröffentlichten Album Mirror Ball unterstützten. Andere Bands, die als Proto-Grunge bezeichnet werden, sind die Wipers und ihr Album Youth of America (1981), Elvis Costello und sein Album Blood & Chocolate, das Will Birch als "6 oder 8 Jahre seiner Zeit voraus" (1986) bezeichnete, sowie The Stooges und ihr Album Fun House (1970). ⓘ
Der Grunge-Sound ist zum Teil das Ergebnis der Isolation Seattles von anderen Musikszenen. Jonathan Poneman von Sub Pop bemerkte: "Seattle war das perfekte Beispiel für eine zweitrangige Stadt mit einer aktiven Musikszene, die von den amerikanischen Medien, die auf Los Angeles und New York [City] fixiert waren, völlig ignoriert wurde." Mark Arm behauptete, dass die Isolation bedeutete, "dass diese eine Ecke der Landkarte wirklich inzüchtig war und die Ideen der anderen abkupferte". Seattle "... war in den 1980er Jahren eine abgelegene und provinzielle Stadt"; Bruce Pavitt stellt fest, dass die Stadt "... sehr aus der Arbeiterklasse" stammte, ein Ort der Entbehrung, und so war die "... ganze Ästhetik der Szene - Arbeitskleidung, Truckerhüte aus dem Secondhandladen, Gitarren aus dem Pfandhaus" nicht nur ein Stil, sondern sie wurde gemacht, weil Seattle "... sehr arm war." In der Tat, als "... Nevermind die Nummer eins der US-Charts erreichte, lebte Cobain in einem Auto." ⓘ
Um 1984 begannen Bands in der Musikszene von Seattle, Metal und Punk zu mischen, wobei ein Großteil des Verdienstes für diese Fusion an The U-Men ging. Einige Kritiker haben jedoch angemerkt, dass trotz der kanonischen Stellung von The U-Men als Urväter des Grunge ihr Sound weniger dem Heavy Metal als vielmehr dem Post-Punk verpflichtet war. Die Eigenwilligkeit der Band mag jedoch die größere Inspiration gewesen sein als die Ästhetik selbst. Schon bald gab es in Seattle eine wachsende und "abwechslungsreiche Musikszene" und eine "vielfältige urbane Persönlichkeit", die sich in lokalen "Post-Punk-Garage-Bands" ausdrückte. Grunge entwickelte sich aus der lokalen Punkrock-Szene und wurde von Bands wie The Fartz, The U-Men, 10 Minute Warning, The Accüsed und The Fastbacks inspiriert. Darüber hinaus war der langsame, schwere und schlammige Stil der Melvins ein wichtiger Einfluss auf den Grunge-Sound. Roy Shuker stellt fest, dass der Erfolg von Grunge auf den Grundlagen aufbaute, die in den 1980er Jahren von früheren alternativen Musikszenen gelegt wurden. Shuker stellt fest, dass Musikkritiker "... die wahrgenommene Reinheit und Authentizität der Seattle-Szene betonten.
Außerhalb des pazifischen Nordwestens beeinflussten eine Reihe von Künstlern und Musikszenen den Grunge. Alternative Rockbands aus dem Nordosten der Vereinigten Staaten, darunter Sonic Youth, Pixies und Dinosaur Jr., sind wichtige Einflüsse auf das Genre. Durch ihre Förderung von Bands aus Seattle haben Sonic Youth die Grunge-Szene ungewollt gefördert und die Unabhängigkeit der Musiker gestärkt. Nirvana brachte die Noise-Einflüsse von Scratch Acid und den Butthole Surfers in die Szene von Seattle ein. ⓘ
Mehrere australische Bands, darunter The Scientists, Cosmic Psychos und Feedtime, gelten als Vorläufer des Grunge. Ihre Musik beeinflusste die Szene in Seattle durch die College-Radiosendungen des Sub-Pop-Gründers Jonathan Poneman und der Mitglieder von Mudhoney. Der Einfluss der Pixies auf Nirvana wurde von Kurt Cobain bemerkt, der in einem Rolling Stone-Interview sagte: "Ich war so sehr mit dieser Band verbunden, dass ich in dieser Band hätte sein sollen - oder zumindest in einer Pixies-Coverband. Wir nutzten ihren Sinn für Dynamik, waren sanft und leise und dann laut und hart." Im August 1997 sagte Dave Grohl in einem Interview mit Guitar World: "Von Kurt, Krist [Novoselic] und mir, die The Knack, Bay City Rollers, Beatles und Abba genauso mochten wie Flipper und Black Flag ... Wenn du dir eine Pixies-Platte anhörst, ist das alles da. Oder sogar Black Sabbaths "War Pigs" - es ist da: die Kraft der Dynamik. Wir haben sie einfach mit Popsongs missbraucht und sind davon krank geworden." ⓘ
Abgesehen von den Punk- und Alternative-Rock-Wurzeln des Genres wurden viele Grunge-Bands auch vom Heavy Metal der frühen 1970er Jahre beeinflusst. Clinton Heylin, Autor von Babylon's Burning: From Punk to Grunge, nennt Black Sabbath als den "vielleicht allgegenwärtigsten Prä-Punk-Einfluss auf die Nordwestszene". Black Sabbath spielte eine Rolle bei der Gestaltung des Grunge-Sounds, sowohl durch ihre eigenen Platten als auch durch die Platten, die sie inspirierten. Der Musikwissenschaftler Bob Gulla behauptet, dass der Sound von Black Sabbath "in praktisch allen populären Grunge-Bands auftaucht, darunter Nirvana, Soundgarden und Alice in Chains". Der Einfluss von Led Zeppelin ist ebenfalls offensichtlich, insbesondere in der Arbeit von Soundgarden, die laut Q Magazine "dem Rock der 70er Jahre verfallen sind, aber den offenkundigen Sexismus und Machismo des Genres verachten". Jon Wiederhorn von Guitar World schrieb: "Was genau ist also Grunge? ... Stellen Sie sich eine Supergruppe vor, die aus Creedence Clearwater Revival, Black Sabbath und den Stooges besteht, und Sie sind ziemlich nah dran." Catherine Strong stellt fest, dass der stärkste Metal-Einfluss des Grunge der Thrash Metal war, der eine Tradition der "Gleichheit mit dem Publikum" hatte, die auf der Vorstellung beruhte, dass "jeder eine Band gründen konnte" (eine Denkweise, die auch vom US-Hardcore-Punk geteilt wurde, den Strong ebenfalls als Einfluss auf den Grunge anführt), was auch von den Grunge-Bands aufgegriffen wurde. Strong stellt fest, dass Grunge-Musiker gegen die damals populären "Hair Metal"-Bands waren. ⓘ
Strong stellt fest, dass "... Teile dessen, was [US] Hardcore war, als Grunge bekannt wurde". Der Songwriter Jeff Stetson aus Seattle erklärt, dass es "keinen wirklichen Unterschied ... zwischen Punk und Grunge" gibt. Wie Punkbands wurden Grunge-Gruppen "als Back-to-Basics-Rock-'n'-Roll-Bands begrüßt, die die Öffentlichkeit daran erinnerten, dass die Musik roh und scharf sein sollte", und sie waren eine Antwort auf "aufgeblasenen und übertriebenen ... progressiven Rock ... oder "nicht ernstzunehmende Gruppen" wie die Haarbands der 80er Jahre. Ein Beispiel für den Einfluss des US-Hardcore auf den Grunge ist der Einfluss, den die Hardcore-Punk-Band Black Flag aus Los Angeles auf den Grunge hatte. Das 1984 erschienene Album My War von Black Flag, auf dem die Band Heavy Metal mit ihrem traditionellen Sound kombinierte, hatte in Seattle einen starken Einfluss. Steve Turner von Mudhoney kommentierte: "Viele andere Leute im Land hassten die Tatsache, dass Black Flag langsamer wurde ... aber hier oben war es wirklich großartig ... wir sagten 'Yay!' Sie klangen seltsam und abgefuckt." Turner erklärte die Integration von Metal-Einflüssen in den Grunge: "Hard Rock und Metal waren nie so sehr ein Feind des Punk wie in anderen Szenen. Hier war es so: 'Hier sind nur zwanzig Leute, man kann nicht wirklich eine Gruppe finden, die man hassen kann.'" Charles R. Cross stellt fest, dass Grunge der "... Höhepunkt der zwanzigjährigen Entwicklung des Punkrock" war. Cross stellt fest, dass die Bands, die das Grunge-Genre am meisten repräsentierten, die Seattle-Bands Blood Circus, TAD und Mudhoney sowie die Denver-Band The Fluid von Sub Pop waren; er stellt fest, dass Nirvana mit seinen Pop-Einflüssen und seiner Mischung aus Sonic Youth und Cheap Trick einen leichteren Sound hatte als Bands wie Blood Circus. ⓘ
Neil Young spielte ein paar Konzerte mit Pearl Jam und nahm das Album Mirror Ball auf. Dies lag nicht nur an seiner Arbeit mit seiner Band Crazy Horse und seinem regelmäßigen Einsatz verzerrter Gitarren - vor allem auf dem Album Rust Never Sleeps -, sondern auch an seiner Kleidung und seinem Auftreten. Ein ähnlich einflussreiches, aber oft übersehenes Album ist Neurotica von Redd Kross, über das Jonathan Poneman sagte: "Neurotica hat mein Leben und das vieler Leute in der Musikgemeinde von Seattle verändert." ⓘ
Der Kontext für die Entwicklung der Grunge-Szene in Seattle war ein "... goldenes Zeitalter des Scheiterns, eine Zeit, in der eine breite Schicht der amerikanischen Jugend die ... Laster der Trägheit und des Mangels an Motivation umarmte". Die "... Müßiggänger der Generation X [versuchten], dem schrecklichen Tag der Einschulung in die Gesellschaft zuvorzukommen" und den "Kult des Verlierers" zu umarmen; in der Tat beginnt Nirvanas Song "Smells Like Teen Spirit" von 1991 "... mit Cobains Intonation 'It's fun to lose.'" ⓘ
1985-1991: Frühe Entwicklung und Anstieg der Popularität
1985 veröffentlichte die Band Green River ihre Debüt-EP Come on Down, die von vielen als die erste Grunge-Platte bezeichnet wird. Eine weitere bahnbrechende Veröffentlichung in der Entwicklung des Grunge war die Kompilation Deep Six, die 1986 von C/Z Records herausgegeben wurde. Die Platte enthielt mehrere Tracks von sechs Bands: Green River, Soundgarden, Melvins, Malfunkshun, Skin Yard und The U-Men. Für viele von ihnen war es der erste Auftritt auf einem Album. Die Künstler hatten "einen meist schweren, aggressiven Sound, der die langsameren Tempi des Heavy Metal mit der Intensität des Hardcore verschmolz". Die Aufnahmen wurden mit geringem Budget durchgeführt; jeder Band standen vier Stunden Studiozeit zur Verfügung. Jack Endino erinnert sich: "Die Leute sagten nur: 'Was ist das denn für eine Musik? Das ist kein Metal, es ist kein Punk, was ist das?' ... Die Leute sagten 'Heureka! Diese Bands haben alle etwas gemeinsam.'" Später in diesem Jahr veröffentlichte Bruce Pavitt die Sub Pop 100 Compilation und Green Rivers Dry As a Bone EP als Teil seines neuen Labels Sub Pop. Ein früher Sub Pop-Katalog beschrieb die Green River EP als "ultra-lockeren GRUNGE, der die Moral einer ganzen Generation zerstört". Bruce Pavitt und Jonathan Poneman von Sub Pop ließen sich von anderen regionalen Musikszenen der Musikgeschichte inspirieren und sorgten dafür, dass ihr Label einen "Seattle-Sound" projizierte, der durch einen ähnlichen Produktionsstil und eine ähnliche Albumverpackung verstärkt wurde. Der Musikschriftsteller Michael Azerrad räumte zwar ein, dass frühe Grunge-Bands wie Mudhoney, Soundgarden und Tad einen unterschiedlichen Sound hatten, stellte aber fest, dass es für den objektiven Beobachter einige deutliche Ähnlichkeiten gab". ⓘ
Die frühen Grunge-Konzerte waren nur spärlich besucht (viele von weniger als einem Dutzend Menschen), aber die Bilder des Sub Pop-Fotografen Charles Peterson trugen dazu bei, den Eindruck zu erwecken, dass solche Konzerte große Veranstaltungen waren. Mudhoney, die von ehemaligen Mitgliedern von Green River gegründet wurden, waren während ihrer gesamten Zeit bei Sub Pop das Aushängeschild des Labels und standen an der Spitze der Grunge-Bewegung in Seattle. Zu den anderen Plattenlabels im pazifischen Nordwesten, die zur Förderung des Grunge beitrugen, gehörten C/Z Records, Estrus Records, EMpTy Records und PopLlama Records. ⓘ
Im Vereinigten Königreich erregte Grunge die Aufmerksamkeit der Medien, nachdem Pavitt und Poneman den Journalisten Everett True von der britischen Zeitschrift Melody Maker gebeten hatten, einen Artikel über die lokale Musikszene zu schreiben. Dies trug dazu bei, Grunge in den späten 1980er Jahren über die Region hinaus bekannt zu machen und mehr Menschen zu den lokalen Konzerten zu locken. Der Reiz des Grunge lag für die Musikpresse darin, dass er "die Rückkehr zu einer regionalen, autoritären Vision des amerikanischen Rock" versprach. Die Popularität von Grunge in der Underground-Musikszene war so groß, dass Bands begannen, nach Seattle zu ziehen und das Aussehen und den Sound der ursprünglichen Grunge-Bands anzugleichen. Steve Turner von Mudhoney sagte: "Es war wirklich schlimm. Hier tauchten so genannte Pretend-Bands auf, die nicht von dort kamen, wo wir herkamen." Als Reaktion darauf diversifizierten viele Grunge-Bands ihren Sound, wobei vor allem Nirvana und Tad melodischere Songs schufen. Dawn Anderson vom Seattle-Fanzine Backlash erinnerte daran, dass 1990 viele Einheimische des Hypes um die Seattle-Szene überdrüssig geworden waren und hofften, dass sich die Medienpräsenz gelegt hatte. ⓘ
Chris Dubrow von The Guardian stellt fest, dass in den späten 1980er Jahren Australiens "klebrig-verschmierte ... alternative Kneipenszene" in schäbigen Innenstadtvierteln Grunge-Bands mit "roher und unbeholfener Energie" wie The Scientists, X, Beasts of Bourbon, feedtime, Cosmic Psychos und Lubricated Goat hervorbrachte. Dubrow sagte, "Cobain ... gab zu, dass die australische Welle einen großen Einfluss auf seine Musik hatte". Everett True stellt fest, dass "[t]here's of a argument to be had for grunge beginning in Australia with the Scientists and their scrawny punk ilk". ⓘ
Grunge-Bands hatten in den späten 1980er Jahren Einzug in den musikalischen Mainstream gehalten. Soundgarden war die erste Grunge-Band, die 1989 bei A&M Records einen Vertrag mit einem großen Label abschloss. Laut Jack Endino schnitten Soundgarden, wie auch die anderen Major-Label-Bands Alice in Chains und Screaming Trees, mit ihren ersten Major-Label-Veröffentlichungen "okay" ab. Nirvana, ursprünglich aus Aberdeen, Washington, stammend, wurde ebenfalls von großen Labels umworben, als sie 1989 ihr erstes Album Bleach veröffentlichten. Nirvana wurde 1990 von Geffen Records unter Vertrag genommen. ⓘ
Alice in Chains unterschrieb 1989 bei Columbia Records, und ihr Debütalbum "Facelift" wurde am 21. August 1990 veröffentlicht. Die zweite Single des Albums, "Man in the Box", wurde im Januar 1991 veröffentlicht und hielt sich 20 Wochen lang in den Top 20 der Billboard Mainstream Rock Charts, und das dazugehörige Musikvideo wurde auf MTV häufig ausgestrahlt. Facelift war das erste Album der Grunge-Bewegung, das am 11. September 1991 von der Recording Industry Association of America (RIAA) mit Gold ausgezeichnet wurde, da es sich über 500.000 Mal verkaufte. ⓘ
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1991-1997: Mainstream-Erfolg
Höhepunkt des Einflusses
Im September 1991 veröffentlichte Nirvana ihr Major-Label-Debüt Nevermind. Man hoffte, dass das Album bestenfalls ein kleiner Erfolg werden würde, ähnlich wie Sonic Youths Goo, das ein Jahr zuvor von Geffen veröffentlicht worden war. Die Veröffentlichung der ersten Single Smells Like Teen Spirit" markierte den Beginn des Grunge-Phänomens". Aufgrund der ständigen Ausstrahlung des Musikvideos zum Song auf MTV verkaufte Nevermind bis Weihnachten 1991 wöchentlich 400.000 Exemplare und wurde am 27. November 1991 mit Gold ausgezeichnet. Im Januar 1992 löste Nevermind den Popsuperstar Michael Jacksons Dangerous auf Platz eins der Billboard 200 ab. Nevermind wurde 1999 von der RIAA als Diamant zertifiziert. ⓘ
Der Erfolg von Nevermind überraschte die Musikindustrie. Nevermind machte nicht nur den Grunge populär, sondern begründete auch "die kulturelle und kommerzielle Lebensfähigkeit des alternativen Rock im Allgemeinen". Michael Azerrad behauptete, Nevermind symbolisiere "einen Umbruch in der Rockmusik", bei dem der Glam Metal, der zu dieser Zeit die Rockmusik dominiert hatte, angesichts einer Musik, die als authentisch und kulturell relevant wahrgenommen wurde, in Ungnade fiel. Grunge machte es möglich, dass Genres, von denen man annahm, sie seien für ein Nischenpublikum bestimmt, egal wie radikal sie waren, ihre Marktfähigkeit unter Beweis stellen und vom Mainstream übernommen werden konnten, wodurch die Entstehung einer individualistischen, fragmentierten Kultur zementiert wurde. Andere Grunge-Bands kopierten in der Folge den Erfolg von Nirvana. Pearl Jam, zu denen die ehemaligen Mother Love Bone-Mitglieder Jeff Ament und Stone Gossard gehörten, veröffentlichten ihr Debütalbum Ten im August 1991, einen Monat vor Nevermind, doch die Verkaufszahlen stiegen erst im folgenden Jahr. In der zweiten Hälfte des Jahres 1992 hatte Ten den Durchbruch geschafft, wurde mit Gold ausgezeichnet und erreichte Platz zwei in den Billboard-Charts. Ten von Pearl Jam wurde von der RIAA mit 13-fachem Platin ausgezeichnet. ⓘ
Das Album Badmotorfinger der Band Soundgarden und das Album Dirt der Band Alice in Chains sowie das selbstbetitelte Album der Band Temple of the Dog, an dem Mitglieder von Pearl Jam und Soundgarden mitwirkten, waren ebenfalls unter den 100 meistverkauften Alben des Jahres 1992. Der populäre Durchbruch dieser Grunge-Bands veranlasste den Rolling Stone, Seattle als "das neue Liverpool" zu bezeichnen. Große Plattenfirmen nahmen die meisten der bekannten Grunge-Bands in Seattle unter Vertrag, während ein zweiter Zustrom von Bands in der Hoffnung auf Erfolg in die Stadt zog. Die Grunge-Szene diente als Kulisse für den Film Singles von Cameron Crowe aus dem Jahr 1992. In dem Film gab es mehrere kleine Rollen, Auftritte und Cameos von beliebten Grunge-Bands aus Seattle, darunter Pearl Jam, Soundgarden und Alice in Chains. Der Film wurde 1991 in und um Seattle gedreht und erst 1992, auf dem Höhepunkt der Grunge-Popularität, veröffentlicht. ⓘ
Die Popularität von Grunge führte zu einem großen Interesse an den wahrgenommenen kulturellen Merkmalen der Musikszene von Seattle. Während die Musikszene von Seattle in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren in Wirklichkeit aus verschiedenen Musikstilen und -genres bestand, diente ihre Darstellung in den Medien dazu, "Seattle als eine Musik-'Gemeinschaft' darzustellen, in der der Schwerpunkt auf der fortlaufenden Erforschung eines musikalischen Idioms lag, nämlich Grunge". Die Modeindustrie vermarktete "Grunge-Mode" an die Verbraucher und verlangte Höchstpreise für Artikel wie gestrickte Skimützen und karierte Hemden. Kritiker behaupteten, dass sich die Werbung Elemente des Grunge zu eigen machte und ihn in eine Modeerscheinung verwandelte. Entertainment Weekly kommentierte 1993 in einem Artikel: "Eine derartige Ausbeutung einer Subkultur hat es nicht mehr gegeben, seit die Medien in den 60er Jahren die Hippies entdeckten". Die Vermarkter nutzten das "Grunge"-Konzept, um "Grunge"-Lufterfrischer, "Grunge"-Haargel und sogar CDs mit "Easy-Listening-Musik" namens "Grunge Light" zu verkaufen. Die New York Times verglich das "Grunging of America" mit der Massenvermarktung von Punkrock, Disco und Hip-Hop in den Jahren zuvor. Ironischerweise wurde die New York Times durch einen Trick dazu gebracht, eine gefälschte Liste von Slangausdrücken zu drucken, die angeblich in der Grunge-Szene verwendet wurden; dies wird oft als "Grunge Speak Hoax" bezeichnet. Dieser Medienhype um Grunge wurde 1996 in dem Dokumentarfilm Hype! dokumentiert. Als die Massenmedien begannen, den Begriff "Grunge" in allen Nachrichten über die wichtigsten Bands zu verwenden, begannen die Mitglieder der Szene in Seattle, den Begriff als "das G-Wort" zu bezeichnen. ⓘ
Ende 1992 sagte Jonathan Poneman, dass in der Stadt "alles, was mit Grunge zu tun hat, mit größtem Zynismus und Belustigung behandelt wird [...], weil die ganze Sache eine erfundene Bewegung ist und schon immer war". Grunge und Grunge-Bands wurden von Musikern wie Damon Albarn von Blur kritisiert, der mit den Worten "fuck grunge" und "The Smashing Pumpkins can kiss my fucking ass" auf der Bühne stand. Viele Grunge-Künstler fühlten sich mit ihrem Erfolg und der damit verbundenen Aufmerksamkeit unwohl. Kurt Cobain von Nirvana sagte zu Michael Azerrad: "Berühmt zu sein ist das Letzte, was ich sein wollte." Auch Pearl Jam spürte die Last des Erfolgs, wobei ein Großteil der Aufmerksamkeit auf Frontmann Eddie Vedder fiel. ⓘ
Das Nachfolgealbum von Nirvana, In Utero (1993), war ein bewusst raues Album, das Nirvana-Bassist Krist Novoselic als "wilden, aggressiven Sound, eine echte Alternative-Platte" bezeichnete. Dennoch erreichte In Utero bei seiner Veröffentlichung im September 1993 die Spitze der Billboard-Charts. Im Jahr 1996 wurde In Utero von der RIAA mit 5fachem Platin ausgezeichnet. Auch mit ihrem zweiten Album, Vs. (1993), erzielten Pearl Jam weiterhin gute kommerzielle Ergebnisse. Das Album verkaufte sich in der ersten Woche seiner Veröffentlichung rekordverdächtige 950.378 Mal, stand an der Spitze der Billboard-Charts und übertraf in dieser Woche alle anderen Top-Ten-Platzierungen zusammen. 1993 veröffentlichte die Grunge-Band Candlebox ihr selbstbetiteltes Album, das von der RIAA mit 4-fach Platin ausgezeichnet wurde. Im Februar 1994 erreichte die EP Jar of Flies von Alice in Chains Platz 1 der Billboard 200 Albumcharts. Das Album Superunknown von Soundgarden, das ebenfalls 1994 veröffentlicht wurde, erreichte Platz 1 der Billboard 200-Charts und wurde von der RIAA mit 5× Platin ausgezeichnet. 1995 war das selbstbetitelte Album von Alice in Chains ihr zweites Nummer-1-Album in den Billboard 200 und wurde mit 2× Platin ausgezeichnet. ⓘ
Auf dem Höhepunkt des kommerziellen Erfolgs von Grunge in den frühen 1990er Jahren machten sich die Plattenfirmen landesweit auf die Suche nach unentdeckten Talenten, die sie fördern wollten. Dazu gehörten die Stone Temple Pilots aus San Diego, Kalifornien, die Tripping Daisy und Toadies aus Texas, Paw, Veruca Salt aus Chicago und die australische Band Silverchair, Bands, deren frühe Arbeit weiterhin allgemein (wenn auch nicht in Seattle selbst) als "Grunge" bezeichnet wird. Im Jahr 2014 setzte Paste Veruca Salts "All Hail Me" auf Platz 39 und Silverchairs "Tomorrow" auf Platz 45 ihrer Liste der 50 besten Grunge-Songs aller Zeiten. Loudwire bezeichnete Stone Temple Pilots als eine der zehn besten Grunge-Bands aller Zeiten. Grunge-Bands außerhalb der Vereinigten Staaten sind in mehreren Ländern entstanden. In Kanada wurde Eric's Trip, die erste kanadische Band, die vom Label Sub Pop unter Vertrag genommen wurde, als Grunge eingestuft, und das Debütalbum von Nickelback wurde als Grunge betrachtet. Silverchair hatte in den 1990er Jahren Erfolg im Mainstream; der Song "Tomorrow" der Band erreichte im September 1995 Platz 22 der Radio-Song-Charts, und das im Juni 1995 veröffentlichte Debütalbum Frogstomp wurde im Februar 1996 von der RIAA mit 2× Platin ausgezeichnet. ⓘ
In dieser Zeit wurden Grunge-Bands, die nicht aus Seattle stammten, von den Kritikern oft als "Mitläufer" verschrien. Vor allem die Grunge-Band Stone Temple Pilots fiel dem zum Opfer. In einer Umfrage des Rolling Stone vom Januar 1994 wurden Stone Temple Pilots gleichzeitig von den Lesern des Rolling Stone zur "Besten neuen Band" und von den Musikkritikern des Magazins zur "Schlechtesten neuen Band" gewählt, was die Diskrepanz zwischen Kritikern und Fans deutlich machte. Stone Temple Pilots wurden sehr populär; ihr Album Core wurde von der RIAA mit 8x Platin und ihr Album Purple mit 6x Platin ausgezeichnet. Die britische Grunge-Band Bush veröffentlichte ihr Debütalbum Sixteen Stone im Jahr 1994. In einer Rezension ihres zweiten Albums Razorblade Suitcase kritisierte der Rolling Stone das Album und nannte Bush "die erfolgreichsten und schamlosesten Nachahmer der Musik von Nirvana". In dem Buch Fargo Rock City: A Heavy Metal Odyssey in Rural North Dakota" schrieb Chuck Klosterman: "Bush war eine gute Band, die zufällig den Anfang vom Ende einläutete; letztendlich wurden sie zum Grunge Warrant". ⓘ
Niedergang der Popularität und Ende der Subkultur
Eine Reihe von Faktoren trug dazu bei, dass der Grunge an Bedeutung verlor. Kritiker und Historiker sind sich nicht einig über den genauen Zeitpunkt, an dem Grunge endete. Catherine Strong stellt fest, dass "... Ende 1993 ... [,] war Grunge instabil geworden und befand sich in der ersten Phase des Absterbens"; sie weist darauf hin, dass die "... Szene so erfolgreich" und weithin bekannt geworden war, dass "Nachahmer begonnen hatten, das Feld zu betreten". Das Magazin Paste stellt fest, dass Grunge 1994 "... schnell verblasste", wobei "... Pearl Jam sich so schnell wie möglich aus dem Rampenlicht zurückzog; Alice in Chains, Stone Temple Pilots und Horden von anderen kämpften mit schrecklichen Drogenabhängigkeiten und ums Überleben." In Grunge: Seattle stellt Justin Henderson fest, dass die "Abwärtsspirale" Mitte 1994 begann, als der Zustrom von Geld der großen Plattenfirmen in die Szene die Kultur veränderte und es "nur noch abwärts ging"; er erklärt, dass der Tod des Hole-Bassisten Kristen Pfaff am 16. Juni 1994 an einer Überdosis Heroin "ein weiterer Nagel im Sarg des Grunge" war. ⓘ
In Jason Hellers 2013 erschienenem Artikel "Did grunge really matter?" in The A.V. Club stellte er fest, dass Nirvanas In Utero (September 1993) "die Todesglocke für Grunge" war. Sobald Cobain grummelte: 'Teenage angst has paid off well / Now I'm bored and old,' it was all over". Heller stellt fest, dass nach Cobains Tod im Jahr 1994 die "Heuchelei" im Grunge jener Zeit "eklatant" und "der Idealismus peinlich" wurde, mit dem Ergebnis, dass "Grunge das neue [Mainstream-]Aerosmith wurde". Heller stellt fest, dass "Grunge zu einer evolutionären Sackgasse wurde", denn "es stand für nichts und war auf nichts aufgebaut, und dieses Ethos der Negation war alles, worum es ging." ⓘ
Mitte der 1990er Jahre lösten sich viele Grunge-Bands auf oder wurden unauffälliger. Am 8. April 1994 wurde Kurt Cobain in seinem Haus in Seattle tot aufgefunden, offenbar durch eine selbst zugefügte Schusswunde; Nirvana löste sich kurz darauf auf. Nach Cobains Tod schrieb Bruce Hardy im Time Magazine, er sei "der John Lennon des swingenden Nordwestens" gewesen, habe mit einer Heroinsucht gekämpft und behauptete, in den letzten Wochen seines Lebens habe es in der Musikindustrie Gerüchte gegeben, Cobain habe eine Überdosis Drogen genommen und Nirvana habe sich aufgelöst. Cobains Selbstmord "diente als Katalysator für den ... Untergang des Grunge", weil er "... die Energie des Grunge verpuffen ließ und den Weg für zuckersüße und von Unternehmen formulierte Musik freimachte, um den verlorenen Boden wieder zu gewinnen." ⓘ
Im selben Jahr sagten Pearl Jam ihre Sommertournee aus Protest gegen die unlauteren Geschäftspraktiken des Ticketanbieters Ticketmaster ab. Pearl Jam begann daraufhin einen Boykott gegen das Unternehmen; die Initiative von Pearl Jam, nur noch an Veranstaltungsorten zu spielen, die nicht von Ticketmaster betrieben werden, hinderte die Band jedoch mit wenigen Ausnahmen für die nächsten drei Jahre daran, in den Vereinigten Staaten aufzutreten. 1996 gaben Alice in Chains ihre letzten Auftritte mit ihrem kränkelnden und entfremdeten Leadsänger Layne Staley, der 2002 an einer Überdosis Kokain und Heroin starb. 1996 veröffentlichten Soundgarden und Screaming Trees ihre letzten Studioalben der 1990er Jahre, Down on the Upside bzw. Dust. Strong gibt an, dass Roy Shuker und Stout geschrieben haben, dass das "... Ende des Grunge" als "... so spät wie die Auflösung von Soundgarden im Jahr 1997" angesehen werden kann. ⓘ
Aufkommen des Post-Grunge
In der zweiten Hälfte der 1990er Jahre wurde der Grunge durch den Post-Grunge abgelöst, der sich bis zum Beginn des 21. Post-Grunge "... verwandelte die dicken Gitarrensounds und offenen lyrischen Themen der Bands aus Seattle in eine zugängliche, oft erhebende Mainstream-Ästhetik". Diesen Künstlern fehlten die Underground-Wurzeln des Grunge, und sie wurden weitgehend von dem beeinflusst, was der Grunge geworden war, nämlich "eine sehr populäre Form des nach innen gerichteten, ernsthaft gesinnten Hard Rock". Post-Grunge war ein kommerzielleres Genre, das die verzerrten Gitarren des Grunge mit einer ausgefeilten, radiotauglichen Produktion milderte. Als Grunge zu einem Mainstream-Genre wurde, begannen die großen Plattenfirmen, Bands unter Vertrag zu nehmen, die ähnlich klangen wie diese Bands. Als Post-Grunge bezeichnete Bands, die entstanden, als der Grunge zum Mainstream wurde, wie Bush, Candlebox und Collective Soul, sind dafür bekannt, dass sie den Sound der Bands nachahmen, die den Grunge in den Mainstream gebracht haben. ⓘ
1995 stellte der SPIN-Autor Charles Aaron fest, dass sich die Musikindustrie, nachdem der Grunge "verbraucht", der Pop-Punk in einer Flaute, der Britpop eine "schwindelerregende Erinnerung" und der albumorientierte Rock vorbei war, dem "Corporate[-produzierten] Alternative" zuwandte, den er als "soundalike fake grunge" oder "scrunge" bezeichnet. Zu den Bands, die Aaron als "Scrunge"-Gruppen bezeichnet, gehören: Better Than Ezra; Bush; Collective Soul; Garbage; Hootie & the Blowfish; Hum; Silverchair; Sponge; Tripping Daisy; Jennifer Trynin und Weezer; Aaron schließt die Foo Fighters in seine Liste ein, erklärt aber, dass Dave Grohl es vermieden hat, ein "Scrunge-Fallgu[y]" zu werden, indem er in seiner Post-Nirvana-Gruppe Hardcore-Punk der 1980er mit Arena-Trash-Musik der 1970er Jahre kombinierte. Bands, die als Grunge bezeichnet werden, wie Bush und Candlebox, wurden ebenfalls weitgehend als Post-Grunge kategorisiert. Diese beiden Bands wurden nach 1992 populär. Andere Bands, die als Post-Grunge eingestuft werden und die entstanden, als Bush und Candlebox populär wurden, sind Collective Soul und Live. ⓘ
Reaktion der Britpop-Band
Ein anderes Rockgenre, der Britpop, entstand dagegen zum Teil als Reaktion auf die Dominanz des Grunge im Vereinigten Königreich. Im Gegensatz zur Düsternis des Grunge zeichnete sich der Britpop durch "jugendlichen Überschwang und den Wunsch nach Anerkennung" aus. Die führenden Britpop-Bands "Blur und Oasis existierten als reaktionäre Kräfte gegenüber [dem] ewigen niedergeschlagenen Blick [des Grunge]." Der neue Ansatz der Britpop-Künstler wurde durch die Tournee von Blur in den Vereinigten Staaten im Frühjahr 1992 inspiriert. Justine Frischmann, ehemals Mitglied von Suede und Anführerin von Elastica (und damals in einer Beziehung mit Damon Albarn), erklärte: "Damon und ich hatten das Gefühl, dass wir zu diesem Zeitpunkt mittendrin waren ... es kam uns in den Sinn, dass Nirvana da draußen waren und die Leute sehr an amerikanischer Musik interessiert waren, und dass es eine Art Manifest für die Rückkehr des Britischen geben sollte." ⓘ
Britpop-Künstler äußerten ihre Verachtung für Grunge. In einem NME-Interview von 1993 stimmte Damon Albarn von der Britpop-Band Blur der Behauptung des Interviewers John Harris zu, Blur sei eine "Anti-Grunge-Band", und sagte: "Nun, das ist gut. Wenn es beim Punk darum ging, die Hippies loszuwerden, dann werde ich jetzt den Grunge los" (ironischerweise nannte Kurt Cobain einmal Blur als seine Lieblingsband). Noel Gallagher von Oasis war zwar ein Fan von Nirvana, schrieb aber Musik, die den pessimistischen Charakter des Grunge widerlegte. Gallagher merkte 2006 an, dass die Oasis-Single "Live Forever" von 1994 "in der Mitte von Grunge und all dem geschrieben wurde, und ich erinnere mich, dass Nirvana ein Lied namens 'I Hate Myself and I Want to Die' hatte, und ich dachte mir ... 'Nun, das will ich verdammt noch mal nicht haben.' So sehr ich ihn [Cobain] und den ganzen Scheiß auch mag, ich will das nicht. Ich kann nicht zulassen, dass solche Leute hierher kommen, auf Heroin, und sagen, dass sie sich selbst hassen und sterben wollen. Das ist verdammter Blödsinn." In einem Interview während des Pinkpop Festivals 2000 griff Liam Gallagher von Oasis Pearl Jam an, die ebenfalls auftraten, kritisierte ihren deprimierenden lyrischen Inhalt und bezeichnete sie als "Müll". ⓘ
1997 bis heute: Nachfolger und Wiederbelebung
Post-Grunge der zweiten Welle
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Nach dem Ende der ursprünglichen Grunge-Bewegung gewann der Post-Grunge in den späten 1990er und frühen 2000er Jahren mit neueren Bands wie Creed, Nickelback, 3 Doors Down und Puddle of Mudd an Popularität. Andere Post-Grunge-Bands sind Foo Fighters, Staind und Matchbox Twenty. Diese Post-Grunge-Künstler wurden für ihren kommerziellen Sound und ihre "Weltanschauung, die sich um die Annehmlichkeiten der Gemeinschaft und romantische Beziehungen dreht", kritisiert, im Gegensatz zur lyrischen Auseinandersetzung des Grunge mit "beunruhigenden Themen wie Selbstmord, gesellschaftlicher Heuchelei und Drogensucht". Adam Steininger kritisierte die Post-Grunge-Bands für ihre "verwässerten Liedchen mit verwässerten Texten, die sich scheinbar alle um das Leiden an der Romantik drehen." Steininger kritisierte viele Bands, die als Post-Grunge bezeichnet wurden, und kritisierte Candlebox für ihren "poppigen" Sound, die Konzentration auf "Liebestexte" und das Schreiben von Songs ohne "Vielseitigkeit und Kreativität"; Three Days Grace für ihre "verwässerte" und "radiofreundliche Musik"; 3 Doors Down für ihre Konzentration auf "... Hit-Singles zu ergattern, anstatt Qualitätsalben zu kreieren"; Finger Eleven, weil sie sich in eine "Pop-Rock"-Richtung bewegten; Bushs "willkürliche Phrasierungen von Unsinn"; Lives "Pseudo-Pop-Poesie", die "die Essenz des Grunge erwürgte"; Puddle of Mudds "verwässerter Post-Grunge-Sound"; Lifehouse, weil sie ". ... den Sound und die bahnbrechende Struktur des Grunge heruntergerissen haben, um mehr die Massen anzusprechen"; und Nickelback, die er als "federleichte ... Boxsäcke des Post-Grunge" bezeichnet, deren Musik "stumpf wie Spülwasser" ist. ⓘ
Grunge-Revivals
Viele große Grunge-Bands setzten ihre erfolgreichen Aufnahmen und Tourneen in den 2000er und 2010er Jahren fort. Die vielleicht bemerkenswerteste Grunge-Band des 21. Jahrhunderts ist Pearl Jam. Jahrhunderts. 2006 beschrieb der Rolling Stone-Autor Brian Hiatt Pearl Jam als eine Band, die "einen Großteil des letzten Jahrzehnts damit verbracht hat, ihren eigenen Ruhm absichtlich zu zerstören", und er stellte fest, dass die Band eine treue Konzertfangemeinde entwickelte, die der von Grateful Dead ähnelte. Mit Pearl Jam (2006), Backspacer (2009) und Lightning Bolt (2013) kehrten sie zu großem kommerziellen Erfolg zurück. Alice In Chains reformierten sich 2005 für eine Handvoll Reunion-Termine mit verschiedenen Sängern, die Layne Staley ersetzten. Schließlich einigte man sich auf William DuVall als Staleys Ersatz. 2009 veröffentlichten sie Black Gives Way to Blue, ihr erstes Album seit 14 Jahren. Das 2013 veröffentlichte Album The Devil Put Dinosaurs Here erreichte Platz 2 der Billboard 200. Soundgarden reformierten sich 2010 und veröffentlichten zwei Jahre später ihr Album King Animal, das in Dänemark, Neuseeland und den Vereinigten Staaten die Top 5 der nationalen Albumcharts erreichte. Matt Cameron und Ben Shepherd schlossen sich 2016 mit Alain Johannes (Queens of the Stone Age, Eleven), Mark Lanegan (Screaming Trees, Queens of the Stone Age) und Dimitri Coats (Off!) zu dem Nebenprojekt Ten Commandos zusammen. ⓘ
Trotz des Todes von Kurt Cobain sind die verbliebenen Mitglieder von Nirvana auch posthum noch erfolgreich. Aufgrund der hohen Verkaufszahlen von Kurt Cobain's Journals und der Best-of-Compilation Nirvana, die 2002 veröffentlicht wurden, behauptete die New York Times, dass Nirvana "jetzt erfolgreicher sind als jemals zuvor seit dem Selbstmord von Mr. Cobain im Jahr 1994." Dieser Trend hat sich im zweiten Jahrzehnt des Jahrhunderts fortgesetzt, mit der Wiederveröffentlichung der Diskografie der Band und der Veröffentlichung des autorisierten Dokumentarfilms Kurt Cobain: Montage of Heck. Im Jahr 2012 kamen die überlebenden Mitglieder von Nirvana wieder zusammen, mit Paul McCartney anstelle von Cobain, um einen Track für den Soundtrack von Dave Grohls Dokumentarfilm Sound City mit dem Titel "Cut Me Some Slack" aufzunehmen. ⓘ
An einer der erfolgreichsten Rockgruppen des 21. Jahrhunderts, Queens of the Stone Age, waren verschiedene Grunge-Musiker maßgeblich beteiligt. Josh Homme hatte kurzzeitig mit dem ehemaligen QOTSA-Mitglied Mark Lanegan in Screaming Trees gespielt, bevor er die Gruppe gründete. Dave Grohl von Nirvana und Alain Johannes von Eleven haben ebenfalls bemerkenswerte Beiträge geliefert. Homme und Grohl gründeten 2009 zusammen mit John Paul Jones von Led Zeppelin die Supergruppe Them Crooked Vultures. Johannes trat mit der Gruppe auch als Tourmitglied auf. ⓘ
In den frühen 2000er Jahren erlebte der Grunge in der Region mehrere, wenn auch kleinere Wiederauferstehungen. Im Jahr 2005 berichtete die Seattle Times über die Rückkehr von Grunge-beeinflussten Gruppen in der Szene von Seattle. Ebenso berichtete der Guardian über Grunge-beeinflusste Gruppen aus Yorkshire, darunter Dinosaur Pile-Up, Pulled Apart by Horses und Wonderswan. Auch die New York Times stellte 2003 ein Wiederaufleben der Grunge-Mode fest. ⓘ
Die 2010er Jahre haben eine Reihe von Bands hervorgebracht, die vom Grunge beeinflusst sind. Im Gegensatz zu ihren Vorgängern schreiben sich einige dieser Bands diese Bezeichnung freiwillig zu. Viele Bands haben sich mit prominenten Persönlichkeiten der ursprünglichen Alternative-Rock-Ära zusammengeschlossen und/oder mit ihnen zusammengearbeitet. Steve Albini hat für Mitglieder von Bands wie Bully, Vomitface und Shannon Wright produziert oder mit ihnen zusammengearbeitet, während Emma Ruth Rundle von Marriages mit Buzz Osborne von den Melvins auf Tour war. Andere bekannte Bands, die als Grunge oder als stark von der Grunge-Ära beeinflusst bezeichnet wurden, sind Courtney Barnett, Wolf Alice, Yuck, Speedy Ortiz, The Kut, Mitski, 2:54, False Advertising, Slothrust, Baby in Vain, Big Thief, Torres, Lullwater und Red Sun Rising. ⓘ
Mitte der 2010er Jahre begannen die Medien auch, von einer Wiederbelebung des Grunge-Sounds zu sprechen, wobei die Bezeichnung an Bands wie Title Fight, InCrest, Fangclub, Code Orange, My Ticket Home, Citizen, Milk Teeth und Muskets vergeben wurde, von denen einige als Verschmelzung des Genres mit Emo beschrieben wurden. ⓘ
Vermächtnis
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2011 schrieb der Musikkritiker Dave Whitaker, dass "jede Generation seit Beginn der Musikaufzeichnung ein neues Genre eingeführt hat", von der Swing-Musik in den 1930er Jahren über den Rock'n'Roll in den 1950er Jahren und den Punkrock in den 1970er Jahren bis hin zum Grunge in den 1990er Jahren. Er stellt jedoch fest, dass "Grunge die letzte amerikanische Musikrevolution war", da keine Nach-Grunge-Generation ein neues Genre eingeführt hat, das die Musikszene radikal verändert hätte. Er erklärt, dass die "digitale Revolution" (Online-Musik, Filesharing usw.) dazu geführt hat, dass es kein "... generationenbestimmendes Genre seit Grunge" gab, denn "damit ein Genre den Markt so vollständig sättigen kann, bedarf es ... einer Musikindustrie mit immenser Kontrolle über den Markt". Im Jahr 2016 erklärte Rob Zombie, dass Grunge den Tod des "Rockstars" verursacht hat; er stellt fest, dass im Gegensatz zu früheren Stars wie "... Alice Cooper und Gene Simmons und Elton John", die "... genauso gut von einem anderen verdammten Planeten hätten sein können", mit Grunge die Einstellung war, "[wir] brauchen alle unsere Rockstars, die so aussehen wie wir". ⓘ
Bob Batchelor stellt fest, dass die Mentalität und die Werte der Indie-Plattenfirmen in Seattle, die die Entwicklung und das Entstehen von Nirvana und Pearl Jam begleiteten, "... im Widerspruch zu dem Wunsch der großen Plattenfirmen standen, Millionen von CDs zu verkaufen." Batchelor stellt auch fest, dass trotz des Unbehagens der Grunge-Musiker an den kommerziellen Zielen der großen Plattenfirmen und des Widerstands einiger wichtiger Bands, die von den Plattenfirmen geforderten Werbemaßnahmen, einschließlich Musikvideos, durchzuführen, die Videoprogramme von MTV "... eine entscheidende Rolle dabei spielten, dass [Grunge]" zum "... Mainstream wurde, da viele Musikfans zum ersten Mal mit MTV in Berührung kamen" und nicht über lokale oder "Nischenradios". Gil Troy stellt fest, dass die "... Grunge-Rebellion, wie die meisten anderen" in Amerikas "konsumorientierter" Kultur, schließlich von den großen Konzernen "kommerzialisiert, massenproduziert, ritualisiert und damit hygienisiert" wurde. ⓘ
Im Jahr 2011 erklärte John Calvert, dass das "Timing" der Grund dafür sei, dass es kein Grunge-Revival gab; er sagt, dass die kulturelle Stimmung der späten 1980er und frühen 1990er Jahre, die die Bewegung inspirierte, nicht mehr vorhanden war. Jeff Stetson, Songwriter aus Seattle, meint, dass Leute aus den 2010er Jahren, die Grunge hören, etwas über den "... Kontext und die Geschichte lernen sollten, wie alles entstanden ist" und "... Respekt davor haben sollten, was für eine wirklich erstaunliche Sache das war, die hier [in Seattle] passiert ist, denn so etwas wird man wahrscheinlich nie wieder sehen." Michael Danaher vom Paste Magazine erklärt, dass die Grunge-Bewegung "... den Kurs des Rock 'n' Roll veränderte, indem sie ... Geschichten über Missbrauch und Depression" und "sozial bewusste Themen" in die Popkultur brachte. ⓘ
Calvert erklärte, dass Nirvanas "Smells Like Teen Spirit" einen "ikonischen Platz in der Geschichte" einnimmt, da es für die jungen Leute seiner Zeit eine "generationsbestimmende Resonanz" hatte; er stellte fest, dass "keine andere Band ... den Drang zur Selbstzerstörung ... so hörbar machte", mit "authentischem" Schmerz und "Unzufriedenheit". Calvert bezeichnet die Platte auch als "die wildeste, dunkelste und intensivste Musik der Chartgeschichte" seit dem frühen Punkrock, und er sagt, dass sie "schwer war, als sie schwer gebraucht wurde" von den jungen Leuten jener Zeit, "die das junge Amerika wachrüttelte" und ihnen etwas gab, an das sie sich in schwierigen Zeiten "klammern konnten". In einem Buch aus dem Jahr 2017 heißt es, dass Grunge "... die Identität der Rockmusik in ähnlicher Weise wie Punk für immer verändert hat"; außerdem fügte Grunge "introspektive" Texte über "existenzielle Authentizität" und "was es bedeutet, sich selbst treu zu sein" hinzu. Kurt Cobain von Grunge wurde als "Stimme der Generation X" bezeichnet und spielte für diese Bevölkerungsgruppe die gleiche Rolle wie Bob Dylan für die Jugend der 1960er und John Lennon für die Generation der 1970er. Bob Batchelor erklärt, Nirvana sei "so wichtig wie Elvis oder die Beatles". ⓘ
Darragh McManus vom Guardian stellte 2008 fest, dass Grunge nicht einfach nur ein Jugendtrend oder eine musikalische Modeerscheinung war, sondern dass Grunge die wichtigsten Philosophien der Moderne in sich vereinte, von "Feminismus, Liberalismus, Ironie, Apathie, Zynismus/Idealismus ... , Antiautoritarismus, [bis hin zur] ironischen Postmoderne". McManus stellt fest, dass Grunge ernste, "gewichtige" Themen behandelte, was in der Popmusik nicht oft vorkommt. McManus erklärte, dass Grunge für die Generation X nicht einfach nur Musik war, sondern einen wichtigen kulturellen Einfluss darstellte. Marlen Komar erklärt, dass der Erfolg von Nirvana "nicht-heterosexistische", nicht-binäre Denkweisen über "Geschlecht und Sexualität" popularisierte, die Gleichheit von Männern und Frauen betonte und progressives politisches Denken förderte. ⓘ
Als Mark Lanegan 2021 zur Grunge-Bewegung der 90er Jahre befragt wurde, sagte er: "Das ist nicht etwas, das irgendwo am Lagerfeuer ausgeheckt oder ausgekocht wurde. Es ist einfach organisch entstanden. Es fällt mir schwer, mich dazu zu äußern, weil es immer großartige neue Musik gibt und wahrscheinlich auch immer geben wird - solange die Sonne scheint." ⓘ
Grunge-Filme
Bekannte Filme, die etwas mit der Grunge-Musik aus Seattle direkt zu tun haben oder das Thema beinhalten, sind zum Beispiel:
- Singles – Gemeinsam einsam
- Last Days
- Hype!
- 1991: The Year Punk Broke ⓘ