Hip-Hop
| Hip-Hop ⓘ | |
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| Stilistische Ursprünge | |
| Kulturelle Ursprünge | Anfang der 1970er Jahre, The Bronx, New York City, USA. |
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Lokale Szenen
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 2023 in der Hip-Hop-Musik | |
Hip-Hop-Musik oder Hip-Hop-Musik, auch bekannt als Rap-Musik, ist eine populäre Musikrichtung, die in den 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten von Afroamerikanern und Latinoamerikanern in der Bronx von New York City entwickelt wurde. Sie besteht aus stilisierter rhythmischer Musik (in der Regel um Schlagzeugbeats herum), die in der Regel das Rappen begleitet, eine rhythmische und gereimte Sprache, die gesungen wird. Er entwickelte sich als Teil der Hip-Hop-Kultur, einer Subkultur, die sich durch vier zentrale Stilelemente definiert: MCing/Rapping, DJing/Scratchen mit Turntables, Breakdance und Graffiti-Schreiben. Weitere Elemente sind das Sampling von Beats oder Basslinien von Schallplatten (oder synthetisierte Beats und Sounds) und rhythmisches Beatboxing. Obwohl der Begriff "Hip-Hop" oft nur für das Rappen verwendet wird, bezeichnet er eigentlich die gesamte Subkultur. Der Begriff Hip-Hop-Musik wird manchmal synonym mit dem Begriff Rap-Musik verwendet, obwohl das Rappen kein notwendiger Bestandteil der Hip-Hop-Musik ist; das Genre kann auch andere Elemente der Hip-Hop-Kultur beinhalten, einschließlich DJing, Turntablism, Scratching, Beatboxing und Instrumentalstücke. ⓘ
Hip-Hop als Musikrichtung und Kultur entstand in den 1970er Jahren, als Blockpartys in New York City immer beliebter wurden, vor allem unter afroamerikanischen Jugendlichen in der Bronx. Auf diesen Partys spielten DJs perkussive Breaks populärer Songs, wobei sie zwei Plattenspieler und ein DJ-Mischpult benutzten, um die Breaks von zwei Kopien derselben Platte zu spielen, indem sie von einer zur anderen wechselten und den "Break" verlängerten. Die frühe Entwicklung des Hip-Hop begann mit der Verbreitung und Erschwinglichkeit von Sampling-Technologie und Drumcomputern. Turntablist-Techniken wie Scratching und Beatmatching entwickelten sich zusammen mit den Breaks, und das jamaikanische Toasting, ein Gesangsstil, wurde über die Beats gelegt. Das Rappen entwickelte sich als Gesangsstil, bei dem der Künstler im Rhythmus zu einem instrumentalen oder synthetischen Beat spricht oder singt. ⓘ
Hip-Hop-Musik wurde bis 1979 nicht offiziell für Radio und Fernsehen aufgenommen, was vor allem auf die Armut während der Entstehung des Genres und die mangelnde Akzeptanz außerhalb der Ghettos zurückzuführen ist. Old School Hip-Hop war die erste Mainstream-Welle des Genres, die durch den Disco-Einfluss und partyorientierte Texte gekennzeichnet war. Die 1980er Jahre markierten die Diversifizierung des Hip-Hop, als das Genre komplexere Stile entwickelte und sich in der ganzen Welt verbreitete. Der New-School-Hip-Hop war die zweite Welle des Genres, die durch seinen Elektro-Sound gekennzeichnet war und in das Golden Age des Hip-Hop mündete, eine innovative Periode zwischen Mitte der 1980er und Mitte der 1990er Jahre, in der sich auch die eigene Hip-Hop-Album-Ära entwickelte. Das Subgenre des Gangsta-Rap, das sich auf den gewalttätigen Lebensstil und die ärmlichen Verhältnisse afroamerikanischer Jugendlicher in den Innenstädten konzentriert, gewann in dieser Zeit an Popularität. Der Hip-Hop an der Westküste wurde Anfang/Mitte der 1990er Jahre vom G-Funk dominiert, während der Hip-Hop an der Ostküste von Jazz-Rap, alternativem Hip-Hop und Hardcore-Rap beherrscht wurde. Der Hip-Hop diversifizierte sich in dieser Zeit weiter und es entstanden weitere regionale Stile wie Southern Rap und Atlanta Hip-Hop. Mitte der 1990er Jahre wurde Hip-Hop zu einem der meistverkauften Musikgenres und bis 1999 zum meistverkauften Musikgenre. ⓘ
Die Popularität der Hip-Hop-Musik setzte sich in der "Bling-Ära" Ende der 1990er bis Anfang der 2000er Jahre fort, wobei Hip-Hop-Einflüsse zunehmend auch in anderen populären Musikrichtungen wie Neo Soul, Nu Metal und R&B zu finden waren. In den Vereinigten Staaten waren auch regionale Stile wie Crunk erfolgreich, ein Genre aus den Südstaaten, bei dem die Beats und die Musik mehr im Vordergrund stehen als die Texte, und alternativer Hip-Hop begann sich einen Platz im Mainstream zu sichern, was zum Teil auf den Crossover-Erfolg seiner Künstler zurückzuführen war. In der "Blog-Ära" Ende der 2000er und Anfang der 2010er Jahre konnten sich Rapper über Online-Methoden der Musikverbreitung, wie soziale Medien und Blogs, eine Fangemeinde aufbauen, und der Mainstream-Hip-Hop nahm nach dem kommerziellen Niedergang des Gangsta-Rap eine melodischere, gefühlvollere Richtung an. Die Subgenres Trap und Mumble Rap haben sich Mitte/Ende der 2010er und Anfang der 2020er Jahre zur beliebtesten Form des Hip-Hop entwickelt. Im Jahr 2017 wurde die Rockmusik vom Hip-Hop als beliebtestes Genre in den Vereinigten Staaten verdrängt. ⓘ
Hip-Hop (auch Hiphop) ist eine Musikrichtung mit den Wurzeln in der afroamerikanischen Funk- und Soul-Musik. Der Rap (Sprechgesang), der aus den jamaikanischen Tradition des Toasting entstand, das Samplen und das Scratchen sind weitere Merkmale dieser aus den afroamerikanischen Ghettos der USA stammenden Musik. Der Begriff Hip-Hop geht (je nach Quelle) entweder auf Lovebug Starski oder DJ Hollywood zurück, beide Pioniere der Form. ⓘ
Etymologie
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Die Wörter "Hip" und "Hop" haben eine lange Geschichte, wenn man die beiden Wörter zusammen verwendet. In den 1950er Jahren bezeichneten ältere Leute die Hauspartys von Teenagern als "Hippity Hops". Die Kreation des Begriffs Hip-Hop wird oft Keith Cowboy zugeschrieben, dem Rapper von Grandmaster Flash and the Furious Five. Lovebug Starski, Keith Cowboy und DJ Hollywood benutzten den Begriff jedoch schon, als die Musik noch als Disco-Rap bekannt war. Es wird vermutet, dass Cowboy den Begriff kreierte, als er einen Freund, der gerade der US-Armee beigetreten war, aufzog, indem er die Worte "hip/hop/hip/hop" in einer Art und Weise sang, die die rhythmische Kadenz marschierender Soldaten nachahmte. Später baute Cowboy die Hip-Hop-Kadenz in einen Teil seiner Bühnenperformance ein. So sagte er zum Beispiel etwas in der Art von "I said a hip-hop, a hibbit, hibby-dibby, hip-hip-hop and you don't stop", was schnell von anderen Künstlern wie der Sugarhill Gang in "Rapper's Delight" übernommen wurde. Der Gründer von Universal Zulu Nation, Afrika Bambaataa, auch bekannt als "The Godfather", soll den Begriff zuerst verwendet haben, um die Subkultur zu beschreiben, zu der die Musik gehörte; es wird jedoch auch vermutet, dass es sich um eine abfällige Bezeichnung für die Art von Musik handelte. In gedruckter Form wurde der Begriff zum ersten Mal von dem Reporter Robert Flipping, Jr. in einem Artikel im New Pittsburgh Courier im Februar 1979 verwendet, und in einem Interview von Michael Holman mit Afrika Bambaataa im East Village Eye im Januar 1982 wurde der Begriff zur Bezeichnung der Kultur verwendet. Weitere Verbreitung fand der Begriff im September desselben Jahres in einem weiteren Bambaataa-Interview in The Village Voice, das von Steven Hager, dem späteren Autor einer Geschichte des Hip-Hop von 1984, geführt wurde. ⓘ
Es gibt Meinungsverschiedenheiten darüber, ob die Begriffe "Hip-Hop" und "Rap" austauschbar verwendet werden können oder nicht. Dies ist sogar unter den sachkundigsten Autoren, Interpreten und Zuhörern des Hip-Hop der Fall. Am häufigsten wird die Auffassung vertreten, dass Hip-Hop eine kulturelle Bewegung ist, die in den 1970er Jahren in der South Bronx in New York City entstand, wobei MCing (oder Rappen) eines der vier Hauptelemente ist. Die anderen drei wesentlichen Elemente des Hip-Hop sind Graffiti-Kunst (oder Aerosol-Kunst), Breakdance und DJing. Rap-Musik ist der bei weitem bekannteste Ausdruck der Hip-Hop-Kultur, was vor allem darauf zurückzuführen ist, dass sie sich am einfachsten an ein Massenpublikum vermarkten lässt. ⓘ
Vorläufer
Musikalische Elemente, die die Hip-Hop-Musik vorwegnehmen, sind in Blues-, Jazz- und Rhythm-and-Blues-Aufnahmen aus den 1950er Jahren und früher zu finden, darunter mehrere Platten von Bo Diddley. Muhammad Alis 1963 erschienenes Spoken-Word-Album I Am the Greatest wird von einigen Autoren als ein frühes Beispiel für Hip-Hop angesehen. Pigmeat Markhams Single "Here Comes the Judge" aus dem Jahr 1968 ist einer von mehreren Songs, die als die erste Hip-Hop-Platte gelten. Vor dem Hip-Hop gab es Spoken-Word-Künstler wie die Last Poets, die 1970 ihr Debütalbum veröffentlichten, und Gil Scott-Heron, der 1971 mit seinem Song "The Revolution Will Not Be Televised" ein breites Publikum erreichte. Diese Künstler kombinierten gesprochenes Wort und Musik zu einer Art "Proto-Rap"-Vibe. ⓘ
1973-1979: Die frühen Jahre
Ursprünge
Hip-Hop als Musik und Kultur entstand in den 1970er Jahren in New York City aus dem multikulturellen Austausch zwischen afroamerikanischen Jugendlichen aus den Vereinigten Staaten und jungen Puertoricanern und Kindern von Einwanderern aus Ländern der Karibik. In ihren Anfängen wurde die Hip-Hop-Musik als ein Ventil und eine Stimme für die entrechtete Jugend aus Randgruppen und einkommensschwachen Gebieten beschrieben, da die Hip-Hop-Kultur die sozialen, wirtschaftlichen und politischen Realitäten ihres Lebens widerspiegelte. Viele der Personen, die zur Etablierung der Hip-Hop-Kultur beigetragen haben, wie DJ Kool Herc, DJ Disco Wiz, Grandmaster Flash und Afrika Bambaataa, waren lateinamerikanischer oder karibischer Herkunft. ⓘ
Aufgrund des multikulturellen Charakters von New York City ist es schwer, die genauen musikalischen Einflüsse zu bestimmen, die den Sound und die Kultur des frühen Hip-Hops am meisten beeinflusst haben. Die frühen Pioniere des Hip-Hop wurden von einer Mischung aus der Musik ihrer Kulturen und den Kulturen, denen sie aufgrund der Vielfalt der amerikanischen Städte ausgesetzt waren, beeinflusst. New York City erlebte in den 1990er Jahren einen starken jamaikanischen Hip-Hop-Einfluss. Dieser Einfluss wurde durch kulturelle Veränderungen hervorgerufen, insbesondere durch die verstärkte Einwanderung von Jamaikanern nach New York City und die in Amerika geborene jamaikanische Jugend, die in den 1990er Jahren erwachsen wurde. ⓘ
In den 1970er Jahren wurden Blockpartys in New York City immer beliebter, vor allem unter afroamerikanischen, karibischen und lateinamerikanischen Jugendlichen in der Bronx. Zu den Blockpartys gehörten auch DJs, die beliebte Musikrichtungen auflegten, insbesondere Funk und Soul. Aufgrund der positiven Resonanz begannen die DJs, die perkussiven Pausen populärer Songs zu isolieren. Diese Technik war in der jamaikanischen Dub-Musik weit verbreitet und wurde in New York vor allem von Einwanderern aus der Karibik eingeführt, darunter DJ Kool Herc, einer der Pioniere des Hip-Hop. ⓘ
Da die perkussiven Pausen in Funk-, Soul- und Disco-Platten im Allgemeinen kurz waren, begannen Herc und andere DJs, zwei Plattenspieler zu verwenden, um die Pausen zu verlängern. Herc schuf die Blaupause für die Hip-Hop-Musik und -Kultur, indem er auf der jamaikanischen Tradition des improvisierten Toasting aufbaute, einer Art gesprochener, prahlerischer Poesie und Rede über Musik. Am 11. August 1973 war DJ Kool Herc der DJ bei der Schulanfangsparty seiner Schwester. Er verlängerte den Beat einer Schallplatte mit zwei Plattenspielern und isolierte die Schlagzeug-"Pausen", indem er mit einem Mischpult zwischen den beiden Platten umschaltete. Aus Hercs Experimenten mit Plattenspielern entwickelte sich das, was wir heute als Breaking oder Scratching" kennen. ⓘ
Ein zweites wichtiges musikalisches Element in der Hip-Hop-Musik ist das Emceeing (auch MCing oder Rappen genannt). Emceeing ist das rhythmische Vortragen von Reimen und Wortspielen, die zunächst ohne Begleitung und später über einem Beat vorgetragen werden. Dieser Sprechstil wurde vom afroamerikanischen Stil des "Capping" beeinflusst, einer Performance, bei der Männer versuchten, sich gegenseitig in der Originalität ihrer Sprache zu übertreffen und die Gunst der Zuhörer zu gewinnen. Die Grundelemente des Hip-Hop - prahlerische Raps, rivalisierende "Posses" (Gruppen), "Throw-Downs" und politische und soziale Kommentare - waren in der afroamerikanischen Musik schon lange vorhanden. MCs und rappende Interpreten wechselten zwischen der Vorherrschaft von "Toasting"-Songs, die eine Mischung aus Prahlerei, "Slackness" und sexuellen Anspielungen enthielten, und einem aktuelleren, politischen und sozialbewussten Stil hin und her. Ursprünglich war die Rolle des MCs die eines Zeremonienmeisters für eine DJ-Tanzveranstaltung. Der MC stellte den DJ vor und versuchte, das Publikum anzuheizen. Der MC sprach zwischen den Liedern des DJs und forderte alle auf, aufzustehen und zu tanzen. MCs erzählten auch Witze und setzten ihre energische Sprache und ihren Enthusiasmus ein, um das Publikum anzuheizen. Mit der Zeit entwickelte sich diese einleitende Rolle zu längeren Sitzungen mit gesprochenen, rhythmischen Wortspielen und Reimen, die zum Rappen wurden. ⓘ
Bis 1979 war die Hip-Hop-Musik zu einem Mainstream-Genre geworden. In den 1990er Jahren verbreitete sich die Musik mit dem kontroversen "Gangsta"-Rap in der ganzen Welt. Herc entwickelte auch das Breakbeat-Deejaying, bei dem die Breaks von Funk-Songs - der tanzbare Teil, der in der Regel auf Perkussion basiert - isoliert und zum Zweck nächtelanger Tanzpartys wiederholt wurden. Diese Form der Musikwiedergabe, die sich auf harten Funk und Rock stützt, bildete die Grundlage für die Hip-Hop-Musik. Campbells Ansagen und Ermahnungen an die Tänzer führten zu der synkopierten, gereimten Sprachbegleitung, die heute als Rappen bekannt ist. Er nannte seine Tänzer "Break-Boys" und "Break-Girls" oder einfach B-Boys und B-Girls. Laut Herc war "breaking" auch ein Straßenslang für "sich aufregen" und "energisch handeln". ⓘ
DJs wie Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash und Jazzy Jay verfeinerten und entwickelten die Verwendung von Breakbeats, einschließlich Schneiden und Scratchen. Als sich die Manipulation des Plattenspielers weiterentwickelte, entstand eine neue Technik, das Needle-Dropping. Needle Dropping wurde von Grandmaster Flash erfunden. Dabei handelt es sich um verlängerte kurze Drum-Breaks, indem zwei Kopien einer Platte gleichzeitig abgespielt werden und die Nadel auf einem Plattenspieler zum Anfang des Breaks zurückbewegt wird, während der andere spielt. Der Ansatz von Herc wurde bald weithin kopiert, und in den späten 1970er Jahren brachten DJs 12-Zoll-Platten heraus, auf denen sie zum Beat rappten. Zu den beliebten Stücken gehörten Kurtis Blows "The Breaks" und "Rapper's Delight" von der Sugarhill Gang. Herc und andere DJs schlossen ihre Geräte an Stromleitungen an und traten an Orten wie öffentlichen Basketballplätzen oder in der 1520 Sedgwick Avenue in der Bronx, New York, auf, die heute offiziell unter Denkmalschutz steht. Die Ausrüstung bestand aus zahlreichen Lautsprechern, Plattenspielern und einem oder mehreren Mikrofonen. Mit dieser Technik konnten DJs eine Vielzahl von Musikstücken auflegen, aber laut Rap Attack von David Toop "konnte die Technik im schlimmsten Fall die Nacht zu einem endlosen und unweigerlich langweiligen Lied machen". KC the Prince of Soul, der Rapper und Texter Pete DJ Jones, wird oft als der erste Rap-Texter bezeichnet, der sich selbst als "MC" bezeichnete. ⓘ
In der ärmlichen Gegend der South Bronx waren Straßengangs weit verbreitet, und ein Großteil der Graffitis, Raps und B-Boys auf diesen Partys waren künstlerische Variationen des Wettbewerbs und der Überlegenheit der Straßengangs. Afrika Bambaataa erkannte, dass die oft gewalttätigen Triebe der Bandenmitglieder in kreative Ideen umgewandelt werden konnten, und gründete die Zulu Nation, einen losen Zusammenschluss von Streetdance-Crews, Graffiti-Künstlern und Rap-Musikern. In den späten 1970er Jahren erlangte die Kultur die Aufmerksamkeit der Medien. Das Billboard Magazine druckte einen Artikel mit dem Titel "B Beats Bombarding Bronx", in dem das lokale Phänomen kommentiert und einflussreiche Persönlichkeiten wie Kool Herc erwähnt wurden. Während des Stromausfalls in New York City im Jahr 1977 kam es zu Plünderungen, Brandstiftung und anderen stadtweiten Unruhen, insbesondere in der Bronx, wo eine Reihe von Plünderern DJ-Equipment aus Elektronikgeschäften stahlen. Infolgedessen wuchs das Hip-Hop-Genre, das zu dieser Zeit außerhalb der Bronx kaum bekannt war, ab 1977 mit erstaunlicher Geschwindigkeit. ⓘ
Die Hauspartys von DJ Kool Herc wurden immer beliebter und verlegten sich später auf Veranstaltungen im Freien, um mehr Menschen zu erreichen. Diese Partys, die in Parks stattfanden, wurden zu einem Ausdrucksmittel und einem Ventil für Teenager, denn "anstatt auf der Straße Ärger zu bekommen, hatten die Teenager nun einen Ort, an dem sie ihre aufgestaute Energie loswerden konnten." Tony Tone, ein Mitglied der Cold Crush Brothers, erklärte, dass "Hip-Hop eine Menge Leben gerettet hat". Für die Jugendlichen in den Innenstädten wurde die Teilnahme an der Hip-Hop-Kultur zu einer Möglichkeit, mit den Härten des Lebens als Minderheit in Amerika umzugehen, und zu einem Ventil, um mit der Gefahr von Gewalt und dem Aufstieg der Bandenkultur umzugehen. MC Kid Lucky erwähnt, dass "die Leute früher Breakdance gegeneinander gemacht haben, anstatt sich zu prügeln". Inspiriert von DJ Kool Herc gründete Afrika Bambaataa eine Straßenorganisation namens Universal Zulu Nation, in deren Mittelpunkt der Hip-Hop stand, um Teenager aus dem Bandenleben, den Drogen und der Gewalt herauszuholen. ⓘ
Die Texte vieler früher Rap-Gruppen befassten sich mit sozialen Themen, vor allem der bahnbrechende Song "The Message" von Grandmaster Flash and the Furious Five, der die Realität des Lebens in den Wohnsiedlungen thematisierte. "Junge schwarze Amerikaner, die aus der Bürgerrechtsbewegung hervorgingen, haben die Hip-Hop-Kultur in den 1980er und 1990er Jahren genutzt, um die Grenzen der Hip-Hop-Bewegung aufzuzeigen." Hip-Hop gab jungen Afroamerikanern eine Stimme, um ihren Anliegen Gehör zu verschaffen: "Wie Rock'n'Roll wird auch Hip-Hop von Konservativen vehement bekämpft, weil er Gewalt, Gesetzesbruch und Gangs romantisiert". Außerdem bot er den Menschen die Möglichkeit, sich finanziell zu bereichern, indem sie "den Rest der Welt auf die Konsumenten ihrer sozialen Anliegen reduzierten". ⓘ
Ende 1979 nahm Debbie Harry von Blondie Nile Rodgers von Chic zu einer solchen Veranstaltung mit, da als Hauptuntermalung der Break von Chics "Good Times" verwendet wurde. Der neue Stil beeinflusste Harry, und die spätere Hit-Single von Blondie aus dem Jahr 1981, "Rapture", wurde die erste Single mit Hip-Hop-Elementen, die es auf Platz eins der U.S. Billboard Hot 100 schaffte - der Song selbst wird üblicherweise als New Wave bezeichnet und enthält starke Popmusik-Elemente, aber gegen Ende gibt es einen längeren Rap von Harry. ⓘ
Der Boxer Muhammad Ali war eine einflussreiche afroamerikanische Berühmtheit, über die in den Medien viel berichtet wurde. Ali beeinflusste mehrere Elemente der Hip-Hop-Musik. Sowohl im Boxring als auch in Medieninterviews wurde Ali in den 1960er Jahren als "reimender Trickster" bekannt. Ali benutzte einen "funky Vortrag" für seine Kommentare, die "Prahlereien, komische Schimpfwörter und endlos zitierbare Zeilen" enthielten. Laut Rolling Stone sollten seine "Freestyle-Fähigkeiten" (eine Anspielung auf eine Art von Gesangsimprovisation, bei der Texte ohne bestimmtes Thema oder Struktur rezitiert werden) und seine "Reime, sein Flow und seine Angeberei" eines Tages "typisch für MCs der alten Schule" wie Run-D.M.C. und LL Cool J werden, wobei letzterer Ali als Einfluss angab. In ihren Anfängen wurde die Hip-Hop-Musik als Ventil und "Stimme" für die entrechtete Jugend aus einkommensschwachen und wirtschaftlich marginalisierten Gebieten beschrieben, da die Hip-Hop-Kultur die sozialen, wirtschaftlichen und politischen Realitäten ihres Lebens widerspiegelte. ⓘ
Technologie
Die frühe Entwicklung des Hip-Hop fand zu der Zeit statt, als Sampling-Technologie und Drum-Machines für die breite Öffentlichkeit zu einem Preis verfügbar wurden, der für den Durchschnittsverbraucher erschwinglich war - nicht nur für professionelle Studios. Drum-Machines und Sampler wurden in Maschinen kombiniert, die als MPCs oder "Music Production Centers" bekannt wurden. Zu den frühen Beispielen gehört der Linn 9000. Der erste Sampler, der auf breiter Basis zur Erzeugung dieser neuen Art von Musik eingesetzt wurde, war das Mellotron in Kombination mit der TR-808 Drum Machine. Mellotrons und Linns wurden in den späten 1980er Jahren vom AKAI abgelöst. ⓘ
Turntablist-Techniken - wie rhythmisches "Scratching" (das Hin- und Herschieben einer Schallplatte, während sich die Nadel in der Rille befindet, um neue Klänge und Soundeffekte zu erzeugen; ein Ansatz, der Grand Wizzard Theodore zugeschrieben wird), Beat-Mixing und/oder Beatmatching und Beat-Juggling - entwickelten sich schließlich zusammen mit den Percussion-Breaks und schufen eine musikalische Begleitung oder Basis, über die ähnlich wie beim Signifying gerappt werden konnte. Auch die Kunst des jamaikanischen Toasting, bei dem in ein Mikrofon gesprochen oder gesungen wird, oft in einem prahlerischen Stil, während Beats über ein Soundsystem laufen, war ein wichtiger Einfluss auf die Entwicklung der Hip-Hop-Musik. Toasting ist ein weiterer Einfluss, der sich in der jamaikanischen Dub-Musik findet. ⓘ
Einführung des Raps
Rappen, auch MCing oder Emceeing genannt, ist ein Gesangsstil, bei dem der Künstler lyrisch und rhythmisch in Reim und Strophe spricht, im Allgemeinen zu einem instrumentalen oder synthetischen Beat. Die Beats, fast immer im 4/4-Takt, können durch Sampling und/oder Sequenzierung von Teilen anderer Songs durch einen Produzenten erstellt werden. Auch Synthesizer, Drumcomputer und Live-Bands kommen zum Einsatz. Rapper können ihre Texte schreiben, auswendig lernen oder improvisieren und ihre Werke a cappella oder zu einem Beat vortragen. Hip-Hop-Musik entstand bereits vor der Einführung des Rappens in die Hip-Hop-Kultur, und in vielen Hip-Hop-Titeln fehlt der Rap-Gesang, z. B. in "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" von Man Parrish, "Chinese Arithmetic" von Eric B. & Rakim, "Al-Naafiysh (The Soul)" und "We're Rocking the Planet" von Hashim und "Destination Earth" von Newcleus. Der Großteil des Genres wird jedoch von Rap-Gesang begleitet, wie z. B. von der Sci-Fi beeinflussten Elektro-Hip-Hop-Gruppe Warp 9. In den späten 1970er und frühen 80er Jahren traten weibliche Rapperinnen auf den Plan, darunter MC Sha-Rock aus der Bronx, Mitglied der Funky Four Plus One, die als erste weibliche MC gilt, und The Sequence, ein bei Sugar Hill Records unter Vertrag stehendes Hip-Hop-Trio, das als erste reine Frauengruppe eine Rap-Platte mit dem Titel Funk You Up veröffentlichte. ⓘ
Die Wurzeln des Raps liegen in der afroamerikanischen Musik und weisen Ähnlichkeiten mit der traditionellen afrikanischen Musik auf, insbesondere mit der der Griots aus der westafrikanischen Kultur. Die afroamerikanischen Traditionen des Signifyin', der Dutzende und der Jazz-Poesie haben die Hip-Hop-Musik ebenso beeinflusst wie die Ruf- und Antwortmuster der afrikanischen und afroamerikanischen religiösen Zeremonien. Frühe populäre Radio-Discjockeys der Black-Appeal-Radiozeit begannen mit diesen Techniken im Rahmen des Jive-Talks der Swing-Ära nach dem Zweiten Weltkrieg in den späten 1940er und 1950er Jahren zu moderieren. DJ Nat D. war der M.C. an einem der erbarmungslosesten Orte für jeden aufstrebenden Musiker, der versuchte, im Showgeschäft Fuß zu fassen, nämlich bei der Amateur Night im Palace Theater in der Beale Street in Memphis, Tennessee. Dort war er von 1935 bis 1947 zusammen mit seinem Sideman, D.J. Rufus Thomas, Zeremonienmeister. Dort perfektionierte er die Dutzende, die Signifyin' und den Jive-Spruch, der zu seinem Markenzeichen wurde, als er der erste schwarze Radiosprecher südlich der Mason-Dixon-Linie wurde. Jive machte das Radio für Schwarze populär, es war die Sprache der schwarzen Jugend, die Doppeldeutigkeit und der leicht obszöne Wortwitz waren ein Geschenk des Himmels für das Radio, das die Einschaltquoten der schwächelnden Sender, die an Einschaltquoten verloren und auf das neue Format R&B mit schwarzen Sprechern umstellten, wieder ankurbelte. Die 10 % der Afroamerikaner, die seine Sendungen hörten, stellten fest, dass die Musik, für die er 1949 im Radio warb, auch in den Jukeboxen der Städte im Norden zu hören war. Sie fanden auch andere DJs wie Al Benson aus Chicago auf WJJD, Doctor Hep Cat aus Austin auf KVET und Jockey Jack aus Atlanta auf WERD, die denselben gereimten, kadenzreichen Rap-Stil sprachen. Als die weißen Sender merkten, dass die neuen Emporkömmlinge den Schwarzen Marktanteile abnahmen und dass Big Band und Swing-Jazz nicht mehr "hip" waren, ahmten einige weiße DJs das südliche "Mushmouth" und den Jive-Talk nach und ließen ihr Publikum glauben, sie seien ebenfalls Afroamerikaner und spielten den Blues und Be-Bop. John R. Richbourg hatte einen Südstaaten-Drawl, von dem die Zuhörer des nächtlichen R&B-Programms von WLAC in Nashville nie erfuhren, dass er nicht zu einem schwarzen DJ gehörte, wie auch andere weiße DJs des Senders. Die Reime von Dr. Hep Cat wurden 1953 in einem Wörterbuch des Jive Talk, The Jives of Dr. Hepcat, veröffentlicht. Jockey Jack ist der berühmt-berüchtigte Jack the Rapper von Family Affair, nach seinem Radiokongress, der in den 1980er und 1990er Jahren ein Muss für jeden Rap-Künstler war. Diese Jive Talking-Rapper des Black Appeal-Radioformats der 1950er Jahre waren die Quelle und Inspiration für den Soul-Sänger James Brown und musikalische "Comedy"-Acts wie Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham und Blowfly, die oft als "Paten" der Hip-Hop-Musik gelten. In New York City hatten Spoken-Word-Poetry-Auftritte und Musik von Künstlern wie den Last Poets, Gil Scott-Heron und Jalal Mansur Nuriddin einen bedeutenden Einfluss auf die Kultur der 1960er und 1970er Jahre nach der Bürgerrechtsbewegung und damit auf das soziale Umfeld, in dem die Hip-Hop-Musik entstand. ⓘ
Jamaikanische Ursprünge der Outdoor-Soundsysteme
Der AM-Radioempfang war bei vielen Sendern durch den "Broadcast Day" eingeschränkt, da für nächtliche Sendungen spezielle Lizenzen erforderlich waren. Diejenigen, die eine solche Lizenz hatten, waren weit draußen auf dem Meer und in der Karibik zu hören. Jocko Henderson und Jockey Jack waren amerikanische DJs, die nachts von Sendern in Miami, Florida, aus zu hören waren. Jocko hatte in den 50er Jahren einen großen Einfluss auf die jamaikanischen Emcees, denn die R&B-Musik, die auf den Sendern in Miami gespielt wurde, unterschied sich von der Musik, die auf JBC zu hören war, wo BBC und lokale Musikstile übertragen wurden. In Jamaika stellten DJs in Städten und Dörfern große Soundsysteme am Straßenrand auf und spielten Musik für informelle Versammlungen, meist für Leute, die von den Hügeln des Landes herunterkamen und am Ende der Woche nach Abwechslung suchten. Dort hielten die DJs "Toasts" mit einem Moderator, der den Stil der amerikanischen DJs aus den AM-Transistorradios kopierte. Auf diese Weise wurde der Jive-Talk, das Rappen und Reimen, auf die Insel übertragen, und vor Ort wurde der Stil durch die "jamaikanische Lyrik" oder das lokale Patois verändert. ⓘ
Hip-Hop als Musik und Kultur entstand in den 1970er Jahren in New York City aus dem multikulturellen Austausch zwischen afroamerikanischen Jugendlichen aus den Vereinigten Staaten und jungen Einwanderern und Kindern von Einwanderern aus Ländern der Karibik. Was später in den USA als "Block Partys" bezeichnet wurde, war seit den 1950er Jahren in ganz Jamaika Realität, da MCs (in Jamaika DJs genannt) seit mindestens 1949 auf "Sound System"-Partys über Platten sprachen und rappten. Einige wurden vom Gesangsstil der ersten afroamerikanischen Radio-MCs beeinflusst (darunter Jocko Hendersons Rocket Ship Show in den 1950er Jahren, die reimte und vom Scat-Gesang beeinflusst war), der in Jamaika im Radio zu hören war. ⓘ
Die ersten Schallplatten jamaikanischer DJs, darunter Sir Lord Comic (The Great Wuga Wuga, 1967), entstanden im Rahmen der lokalen Dance-Hall-Kultur mit "Specials", einzigartigen Mischungen oder "Versionen", die auf Soft-Discs oder Acetat-Platten gepresst wurden, und Rappern (genannt DJs) wie King Stitt, Count Machuki, U-Roy, I-Roy, Big Youth und vielen anderen. Talk-over-Aufnahmen, die sich vom DJ-Stil der Dancehall unterscheiden, wurden bereits 1967 von jamaikanischen Künstlern wie Prince Buster und Lee "Scratch" Perry (Judge Dread) gemacht, die in der Tradition des "Talking Blues" stehen. Die erste abendfüllende jamaikanische DJ-Platte war ein Duett der Kingstoner Ghettobewohner U-Roy und Peter Tosh zu einem Rastafari-Thema namens Righteous Ruler (produziert von Lee "Scratch" Perry im Jahr 1969). Der erste DJ-Hit war Fire Corner von King Stitt, dem DJ des Downbeat-Systems von Coxsone, im selben Jahr. 1970 gab es eine Vielzahl von DJ-Hits im Gefolge von U-Roys frühen, großen Hits, vor allem Wake the Town und viele andere. Mit der Entwicklung der Remix-Tradition (die auch in Jamaika unter den Bezeichnungen "Version" und "Dub" bekannt wurde) wurden die etablierten jungen jamaikanischen DJs/Rapper aus dieser Zeit, die bereits seit Jahren für Soundsysteme arbeiteten, plötzlich aufgenommen und hatten zahlreiche lokale Hits, die in großem Maße zu dem durch Bob Marleys Einfluss in den 1970er Jahren ausgelösten Reggae-Wahn beitrugen. Die wichtigsten jamaikanischen DJs der frühen 1970er Jahre waren King Stitt, Samuel the First, Count Machuki, Johnny Lover (der bereits 1971 Songs von Bob Marley and the Wailers "versionierte"), Dave Barker, Scotty, Lloyd Young, Charlie Ace und andere, sowie die zukünftigen Reggae-Stars U-Roy, Dennis Alcapone, I-Roy, Prince Jazzbo, Prince Far I, Big Youth und Dillinger. Dillinger landete 1976 mit Cocaine in my Brain den ersten internationalen Rap-Hit (basierend auf dem von Sly und Robbie neu aufgenommenen Rhythmus Do It Any Way You Wanna Do von People's Choice), bei dem er sogar einen New Yorker Akzent benutzte und damit bewusst auf den neuen New Yorker Rap-Markt zielte. Die jamaikanische DJ-Tanzmusik war tief in der Tradition der Soundsysteme verwurzelt, die Musik für arme Menschen in einem sehr armen Land zugänglich machten, in dem Live-Musik nur in Clubs und Hotels gespielt wurde, die von der Mittel- und Oberschicht frequentiert wurden. 1973 zog der jamaikanische Soundsystem-Enthusiast DJ Kool Herc in die Bronx, nahm die jamaikanische Soundsystem-Kultur mit und tat sich mit einem anderen Jamaikaner, Coke La Rock, am Mikrofon zusammen. Obwohl andere Einflüsse, vor allem der Musiksequenzer Grandmaster Flowers aus Brooklyn und Grandwizard Theodore aus der Bronx, zur Entstehung des Hip-Hop in New York beitrugen und in den meisten US-amerikanischen Büchern über Hip-Hop heruntergespielt wurden, war die Hauptwurzel dieser Soundsystem-Kultur jamaikanisch. Die Wurzeln des Rap in Jamaika werden in Bruno Blums Buch "Le Rap" ausführlich erläutert. ⓘ
DJ Kool Herc und Coke La Rock beeinflussten den Gesangsstil des Raps, indem sie einfache Gedichtverse über Funkmusikpausen vortrugen, nachdem die Partygänger wenig Interesse an ihren früheren Versuchen gezeigt hatten, Reggae-angehauchte Toasts in ihre Musiksets zu integrieren. DJs und MCs fügten häufig Ruf- und Antwortgesänge hinzu, die oft aus einem einfachen Refrain bestanden, um dem Künstler die Möglichkeit zu geben, seine Gedanken zu sammeln (z. B. "one, two, three, y'all, to the beat"). Später wurden die MCs in ihrer stimmlichen und rhythmischen Darbietung vielfältiger und bauten kurze Reime ein, die oft ein sexuelles oder skatologisches Thema enthielten, um sich zu differenzieren und das Publikum zu unterhalten. Diese frühen Raps beinhalteten die Dutzend, ein Produkt der afro-amerikanischen Kultur. Kool Herc & the Herculoids waren die erste Hip-Hop-Gruppe, die in New York Anerkennung fand, aber die Zahl der MC-Teams nahm mit der Zeit zu. ⓘ
Oft handelte es sich dabei um Zusammenschlüsse ehemaliger Gangs, wie Afrikaa Bambaataas Universal Zulu Nation - heute eine internationale Organisation. Melle Mel, ein Rapper der Furious Five, wird oft als der erste Rap-Lyriker bezeichnet, der sich selbst als "MC" bezeichnete. In den frühen 1970er Jahren entstand der B-Boying-Stil auf Blockpartys, als B-Boys und B-Girls vor das Publikum traten, um in einem unverwechselbaren und frenetischen Stil zu tanzen. Der Stil wurde zum ersten Mal in Dokumentationen und Filmen wie Style Wars, Wild Style und Beat Street für ein weltweites Publikum dokumentiert. Der Begriff "B-boy" wurde von DJ Kool Herc geprägt, um die Leute zu beschreiben, die auf den Break-Teil des Songs warteten, ihre Sportlichkeit unter Beweis stellten und sich auf der Bühne drehten, um in dem unverwechselbaren, frenetischen Stil zu "break-dancen". ⓘ
Obwohl es einige frühe MCs gab, die bemerkenswerte Soloprojekte aufnahmen, wie z. B. DJ Hollywood, Kurtis Blow und Spoonie Gee, nahm die Häufigkeit von Solokünstlern erst später mit dem Aufkommen von Solisten mit Bühnenpräsenz und Dramatik zu, wie z. B. LL Cool J. Der meiste frühe Hip-Hop wurde von Gruppen dominiert, bei denen die Zusammenarbeit zwischen den Mitgliedern integraler Bestandteil der Show war. Ein Beispiel dafür ist die frühe Hip-Hop-Gruppe Funky Four Plus One, die 1981 auf diese Weise bei Saturday Night Live auftrat. ⓘ
1979-1983: Hip-Hop der alten Schule
Übergang zur Aufnahme
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Die früheste Hip-Hop-Musik wurde live auf Hauspartys und Straßenfesten gespielt und nicht aufgezeichnet. Vor 1979 bestand die aufgezeichnete Hip-Hop-Musik hauptsächlich aus PA-System-Soundboard-Aufnahmen von Live-Party-Shows und frühen Hip-Hop-Mixtapes von DJs. Der puertoricanische DJ Disco Wiz gilt als der erste Hip-Hop-DJ, der eine "Mixed Plate" oder Mixed-Dub-Aufnahme erstellte, als er 1977 Soundbites, Spezialeffekte und angehaltene Beats kombinierte, um technisch eine Tonaufnahme zu produzieren. Als erste Hip-Hop-Platte gilt weithin "Rapper's Delight" der Sugarhill Gang aus dem Jahr 1979. Es war die erste Hip-Hop-Platte, die im Mainstream große Popularität erlangte und der Hip-Hop-Musik ihren Namen gab (nach dem ersten Takt). Diese Behauptung ist jedoch sehr umstritten, da einige die Single "King Tim III (Personality Jock)" der Fatback Band vom März 1979 als Rap-Platte ansehen. Es gibt verschiedene andere Anwärter auf den Titel der ersten Hip-Hop-Platte. ⓘ
Anfang der 1980er Jahre waren alle wichtigen Elemente und Techniken des Hip-Hop-Genres bereits vorhanden, und 1982 wurde der elektronische (Elektro-)Sound zum Trend auf der Straße und in den Tanzclubs. Der New Yorker Radiosender WKTU präsentierte "Nunk" von Warp 9 in einem Werbespot, um für den charakteristischen Sound des Senders, den aufkommenden Hip-Hop, zu werben. Obwohl Hip-Hop noch nicht zum Mainstream gehörte, hatte er begonnen, die Musikszene außerhalb von New York City zu durchdringen; er war in so unterschiedlichen Städten wie Los Angeles, Atlanta, Chicago, Washington, D.C., Baltimore, Dallas, Kansas City, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, New Orleans, Houston und Toronto zu finden. Funk You Up" (1979), die erste Hip-Hop-Platte, die von einer Frauengruppe veröffentlicht wurde, und die zweite Single, die von Sugar Hill Records herausgebracht wurde, wurde von der Gruppe Sequence aus Columbia, South Carolina, gesungen, in der Angie Stone mitwirkte. Trotz der wachsenden Popularität des Genres war Philadelphia viele Jahre lang die einzige Stadt, deren Beiträge mit denen von New York City verglichen werden konnten. Hip-Hop-Musik wurde in Philadelphia in den späten 1970er Jahren populär. Die erste veröffentlichte Platte trug den Titel "Rhythm Talk" von Jocko Henderson. ⓘ
Die New York Times hatte Philadelphia 1971 zur "Graffiti-Hauptstadt der Welt" erklärt. Die aus Philadelphia stammende DJ Lady B nahm 1979 "To the Beat Y'All" auf und war damit die erste weibliche Solo-Hip-Hop-Künstlerin, die Musik aufnahm. Schoolly D, ebenfalls aus Philadelphia, begann 1984 mit der Entwicklung eines Stils, der später als Gangsta-Rap bekannt werden sollte. ⓘ
Einfluss von Disco
Die Hip-Hop-Musik wurde von der Disco-Musik beeinflusst, da Disco auch die Schlüsselrolle des DJs bei der Erstellung von Tracks und Mixes für Tänzer betonte, und Old-School-Hip-Hop verwendete oft Disco-Tracks als Beats. Gleichzeitig war die Hip-Hop-Musik aber auch eine Gegenbewegung zu bestimmten Subgenres der Disco der späten 1970er Jahre. Während es sich bei der frühen Disco um von Afroamerikanern und Italoamerikanern geschaffene Underground-Musik handelte, die von DJs und Produzenten für die Subkultur der Tanzclubs entwickelt wurde, dominierten in den späten 1970er Jahren die von der Musikindustrie teuer produzierten Mainstream-Disco-Songs den Äther. Laut Kurtis Blow waren die Anfänge des Hip-Hop durch die Spaltung zwischen Fans und Gegnern der Discomusik gekennzeichnet. Hip-Hop war weitgehend als "direkte Antwort auf die verwässerte, europäisierte Discomusik, die den Äther durchdrang" entstanden. Der erste Hip-Hop basierte hauptsächlich auf harten Funk-Loops, die von alten Funk-Platten stammten. Ab 1979 wurden jedoch die instrumentalen Disco-Loops/Tracks zur Grundlage eines Großteils der Hip-Hop-Musik. Dieses Genre wurde als "Disco-Rap" bezeichnet. Ironischerweise spielte der Aufstieg der Hip-Hop-Musik auch eine Rolle für den Rückgang der Popularität von Disco. ⓘ
Der Disco-Sound hatte einen starken Einfluss auf die frühe Hip-Hop-Musik. Die meisten frühen Rap-/Hip-Hop-Songs entstanden, indem vorhandene Disco-Bass-Gitarren-Basslinien isoliert und mit MC-Reimen überspielt wurden. Die Sugarhill Gang verwendete "Good Times" von Chic als Grundlage für ihren 1979er-Hit "Rapper's Delight", der allgemein als der Song gilt, der die Rap-Musik in den Vereinigten Staaten und weltweit populär machte. 1982 veröffentlichte Afrika Bambaataa die Single "Planet Rock", die elektronische Elemente aus Kraftwerks "Trans-Europe Express" und "Numbers" sowie YMOs "Riot in Lagos" enthielt. Der Planet-Rock-Sound brachte auch einen Hip-Hop-Electronic-Dance-Trend hervor, die Elektro-Musik, zu der Songs wie "Play at Your Own Risk" (1982) von Planet Patrol, "One More Shot" (1982) von C Bank, "Club Underworld" (1984) von Cerrone, "Let the Music Play" (1983) von Shannon, "I.O.U." von Freeez (1983), Midnight Star's "Freak-a-Zoid" (1983), Chaka Khan's "I Feel For You" (1984). ⓘ
DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood und Love Bug Starski waren Disco-beeinflusste Hip-Hop-DJs. Ihr Stil unterschied sich von dem anderer Hip-Hop-Musiker, die sich auf schnelle Reime und komplexere rhythmische Schemata konzentrierten. Afrika Bambaataa, Paul Winley, Grandmaster Flash und Bobby Robinson waren alle Mitglieder der letztgenannten Gruppe. In Washington, D.C., entstand Go-Go als Reaktion auf Disco und nahm in den frühen 1980er Jahren schließlich Merkmale des Hip-Hop auf. Das DJ-basierte Genre der elektronischen Musik verhielt sich ähnlich und entwickelte sich schließlich zu Underground-Stilen, die in Chicago als House Music und in Detroit als Techno bekannt sind. ⓘ
Diversifizierung der Stile
In den 1980er Jahren wurde der Hip-Hop vielfältiger und entwickelte immer komplexere Stile. New York City wurde zu einem regelrechten Laboratorium für die Entwicklung neuer Hip-Hop-Sounds. Frühe Beispiele für diesen Diversifizierungsprozess sind Grandmaster Flashs "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel" (1981), eine Single, die ausschließlich aus gesampelten Tracks besteht, sowie Afrika Bambaataas "Planet Rock" (1982) und Warp 9s "Nunk" (1982), die für die Verschmelzung von Hip-Hop-Musik mit Elektro stehen. Darüber hinaus war "Beat Bop" (1983) von Rammellzee & K-Rob ein "Slow Jam" mit Dub-Einflüssen, bei dem Hall und Echo als Textur und spielerische Soundeffekte eingesetzt wurden. "Light Years Away" von Warp 9 (1983) (produziert und geschrieben von Lotti Golden und Richard Scher) wurde von der britischen Zeitung The Guardian als "Eckpfeiler des Afrofuturismus der frühen 80er Jahre" bezeichnet und enthielt einen sozialen Kommentar aus einer Science-Fiction-Perspektive. In den 1970er Jahren wurden in der Hip-Hop-Musik in der Regel Samples aus dem Funk und später aus der Disco verwendet. Mitte der 1980er Jahre kam es zu einem Paradigmenwechsel in der Entwicklung des Hip-Hop, als Samples aus der Rockmusik verwendet wurden, wie die Alben King of Rock und Licensed to Ill zeigen. Der Hip-Hop vor diesem Wechsel wird als Old School Hip-Hop bezeichnet. ⓘ
Im Jahr 1980 brachte die Roland Corporation den TR-808 Rhythm Composer auf den Markt. Er war einer der ersten programmierbaren Drumcomputer, mit dem die Benutzer ihre eigenen Rhythmen kreieren konnten, anstatt voreingestellte Patterns zu verwenden. Obwohl sie ein kommerzieller Misserfolg war, erlangte die 808 im Laufe des Jahrzehnts unter Underground-Musikern Kultstatus, weil sie auf dem Gebrauchtmarkt erschwinglich war, einfach zu bedienen und mit eigenwilligen Sounds, insbesondere der tiefen, dröhnenden" Bassdrum, aufwarten konnte. Sie wurde zu einem Eckpfeiler der aufkommenden Elektronik-, Dance- und Hip-Hop-Genres, die durch frühe Hits wie "Planet Rock" von Afrika Bambaataa und der Soulsonic Force populär wurden. Die 808 wurde schließlich auf mehr Hit-Platten verwendet als jede andere Drum-Machine; ihre Popularität insbesondere im Hip-Hop hat sie zu einer der einflussreichsten Erfindungen in der Popmusik gemacht, vergleichbar mit dem Einfluss der Fender Stratocaster auf den Rock. ⓘ
Im Laufe der Zeit wurde die Sampling-Technologie immer weiter entwickelt. Frühere Produzenten wie Marley Marl benutzten jedoch Drumcomputer, um ihre Beats aus kleinen Ausschnitten anderer Beats in Synchronisation zu konstruieren. In seinem Fall wurden drei Korg Sampling-Delay-Einheiten durch eine Roland 808 ausgelöst. Später boten Sampler wie der E-mu SP-1200 nicht nur mehr Speicher, sondern auch mehr Flexibilität für die kreative Produktion. So konnten verschiedene Hits gefiltert und geschichtet werden, und es bestand die Möglichkeit, sie zu einem einzigen Stück zu resequenzieren. Mit dem Aufkommen einer neuen Generation von Samplern wie dem AKAI S900 in den späten 1980er Jahren mussten Produzenten keine komplexen, zeitraubenden Bandschleifen mehr erstellen. Das erste Album von Public Enemy wurde mit Hilfe von großen Bandschleifen erstellt. Der Prozess des Einschleifens eines Breaks in einen Breakbeat wurde nun häufiger mit einem Sampler durchgeführt, der nun die Arbeit übernahm, die bis dahin von den DJs mit Plattenspielern manuell erledigt worden war. 1989 veröffentlichte DJ Mark James unter dem Namen "45 King" "The 900 Number", einen Breakbeat-Track, der durch die Synchronisation von Samplern und Vinyl-Schallplatten entstand. ⓘ
Auch der lyrische Inhalt und die instrumentale Begleitung des Hip-Hop entwickelten sich weiter. Die anfänglichen lyrischen Stile der 1970er Jahre, die zu Prahlerei und klischeehaften Gesängen neigten, wurden durch metaphorische Texte ersetzt, die ein breiteres Spektrum an Themen behandeln. Außerdem wurden die Texte mit einer komplexeren, vielschichtigen Instrumentalbegleitung vorgetragen. Künstler wie Melle Mel, Rakim, Chuck D, KRS-One und Warp 9 revolutionierten den Hip-Hop, indem sie ihn in eine reifere Kunstform mit ausgefeilten Arrangements verwandelten, die oft "großartige Texturen und mehrere Schichten" aufwiesen. Die einflussreiche Single "The Message" (1982) von Grandmaster Flash and the Furious Five gilt weithin als Wegbereiter des bewussten Rap. ⓘ
Unabhängige Plattenlabels wie Tommy Boy, Prism Records und Profile Records wurden in den frühen 1980er Jahren erfolgreich und brachten in rasantem Tempo Platten heraus, um die Nachfrage von lokalen Radiosendern und Club-DJs zu befriedigen. Anfang der 1980er Jahre waren Elektromusik und Rap die Katalysatoren für die Hip-Hop-Bewegung, angeführt von Künstlern wie Cybotron, Hashim, Afrika Bambaataa, Planet Patrol, Newcleus und Warp 9. In der Aufnahmeszene von New York City arbeiteten die Künstler mit Produzenten/Autoren wie Arthur Baker, John Robie, Lotti Golden und Richard Scher zusammen und tauschten Ideen aus, die zur Entwicklung des Hip-Hop beitrugen. Einige Rapper wurden schließlich zu Mainstream-Pop-Künstlern. Kurtis Blow war mit seinem Auftritt in einer Sprite-Werbung der erste Hip-Hop-Musiker, der einen Werbespot für ein großes Produkt drehte. Die Songs "Rapture" von Blondie und "Christmas Wrapping" von der New-Wave-Band The Waitresses gehörten 1981 zu den ersten Popsongs, in denen Rap verwendet wurde. 1982 machte Afrika Bambaataa den Hip-Hop mit "Planet Rock" einem internationalen Publikum bekannt. ⓘ
Vor den 1980er Jahren war die Hip-Hop-Musik weitgehend auf die Vereinigten Staaten beschränkt. In den 1980er Jahren begann er sich jedoch zu verbreiten und wurde Teil der Musikszene in Dutzenden von Ländern. Greg Wilson war der erste DJ, der den Elektro-Hip-Hop Anfang der 1980er Jahre in den britischen Clubs bekannt machte. Er entschied sich für die Dub- oder Instrumentalversionen von Nunk von Warp 9, Extra T's "ET Boogie", Hip Hop, Be Bop (Don't Stop) von Man Parrish, Planet Rock und Dirty Talk. ⓘ
Zu Beginn des Jahrzehnts erreichte das B-Boying als erster Aspekt der Hip-Hop-Kultur Japan, Australien und Südafrika. In Südafrika etablierte die Breakdance-Crew Black Noise die Praxis, bevor sie später im Jahrzehnt mit dem Rap begann. Der Musiker und Moderator Sidney wurde mit seiner Sendung H.I.P. H.O.P., die 1984 auf TF1 ausgestrahlt wurde, zum ersten schwarzen Fernsehmoderator Frankreichs, was weltweit eine Premiere für das Genre darstellte. Sidney gilt als der Vater des französischen Hip-Hop. Radio Nova verhalf anderen französischen Hip-Hop-Stars zum Durchbruch, darunter Dee Nasty, dessen Album Paname City Rappin' aus dem Jahr 1984 sowie die Compilations Rapattitude 1 und 2 dazu beitrugen, dass der Hip-Hop in Frankreich allgemein bekannt wurde. ⓘ
Der Hip-Hop hatte schon immer eine sehr enge Beziehung zur Latino-Community in New York. DJ Disco Wiz und die Rock Steady Crew gehörten zu den frühen Vorreitern aus Puerto Rico, die in ihren Texten Englisch und Spanisch kombinierten. The Mean Machine nahmen 1981 ihren ersten Song unter dem Label "Disco Dreams" auf, während Kid Frost aus Los Angeles seine Karriere 1982 begann. Cypress Hill wurde 1988 in dem Vorort South Gate außerhalb von Los Angeles gegründet, als Senen Reyes (geboren in Havanna) und sein jüngerer Bruder Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) 1971 mit seiner Familie von Kuba nach South Gate zogen. Sie taten sich mit DVX aus Queens (New York), Lawrence Muggerud (DJ Muggs) und Louis Freese (B-Real), einem mexikanisch-kubanischen Amerikaner aus Los Angeles, zusammen. Nachdem "Ace" seine Solokarriere begonnen hatte, nahm die Gruppe den Namen Cypress Hill an, benannt nach einer Straße, die durch ein nahe gelegenes Viertel in Süd-Los Angeles führt. ⓘ
Man sagt, dass der japanische Hip-Hop begann, als Hiroshi Fujiwara nach Japan zurückkehrte und Anfang der 1980er Jahre begann, Hip-Hop-Platten zu spielen. Der japanische Hip-Hop ist im Allgemeinen am stärksten vom Old-School-Hip-Hop beeinflusst, da er die eingängigen Beats, die Tanzkultur und den allgemeinen Spaß und die Unbeschwertheit dieser Ära aufgreift und in seine Musik einfließen lässt. Hip-Hop wurde zu einem der kommerziell erfolgreichsten Mainstream-Musikgenres in Japan, und die Grenzen zwischen Hip-Hop und Popmusik sind oft fließend. ⓘ
1983-1986: Hip-Hop der neuen Schule
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Die New School of Hip-Hop war die zweite Welle der Hip-Hop-Musik, die 1983/84 mit den frühen Platten von Run-D.M.C. und LL Cool J entstand. Wie der Hip-Hop vor ihr (der später als Old-School-Hip-Hop bekannt wurde), kam die New School vor allem aus New York City. Die neue Schule zeichnete sich anfangs durch einen von Drumcomputern gesteuerten Minimalismus mit Einflüssen aus der Rockmusik aus, eine Hip-Hop-"Metal-Musik für die 80er" - eine kantige, hässlich-schöne Trance, so verzweifelt und anregend wie New York selbst. Sie zeichnete sich durch Spott und Prahlerei beim Rappen sowie durch gesellschaftspolitische Kommentare aus, die in einem aggressiven, selbstbewussten Stil vorgetragen wurden. Sowohl im Bild als auch in den Liedern vermittelten die Künstler eine harte, coole Street-B-Boy-Attitüde. ⓘ
Diese Elemente standen in scharfem Kontrast zu den früheren, von Funk und Disco beeinflussten Hip-Hop-Gruppen, deren Musik oft von Novelty-Hits, Live-Bands, Synthesizern und "Party-Reimen" geprägt war (nicht alle Künstler vor 1983-84 hatten diesen Stil). Die Künstler der neuen Schule machten kürzere Songs, die leichter im Radio gespielt werden konnten, und sie produzierten zusammenhängendere LP-Alben als ihre Gegenstücke der alten Schule. Ab 1986 begannen ihre Veröffentlichungen, das Hip-Hop-Album als festen Bestandteil der Mainstream-Musik zu etablieren. Hip-Hop-Musik wurde kommerziell erfolgreich, wie das 1986er Album Licensed to Ill der Beastie Boys zeigt, das als erstes Rap-Album Platz 1 der Billboard-Charts erreichte. ⓘ
1986-1997: Goldenes Zeitalter des Hip-Hop
Das "Goldene Zeitalter" (oder "Goldene Ära") des Hip-Hop bezeichnet eine Periode im Mainstream-Hip-Hop, die zwischen Mitte der 1980er und Mitte der 1990er Jahre entstand und sich durch Vielfalt, Qualität, Innovation und Einfluss auszeichnete. Die Hip-Hop-Texte des Goldenen Zeitalters waren stark von Afrozentrismus und politischer Militanz geprägt. Die Musik war experimentell und das Sampling stützte sich auf eklektische Quellen. Die Musik hatte oft einen starken Jazz-Einfluss. Die Künstler und Gruppen, die am häufigsten mit dieser Phase in Verbindung gebracht werden, sind Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane und die Jungle Brothers. ⓘ
Das goldene Zeitalter ist bekannt für seine Innovation - eine Zeit, in der es schien, als würde jede neue Single das Genre neu erfinden", so der Rolling Stone. Die Chefredakteurin von Spin, Sia Michel, sagt über "Hip-Hop in seinem goldenen Zeitalter": "Es gab so viele wichtige, bahnbrechende Alben, die zu dieser Zeit erschienen", und Sway Calloway von MTV fügt hinzu: "Was diese Ära so großartig machte, war, dass nichts gekünstelt war. Alles wurde noch entdeckt und alles war noch innovativ und neu". Der Schriftsteller William Jelani Cobb sagt: "Was die Ära, die sie einleiteten, der Bezeichnung goldenes Zeitalter würdig machte, war die schiere Anzahl der stilistischen Innovationen, die entstanden... in diesen goldenen Jahren schuf eine kritische Masse von Mikrofon-Wunderkindern buchstäblich sich selbst und ihre Kunstform zur gleichen Zeit". ⓘ
Das goldene Zeitalter erstreckt sich laut Carl Stoffers von der New York Daily News "ungefähr von 1986 bis 1997". In ihrem Artikel "In Search of the Golden Age Hip-Hop Sound" verwenden die Musiktheoretiker Ben Duinker und Denis Martin von Empirical Musicology Review "die 11 Jahre zwischen und einschließlich 1986 und 1996 als chronologische Grenzen", um das goldene Zeitalter zu definieren, beginnend mit den Veröffentlichungen von Run-DMCs Raising Hell und Licensed to Ill der Beastie Boys und endend mit dem Tod von Tupac Shakur und Notorious B. I.G. Der Autor von The Boombox, Todd "Stereo" Williams, nennt ebenfalls die Veröffentlichung von Raising Hell im Mai 1986 (das sich mehr als drei Millionen Mal verkaufte) als Beginn dieser Periode und stellt fest, dass im Laufe des nächsten Jahres weitere wichtige Alben mit Erfolg veröffentlicht wurden, darunter Licensed to Ill, Criminal Minded von Boogie Down Productions (1987), Yo! Bum Rush the Show (1987) und Paid in Full von Eric B. & Rakim (1987). Williams betrachtet diese Entwicklung als den Beginn der eigenen "Album-Ära" des Hip-Hop von den späten 1980er bis zu den späten 1990er Jahren, in der Hip-Hop-Alben eine noch nie dagewesene kritische Anerkennung erfuhren und "die Messlatte sein würden, an der die meisten Größen des Genres gemessen werden würden". ⓘ
Gangsta-Rap und West Coast Hip-Hop
Viele schwarze Rapper - darunter Ice-T und Sister Souljah - sind der Meinung, dass sie zu Unrecht herausgegriffen werden, weil ihre Musik tief greifende gesellschaftliche Veränderungen widerspiegelt, die nirgendwo sonst in der Öffentlichkeit thematisiert werden. Die weißen Politiker, so beschweren sich die Künstler, verstehen weder die Musik noch wollen sie hören, was in den zerstörten Gemeinden vor sich geht, aus denen diese Kunstform hervorgegangen ist.
- Chuck Philips, Los Angeles Times, 1992
Gangsta-Rap ist ein Subgenre des Hip-Hop, das den gewalttätigen Lebensstil schwarzer amerikanischer Jugendlicher in den Innenstädten widerspiegelt. Gangsta ist eine nicht-rhotische Aussprache des Wortes Gangster. Das Genre wurde Mitte der 1980er Jahre von Rappern wie Schoolly D und Ice-T begründet und in der zweiten Hälfte der 1980er Jahre von Gruppen wie N.W.A. populär gemacht. 1985 veröffentlichte Schoolly D den Song "P.S.K. What Does It Mean?", der oft als erster Gangsta-Rap-Song angesehen wird, gefolgt von Ice-Ts "6 in the Mornin'" im Jahr 1986. Nach der nationalen Aufmerksamkeit und den Kontroversen, die Ice-T und N.W.A. in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren auslösten, sowie der Verbreitung des G-Funk Mitte der 1990er Jahre wurde der Gangsta-Rap zum kommerziell lukrativsten Subgenre des Hip-Hop. Einige Gangsta-Rapper waren dafür bekannt, dass sie die politischen und sozialen Kommentare des politischen Rap mit den kriminellen Elementen und Kriminalgeschichten des Gangsta-Rap vermischten. ⓘ
N.W.A. ist die Gruppe, die am häufigsten mit der Gründung des Gangsta-Rap in Verbindung gebracht wird. Ihre Texte waren gewalttätiger, konfrontativer und schockierender als die etablierter Rap-Bands und enthielten unablässig Schimpfwörter und - umstritten - das Wort "Nigga". Diese Texte wurden mit rauen, von Rockgitarren getragenen Beats unterlegt und trugen so zu dem kantigen Charakter der Musik bei. Das erste erfolgreiche Gangsta-Rap-Album war Straight Outta Compton von N.W.A., das 1988 veröffentlicht wurde. Straight Outta Compton etablierte den Hip-Hop der Westküste als lebendiges Genre und machte Los Angeles zu einem legitimen Rivalen der langjährigen Hauptstadt des Hip-Hop, New York City. Straight Outta Compton löste die erste große Kontroverse über Hip-Hop-Texte aus, als der Song "Fuck tha Police" einen Brief des stellvertretenden FBI-Direktors Milt Ahlerich nach sich zog, in dem er den Unmut der Strafverfolgungsbehörden über den Song deutlich zum Ausdruck brachte. ⓘ
Eine Kontroverse gab es auch um Ice-Ts Album Body Count, insbesondere um den Song Cop Killer". Der Song sollte aus der Sicht eines Kriminellen sprechen, der sich an rassistischen, brutalen Polizisten rächt. Ice-Ts Rocksong verärgerte Regierungsbeamte, die National Rifle Association und verschiedene Polizeiverbände. Folglich weigerte sich Time Warner Music, Ice-Ts kommendes Album Home Invasion aufgrund der Kontroverse um "Cop Killer" zu veröffentlichen. Ice-T vertrat die Ansicht, dass die Aufregung über den Song eine Überreaktion sei, und sagte dem Journalisten Chuck Philips: "...sie haben Filme über Krankenschwestermörder, Lehrermörder und Schülermörder gemacht. [Schauspieler] Arnold Schwarzenegger hat als Terminator Dutzende von Polizisten umgelegt. Aber ich höre niemanden, der sich darüber beschwert." In demselben Interview deutete Ice-T gegenüber Philips an, dass das Missverständnis von Cop Killer und die Versuche, den Film zu zensieren, rassistische Untertöne haben: "Der Oberste Gerichtshof sagt, dass es für einen weißen Mann in Ordnung ist, ein Kreuz in der Öffentlichkeit zu verbrennen. Aber niemand will, dass ein Schwarzer eine Platte über einen Polizistenmörder schreibt". ⓘ
Die dem Gangsta-Rap innewohnende Thematik hat im Allgemeinen Kontroversen ausgelöst. Die Regierungen von George H.W. Bush und Bill Clinton im Weißen Haus kritisierten das Genre. "Der Grund, warum Rap angegriffen wird, ist, dass er alle Widersprüche der amerikanischen Kultur aufdeckt... Was als Untergrund-Kunstform begann, ist zu einem Vehikel geworden, um eine Menge kritischer Themen aufzudecken, die normalerweise in der amerikanischen Politik nicht diskutiert werden. Das Problem ist, dass das Weiße Haus und Möchtegerns wie Bill Clinton ein politisches System repräsentieren, das nie die Absicht hat, sich mit dem Chaos in den Innenstädten zu befassen", sagte Sister Souljah der Times. Aufgrund des Einflusses von Ice-T und N.W.A. wird Gangsta-Rap oft als ein Phänomen der Westküste angesehen, obwohl auch Ostküsten-Acts wie Schoolly D und Boogie Down Productions zur Entstehung des Genres beigetragen haben. ⓘ
Mainstream-Durchbruch
1990 war das Album Fear of a Black Planet von Public Enemy ein großer Erfolg bei Musikkritikern und Konsumenten. Das Album spielte eine Schlüsselrolle beim Aufkommen des Hip-Hop in der breiten Masse im Jahr 1990, das von Billboard-Redakteur Paul Grein als "das Jahr, in dem der Rap explodierte" bezeichnet wurde. In einem Artikel von 1990 über den kommerziellen Durchbruch schrieb Janice C. Thompson von Time, dass sich Hip-Hop "zur aufregendsten Entwicklung in der amerikanischen Popmusik seit mehr als einem Jahrzehnt entwickelt hat". Thompson verwies auf den Einfluss der 1989er Single "Fight the Power" von Public Enemy, auf die Single "Wild Thing" des Rappers Tone Lōc, die die meistverkaufte Single des Jahres 1989 war, und darauf, dass zum Zeitpunkt ihres Artikels fast ein Drittel der Songs in den Billboard Hot 100 Hip-Hop-Songs waren. In einem ähnlichen Artikel aus dem Jahr 1990 verdeutlichte Robert Hilburn von der Los Angeles Times den kommerziellen Aufstieg der Hip-Hop-Musik:
Vor 10 Jahren war "Rapper's Delight" von der Sugarhill Gang die erste Rap-Single, die in den nationalen Top 20 landete. Wer hätte damals gedacht, dass es diese Musik 1990 überhaupt noch geben würde, geschweige denn, dass sie so viel Aufmerksamkeit in der Popwelt erregen würde wie Public Enemy und N.W.A.? "Rapper's Delight" war ein Novelty-Album, das von einem großen Teil der Popgemeinde einfach als leichtgewichtiger Ableger von Disco betrachtet wurde - und dieses Image hielt sich jahrelang. Gelegentliche Platten - darunter "The Message" von Grandmaster Flash im Jahr 1982 und "It's Like That" von Run-DMC im Jahr 1984 - wurden von den Kritikern gelobt, aber Rap wurde meist als vorübergehende Modeerscheinung abgetan - zu repetitiv, zu eindimensional. Doch der Rap verschwand nicht, und eine Explosion von Energie und Fantasie in den späten 1980er Jahren macht den Rap heute zum wohl vitalsten neuen straßenorientierten Sound im Pop seit der Geburt des Rock in den 1950er Jahren. ⓘ
Rap ist der Rock 'n' Roll von heute. Beim Rock 'n' Roll ging es um Haltung, Rebellion, einen fetten Beat, Sex und manchmal auch um soziale Kommentare. Wenn Sie das jetzt suchen, werden Sie es hier finden.
- Bill Adler, Zeit, 1990 ⓘ
MC Hammer erlangte mit dem mit Mehrfachplatin ausgezeichneten Album Please Hammer, Don't Hurt 'Em" Erfolg im Mainstream. Das Album erreichte Platz 1 und die erste Single "U Can't Touch This" erreichte die Top Ten der Billboard Hot 100. MC Hammer wurde zu einem der erfolgreichsten Rapper der frühen neunziger Jahre und zu einem der ersten bekannten Namen des Genres. Das Album verhalf der Rap-Musik zu einem neuen Popularitätsgrad. Es war das erste Hip-Hop-Album, das von der RIAA mit einem Diamanten ausgezeichnet wurde, weil es mehr als zehn Millionen Mal verkauft wurde. Es ist nach wie vor eines der meistverkauften Alben des Genres aller Zeiten. Bis heute hat sich das Album 18 Millionen Mal verkauft. Die 1990 veröffentlichte Single Ice Ice Baby" von Vanilla Ice war die erste Hip-Hop-Single, die die Billboard-Charts in den USA anführte. Auch im Vereinigten Königreich und in Australien erreichte sie Platz eins und gilt als Beitrag zur Diversifizierung des Hip-Hop, indem sie ihn einem Mainstream-Publikum vorstellte. Im Jahr 1992 veröffentlichte Dr. Dre The Chronic. Dieses Album trug nicht nur dazu bei, den Gangsta-Rap der Westküste gegenüber dem Hip-Hop der Ostküste kommerziell zu etablieren, sondern begründete auch einen Stil namens G Funk, der bald den Hip-Hop der Westküste dominierte. Der Stil wurde durch Snoop Doggs 1993 erschienenes Album Doggystyle weiterentwickelt und popularisiert. Der Hip-Hop stieß jedoch weiterhin auf den Widerstand des schwarzen Radios, einschließlich der zeitgenössischen urbanen Radiosender. Russell Simmons sagte 1990: "Schwarze Radiosender haben Rap von Anfang an gehasst, und es gibt immer noch eine Menge Widerstand dagegen". ⓘ
Trotz der mangelnden Unterstützung einiger schwarzer Radiosender wurde Hip-Hop Mitte der 1990er Jahre zu einem der meistverkauften Musikgenres und war 1999 mit 81 Millionen verkauften CDs das meistverkaufte Musikgenre. In den späten 1990er Jahren wurde der Hip-Hop künstlerisch vom Wu-Tang Clan, Diddy und den Fugees dominiert. Die Beastie Boys setzten ihren Erfolg während des gesamten Jahrzehnts fort, überwanden dabei die Grenzen zwischen den Hautfarben und gewannen den Respekt vieler verschiedener Künstler. Plattenlabels aus Atlanta, St. Louis und New Orleans erlangten ebenfalls Ruhm für ihre lokalen Szenen. Die Rap-Szene im Mittleren Westen war bekannt für die schnellen Gesangsstile von Künstlern wie Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne und Twista. Gegen Ende des Jahrzehnts war Hip-Hop ein fester Bestandteil der populären Musik, und viele amerikanische Popsongs hatten Hip-Hop-Komponenten. ⓘ
Rivalität zwischen Ost und West
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Die East-Coast-West-Coast-Hip-Hop-Rivalität war eine Fehde zwischen Künstlern und Fans der East-Coast-Hip-Hop- und der West-Coast-Hip-Hop-Szene in den Vereinigten Staaten von 1991 bis 1997, insbesondere von 1994 bis 1997. Im Mittelpunkt der Fehde standen der an der Ostküste beheimatete Rapper Notorious B.I.G. (und sein in New York ansässiges Label Bad Boy Records) und der an der Westküste beheimatete Rapper Tupac Shakur (und sein in Los Angeles ansässiges Label Death Row Records). Diese Rivalität begann, bevor die Rapper selbst auf der Bildfläche erschienen. Da New York die Wiege des Hip-Hop ist, hatten die Künstler von der Westküste das Gefühl, dass sie nicht die gleiche Medienberichterstattung und öffentliche Aufmerksamkeit erhielten wie die Künstler von der Ostküste. Im Laufe der Zeit wurden beide Rapper immer berühmter, und je bekannter sie wurden, desto größer wurden die Spannungen. Schließlich wurden beide Künstler 1997 bzw. 1996 von Unbekannten aus dem Auto heraus erschossen. ⓘ
Hip-Hop der Ostküste
In den frühen 1990er Jahren wurde der Hip-Hop an der Ostküste von der Native Tongues Posse dominiert, die sich lose aus De La Soul mit dem Produzenten Prince Paul, A Tribe Called Quest, den Jungle Brothers sowie ihren losen Partnergruppen 3rd Bass, Main Source und den weniger erfolgreichen Black Sheep und KMD zusammensetzte. Obwohl ursprünglich ein "Daisy Age"-Konzept, das die positiven Aspekte des Lebens betonte, schlichen sich bald auch dunklere Themen ein (wie De La Souls nachdenklich stimmendes "Millie Pulled a Pistol on Santa"). Künstler wie Masta Ace (vor allem für SlaughtaHouse), Brand Nubian, Public Enemy, Organized Konfusion und Tragedy Khadafi hatten eine offenkundig militantere Haltung, sowohl im Sound als auch im Auftreten. 1993 belebte Enter the Wu-Tang (36 Chambers) des Wu-Tang Clan die New Yorker Hip-Hop-Szene, indem es einen Ostküsten-Hardcore-Rap einführte, der in seiner Intensität dem an der Westküste produzierten gleichkam. Laut Allmusic ist die Produktion von zwei Mobb Deep-Alben, The Infamous (1995) und Hell on Earth (1996), der frühen Produktion von RZA mit dem Wu-Tang Clan "verpflichtet". ⓘ
Der Erfolg von Alben wie Illmatic von Nas und Ready to Die von Notorious B.I.G. im Jahr 1994 festigte den Status der Ostküste in einer Zeit, in der die Westküste dominierte. In einer Ausgabe des The Source Magazine vom März 2002 bezeichnete Nas das Jahr 1994 als "eine Renaissance des New Yorker Hip-Hop". Die Produktionen von RZA, vor allem für den Wu-Tang Clan, wurden durch die Kombination von etwas losgelösten Instrumental-Loops, stark komprimierten und bearbeiteten Drums und Gangsta-Lyrik einflussreich für Künstler wie Mobb Deep. Wu-Tang-Soloalben wie Raekwon the Chef's Only Built 4 Cuban Linx, Ghostface Killah's Ironman und GZA's Liquid Swords werden heute als Klassiker neben dem Wu-Tang-Kernmaterial angesehen. Die Basis des Clans weitete sich auf weitere Gruppen aus, die "Wu-affiliates" genannt werden. Produzenten wie DJ Premier (in erster Linie für Gang Starr, aber auch für andere angegliederte Künstler wie Jeru the Damaja), Pete Rock (mit CL Smooth und als Beatlieferant für viele andere), Buckwild, Large Professor, Diamond D und Q-Tip lieferten zu dieser Zeit Beats für zahlreiche MCs, unabhängig von deren Standort. Alben wie "Illmatic" von Nas, "Word...Life" von O.C. (1994) und "Reasonable Doubt" von Jay-Z (1996) bestehen aus Beats aus diesem Pool von Produzenten. ⓘ
Die Rivalität zwischen den Rappern der Ostküste und der Westküste wurde schließlich persönlich. Später im Jahrzehnt stellte sich der Geschäftssinn von Bad Boy Records gegen Jay-Z und sein Roc-A-Fella Records und an der Westküste gegen Death Row Records. Mitte bis Ende der 1990er Jahre entstand eine Generation von Rappern wie die Mitglieder von D.I.T.C., darunter die verstorbenen Big L und Big Pun. An der Ostküste dominierte zwar das "Big Business" den Markt, doch Ende der 1990er bis Anfang der 2000er Jahre gab es eine Reihe relativ erfolgreicher Indie-Labels an der Ostküste wie Rawkus Records (mit dem Mos Def und Talib Kweli Erfolge feierten) und später Def Jux. Die Geschichte der beiden Labels ist eng miteinander verwoben. Letzteres wurde von EL-P von Company Flow als Reaktion auf das erste Label gegründet und bot ein Ventil für Underground-Künstler wie Mike Ladd, Aesop Rock, Mr. Lif, RJD2, Cage und Cannibal Ox. Andere Acts wie die Hispanic Arsonists und der Slam-Poet und MC Saul Williams hatten unterschiedlich großen Erfolg. ⓘ
Hip-Hop der Westküste
Nach der Auflösung von N.W.A. veröffentlichte das ehemalige Mitglied Dr. Dre 1992 The Chronic, das in den R&B/Hip-Hop-Charts Platz 1 und in den Pop-Charts Platz 3 erreichte und mit "Nuthin' but a 'G' Thang" eine Nummer-2-Pop-Single hervorbrachte. The Chronic führte den West Coast Rap in eine neue Richtung, die stark von P-Funk-Künstlern beeinflusst war, indem sie sanfte und leichte Funk-Beats mit langsamen Texten verband. Dies wurde als G-Funk bekannt und dominierte den Mainstream-Hip-Hop Anfang/Mitte der 1990er Jahre durch eine Reihe von Künstlern bei Suge Knights Death Row Records, darunter Tupac Shakur, dessen Doppel-CD-Album All Eyez on Me mit den Hits "Ambitionz az a Ridah" und "2 of Amerikaz Most Wanted" ein großer Erfolg war, und Snoop Doggy Dogg, dessen Doggystyle die Top-Ten-Hits "What's My Name?" und "Gin and Juice" enthielt. Während die in Los Angeles ansässige Death Row ein Imperium um Dre, Snoop und Tupac aufbaute, trat sie auch in eine Rivalität mit Bad Boy Records aus New York City, angeführt von Puff Daddy und Notorious B.I.G.. ⓘ
Aus dieser Szene lösten sich andere Künstler wie Freestyle Fellowship und The Pharcyde heraus, aber auch Underground-Künstler wie das Solesides-Kollektiv (u. a. DJ Shadow und Blackalicious), Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under the Stairs, Tha Alkaholiks und früher Souls of Mischief, die eine Rückbesinnung auf die Hip-Hop-Wurzeln des Samplings und gut durchdachter Reimschemata darstellten. ⓘ
Weitere Diversifizierung
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In den 1990er Jahren begann sich der Hip-Hop zu diversifizieren, und andere regionale Stile tauchten in der nationalen Szene auf. Der Südstaaten-Rap wurde in den frühen 1990er Jahren populär. Die ersten Südstaaten-Rapper, die landesweite Aufmerksamkeit erlangten, waren die Geto Boys aus Houston, Texas. Die Wurzeln des Südstaaten-Raps lassen sich auf den Erfolg von Geto Boys "Grip It! On That Other Level im Jahr 1989, dem von Rick Rubin produzierten The Geto Boys im Jahr 1990 und We Can't Be Stopped im Jahr 1991. Die Region Houston brachte auch andere Künstler hervor, die den frühen Südstaaten-Rap-Sound begründeten, wie UGK und die Solokarriere von Scarface. ⓘ
Hip-Hop-Künstler aus Atlanta trugen entscheidend dazu bei, die Rap-Musik weiter auszubauen und den Südstaaten-Hip-Hop in den Mainstream zu bringen. Veröffentlichungen wie Arrested Development's 3 Years, 5 Months and 2 Days in the Life Of... (1992), Goodie Mob's Soul Food (1995) und OutKast's ATLiens (1996) wurden von der Kritik hoch gelobt. Andere unverwechselbare regionale Sounds aus St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit und anderen Orten gewannen an Popularität. ⓘ
Was einst Rap war, ist heute Hip-Hop, ein unendlich vielfältiges Massenphänomen, das ältere Rock'n'Roller immer noch polarisiert, obwohl es endlich einige Generalisten davon überzeugt hat, dass es von dauerhaftem künstlerischen Wert sein könnte - eine Entdeckung, zu der sie von Millionen junger Konsumenten, schwarz und weiß, geprügelt wurden.
- Christgaus Verbraucherführer: Alben der 90er Jahre (2000) ⓘ
Während des goldenen Zeitalters wurden Elemente des Hip-Hop weiterhin in andere Genres der populären Musik aufgenommen. Die ersten Wellen von Rap-Rock, Rapcore und Rap-Metal - also Verschmelzungen von Hip-Hop und Rock, Hardcore-Punk und Heavy Metal - wurden in dieser Zeit beim Mainstream-Publikum populär; Run-DMC, die Beastie Boys und Rage Against the Machine gehörten zu den bekanntesten Bands aus diesen Bereichen. Auf Hawaii verbanden Bands wie Sudden Rush Hip-Hop-Elemente mit der lokalen Sprache und politischen Themen zu einem Stil namens na mele paleoleo. ⓘ
Das 1993 veröffentlichte Album Reachin' (A New Refutation of Time and Space) von Digable Planets war eine einflussreiche Jazz-Rap-Platte, auf der Don Cherry, Sonny Rollins, Art Blakey, Herbie Mann, Herbie Hancock, Grant Green und Rahsaan Roland Kirk zu hören waren. Daraus entstand die Hitsingle "Rebirth of Slick (Cool Like Dat)", die Platz 16 der Billboard Hot 100 erreichte. ⓘ
1997-2006: Bling-Ära
Kommerzialisierung und neue Richtungen
In den späten 1990er Jahren, nach dem Tod von Tupac Shakur und Notorious B.I.G, entstand in der Hip-Hop-Szene ein neuer kommerzieller Sound, der manchmal als "Bling-Ära" (in Anlehnung an Lil Waynes "Bling Bling"), "Jiggy-Ära" (in Anlehnung an Will Smiths "Gettin' Jiggy wit It") oder "Shiny Suit-Ära" (in Anlehnung an die metallischen Anzüge, die einige Rapper damals in Musikvideos trugen, z. B. in "Mo Money Mo Problems" von Notorious B.I.G., Puff Daddy und Mase) bezeichnet wird. Vor den späten 1990er Jahren galt der Gangsta-Rap, obwohl er ein sehr erfolgreiches Genre war, als ein Genre abseits des Pop-Mainstreams, das die Erfahrungen der Innenstädte repräsentieren und sich nicht an die Pop-Charts "verkaufen" wollte. Der Aufstieg von Sean "Puff Daddy" Combs' Bad Boy Records, der durch den massiven Crossover-Erfolg von Combs' Ensemble-Album No Way Out aus dem Jahr 1997 vorangetrieben wurde, signalisierte jedoch einen bedeutenden stilistischen Wandel im Gangsta-Rap (und im Mainstream-Hip-Hop im Allgemeinen), da er kommerziell noch erfolgreicher und in der Bevölkerung noch akzeptierter werden sollte. Seidige Hooks und Produktionen im R&B-Stil, materialistischere Themen und Samples von Soul- und Pop-Hits der 1970er und 1980er Jahre waren die Grundpfeiler dieses Sounds, der von Produzenten wie Combs, Timbaland, den Trackmasters, den Neptunes und Scott Storch präsentiert wurde. Ähnlich erfolgreich waren zu dieser Zeit auch Master P und sein Label No Limit in New Orleans. Master P baute eine Reihe von Künstlern (die No Limit Posse) aus New Orleans auf und ließ Einflüsse des G-Funk und des Miami Bass in seine Musik einfließen. Das in New Orleans gegründete Label Cash Money gewann zu dieser Zeit ebenfalls an Popularität, mit aufstrebenden Künstlern wie Birdman, Lil Wayne, B.G. und Juvenile. ⓘ
Viele der Rapper, die zu dieser Zeit Mainstream-Erfolge erzielten, wie Nelly, Puff Daddy, Jay-Z, die spätere Karriere von Fat Joe und seiner Terror Squad, Mase, Ja Rule, Fabolous und Cam'ron, hatten einen pop-orientierten Stil, während andere wie Big Pun, Fat Joe (in seiner früheren Karriere), DMX, Eminem, 50 Cent und seine G-Unit und The Game zu dieser Zeit mit einem raueren Stil kommerziellen Erfolg hatten. Obwohl weiße Rapper wie die Beastie Boys, House of Pain und 3rd Bass zuvor einen gewissen Erfolg hatten und von der Hip-Hop-Gemeinde akzeptiert wurden, überraschte der Erfolg von Eminem, der 1999 mit der Platin-LP The Slim Shady begann, viele. Hip-Hop-Einflüsse fanden in dieser Zeit auch zunehmend Eingang in den Mainstream-Pop, insbesondere in Genres wie R&B (z. B. R. Kelly, Akon, TLC, Destiny's Child, Beyonce, Ashanti, Aaliyah, Usher), Neo Soul (z. B. Lauryn Hill, Erykah Badu, Jill Scott) und Nu Metal (z. B. Korn, Limp Bizkit). ⓘ
Dr. Dre blieb eine wichtige Figur in dieser Ära und feierte 1999 mit dem Album 2001 sein Comeback. Im Jahr 2000 produzierte er The Marshall Mathers LP von Eminem und produzierte auch das Album Get Rich or Die Tryin' von 50 Cent aus dem Jahr 2003, das auf Platz 1 der US Billboard 200 Charts einstieg. Jay-Z repräsentierte den kulturellen Triumph des Hip-Hop in dieser Ära. Im Laufe seiner Karriere wurde er vom Künstler zum Unternehmer, zum Präsidenten eines Labels, zum Chef einer Bekleidungslinie, zum Clubbesitzer und zum Marktberater - und brach nebenbei den Rekord von Elvis Presley für die meisten Nummer-eins-Alben eines Solokünstlers in den Billboard-Charts. ⓘ
Aufschwung des alternativen Hip-Hop
Der alternative Hip-Hop, der in den 1980er-Jahren eingeführt wurde und dann zurückging, erlebte Anfang/Mitte der 2000er-Jahre mit dem wiedererwachten Interesse der breiten Öffentlichkeit an Indie-Musik ein Wiederaufleben. Das Genre begann, sich einen Platz im Mainstream zu erobern, was zum Teil auf den Crossover-Erfolg von Künstlern wie OutKast, Kanye West und Gnarls Barkley zurückzuführen ist. Das Album Speakerboxxx/The Love Below von OutKast aus dem Jahr 2003 wurde von der Musikkritik hoch gelobt und sprach eine breite Hörerschaft an, da es zahlreiche Musikgenres umfasste - darunter Rap, Rock, R&B, Punk, Jazz, Indie, Country, Pop, Electronica und Gospel. Das Album brachte auch zwei Nummer-eins-Hitsingles hervor und wurde von der RIAA mit 11-fachem Platin für mehr als 11 Millionen verkaufte Exemplare ausgezeichnet, was es zu einem der meistverkauften Hip-Hop-Alben aller Zeiten macht. Bei der 46. jährlichen Grammy-Verleihung wurde es außerdem als zweites Rap-Album mit einem Grammy Award für das Album des Jahres ausgezeichnet. Zuvor hatten alternative Hip-Hop-Acts zwar viel Kritikerlob erhalten, wurden aber im Radio und in anderen Medien relativ wenig wahrgenommen. In dieser Zeit begannen alternative Hip-Hop-Künstler wie MF Doom, The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley, Mos Def und Aesop Rock, bedeutende Anerkennung zu erlangen. ⓘ
Glitch-Hop und Wonky-Musik
Glitch Hop und Wonky Music entwickelten sich nach dem Aufkommen von Trip Hop, Dubstep und Intelligent Dance Music (IDM). Sowohl Glitch-Hop als auch Wonky-Musik spiegeln häufig den experimentellen Charakter von IDM und den schweren Bass in Dubstep-Songs wider. Während Trip-Hop als eine ausgeprägte Interpretation des Hip-Hop durch die britische Upper-Middle-Class beschrieben wurde, weisen Glitch-Hop und Wonky Music eine viel größere stilistische Vielfalt auf. Beide Genres sind Schmelztiegel der Einflüsse. Glitch-Hop enthält Anklänge an die Popmusik der 1980er Jahre, indische Ragas, eklektischen Jazz und West Coast Rap. Los Angeles, London, Glasgow und eine Reihe anderer Städte haben sich zu Hotspots für diese Szenen entwickelt, und überall auf der Welt haben sich in kleineren Gemeinden Underground-Szenen entwickelt. Beide Genres sind oft eine Hommage an ältere und bekanntere Künstler der elektronischen Musik wie Radiohead, Aphex Twin und Boards of Canada sowie an unabhängige Hip-Hop-Produzenten wie J Dilla und Madlib. ⓘ
Glitch-Hop ist eine Verschmelzung von Hip-Hop und Glitch-Musik, die Anfang bis Mitte der 2000er Jahre in den Vereinigten Staaten und Europa entstanden ist. Musikalisch basiert er auf unregelmäßigen, chaotischen Breakbeats, glitchy Basslines und anderen typischen Soundeffekten, die in der Glitch-Musik verwendet werden, wie z. B. Skips. Zu den Glitch-Hop-Künstlern gehören Prefuse 73, Dabrye und Flying Lotus. Wonky ist ein Subgenre des Hip-Hop, das um 2008 vor allem in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich sowie bei internationalen Künstlern des Musiklabels Hyperdub unter dem Einfluss von Glitch-Hop und Dubstep entstanden ist. Die Wonky-Musik hat denselben glitchigen Stil wie der Glitch-Hop, zeichnet sich aber besonders durch ihre Melodien aus, die reich an "instabilen Synthesizern im mittleren Bereich" sind. Schottland hat sich mit Künstlern wie Hudson Mohawke und Rustie zu einer der wichtigsten Wonky-Szenen entwickelt. ⓘ
Glitch-Hop und Wonky sind bei einem relativ kleinen Publikum beliebt, das sich für alternativen Hip-Hop und elektronische Musik (vor allem Dubstep) interessiert; weder Glitch-Hop noch Wonky haben eine Mainstream-Popularität erreicht. Künstler wie Flying Lotus, der Glitch Mob und Hudson Mohawke haben jedoch auf anderen Wegen Erfolg. Die Musik von Flying Lotus hat mehrere positive Kritiken auf der unabhängigen Musikkritikseite Pitchfork.com sowie einen prominenten (jedoch nicht gewürdigten) Spot in den Werbepausen von Adult Swim erhalten. Hudson Mohawke ist einer der wenigen Glitch-Hop-Künstler, die auf großen Musikfestivals wie dem Sasquatch! Musikfestival. ⓘ
Crunk-Musik
Crunk ist ein regionales Hip-Hop-Genre, das in den 1990er Jahren in Tennessee im Süden der USA entstand und vom Miami Bass beeinflusst wurde. Einer der Pioniere des Crunk, Lil Jon, bezeichnete ihn als eine Fusion aus Hip-Hop, Elektro und elektronischer Tanzmusik. Der Stil wurde von Künstlern aus Memphis, Tennessee, und Atlanta, Georgia, entwickelt und kommerzialisiert und erlangte Mitte der 2000er Jahre durch Lil Jon und die Ying Yang Twins große Popularität. In der Regel werden geloopte, abgespeckte Drum-Machine-Rhythmen verwendet. Zu den beliebtesten gehören die Roland TR-808 und 909. Die Drum-Machine-Loops werden in der Regel von einfachen, sich wiederholenden Synthesizer-Melodien und harten Bass-Stabs begleitet. Das Tempo der Musik ist etwas langsamer als im Hip-Hop, etwa so schnell wie im Reggaeton. Der Schwerpunkt von Crunk liegt eher auf den Beats und der Instrumentalmusik als auf den Texten. Crunk-Rapper schreien und brüllen jedoch oft ihre Texte, was einen aggressiven, fast schon schweren Hip-Hop-Stil erzeugt. Während andere Subgenres des Hip-Hop gesellschaftspolitische oder persönliche Themen aufgreifen, ist Crunk fast ausschließlich "Partymusik" und bevorzugt Call-and-Response-Hip-Hop-Slogans anstelle von substanzielleren Ansätzen. Crunk verhalf dem Hip-Hop des Südens in dieser Zeit zu größerer Bekanntheit, da die klassischen Ost- und Westküstenstile der 1990er Jahre allmählich an Dominanz verloren. ⓘ
2006-2014: Blog-Ära
Snap-Musik und der Einfluss des Internets
Snap-Rap (auch als Klingelton-Rap bekannt) ist ein Subgenre des Crunk, das in den späten 1990er Jahren in Atlanta, Georgia, entstanden ist. Das Genre gewann Mitte/Ende der 2000er Jahre an Popularität, und auch Künstler aus anderen Südstaaten wie Tennessee begannen, in diesem Stil aufzutreten. Die Tracks bestehen in der Regel aus einer Roland TR-808 Bassdrum, Hi-Hat, Bass, Finger-Snapping, einem Hauptgroove und einer einfachen Gesangsstimme. Hit-Snap-Songs sind "Lean wit It, Rock wit It" von Dem Franchize Boyz, "Laffy Taffy" von D4L, "It's Goin' Down" von Yung Joc und "Crank That (Soulja Boy)" von Soulja Boy Tell 'Em. Rückblickend wird Soulja Boy zugeschrieben, Trends im Hip-Hop gesetzt zu haben, z. B. durch die Selbstveröffentlichung seiner Songs über das Internet (was ihnen zu einem viralen Erfolg verhalf) und den Weg für eine neue Welle jüngerer Künstler zu ebnen. ⓘ
Rückläufige Verkaufszahlen
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Ab 2005 begannen die Verkäufe von Hip-Hop-Musik in den Vereinigten Staaten stark zu sinken, was das Time Magazine zu der Frage veranlasste, ob der Mainstream-Hip-Hop "im Sterben liegt". Das Billboard-Magazin stellte fest, dass die Rap-Verkäufe seit 2000 um 44 % zurückgingen und nur noch 10 % aller Musikverkäufe ausmachten. Das ist zwar im Vergleich zu anderen Genres immer noch eine beachtliche Zahl, aber ein deutlicher Rückgang gegenüber den 13 % aller Musikverkäufe, die Rap-Musik regelmäßig erreichte. Laut Courtland Milloy von der Washington Post befand sich 2006 zum ersten Mal seit fünf Jahren kein Rap-Album unter den Top 10 der Verkaufszahlen. Die NPR-Kulturkritikerin Elizabeth Blair stellte fest, dass "einige Branchenexperten sagen, dass junge Menschen die Gewalt, die entwürdigenden Bilder und Texte satt haben". Der Bericht Generation M: Media in the Lives of 8-18 Year-Olds aus dem Jahr 2005 stellte jedoch fest, dass Hip-Hop-Musik die bei weitem beliebteste Musikrichtung für Kinder und Jugendliche ist: 65 Prozent der 8- bis 18-Jährigen hören sie täglich. ⓘ
Andere Journalisten sagen, dass die Musik so beliebt ist wie eh und je, dass die Fans jedoch andere Wege gefunden haben, um die Musik zu konsumieren, wie z. B. das illegale Herunterladen von Musik über P2P-Netzwerke, anstatt Alben und Singles in legalen Geschäften zu kaufen. Flo Rida zum Beispiel ist für seine geringen Albumverkäufe bekannt, obwohl seine Singles Mainstream sind und digitalen Erfolg haben. Sein zweites Album R.O.O.T.S. verkaufte sich in den USA nur über 200.000 Mal, was nicht mit den Verkäufen der Leadsingle Right Round" mithalten konnte. Das passierte ihm auch 2008. Einige machen dafür verantwortlich, dass Hip-Hop im Laufe der Zeit weniger lyrisch geworden ist, wie z. B. Soulja Boy's Debütalbum souljaboytellem.com von 2007, das negative Kritiken erhielt. Das Fehlen von Samples, einem Schlüsselelement des frühen Hip-Hop, wurde ebenfalls für die sinkende Qualität moderner Alben verantwortlich gemacht. So wurden beispielsweise auf dem 2008 erschienenen Album Paper Trail von T.I. nur vier Samples verwendet, während auf dem 1998 erschienenen Album Moment of Truth von Gang Starr 35 Samples zu hören sind. Der Rückgang der Samples ist zum Teil darauf zurückzuführen, dass sie für die Produzenten zu teuer sind. ⓘ
In Byron Hurts Dokumentarfilm Hip Hop: Beyond Beats and Rhymes behauptet er, dass sich Hip Hop von "cleveren Reimen und Tanzbeats" zu "Befürwortern persönlicher, sozialer und krimineller Korruption" gewandelt habe. Trotz des Rückgangs der Plattenverkäufe in der gesamten Musikindustrie ist Hip-Hop nach wie vor ein beliebtes Genre, und Hip-Hop-Künstler stehen immer noch regelmäßig an der Spitze der Billboard 200 Charts. Allein in der ersten Hälfte des Jahres 2009 erreichten Alben von Künstlern wie Eminem, Rick Ross, den Black Eyed Peas und Fabolous die Nummer 1 der Billboard 200 Charts. Eminems Album Relapse war eines der am schnellsten verkauften Alben des Jahres 2009. ⓘ
Innovation und Wiederbelebung
Ende der 2000er Jahre hatte sich der alternative Hip-Hop seinen Platz im Mainstream gesichert, was zum Teil auf die abnehmende kommerzielle Rentabilität des Gangsta-Rap zurückzuführen war. Branchenbeobachter sehen das Verkaufsrennen zwischen Kanye Wests "Graduation" und 50 Cents "Curtis" als einen Wendepunkt für den Hip-Hop. West ging als Sieger hervor und verkaufte allein in der ersten Woche fast eine Million Exemplare und bewies damit, dass innovative Rap-Musik genauso kommerziell erfolgreich sein kann wie Gangsta-Rap, wenn nicht sogar noch erfolgreicher. Obwohl er es eher als melancholisches Pop-Album denn als Rap-Album konzipierte, sollte Kanye mit dem darauf folgenden 808s & Heartbreak die Hip-Hop-Musik maßgeblich beeinflussen. Obwohl seine Entscheidung, das gesamte Album über Liebe, Einsamkeit und Herzschmerz zu singen, vom Musikpublikum zunächst heftig kritisiert wurde und dem Album ein Flop vorausgesagt wurde, ermutigte die anschließende Anerkennung durch die Kritiker und der kommerzielle Erfolg andere Mainstream-Rapper, mit ihrer Musik größere kreative Risiken einzugehen. Während der Veröffentlichung von The Blueprint 3 verriet der New Yorker Rap-Mogul Jay-Z, dass sein nächstes Studioalbum ein experimentelles Werk sein würde: "... es wird kein Nummer-1-Album werden. Das ist der Punkt, an dem ich im Moment bin. Ich will das experimentellste Album machen, das ich je gemacht habe." Jay-Z erklärte, dass er wie Kanye mit dem zeitgenössischen Hip-Hop unzufrieden sei und sich von Indie-Rockern wie Grizzly Bear inspirieren lasse. Er sei überzeugt, dass die Indie-Rock-Bewegung eine wichtige Rolle bei der Weiterentwicklung des Hip-Hop spielen werde. ⓘ
Die alternative Hip-Hop-Bewegung beschränkte sich nicht nur auf die Vereinigten Staaten, denn Rapper wie der somalisch-kanadische Dichter K'naan, der japanische Rapper Shing02 und der britische Künstler M.I.A. aus Sri Lanka erlangten weltweit große Anerkennung. Im Jahr 2009 wurde M.I.A vom Time Magazine in die Time 100-Liste der einflussreichsten Menschen der Welt" aufgenommen, weil er einen globalen Einfluss über viele Genres hinweg hat". Aus der internationalen Hip-Hop-Szene sind auch Bewegungen mit globalen Themen hervorgegangen, wie z. B. der islamische Öko-Rap", der Themen von weltweiter Bedeutung durch traditionell entrechtete Stimmen aufgreift. ⓘ
Die zunehmende Verbreitung von Musik über soziale Medien und Blogs hat dazu geführt, dass viele alternative und nicht-alternative Rapper von einem weitreichenden Publikum akzeptiert werden, weshalb diese Ära des Hip-Hop manchmal auch als "Blog-Ära" bezeichnet wird. Mehrere Künstler, wie Kid Cudi und Drake, schafften es, ihre Hits "Day 'n' Nite" und "Best I Ever Had" in den Charts zu platzieren, indem sie ihre Musik auf kostenlosen Online-Mixtapes veröffentlichten, ohne die Hilfe einer großen Plattenfirma in Anspruch zu nehmen. Aufstrebende Künstler wie Wale, Kendrick Lamar, J. Cole, Lupe Fiasco, die Cool Kids, Jay Electronica und B.o.B. wurden von Kritikern als Ausdruck eklektischer Klänge, sensibler Lebenserfahrungen und verletzlicher Emotionen bezeichnet, die in der vorherigen Bling-Ära nur selten zu hören waren. ⓘ
Ebenfalls zu dieser Zeit wurde der Auto-Tune-Gesangseffekt durch den Rapper T-Pain populär, der den Effekt weiter ausbaute und Auto-Tune aktiv in seinen Songs einsetzte. Er zitiert den New-Jack-Swing-Produzenten Teddy Riley und den Funkkünstler Roger Troutman als Inspirationsquelle für seine eigene Verwendung von Auto-Tune. T-Pain wurde so sehr mit Auto-Tune assoziiert, dass er eine iPhone-App nach sich benennen ließ, die den Effekt simulierte und "I Am T-Pain" hieß. Die Verwendung von Auto-Tune wurde schließlich als "T-Pain-Effekt" bezeichnet und zu einem beliebten Bestandteil des Hip-Hop der späten 2000er und frühen 2010er Jahre. Beispiele hierfür sind Snoop Doggs "Sexual Eruption", Lil Waynes "Lollipop", Kanye Wests Album 808s & Heartbreak und der Nummer-eins-Hit "Boom Boom Pow" der Black Eyed Peas. ⓘ
2014 bis heute: Trap und der Aufstieg der SoundCloud-Rap-Szene
Trap-Musik ist ein Subgenre des Südstaaten-Raps, das in den frühen 1990er Jahren entstand. In den 2000er Jahren entwickelte sie sich zu einer Mainstream-Sensation, die Mitte/Ende der 2010er Jahre allgegenwärtig wurde und deren Songs häufig die Spitze der Billboard-Hip-Hop-Charts erreichten. Kennzeichnend für diesen Sound sind doppelt oder dreifach unterteilte Hi-Hats, schwere Kick-Drums aus der Roland TR-808 Drum-Machine, überlagerte Synthesizer und eine insgesamt dunkle, bedrohliche oder düstere Atmosphäre. Der starke Einfluss dieses Sounds führte dazu, dass sich auch andere Künstler innerhalb des Genres dem Trap-Sound zuwandten, wie zum Beispiel Jay-Z und Kanye West in ihrem gemeinsamen Song "H-A-M". Auch andere Künstler, die nicht dem Hip-Hop-Genre angehören, haben mit dem Trap-Sound experimentiert, wie z. B. "7/11" von Beyoncé und "Dark Horse" von Katy Perry featuring Juicy J. ⓘ
Zu den wichtigsten Künstlern, die in den 2010er Jahren aus dem Genre hervorgingen, gehören Lil Nas X, Waka Flocka Flame, Future, Chief Keef, Migos, Young Thug, Travis Scott, Kodak Black, 21 Savage, Yung Lean, Lil Uzi Vert, XXXTentacion, Ski Mask the Slump God, Juice Wrld, Trippie Redd, Lil Pump, Smokepurpp, Rae Sremmurd, Tekashi 6ix9ine, NBA YoungBoy, Lil Baby, Fetty Wap und viele andere. Die Rapperinnen Nicki Minaj, Cardi B, Saweetie, Doja Cat, Iggy Azalea, City Girls und Megan Thee Stallion haben ebenfalls den Mainstream erreicht. Trap-Künstler, die ihren Ursprung in den 2000er Jahren hatten, konnten in den 2010er Jahren mit dem Aufkommen von Trap den Mainstream-Erfolg zurückerobern, darunter 2 Chainz, Gucci Mane und Juicy J, die in der zweiten Hälfte ihrer Karriere erfolgreicher wurden als bei ihrem Debüt. Zu den Trap-Produzenten, die im Mainstream erfolgreich waren, gehören Metro Boomin, Pi'erre Bourne, London on da Track und Mike Will Made-It. ⓘ
Kritiker des Trap-Genres haben den Begriff "Mumble-Rap" verwendet, um die stark autogetunte und manchmal schwer verständliche Darbietung der Verse eines Großteils der Künstler zu beschreiben. Künstler, die dem Genre schon lange angehören, haben ihre eigenen Kommentare zum Aufkommen des Mumble-Rap abgegeben, wie z. B. Rick Rubin, der erklärte, dass Eminem davon verwirrt sei, und Snoop Dogg, der behauptete, dass er die Künstler nicht auseinanderhalten könne. Black Thought, der Lead-Rapper von The Roots, erklärte, dass sich das Spiel verändert hat. Es ist anders. Die Standards sind anders, die Kriterien, die bei der Bestimmung der Gültigkeit berücksichtigt werden, sind anders. Wir befinden uns an einem Punkt in der Geschichte, an dem die Lyrik in vielerlei Hinsicht fast an letzter Stelle steht." ⓘ
Am 17. Juli 2017 berichtete Forbes, dass Hip-Hop/R&B (die von Nielsen SoundScan als ein und dasselbe Genre klassifiziert werden) den Rock als meistkonsumiertes Musikgenre verdrängt hat und zum ersten Mal in der Geschichte der USA das beliebteste Musikgenre ist. ⓘ
In den 2010er Jahren dominierte der Hip-Hop aus Atlanta den Mainstream. ⓘ
In den späten 2010er und frühen 2020er Jahren wurde Brooklyn Drill populär, da Pop Smoke vor seinem Tod aufkam. Das Jahrzehnt der 2020er Jahre begann mit Roddy Ricch, der als erster Rapper eine Nummer-eins-Platzierung in den Billboard Hot 100 erreichte. ⓘ
Zeitalter des Streamings
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Der Aufstieg von Streaming-Plattformen wie Spotify und Apple Music Mitte/Ende der 2010er Jahre hatte große Auswirkungen auf das gesamte Musikgeschäft. Obwohl es sich um ein kostenloses Streaming-Mixtape ohne kommerzielle Veröffentlichung handelte, wurde Chance the Rapper's Coloring Book bei den Grammy Awards 2017 als bestes Rap-Album ausgezeichnet und war damit das erste Streaming-Album, das jemals einen Grammy Award gewann. Kanye West hat erklärt, dass sein eigenes Album, Yeezus, den Tod der CDs markierte, und daher wurde seine nachfolgende Veröffentlichung, The Life of Pablo, nur digital veröffentlicht. The Life of Pablo wurde auch für das beste Rap-Album 2017 nominiert. Im Jahr 2017 veröffentlichte Drake ein kostenloses Streaming-Projekt mit dem Titel More Life, das er als "Playlist" bezeichnete und darauf bestand, dass es weder ein Mixtape noch ein Album war. ⓘ
Die Online-Audio-Distributionsplattform SoundCloud spielte in der zweiten Hälfte der 2010er Jahre eine große Rolle bei der Entwicklung der Karrieren verschiedener Künstler. Zu den Mainstream-Acts, die ihre Karriere auf SoundCloud begannen, gehören Post Malone, Lil Uzi Vert, Russ, Bryson Tiller, Lil Xan, Lil Pump, Lil Peep, Lil Skies, Smokepurpp, Ski Mask the Slump God, XXXTentacion, Trippie Redd, Playboi Carti, YBN Nahmir, Tay-K, ZillaKami, Ugly God, Nav und andere. Diese Songs sind in der Regel eng mit Trap verwandt, wurden aber auch als SoundCloud-Rap und manchmal als Emo-Rap bezeichnet. Sie haben in der Regel launische, traurige Untertöne und zeichnen sich durch eine raue Lo-Fi-Produktion aus. Das Genre wurde wegen des vermeintlich geringen Aufwands für Texte und Produktion und der problematischen Natur der Künstler, die es hervorgebracht hat, kritisiert, z. B. Lil Peeps Drogenmissbrauch, der zu seinem Tod führte, die mehrfachen Anklagen wegen Körperverletzung gegen XXXTentacion, 6ix9ine, der sich schuldig bekannte, ein Kind für eine sexuelle Darbietung benutzt zu haben, und die Mordanklage gegen Tay-K. Im Gegensatz dazu wurde das Image von Künstlern wie XXXTentacion gelobt, da sie sich seit ihren Kontroversen charakterlich verbessert haben. ⓘ
Im Jahr 2021 waren die meistgestreamten Rapper Doja Cat und Lil Nas X. Andere Rapper mit hohen Streams im Jahr 2021 waren Drake, Lil Baby, Polo G, Megan Thee Stallion, Cardi B, Moneybagg Yo, Masked Wolf, Pop Smoke, J. Cole und Lil Durk. Das meistgestreamte Rap-Album aller Zeiten auf Spotify ist das zweite Album von XXXTentacion, ? (2018). ⓘ
Weltweite Hip-Hop-Musik
Hip-Hop-Musik hat die kulturellen Korridore der Welt erreicht und wurde auf der ganzen Welt absorbiert und neu erfunden. Hip-Hop-Musik hat sich über die USA hinaus ausgebreitet und vermischt oft lokale Stile mit Hip-Hop. Hip-Hop hat sich in viele Kulturen weltweit ausgebreitet, was sich in der Entstehung zahlreicher regionaler Szenen zeigt. Er hat sich weltweit als eine Bewegung entwickelt, die auf den Hauptgrundsätzen der Hip-Hop-Kultur basiert. Die Musik und die Kunst umarmen weiterhin ihre transnationalen Dimensionen, ja feiern sie sogar, während sie den lokalen Kulturen, in denen sie verwurzelt sind, treu bleiben. Die Wirkung des Hip-Hop ist von Kultur zu Kultur unterschiedlich. Eines haben jedoch praktisch alle Hip-Hop-Künstler weltweit gemeinsam: Sie bekennen sich zu den afroamerikanischen Menschen in New York, die die globale Bewegung ins Leben gerufen haben. ⓘ
Latinos und Menschen aus der Karibik spielten eine wichtige Rolle bei der frühen Entwicklung des Hip-Hop in New York, und der Stil verbreitete sich in fast allen Ländern dieser Region. Hip-Hop entwickelte sich zunächst in der South Bronx, die in den 1970er Jahren einen hohen Anteil an Latinos, insbesondere Puertoricanern, aufwies. Einige berühmte Rapper aus New York City puerto-ricanischer Herkunft sind der verstorbene Big Pun, Fat Joe und Angie Martinez. Während Latino-Rap-Gruppen wie Cypress Hill in den amerikanischen Charts vertreten waren, erlangten mexikanische Rap-Rock-Gruppen wie Control Machete in ihrem Heimatland große Bekanntheit. ⓘ
In vielen lateinamerikanischen Ländern ist Hip-Hop, wie auch in den USA, ein Instrument, mit dem marginalisierte Menschen ihren Kampf artikulieren können. In Kuba wurde Hip-Hop in den 1980er und 1990er Jahren während der Sonderperiode, die mit dem Zusammenbruch der Sowjetunion einherging, immer populärer. In dieser Zeit der Wirtschaftskrise, die die arme und schwarze Bevölkerung des Landes besonders hart traf, wurde Hip-Hop für die afro-stämmige Bevölkerung des Landes zu einer Möglichkeit, sich zu ihrem Schwarzsein zu bekennen und eine Forderung nach Rassengleichheit für Schwarze in Kuba zu artikulieren. Die Idee des Schwarzseins und der Befreiung der Schwarzen war nicht immer mit den Zielen der kubanischen Regierung vereinbar, die immer noch von der Vorstellung ausging, dass eine rassenlose Gesellschaft die richtige Umsetzung der kubanischen Revolution sei. Als der Hip-Hop aufkam, lehnte die kubanische Regierung das vulgäre Image der Rapper ab, akzeptierte aber später, dass es besser wäre, den Hip-Hop unter dem Einfluss des Kulturministeriums als authentischen Ausdruck der kubanischen Kultur zu sehen. Rapper, die sich explizit zu Rassenfragen oder Rassismus in Kuba äußern, werden von der Regierung nach wie vor kritisch beäugt. Ein jährliches kubanisches Hip-Hop-Konzert, das seit 1995 im Alamar in Havanna stattfindet, trug zur Popularisierung des kubanischen Hip-Hop bei. Zu den bekanntesten kubanischen Rap-Gruppen gehören Krudas Cubensi und Supercrónica Obsesión. ⓘ
Schwarze und indigene Menschen in Lateinamerika und auf den karibischen Inseln nutzen Hip-Hop seit Jahrzehnten, um über Rassen- und Klassenfragen in ihren jeweiligen Ländern zu diskutieren. Der brasilianische Hip-Hop wird stark mit Rassen- und Wirtschaftsfragen in diesem Land in Verbindung gebracht, wo viele Afrobrasilianer in wirtschaftlich benachteiligten Gemeinden leben, die in Brasilien als Favelas bekannt sind. Die Anfänge des Hip-Hop liegen in São Paulo, aber schon bald verbreitete er sich in ganz Brasilien, und heute gibt es in fast jeder brasilianischen Großstadt, darunter Rio de Janeiro, Salvador, Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Recife und Brasilia, eine Hip-Hop-Szene. Zu den bekanntesten Künstlern gehören Racionais MC's, Thaide und Marcelo D2. Einer der populärsten Rapper Brasiliens, MV Bill, hat seine Karriere damit verbracht, sich für die schwarze Jugend in Rio de Janeiro einzusetzen. ⓘ
Reggaeton, ein puerto-ricanischer Musikstil, hat viele Ähnlichkeiten mit dem Hip-Hop aus den USA. Beide wurden von jamaikanischer Musik beeinflusst, und beide beinhalten Rappen und Call and Response. Dancehall-Musik und Hip-Hop aus den Vereinigten Staaten sind beide in Puerto Rico populär, und Reggaeton ist das Ergebnis verschiedener Musiktraditionen, die von Menschen afroamerikanischer Abstammung in der Karibik und in den Vereinigten Staaten begründet wurden. Zu den beliebtesten Reggaeton-Künstlern gehören Don Omar, Tego Calderón und Daddy Yankee. ⓘ
In Venezuela fielen die sozialen Unruhen Ende der 1980er und Anfang der 1990er Jahre mit dem Aufstieg des Gangsta-Rap in den Vereinigten Staaten zusammen und führten zum Aufstieg dieser Musik auch in Venezuela. In den 1990er Jahren orientierten sich venezolanische Rapper im Allgemeinen am Gangsta-Rap, wobei sie negative Stereotypen über arme und schwarze Jugendliche als gefährlich und materialistisch aufgriffen und neu zu definieren versuchten und sozial bewusste Kritik an der Kriminalisierung junger, armer, afroamerikanischer Menschen in Venezuela in ihre Musik einfließen ließen. ⓘ
In Haiti entwickelte sich der Hip-Hop in den frühen 1980er Jahren. Master Dji und seine Lieder "Vakans" und "Politik Pa m" werden hauptsächlich für den Aufstieg des haitianischen Hip-Hops verantwortlich gemacht. Was später als "Rap Kreyòl" bekannt wurde, gewann in den späten 1990er Jahren mit King Posse und Original Rap Stuff an Popularität. Dank billigerer Aufnahmetechnik und der Lieferung von Ausrüstung nach Haiti nehmen immer mehr Rap-Kreyòl-Gruppen Songs auf, auch nach dem Erdbeben vom 12. Januar. Der haitianische Hip-Hop ist in letzter Zeit für Künstler mit haitianischem Hintergrund in Haiti und im Ausland zu einer Möglichkeit geworden, ihre nationale Identität und ihre politischen Ansichten über ihr Herkunftsland zum Ausdruck zu bringen. Die Rapper haben sich das Rot und Blau der haitianischen Flagge zu eigen gemacht und rappen auf Haitianisch-Kreolisch, um ihre nationale Herkunft zu zeigen. In der Dominikanischen Republik wurde eine Aufnahme von Santi Y Sus Duendes und Lisa M zur ersten Single des Merenrap, einer Fusion aus Hip-Hop und Merengue. ⓘ
In Europa, Afrika und Asien begann der Hip-Hop, sich vom Underground zum Mainstream-Publikum zu entwickeln. In Europa war Hip-Hop die Domäne sowohl von Einheimischen als auch von Einwanderern. Der britische Hip-Hop zum Beispiel wurde zu einem eigenen Genre und brachte Künstler wie Wiley, Dizzee Rascal, The Streets und viele andere hervor. Deutschland brachte die bekannten Die Fantastischen Vier sowie mehrere türkische Künstler wie das umstrittene Cartel, Kool Savaş und Azad hervor. Auch Frankreich hat eine Reihe einheimischer Stars hervorgebracht, wie IAM und Suprême NTM, MC Solaar, Rohff, Rim'K oder Booba. In den Niederlanden gehören die Osdorp Posse, eine Crew aus Amsterdam, Extince aus Oosterhout und Postmen zu den wichtigsten Rappern der Neunziger. In Italien wurden eigene Rapper wie Jovanotti und Articolo 31 landesweit bekannt, während die polnische Szene Anfang des Jahrzehnts mit dem Aufstieg von PM Cool Lee ihren Anfang nahm. In Rumänien kam die B.U.G. Mafia aus dem Bukarester Stadtteil Pantelimon, und ihr Gangsta-Rap unterstreicht die Parallelen zwischen dem Leben in den rumänischen Wohnblocks der kommunistischen Ära und den Wohnprojekten der amerikanischen Ghettos. ⓘ
Eines der Länder außerhalb der USA, in denen Hip-Hop am beliebtesten ist, ist das Vereinigte Königreich. Grime, ein Musikgenre, das sich von UK Garage und Drum and Bass ableitet und vom Hip-Hop beeinflusst ist, entstand in den frühen 2000er Jahren und Künstler wie Dizzee Rascal wurden erfolgreich. Obwohl die Musik sehr populär ist, kritisieren viele britische Politiker die Musik, weil sie ihrer Meinung nach Diebstahl und Mord fördert, ähnlich wie der Gangsta-Rap in Amerika. Diese Kritik wird von der überwiegend schwarzen britischen Grime-Industrie als rassistisch empfunden. Trotz seines kontroversen Charakters hat Grime einen großen Einfluss auf die britische Mode und Popmusik, da viele junge Menschen aus der Arbeiterklasse die Kleidung von Grime-Stars wie Dizzee Rascal und Wiley nachahmen. Es gibt viele Subgenres des Grime, darunter "Rhythm and Grime", eine Mischung aus R&B und Grime, und Grindie, eine Mischung aus Indie-Rock und Grime, die von der Indie-Rock-Band Hadouken! ⓘ
In Deutschland und Frankreich ist Gangsta-Rap bei Jugendlichen, die die gewalttätigen und aggressiven Texte mögen, sehr beliebt. Einige deutsche Rapper kokettieren offen oder komisch mit dem Nationalsozialismus; so rappt Bushido (geboren als Anis Mohamed Youssef Ferchichi) "Salutiert, steht stramm, ich bin der Führer wie A" und Fler hatte einen Hit mit der Platte Neue Deutsche Welle, deren Titel in gotischer Schrift im Stil des Dritten Reichs geschrieben und mit einem Adolf-Hitler-Zitat beworben wurde. Diese Anspielungen lösten auch in Deutschland eine große Kontroverse aus. In Frankreich vertraten Künstler wie Kery James' Idéal J eine radikale, antiautoritäre Haltung und veröffentlichten Songs wie Hardcore, die das Erstarken der französischen extremen Rechten angriffen. In den Niederlanden wurde MC Brainpower von einem Underground-Battle-Rapper zu einem anerkannten Mainstream-Künstler in den Benelux-Ländern und beeinflusste damit zahlreiche Rap-Künstler in der Region. In Israel erreicht der Rapper Subliminal die israelische Jugend mit politischen und religiösen Texten, die meist eine zionistische Botschaft enthalten. ⓘ
In Asien erlangten Mainstream-Stars wie Francis Magalona, Rap Asia, MC Lara und Lady Diane auf den Philippinen große Bekanntheit. In Japan, wo Untergrund-Rapper zuvor nur ein begrenztes Publikum gefunden hatten, brachten populäre Teenager-Idole Mitte der 1990er Jahre einen Stil namens J-Rap an die Spitze der Charts. Von besonderer Bedeutung ist der Einfluss auf die ostasiatischen Länder, in denen die Hip-Hop-Musik mit der lokalen populären Musik zu verschiedenen Stilen wie K-Pop, C-Pop und J-Pop verschmolzen ist. ⓘ
Der israelische Hip-Hop hat Ende des Jahrzehnts stark an Popularität gewonnen, mit mehreren Stars sowohl aus Palästina (Tamer Nafar) als auch aus Israel (Subliminal). In Portugal hat der Hip-Hop seine eigene Art von Rap, die eher politisch und im Untergrund angesiedelt ist; sie sind bekannt für Valete, Dealema und Halloween. Russischer Hip-Hop entstand in den letzten Jahren der Sowjetunion und festigte sich später. Gruppen wie Malchishnik und Bad Balance erfreuten sich in den 1990er Jahren großer Beliebtheit, während Ligalize und Kasta in den 2000er Jahren populär wurden. Im ehemaligen Jugoslawien tauchte der Hip-Hop erstmals in den 1980er Jahren auf, vor allem der serbische Hip-Hop mit Künstlern wie B-boy, der Master Scratch Band, Badvajzer und anderen. In den späten 1990er Jahren erlebte der Hip-Hop einen Boom, wobei Rambo Amadeus und später Beogradski sindikat zu den wichtigsten Interpreten gehörten. Der bosnische und herzegowinische Hip-Hop wird heute von Edo Maajka dominiert. In der Region wird Hip-Hop oft als politische und soziale Botschaft in Liedern verwendet, die Themen wie Krieg, Profitgier, Korruption usw. behandeln. Frenkie, ein weiterer bosnischer Rapper, ist mit Edo Maajka verbunden und hat über die bosnischen Grenzen hinaus zusammengearbeitet. ⓘ
In Tansania wurden in den frühen 2000er Jahren lokale Hip-Hop-Künstler populär, indem sie lokale Stile wie Afrobeat und arabeske Melodien, Dancehall- und Hip-Hop-Beats mit Suaheli-Texten verbanden. ⓘ
In den 2010er Jahren wurde Hip-Hop in Kanada durch kanadische Rapper wie Drake, Nav, Belly und Tory Lanez populär. Drake war der meistgestreamte Künstler des Jahrzehnts. ⓘ
Geschichte
2000–2009
Zwar hatte offiziell keine der beiden Küsten gesiegt, in den folgenden Jahren aber wurde über den Weg des Plattenmarktes deutlich, dass es weder der politische conscious rap noch die intellektuelle Schule der Native Tongues Posse aus dem Osten war, die sich durchgesetzt hatten. Der Hip-Hop-Markt wurde dominiert von den Gangstarappern der Westcoast, ihren Zöglingen und Nachfolgern. Seit der Jahrtausendwende ging jedoch die Dominanz der Westcoast-Rapper stark zurück, und die Eastcoast beziehungsweise auch der Down South hatten der Westküste den Rang abgelaufen. ⓘ
Weiterhin hatte aber vor allem eine Szene auf sich aufmerksam gemacht, nämlich die in Detroit. Größtenteils war dies ihrem berühmtesten Vertreter Eminem geschuldet, der über seinen Ruhm die Karrieren anderer Künstler wie D12, G Unit, Obie Trice, Stat Quo oder 50 Cent wesentlich initiierte hatte. Allerdings ist Eminem selbst eine Entdeckung Dr. Dres, der mit Aftermath Records auch eine Filiale in New York betreibt. ⓘ
2003 erreichten The Black Eyed Peas mit ihrem Lied Where Is the Love? Platz eins in unzähligen Ländern. Mit diesem Lied verkörperten sie ein Crossover zwischen Rap- und Pop-Musik. Dazu äußerten sie sich sozial- und gesellschaftskritisch. Gleichzeitig zeigte diese Musik Parallelen zur R&B- und Soul-Musik. Einer der erfolgreichsten Stücke dieser Art ist das Lied Yeah von Usher, Ludacris und Lil Jon. Ab 2005, als Eminem sich in eine kreative Pause zurückzog, nahm die Dominanz der Detroiter Szene rapide ab, und Crossover-Musiker wie Kanye West und Gnarls Barkley konnten große Erfolge verzeichnen. Hierbei ist vor allem der Wettlauf um Verkaufszahlen im Herbst 2007 zwischen Wests Album Graduation und 50 Cents’ Curtis zu beachten. Schlussendlich konnte Graduation das Rennen für sich entscheiden und bewies, dass innovative Rapmusik genauso kommerziell erfolgreich sein kann wie Gangsta-Rap. Dies wurde durch Chartpositionen von Künstlern wie K’naan, Kid Cudi, Drake oder Nicki Minaj in den folgenden Jahren bestätigt. ⓘ
2010–Gegenwart
In den 2010er Jahren konnte die West-Coast wieder an Popularität gewinnen. So erreichten Rapper wie Kid Ink, Tyga oder Kendrick Lamar weltweiten Erfolg. Snoop Dogg rückte mit dem Lied Sweat wieder zurück ins öffentliche Interesse. Dieses Stück basiert auch auf Grundzügen der Electro-House-Musik, und diesem Muster entsprachen in Folgejahren eine Reihe weiterer Lieder. Beispiele dafür sind die Songs Open Wide von Calvin Harris und Big Sean, Delirious von Steve Aoki und Kid Ink oder Get Up von den Bingo Players und Far East Movement. ⓘ
Ebenfalls zu Beginn des Jahrzehnts wurde der Stil durch Rapper wie Flo Rida oder Pitbull fest im Airplay etabliert. Beide erreichten mit kommerziell ausgerichteten Alben die Top-10 zahlreicher Länder. Mitte des Jahrzehnts hatte lateinamerikanische Musik einen großen Einfluss. Ebenfalls galten weibliche Rapper immer weniger als außergewöhnlich. Namen wie Nicki Minaj, Elliphant oder Iggy Azalea entwickelten sich zu festen Bestandteilen der Szene. ⓘ
Am 11. August 2017 stellte Google Inc. anlässlich des 44. Geburtstags der Hip-Hop-Musik ein Doodle auf der Seite der Suchmaschine ein. Zu sehen ist das Logo des US-amerikanischen Unternehmens im Graffiti-Stil auf einer Backsteinwand. Das gewählte Datum bezieht sich auf die erste Hip-Hop-Party, die laut Google am 11. August 1973 in New York City stattfand. ⓘ
Filme
- Wild Style!, (Regie: Charlie Ahearn), USA 1982. (Der erste Film über Hip-Hop; semidokumentarisch)
- Beat Street, (Regie: Stan Lathan), USA 1984. (Ein weiteres bedeutendes Dokument der Frühzeit des Hip-Hop)
- Style Wars, (Regie: Tony Silver, Produzent: Henry Chalfant), USA, 1983. (Ein Dokumentarfilm über die Anfänge der Hip-Hop-Kultur)
- 8 Mile, (Regie: Curtis Hanson), USA 2002. (Ein Film über die Hip-Hop-Szene mit Eminem und Kim Basinger)
- Tupac: Resurrection, (Regie: Lauren Lazin), USA 2003.
- Notorious B.I.G., (Regie: George Tillman, Jr.), USA 2009. (Ein biographischer Film über das Leben des Rappers The Notorious B.I.G.)
- All Eyez on Me, (Regie: Benny Boom), USA 2017. (Ein biographischer Film über das Leben des Rappers 2Pac)
- Status Yo!, (Regie: Till Hastreiter), Deutschland/Schweiz, 2004 (Ein deutscher Hip-Hop-Film mit Laiendarstellern)
- Street Style (Originaltitel: You got served), (Regie: Christopher B. Stokes), USA 2004. (Ein Film über die Street-Dancer-Kultur in Amerika)
- Get Rich or Die Tryin’, USA 2005, (Ein Film über 50 Cents Vergangenheit als Drogendealer)
- Hip-Hop Evolution, (Regie: Darby Wheeler), 2016. (Netflix-Serie über die Entstehung von Hip-Hop; dokumentarische Serie)
- Brown Sugar, (Ein Film über Hip-Hop, ist aber auch eine romantische Komödie, berühmtestes Zitat: „When did you first fall in love with hip hop?“)
- Barbershop 1 & 2, (Mit Eve, Queen Latifah, Ice Cube etc.)
- Zeiten ändern dich, (Filmbiographie des Rappers Bushido, u. a. mit Elyas M’Barek, Fler, Moritz Bleibtreu, Hannelore Elsner)
- Straight Outta Compton, (Erzählt die Geschichte der Rapgruppe NWA)
- Blutzbrüdaz, (deutsche Musikkomödie mit den Rappern Sido und B-Tight)
- The Get Down ⓘ