Gesang

Harry Belafonte (1954) ⓘ

Gesang (auch: Singen) ist der musikalische Gebrauch der menschlichen Stimme und wahrscheinlich die älteste und ursprünglichste musikalische Ausdrucksform des Menschen. Gesang existiert in sehr unterschiedlichen Formen, vom spontanen, improvisierten Singen einzelner Töne oder Tonfolgen über Volkslieder bis zu Kunstliedern, virtuos verziertem Kunstgesang (Belcanto) sowie einstimmiger, homophoner und polyphoner Chormusik. Für die Musik hat der Gesang eine hervorragende Bedeutung, weil er Musik und Sprache verbindet und die emotionale Ausdruckskraft der menschlichen Stimme nutzt. Man unterscheidet reine Vokalmusik (z. B. A-cappella-Chormusik) von Instrumentalmusik und kombinierten Formen (z. B. Kantate, Oratorium, Oper). ⓘ

Der Begriff Gesang umfasst per Definition zwar sämtliche Formen des musikalischen Stimmengebrauchs, allerdings sind einige Formen vom gewöhnlichen Gesang abzugrenzen. Als Sänger werden daher ausschließlich Personen bezeichnet, die während ihres Gesangs Liedtexte vortragen und dabei Töne halten und treffen. Somit werden die Gesangsformen, auf die diese Eigenschaft zutrifft, als Gesang bezeichnet und die Formen, auf die es nicht zutrifft, nicht. So gibt es neben den Sängern auch Künstler, die dieses Kriterium nicht erfüllen, wie z. B. Beatboxer oder Jodler, die lediglich (kurze) rhythmische Laute durch die Stimme erzeugen, ohne einen Text wiederzugeben oder auch Sprechgesangskünstler (z. B.: Rapper oder Toaster), die gesprochene Texte auf musikalische Art und Weise vortragen. ⓘ

Im Gegensatz zum Sprechen werden beim Gesang bestimmte Tonhöhen im Rahmen eines vorgegebenen Tonsystems verwendet und der Gesang ist meist durchgängig metrisch-rhythmisch organisiert. Für Berufssänger spielen eine ausreichende Stimmbildung, die Koordination der Gesangsregister und eine an die musikalischen Phrasen angepasste Atemführung eine große Rolle. ⓘ

Singende Mädchen ⓘ

Singende Jungen ⓘ

Singen ist die Erzeugung musikalischer Klänge mit der Stimme. Eine Person, die singt, wird als Sänger oder Vokalist (in der Jazz- und/oder Popmusik) bezeichnet. Sängerinnen und Sänger tragen Musik vor (Arien, Rezitative, Lieder usw.), die mit oder ohne Begleitung durch Musikinstrumente gesungen werden kann. Gesungen wird oft in einem Ensemble von Musikern, z. B. in einem Chor von Sängern oder einer Band von Instrumentalisten. Sänger können als Solisten auftreten oder von einem einzelnen Instrument (wie beim Kunstlied oder einigen Jazz-Stilen) bis hin zu einem Sinfonieorchester oder einer Big Band begleitet werden. Zu den verschiedenen Gesangsstilen gehören Kunstmusik wie die Oper und die chinesische Oper, indische Musik, japanische Musik und religiöse Musikstile wie Gospel, traditionelle Musikstile, Weltmusik, Jazz, Blues, Ghazal und populäre Musikstile wie Pop, Rock und elektronische Tanzmusik. ⓘ

Der Gesang kann formell oder informell, arrangiert oder improvisiert sein. Es kann eine Form religiöser Hingabe sein, ein Hobby, eine Quelle des Vergnügens, des Trostes oder ein Ritual als Teil der musikalischen Ausbildung oder als Beruf. Hervorragende Leistungen beim Singen erfordern Zeit, Hingabe, Unterricht und regelmäßiges Üben. Wenn regelmäßig geübt wird, können die Töne klarer und kräftiger werden. Professionelle Sängerinnen und Sänger bauen ihre Karriere in der Regel auf ein bestimmtes Musikgenre auf, z. B. Klassik oder Rock, obwohl es auch Sängerinnen und Sänger gibt, die in mehr als einem Genre erfolgreich sind. Professionelle Sängerinnen und Sänger nehmen in der Regel während ihrer gesamten Laufbahn an Stimmbildungsmaßnahmen teil, die von Gesangslehrern oder Vocal Coaches angeboten werden. ⓘ

Stimmen

Physikalisch gesehen hat das Singen eine klar definierte Technik, die vom Einsatz der Lunge abhängt, die als Luftzufuhr oder Blasebalg fungiert; vom Kehlkopf, der als Rohr oder Vibrator fungiert; von der Brust, den Kopfhöhlen und dem Skelett, die die Funktion eines Verstärkers haben, wie die Röhre in einem Blasinstrument; und von der Zunge, die zusammen mit dem Gaumen, den Zähnen und den Lippen den verstärkten Klang artikuliert und Konsonanten und Vokale erzeugt. Obwohl diese vier Mechanismen unabhängig voneinander funktionieren, werden sie bei der Entwicklung einer Gesangstechnik koordiniert und müssen aufeinander einwirken. Bei der passiven Atmung wird die Luft mit dem Zwerchfell eingeatmet, während die Ausatmung ohne jede Anstrengung erfolgt. Die Ausatmung kann durch die Bauchmuskeln, die inneren Zwischenrippenmuskeln und die unteren Beckenmuskeln unterstützt werden. Die Einatmung wird durch den Einsatz der äußeren Interkostal-, Scalenes- und Sternocleidomastoideus-Muskeln unterstützt. Die Tonhöhe wird mit den Stimmbändern verändert. Bei geschlossenen Lippen wird dies als Brummen bezeichnet. ⓘ

Der Klang der Gesangsstimme eines jeden Menschen ist einzigartig, nicht nur wegen der Form und Größe der Stimmbänder, sondern auch wegen der Größe und Form des restlichen Körpers der Person. Der Mensch hat Stimmlippen, die sich lockern, zusammenziehen oder ihre Dicke verändern können und über die der Atem mit unterschiedlichem Druck übertragen werden kann. Die Form des Brustkorbs und des Halses, die Position der Zunge und die Anspannung von Muskeln, die sonst nichts miteinander zu tun haben, können verändert werden. Jeder dieser Vorgänge führt zu einer Veränderung der Tonhöhe, der Lautstärke, der Klangfarbe oder des Klangs des erzeugten Tons. Der Klang schwingt auch in verschiedenen Körperteilen mit, und die Größe und der Knochenbau einer Person können den von ihr erzeugten Klang beeinflussen. ⓘ

Sängerinnen und Sänger können auch lernen, den Klang auf bestimmte Weise zu projizieren, so dass er in ihrem Vokaltrakt besser widerhallt. Dies wird als Stimmbandresonanz bezeichnet. Ein weiterer wichtiger Einflussfaktor auf den Klang und die Produktion der Stimme ist die Funktion des Kehlkopfs, den der Mensch auf unterschiedliche Weise manipulieren kann, um verschiedene Töne zu erzeugen. Diese verschiedenen Arten der Kehlkopffunktion werden als verschiedene Stimmlagen bezeichnet. Die wichtigste Methode für Sängerinnen und Sänger, dies zu erreichen, ist die Verwendung des Singer's Formant; es hat sich gezeigt, dass dieser besonders gut zum empfindlichsten Teil des Frequenzbereichs des Ohrs passt. ⓘ

Es hat sich auch gezeigt, dass eine kräftigere Stimme mit einer fetteren und flüssigeren Stimmlippenschleimhaut erreicht werden kann. Je geschmeidiger die Schleimhaut ist, desto effizienter wird die Energie des Luftstroms auf die Stimmlippen übertragen. ⓘ

Stimmritze und Stimmbänder ⓘ

Beim Singen sind dieselben Organe beteiligt wie beim Sprechen: Zwerchfell, Lunge, die Stimmlippen mit den Stimmbändern im Kehlkopf und der Vokaltrakt oberhalb des Kehlkopfs. Wie beim Sprechen wird die Stimme insbesondere durch die schwingenden Stimmbänder erzeugt, der Klang wird vor allem im Vokaltrakt geformt. Zahlreiche Muskeln bewirken eine wechselnde Spannung der Stimmlippen. ⓘ

Für die Höhe der Stimme (Stimmlage) sind in erster Linie die Länge der Stimmbänder und deren Schwingungsverhalten verantwortlich. So haben Kinder zunächst eine sehr hohe Stimme, die mit dem Wachstum der Stimmbänder sinkt. Bei Jungen ist dieses Wachstum deutlich ausgeprägter als bei Mädchen und ein Stimmbruch markiert die stärkste Wachstumsphase. ⓘ

Noch bis ins 18. Jahrhundert, vereinzelt sogar bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts, gab es Kastraten, die durch eine Operation oder Verstümmelung ihre kindlich hohe Stimme behielten, dies jedoch mit dem Verlust ihrer Zeugungsfähigkeit bezahlen mussten. Heute singen Männer mit speziell ausgebildetem Falsett in vergleichbarer Stimmlage als Countertenor, Altus oder Sopran. Die originalgetreue Alternative, Knabenstimmen einzusetzen, wird ebenfalls praktiziert. ⓘ

Das Singen mit geschlossenen Lippen bezeichnet man als Summen. Die Luft wird dabei vollständig durch die Nase abgeleitet, wodurch nur eine sehr kleine Luftmenge in Schwingung versetzt wird. ⓘ

Die Funktionsweise der menschlichen Singstimme lässt sich stark vereinfacht mit den Polsterpfeifen vergleichen (vgl. Blasinstrumente und Schall); den Polstern entsprechen die zwei Stimmlippen, die zwischen dem Schildknorpel und jeweils zwei beweglichen Stellknorpeln (die zusammen mit dem Ringknorpel und dem Kehldeckel das Kehlkopfskelett bilden) einander gegenüberstehen und leicht nach oben gegeneinander geneigt ausgespannt sind. ⓘ

Klassifizierung der Stimme

In der europäischen klassischen Musik und der Oper werden Stimmen wie Musikinstrumente behandelt. Komponisten, die Vokalmusik schreiben, müssen die Fähigkeiten, Talente und stimmlichen Eigenschaften von Sängern kennen. Die Klassifizierung von Stimmen ist der Prozess, durch den menschliche Gesangsstimmen bewertet und dadurch in Stimmtypen eingeteilt werden. Zu diesen Eigenschaften gehören unter anderem Stimmumfang, Stimmgewicht, Stimmlage, Klangfarbe und stimmliche Übergänge wie Brüche und Hebungen innerhalb der Stimme. Weitere Gesichtspunkte sind physische Merkmale, das Sprachniveau, wissenschaftliche Tests und die Stimmregistrierung. Die Wissenschaft der Stimmklassifizierung, die in der europäischen klassischen Musik entwickelt wurde, hat sich nur langsam an modernere Formen des Gesangs angepasst. In der Oper wird die Stimmklassifizierung häufig verwendet, um mögliche Rollen mit potenziellen Stimmen zu verbinden. In der klassischen Musik gibt es derzeit mehrere verschiedene Systeme, darunter das deutsche Fachsystem und das Chormusiksystem, um nur einige zu nennen. Keines dieser Systeme wird universell angewandt oder akzeptiert. ⓘ

In den meisten Systemen der klassischen Musik werden jedoch sieben verschiedene Hauptstimmkategorien anerkannt. Frauen werden in der Regel in drei Gruppen eingeteilt: Sopran, Mezzosopran und Contralto. Männer werden in der Regel in vier Gruppen eingeteilt: Countertenor, Tenor, Bariton und Bass. Für die Stimmen von Kindern im Vorpubertätsalter kann ein achter Begriff, der Diskant, verwendet werden. Innerhalb jeder dieser Hauptkategorien gibt es mehrere Unterkategorien, die spezifische stimmliche Qualitäten wie Koloraturfähigkeit und Stimmgewicht kennzeichnen, um zwischen den Stimmen zu unterscheiden. ⓘ

In der Chormusik werden die Stimmen der Sängerinnen und Sänger ausschließlich auf der Grundlage des Stimmumfangs unterteilt. In der Chormusik werden die Gesangspartien meist in hohe und tiefe Stimmen pro Geschlecht unterteilt (SATB oder Sopran, Alt, Tenor und Bass). Daher gibt es in der typischen Chorsituation viele Gelegenheiten für eine Fehlklassifizierung. Da die meisten Menschen mittlere Stimmen haben, müssen sie einer Stimme zugeordnet werden, die entweder zu hoch oder zu tief für sie ist; der Mezzosopran muss Sopran oder Alt singen und der Bariton muss Tenor oder Bass singen. Beide Optionen können für den Sänger Probleme mit sich bringen, aber für die meisten Sänger birgt eine zu tiefe Stimme weniger Gefahren als eine zu hohe Stimme. ⓘ

Innerhalb der zeitgenössischen Musik (manchmal auch als zeitgenössische kommerzielle Musik bezeichnet) werden die Sänger nach dem Musikstil, den sie singen, klassifiziert, z. B. Jazz, Pop, Blues, Soul, Country, Folk und Rock. In der nicht-klassischen Musik gibt es derzeit kein verbindliches Klassifizierungssystem für Stimmen. Es wurden Versuche unternommen, die klassischen Stimmtypenbegriffe auf andere Gesangsformen zu übertragen, aber solche Versuche wurden kontrovers aufgenommen. Bei der Entwicklung von Stimmkategorien wurde davon ausgegangen, dass der Sänger eine klassische Gesangstechnik innerhalb eines bestimmten Bereichs und eine unverstärkte (ohne Mikrofone) Stimmproduktion anwendet. Da zeitgenössische Musiker andere Gesangstechniken und Mikrofone verwenden und nicht gezwungen sind, sich in eine bestimmte Gesangsrolle einzufügen, kann die Verwendung von Begriffen wie Sopran, Tenor, Bariton usw. irreführend oder sogar ungenau sein. ⓘ

Stimmregistrierung

Die Stimmregistrierung bezieht sich auf das System der Stimmlagen innerhalb der Stimme. Ein Register in der Stimme ist eine bestimmte Reihe von Tönen, die nach dem gleichen Schwingungsmuster der Stimmlippen erzeugt werden und die gleiche Qualität besitzen. Die Register haben ihren Ursprung in der Funktion des Kehlkopfes. Sie entstehen, weil die Stimmlippen in der Lage sind, mehrere verschiedene Schwingungsmuster zu erzeugen. Jedes dieser Schwingungsmuster tritt innerhalb eines bestimmten Tonhöhenbereichs auf und erzeugt bestimmte charakteristische Klänge. Das Auftreten von Registern wird auch auf Effekte der akustischen Interaktion zwischen der Stimmlippenschwingung und dem Vokaltrakt zurückgeführt. Der Begriff "Register" kann etwas verwirrend sein, da er mehrere Aspekte der Stimme umfasst. Der Begriff Register kann sich auf Folgendes beziehen:

• Einen bestimmten Teil des Stimmumfangs wie die obere, mittlere oder untere Stimmlage.
• Einen Resonanzbereich wie die Brust- oder Kopfstimme.
• einen phonatorischen Prozess (Phonation ist der Prozess der Erzeugung von Stimmklang durch die Vibration der Stimmlippen, die wiederum durch die Resonanz des Vokaltrakts verändert wird)
• Ein bestimmtes Stimm-Timbre oder eine bestimmte Stimm-"Farbe"
• Ein Bereich der Stimme, der durch Stimmpausen definiert oder abgegrenzt wird. ⓘ

In der Linguistik ist eine Registersprache eine Sprache, die Ton- und Vokalphonation in einem einzigen phonologischen System kombiniert. In der Sprachpathologie umfasst der Begriff Stimmregister drei Elemente: ein bestimmtes Schwingungsmuster der Stimmlippen, eine bestimmte Tonfolge und eine bestimmte Art von Klang. Sprachpathologen unterscheiden vier Stimmlagen, die auf der Physiologie der Kehlkopffunktion beruhen: die Fry-Stimmlage, die Modalstimmlage, die Falsettstimmlage und die Pfeifstimmlage. Diese Ansicht wird auch von vielen Gesangspädagogen vertreten. ⓘ

Stimmliche Resonanz

Querschnitt durch den Kopf und den Hals ⓘ

Vokalresonanz ist der Prozess, bei dem das Grundprodukt der Phonation durch die luftgefüllten Hohlräume, die es auf seinem Weg zur Außenluft durchläuft, in seiner Klangfarbe und/oder Intensität verstärkt wird. Zu den verschiedenen Begriffen, die mit dem Resonanzprozess zusammenhängen, gehören Verstärkung, Anreicherung, Vergrößerung, Verbesserung, Intensivierung und Verlängerung, obwohl die meisten von ihnen im streng wissenschaftlichen Sprachgebrauch von Akustikern in Frage gestellt werden. Der wichtigste Punkt, den ein Sänger oder Sprecher aus diesen Begriffen ableiten kann, ist, dass das Ergebnis der Resonanz darin besteht oder bestehen sollte, einen besseren Klang zu erzeugen. Es gibt sieben Bereiche, die als mögliche Stimmresonatoren in Frage kommen. In der Reihenfolge vom tiefsten bis zum höchsten Punkt des Körpers sind dies der Brustkorb, die Luftröhre, der Kehlkopf selbst, der Rachen, die Mundhöhle, die Nasenhöhle und die Nebenhöhlen. ⓘ

Bruststimme und Kopfstimme

Bruststimme und Kopfstimme sind Begriffe, die in der Vokalmusik verwendet werden. In gesangspädagogischen Kreisen werden diese Begriffe sehr unterschiedlich verwendet, und es gibt derzeit keine einheitliche Meinung unter Gesangsfachleuten in Bezug auf diese Begriffe. Der Begriff Bruststimme kann in Bezug auf einen bestimmten Teil des Stimmumfangs oder eine bestimmte Stimmlage, einen stimmlichen Resonanzbereich oder eine bestimmte Stimmfarbe verwendet werden. Die Kopfstimme kann in Bezug auf einen bestimmten Teil des Stimmumfangs oder eine bestimmte Art von Stimmlage oder einen stimmlichen Resonanzbereich verwendet werden. Bei den Männern wird die Kopfstimme gemeinhin als Falsett bezeichnet. Der Übergang und die Kombination von Brust- und Kopfstimme wird als Vocal Mix oder Vocal Mixing in der Performance des Sängers bezeichnet. Vocal Mixing kann in bestimmten Modalitäten von Künstlern verwendet werden, die sich auf fließende Übergänge zwischen Bruststimme und Kopfstimme konzentrieren, und solchen, die aus künstlerischen Gründen und zur Verbesserung der Gesangsdarbietung einen "Flip" verwenden, um den plötzlichen Übergang von der Bruststimme zur Kopfstimme zu beschreiben. ⓘ

Geschichte und Entwicklung

Die erste Erwähnung der Begriffe Bruststimme und Kopfstimme stammt aus dem 13. Jahrhundert, als sie von den Schriftstellern Johannes de Garlandia und Hieronymus von Mähren von der "Kehlkopfstimme" (pectoris, guttoris, capitis - zu dieser Zeit bezog sich die Kopfstimme wahrscheinlich auf die Falsettstimme) unterschieden wurden. Die Begriffe wurden später in den Belcanto, die italienische Operngesangsmethode, übernommen, bei der die Bruststimme als die tiefste und die Kopfstimme als die höchste der drei Stimmlagen bezeichnet wurde: Brust-, Passagio- und Kopfstimme. Dieser Ansatz wird auch heute noch von einigen Gesangspädagogen gelehrt. Ein anderer derzeit beliebter Ansatz, der auf dem Belcanto-Modell basiert, ist die Unterteilung der Männer- und Frauenstimmen in drei Register. Die Männerstimmen werden in "Brustregister", "Kopfregister" und "Falsettregister" unterteilt, die Frauenstimmen in "Brustregister", "Mittelregister" und "Kopfregister". Diese Pädagogen lehren, dass das Kopfregister eine Gesangstechnik ist, die beim Singen verwendet wird, um die Resonanz im Kopf des Sängers zu beschreiben. ⓘ

Mit dem zunehmenden Wissen über die Physiologie in den letzten zweihundert Jahren hat sich jedoch auch das Verständnis für den physikalischen Prozess des Singens und der Stimmproduktion verbessert. Infolgedessen haben viele Gesangspädagogen, wie Ralph Appelman von der Indiana University und William Vennard von der University of Southern California, die Begriffe Bruststimme und Kopfstimme neu definiert oder sogar aufgegeben. Insbesondere die Verwendung der Begriffe Bruststimme und Kopfstimme ist umstritten, da die Stimmregistrierung heute eher als ein Produkt der Kehlkopffunktion angesehen wird, das nichts mit der Physiologie von Brust, Lunge und Kopf zu tun hat. Aus diesem Grund argumentieren viele Gesangspädagogen, dass es sinnlos ist, von Registern zu sprechen, die in der Brust oder im Kopf erzeugt werden. Sie argumentieren, dass die Vibrationsempfindungen, die in diesen Bereichen zu spüren sind, Resonanzphänomene sind und mit Begriffen beschrieben werden sollten, die sich auf die stimmliche Resonanz und nicht auf die Register beziehen. Diese Gesangspädagogen bevorzugen die Begriffe Bruststimme und Kopfstimme gegenüber dem Begriff Register. Diese Ansicht geht davon aus, dass die Probleme, die Menschen als Registerprobleme identifizieren, in Wirklichkeit Probleme der Resonanzanpassung sind. Diese Ansicht stimmt auch mit den Ansichten anderer akademischer Bereiche überein, die sich mit der Stimmregistrierung befassen, darunter Sprachpathologie, Phonetik und Linguistik. Obwohl beide Methoden immer noch angewandt werden, tendiert die aktuelle gesangspädagogische Praxis dazu, die neuere, wissenschaftlichere Sichtweise zu übernehmen. Einige Gesangspädagogen übernehmen auch Ideen aus beiden Sichtweisen. ⓘ

Der zeitgenössische Gebrauch des Begriffs Bruststimme bezieht sich oft auf eine bestimmte Art von Stimmfärbung oder Klangfarbe der Stimme. Im klassischen Gesang beschränkt sich die Verwendung ausschließlich auf den unteren Teil des modalen Registers oder der Normalstimme. In anderen Gesangsformen wird die Bruststimme oft im gesamten Modalregister verwendet. Das Brusttimbre kann die stimmliche Interpretationspalette eines Sängers um eine wunderbare Palette von Klängen erweitern. Allerdings kann der Einsatz einer zu starken Bruststimme in den höheren Registern bei dem Versuch, höhere Töne in der Brust zu treffen, zum Forcieren führen. Dies kann in der Folge zu einer Verschlechterung der Stimmlage führen. ⓘ

Stimmlagen: Allgemeine Diskussion der Übergänge

Passaggio (italienische Aussprache: [pasˈsaddʒo]) ist ein Begriff, der im klassischen Gesang verwendet wird, um den Übergangsbereich zwischen den Gesangsregistern zu beschreiben. Die passaggi (Plural) der Stimme liegen zwischen den verschiedenen Stimmlagen, wie der Bruststimme, in der jeder Sänger einen kräftigen Klang erzeugen kann, der Mittelstimme und der Kopfstimme, in der ein durchdringender Klang möglich ist, allerdings meist nur durch Stimmbildung. Die historische italienische Gesangsschule beschreibt für die Männerstimme einen primo passaggio und einen secondo passaggio, die durch eine zona di passaggio verbunden sind, und für die Frauenstimme einen primo passaggio und secondo passaggio. Ein wichtiges Ziel der klassischen Stimmbildung in klassischen Stilen ist es, ein gleichmäßiges Timbre während des gesamten Passaggio zu erhalten. Durch richtiges Training ist es möglich, einen resonanten und kraftvollen Klang zu erzeugen. ⓘ

Gesangsregister und Übergänge

Man kann das stimmliche Passaggio nicht angemessen erörtern, ohne ein grundlegendes Verständnis der verschiedenen Stimmlagen zu haben. In seinem Buch The Principles of Voice Production schreibt Ingo Titze: "Der Begriff Register wurde verwendet, um wahrnehmbar unterschiedliche Bereiche der Stimmqualität zu beschreiben, die über bestimmte Tonhöhen- und Lautstärkebereiche beibehalten werden können." Bei der Diskussion über die Stimmregistrierung ist es wichtig zu beachten, dass es zwischen den verschiedenen Bereichen der Gesangsforschung, wie z. B. Lehrern und Sängern, Forschern und Klinikern, Diskrepanzen in der Terminologie gibt. Marilee David weist darauf hin, dass "Stimmwissenschaftler die Registrierung in erster Linie als akustisches Ereignis betrachten". Bei Sängern ist es üblicher, die Registrierung anhand der körperlichen Empfindungen zu erklären, die sie beim Singen spüren. Titze erklärt auch, dass es Diskrepanzen in der Terminologie gibt, die zwischen Sprachpathologen und Gesangslehrern verwendet wird, um über die Stimmregistrierung zu sprechen. Da es in diesem Artikel um das Passaggio geht, einen Begriff, der von klassischen Sängern verwendet wird, werden die Register so diskutiert, wie sie im Bereich des Gesangs und nicht in der Sprachpathologie und -wissenschaft verwendet werden. ⓘ

Die drei Hauptregister, die als Kopf-, Mittel- (gemischte) und Bruststimme bezeichnet werden, haben aufgrund der Obertöne, die durch die sympathische Resonanz im menschlichen Körper entstehen, ein reiches Timbre. Ihre Namen sind von dem Bereich abgeleitet, in dem der Sänger diese Resonanzschwingungen im Körper spürt. Die Bruststimme, allgemein als Bruststimme bezeichnet, ist die tiefste der Stimmlagen. Beim Singen in der Bruststimme spürt der Sänger sympathische Schwingungen in der Brust. Dies ist die Stimmlage, die beim Sprechen am häufigsten verwendet wird. Die mittlere Stimme liegt zwischen der Bruststimme und der Kopfstimme. Das Kopfregister oder die Kopfstimme ist das höchste der Hauptgesangsregister. Wenn der Sänger mit der Kopfstimme singt, kann er eine sympathische Vibration im Gesicht oder einem anderen Teil des Kopfes spüren. Wo diese Register in der Stimme liegen, hängt vom Geschlecht und dem Stimmtyp innerhalb des jeweiligen Geschlechts ab. ⓘ

Es gibt noch zwei weitere Register, das Falsett- und das Flageolettregister, die oberhalb des Kopfregisters liegen. Um die Tonhöhen in diesen Registern zu erreichen, ist oft ein Training erforderlich. Männer und Frauen mit tieferen Stimmen singen selten in diesen Registern. Vor allem Frauen mit tieferen Stimmen erhalten, wenn überhaupt, nur sehr wenig Training für das Flageolett-Register. Männer haben noch ein zusätzliches Register, den Strohbass, der unterhalb der Bruststimme liegt. Das Singen in dieser Lage ist für die Stimmbänder sehr anstrengend und wird daher kaum genutzt. ⓘ

Stimmpädagogik

Ercole de' Roberti: Konzert, um 1490 ⓘ

Die Gesangspädagogik ist die Lehre von der Lehre des Gesangs. Die Kunst und Wissenschaft der Gesangspädagogik hat eine lange Geschichte, die im antiken Griechenland begann und sich bis heute weiterentwickelt und verändert. Zu den Berufen, die sich mit der Kunst und Wissenschaft der Gesangspädagogik beschäftigen, gehören Gesangslehrer, Chorleiter, Musikpädagogen, Opernregisseure und andere Gesangslehrer. ⓘ

Die Konzepte der Gesangspädagogik sind ein Teil der Entwicklung einer angemessenen Gesangstechnik. Zu den typischen Studienbereichen gehören folgende:

• Anatomie und Physiologie in Bezug auf den physischen Prozess des Singens
  • Gesundheit der Stimme und Stimmstörungen im Zusammenhang mit dem Singen
  • Atmung und Luftunterstützung beim Singen
  • Phonation
  • Stimmliche Resonanz oder Stimmprojektion
  • Stimmregistrierung: eine bestimmte Reihe von Tönen, die in demselben Schwingungsmuster der Stimmlippen erzeugt werden und dieselbe Qualität besitzen, die ihren Ursprung in der Kehlkopffunktion haben, da jedes dieser Schwingungsmuster innerhalb eines bestimmten Tonhöhenbereichs auftritt und bestimmte charakteristische Klänge erzeugt.
  • Klassifizierung der Stimme
• Gesangsstile: Bei klassischen Sängern umfasst dies Stile von Liedern bis hin zu Opern; bei Popsängern können Stile wie "belted out" oder Blues-Balladen vorkommen; bei Jazzsängern können Stile wie Swing-Balladen und Scatting vorkommen.
  • Techniken wie Sostenuto und Legato, Erweiterung des Tonumfangs, Tonqualität, Vibrato und Koloratur ⓘ

Vokaltechnik

Echtzeit-MRT eines Vokaltrakts beim Singen. ⓘ

Singen ist bei richtiger Stimmtechnik ein integrierter und koordinierter Akt, der die physikalischen Prozesse des Singens wirksam koordiniert. Es gibt vier physikalische Prozesse, die an der Erzeugung des Stimmklangs beteiligt sind: Atmung, Phonation, Resonanz und Artikulation. Diese Prozesse laufen in der folgenden Reihenfolge ab:

1. Die Atmung wird eingeleitet
2. Der Ton wird im Kehlkopf erzeugt
3. Die Vokalresonatoren nehmen den Ton auf und beeinflussen ihn
4. Die Artikulatoren formen den Ton zu erkennbaren Einheiten ⓘ

Obwohl diese vier Prozesse im Studium oft getrennt betrachtet werden, verschmelzen sie in der Praxis zu einer koordinierten Funktion. Bei einem effektiven Sänger oder Sprecher sollte man nur selten an die beteiligten Prozesse erinnert werden, da ihr Geist und Körper so koordiniert sind, dass man nur die daraus resultierende einheitliche Funktion wahrnimmt. Viele Stimmprobleme resultieren aus einem Mangel an Koordination innerhalb dieses Prozesses. ⓘ

Da Singen ein koordinierter Akt ist, ist es schwierig, einzelne technische Bereiche und Prozesse zu besprechen, ohne sie in Beziehung zu anderen zu setzen. So wird die Phonation erst im Zusammenhang mit der Atmung sichtbar, die Artikulatoren wirken auf die Resonanz, die Resonatoren auf die Stimmlippen, die Stimmlippen auf die Atemkontrolle und so weiter. Stimmprobleme sind oft das Ergebnis einer Störung in einem Teil dieses koordinierten Prozesses, was Stimmlehrer dazu veranlasst, sich mit ihren Schülern intensiv auf einen Bereich des Prozesses zu konzentrieren, bis dieses Problem gelöst ist. Einige Bereiche der Gesangskunst sind jedoch so sehr das Ergebnis koordinierter Funktionen, dass es schwierig ist, sie unter einer traditionellen Überschrift wie Phonation, Resonanz, Artikulation oder Atmung zu diskutieren. ⓘ

Sobald der Gesangsschüler sich der physischen Prozesse bewusst geworden ist, die den Akt des Singens ausmachen, und der Art und Weise, wie diese Prozesse funktionieren, beginnt der Schüler mit der Aufgabe, sie zu koordinieren. Es ist unvermeidlich, dass sich Schüler und Lehrer mit einem Bereich der Technik mehr beschäftigen als mit einem anderen. Die verschiedenen Prozesse können in unterschiedlichem Tempo voranschreiten, was zu einem Ungleichgewicht oder einem Mangel an Koordination führt. Die Bereiche der Gesangstechnik, die offenbar am stärksten von der Fähigkeit des Schülers abhängen, die verschiedenen Funktionen zu koordinieren, sind:

1. Erweiterung des Stimmumfangs bis zu seinem maximalen Potenzial
2. Entwicklung einer gleichmäßigen Stimmproduktion mit gleichmäßiger Tonqualität
3. Entwicklung von Flexibilität und Beweglichkeit
4. Erreichen eines ausgewogenen Vibratos
5. Verschmelzung von Brust- und Kopfstimme bei jeder Note des Tonumfangs ⓘ

Die Entwicklung der Singstimme

Singen ist eine Fähigkeit, die hoch entwickelte Muskelreflexe erfordert. Singen erfordert keine große Muskelkraft, wohl aber ein hohes Maß an Muskelkoordination. Der Einzelne kann seine Stimme durch sorgfältiges und systematisches Üben von Liedern und Gesangsübungen weiter entwickeln. Gesangsübungen dienen unter anderem dazu, die Stimme aufzuwärmen, den Stimmumfang zu erweitern, die Stimme horizontal und vertikal "auszurichten" und Gesangstechniken wie Legato, Staccato, Kontrolle der Dynamik, schnelle Figurationen, bequemes Singen breiter Intervalle, Singen von Trillern, Singen von Melismen und Korrektur von Stimmfehlern zu erlernen. ⓘ

Gesangspädagogen leiten ihre Schüler an, ihre Stimme auf intelligente Weise zu trainieren. Sängerinnen und Sänger sollten ständig darüber nachdenken, welche Art von Klang sie erzeugen und welche Empfindungen sie beim Singen haben. ⓘ

Das Erlernen des Singens ist eine Tätigkeit, die von der Mitwirkung eines Lehrers profitiert. Ein Sänger oder eine Sängerin hört nicht dieselben Klänge in seinem oder ihrem Kopf, die andere draußen hören. Daher hilft ein Lehrer, der dem Schüler sagen kann, welche Töne er erzeugt, dem Sänger zu verstehen, welche der inneren Töne den gewünschten Tönen entsprechen, die für den Gesangsstil erforderlich sind, den der Schüler nachahmen möchte. ⓘ

Erweiterung des Stimmumfangs

Ein wichtiges Ziel der Stimmentwicklung ist es, zu lernen, bis zu den natürlichen Grenzen des eigenen Stimmumfangs zu singen, ohne dass es zu offensichtlichen oder störenden Veränderungen der Qualität oder Technik kommt. Gesangspädagogen lehren, dass ein Sänger dieses Ziel nur dann erreichen kann, wenn alle am Gesang beteiligten körperlichen Prozesse (wie Kehlkopfbewegung, Atemunterstützung, Resonanzausgleich und artikulatorische Bewegung) effektiv zusammenarbeiten. Die meisten Gesangspädagogen sind der Meinung, dass diese Prozesse koordiniert werden sollten, indem (1) gute Stimmgewohnheiten in der angenehmsten Tessitura der Stimme etabliert werden und dann (2) der Stimmumfang langsam erweitert wird. ⓘ

Es gibt drei Faktoren, die die Fähigkeit, höher oder tiefer zu singen, maßgeblich beeinflussen:

1. Der Energiefaktor - "Energie" hat mehrere Bedeutungen. Er bezieht sich auf die gesamte Reaktion des Körpers auf die Tonerzeugung, auf eine dynamische Beziehung zwischen den Einatmungsmuskeln und den Ausatmungsmuskeln, die als Atemunterstützungsmechanismus bekannt ist, auf die Höhe des Atemdrucks, der an die Stimmlippen abgegeben wird, und auf deren Widerstand gegen diesen Druck sowie auf das dynamische Niveau des Tons.
2. Der Raumfaktor - "Raum" bezieht sich auf die Größe des Mundinneren und die Position des Gaumens und des Kehlkopfes. Im Allgemeinen sollte der Mund eines Sängers umso weiter geöffnet sein, je höher er oder sie singt. Der innere Raum bzw. die Position des weichen Gaumens und des Kehlkopfes kann durch Entspannung des Rachens erweitert werden. Stimmpädagogen beschreiben dies als ein Gefühl, das sich wie der "Beginn eines Gähnens" anfühlt.
3. Der Faktor Tiefe - "Tiefe" hat zwei Bedeutungen. Er bezieht sich auf die tatsächlichen physischen Empfindungen von Tiefe im Körper und im Stimmmechanismus und auf mentale Konzepte von Tiefe, die mit der Tonqualität zusammenhängen. ⓘ

McKinney sagt: "Diese drei Faktoren lassen sich in drei Grundregeln ausdrücken: (1) Je höher man singt, desto mehr Energie muss man aufwenden; je tiefer man singt, desto weniger. (2) Je höher Sie singen, desto mehr Raum müssen Sie nutzen, je tiefer Sie singen, desto weniger. (3) Wenn du höher singst, musst du mehr Tiefe verwenden; wenn du tiefer singst, musst du weniger verwenden." ⓘ

Körperhaltung

Der Gesangsprozess funktioniert am besten, wenn bestimmte physische Bedingungen des Körpers gegeben sind. Die Fähigkeit, Luft ungehindert in den Körper ein- und ausströmen zu lassen und die benötigte Luftmenge zu erhalten, kann durch die Haltung der verschiedenen Teile des Atemmechanismus ernsthaft beeinträchtigt werden. Ein eingesunkener Brustkorb schränkt die Kapazität der Lunge ein, und eine angespannte Bauchdecke behindert die Abwärtsbewegung des Zwerchfells. Eine gute Körperhaltung ermöglicht es dem Atemmechanismus, seine Grundfunktion effizient und ohne übermäßigen Energieaufwand zu erfüllen. Eine gute Haltung erleichtert auch die Einleitung der Phonation und das Stimmen der Resonatoren, da eine korrekte Ausrichtung unnötige Spannungen im Körper verhindert. Gesangspädagogen haben außerdem festgestellt, dass Sängerinnen und Sänger, die eine gute Körperhaltung einnehmen, während ihres Auftritts oft selbstbewusster und gelassener wirken. Auch das Publikum reagiert in der Regel besser auf Sängerinnen und Sänger mit guter Haltung. Eine gute Körperhaltung verbessert letztlich auch die allgemeine Gesundheit des Körpers, da sie eine bessere Blutzirkulation ermöglicht und Ermüdung und Stress für den Körper verhindert. ⓘ

Es gibt acht Komponenten der idealen Gesangshaltung:

1. Füße leicht gespreizt
2. Beine gerade, aber Knie leicht gebeugt
3. Hüften zeigen gerade nach vorne
4. Wirbelsäule aufgerichtet
5. Bauch flach
6. Brustkorb bequem nach vorne
7. Schultern nach unten und zurück
8. Kopf gerade nach vorne gerichtet ⓘ

Atmung und Atemunterstützung

Die natürliche Atmung hat drei Phasen: eine Einatmungsphase, eine Ausatmungsphase und eine Ruhe- oder Erholungsphase; diese Phasen werden normalerweise nicht bewusst gesteuert. Beim Singen gibt es vier Phasen der Atmung: eine Einatmungsphase (Inhalation), eine Phase des Aufbaus der Kontrolle (Suspension), eine kontrollierte Ausatmungsphase (Phonation) und eine Erholungsphase. ⓘ

Diese Phasen müssen vom Sänger bewusst kontrolliert werden, bis sie zu konditionierten Reflexen werden. Viele Sängerinnen und Sänger geben die bewusste Kontrolle auf, bevor ihre Reflexe vollständig konditioniert sind, was letztlich zu chronischen Stimmproblemen führt. ⓘ

Vibrato

Vibrato ist eine Technik, bei der eine anhaltende Note sehr schnell und gleichmäßig zwischen einer höheren und einer niedrigeren Tonhöhe hin- und herschwankt, wodurch die Note einen leichten Zitterton erhält. Vibrato ist der Puls oder die Welle in einem anhaltenden Ton. Vibrato entsteht auf natürliche Weise und ist das Ergebnis einer guten Atemunterstützung und eines entspannten Stimmapparats. Einige Studien haben gezeigt, dass Vibrato das Ergebnis eines neuromuskulären Tremors in den Stimmlippen ist. Max Schoen war 1922 der erste, der das Vibrato mit einem Tremor verglich, und zwar aufgrund der Amplitudenveränderung, des Fehlens einer automatischen Kontrolle und der Tatsache, dass es nur halb so schnell wie eine normale Muskelentladung ist. Einige Sängerinnen und Sänger nutzen das Vibrato als Ausdrucksmittel. Viele erfolgreiche Künstler können ein tiefes, sattes Vibrato singen. ⓘ

Erweiterte Vokaltechnik

Zu den erweiterten Gesangstechniken gehören u. a. Rappen, Schreien, Knurren, Obertöne, Gleiten, Falsett, Jodeln, Belting, die Verwendung des Fry-Registers und der Einsatz von Beschallungsanlagen. Eine Beschallungsanlage ist eine Kombination aus Mikrofonen, Signalprozessoren, Verstärkern und Lautsprechern. Die Kombination solcher Geräte kann unter anderem auch Hall, Echokammern und Auto-Tune verwenden. ⓘ

Vokalmusik

Vokalmusik ist Musik, die von einem oder mehreren Sängern vorgetragen wird, typischerweise als Lieder bezeichnet wird und mit oder ohne Instrumentalbegleitung aufgeführt werden kann, wobei der Gesang den Schwerpunkt des Stücks bildet. Vokalmusik ist wahrscheinlich die älteste Form der Musik, da sie außer der Stimme kein Instrument oder Gerät benötigt. In allen Musikkulturen gibt es irgendeine Form von Vokalmusik, und in allen Kulturen der Welt gibt es viele alte Gesangstraditionen. Musik, bei der der Gesang zwar eingesetzt wird, aber nicht im Vordergrund steht, wird im Allgemeinen als Instrumentalmusik bezeichnet. Einige Blues-Rock-Songs haben zum Beispiel einen kurzen, einfachen Call-and-Response-Refrain, aber der Schwerpunkt des Songs liegt auf den Instrumentalmelodien und der Improvisation. Vokalmusik enthält in der Regel gesungene Worte, die als Text bezeichnet werden, obwohl es auch bemerkenswerte Beispiele von Vokalmusik gibt, die mit nichtsprachlichen Silben oder Geräuschen vorgetragen werden, manchmal als musikalische Onomatopoesie. Ein kurzes Stück Vokalmusik mit Text wird im Allgemeinen als Lied bezeichnet, obwohl in der klassischen Musik üblicherweise Begriffe wie Arie verwendet werden. ⓘ

Gattungen der Vokalmusik

Ein Trio von Sängerinnen bei einem Auftritt in der Berwaldhalle im Jahr 2016. ⓘ

Vokalmusik wird in vielen verschiedenen Formen und Stilen geschrieben, die oft einer bestimmten Musikgattung zugeordnet werden. Zu diesen Genres gehören populäre Musik, Kunstmusik, religiöse Musik, weltliche Musik und Fusionen dieser Genres. Innerhalb dieser größeren Gattungen gibt es viele Untergattungen. Zur populären Musik gehören zum Beispiel Blues, Jazz, Country, Easy Listening, Hip-Hop, Rockmusik und viele andere Genres. Es kann auch ein Subgenre innerhalb eines Subgenres geben, wie z. B. Vocalese und Scat-Gesang im Jazz. ⓘ

Populäre und traditionelle Musik

In vielen modernen Popmusikgruppen singt ein Leadsänger den Hauptgesang oder die Melodie eines Liedes, im Gegensatz zu einem Backgroundsänger, der den Hintergrundgesang oder die Harmonie eines Liedes singt. Backgroundsänger singen einige, aber normalerweise nicht alle Teile des Liedes, oft nur im Refrain oder summen im Hintergrund. Eine Ausnahme ist die fünfstimmige Gospel-A-cappella-Musik, bei der der Vorsänger die höchste der fünf Stimmen ist und einen Diskant und nicht die Melodie singt. Einige Künstler singen bei Audioaufnahmen sowohl den Lead- als auch den Backing-Gesang, indem sie die aufgenommenen Gesangsspuren überlappen. ⓘ

Die populäre Musik umfasst eine Reihe von Gesangsstilen. Im Hip-Hop wird gerappt, d. h. Reime werden in einer rhythmischen Rede über einem Beat oder ohne Begleitung vorgetragen. Einige Arten des Raps bestehen hauptsächlich oder vollständig aus Sprache und Gesang, wie das jamaikanische "Toasting". Bei einigen Arten des Raps können die Interpreten kurze gesungene oder halbgesungene Passagen einfügen. Der Bluesgesang basiert auf der Verwendung der blauen Noten - Noten, die zu Ausdruckszwecken in einer etwas tieferen Tonlage als der der Durtonleiter gesungen werden. In den Subgenres Heavy Metal und Hardcore-Punk können Gesangsstile Techniken wie Schreie, Shouts und ungewöhnliche Klänge wie das "Death Growl" beinhalten. ⓘ

Ein Unterschied zwischen Live-Auftritten in der populären und der klassischen Musik besteht darin, dass in der klassischen Musik oft ohne Verstärkung in kleinen bis mittelgroßen Sälen gesungen wird, während in der populären Musik ein Mikrofon und eine Beschallungsanlage (Verstärker und Lautsprecher) an fast allen Auftrittsorten verwendet werden, selbst in einem kleinen Café. Die Verwendung des Mikrofons hatte mehrere Auswirkungen auf die populäre Musik. Zum einen erleichterte es die Entwicklung von intimen, ausdrucksstarken Gesangsstilen wie "Crooning", die ohne Mikrofon nicht genug Projektion und Lautstärke hätten. Außerdem können Popsänger, die Mikrofone benutzen, eine Reihe anderer Gesangsstile anwenden, die ohne Verstärkung nicht zur Geltung kämen, z. B. Flüstern, Summen und das Mischen von halb gesungenen und gesungenen Tönen. Außerdem nutzen einige Interpreten die Reaktionsmuster des Mikrofons, um Effekte zu erzeugen, z. B. indem sie das Mikrofon sehr nah an den Mund halten, um eine verstärkte Basswiedergabe zu erzielen, oder, im Falle von Hip-Hop-Beatboxern, indem sie plosive "p"- und "b"-Laute in das Mikrofon sprechen, um perkussive Effekte zu erzeugen. In den 2000er Jahren kam es zu einer Kontroverse über den weit verbreiteten Einsatz von elektronischen Auto-Tune-Tonhöhenkorrekturgeräten bei aufgenommenen und live gesungenen populären Musikstücken. Für Kontroversen sorgten auch Fälle, in denen Popsängerinnen und -sänger sich lippensynchron zu einer vorab aufgezeichneten Aufnahme ihrer Gesangsdarbietung bewegten oder, wie im Fall der umstrittenen Band Milli Vanilli, lippensynchron zu Tracks, die von anderen, nicht anerkannten Sängern aufgenommen wurden. ⓘ

Während einige Bands Backgroundsängerinnen und -sänger einsetzen, die nur singen, wenn sie auf der Bühne stehen, ist es in der Popmusik üblich, dass Backgroundsängerinnen und -sänger auch andere Rollen übernehmen. In vielen Rock- und Metalbands spielen die Backgroundsängerinnen und -sänger auch Instrumente, wie Rhythmusgitarre, E-Bass oder Schlagzeug. In lateinamerikanischen oder afrokubanischen Gruppen können Backgroundsängerinnen und -sänger während des Gesangs Perkussionsinstrumente oder Shaker spielen. In einigen Pop- und Hip-Hop-Gruppen sowie im Musicaltheater müssen die Backgroundsänger unter Umständen aufwändig choreografierte Tanzeinlagen darbieten, während sie über Kopfhörermikrofone singen. ⓘ

Karriere

Die Gehälter und Arbeitsbedingungen für Sängerinnen und Sänger sind sehr unterschiedlich. Während Jobs in anderen Musikbereichen, z. B. als Chorleiter, in der Regel auf einer Vollzeitstelle basieren, werden Sänger in der Regel auf der Grundlage von Verträgen für einzelne Shows oder Aufführungen oder für eine Reihe von Shows eingestellt. ⓘ

Angehende Sängerinnen und Sänger müssen über musikalische Fähigkeiten, eine ausgezeichnete Stimme, die Fähigkeit, mit Menschen zu arbeiten, und einen Sinn für Show und Drama verfügen. Darüber hinaus müssen sie den Ehrgeiz und die Motivation haben, sich ständig weiterzubilden und zu verbessern, Professionelle Sängerinnen und Sänger nehmen immer wieder Gesangsunterricht, um ihre Fähigkeiten zu verbessern, ihren Stimmumfang zu erweitern und neue Stile zu erlernen. Außerdem müssen angehende Sänger spezielle Kenntnisse in den Gesangstechniken zur Interpretation von Liedern erwerben, sich mit der Gesangsliteratur der von ihnen gewählten Musikrichtung vertraut machen und Fähigkeiten in den Bereichen Chormusik, Blattsingen, Auswendiglernen von Liedern und Gesangsübungen erwerben. ⓘ

Einige Sängerinnen und Sänger erlernen auch andere musikalische Berufe wie Komponieren, Musikproduktion und Songwriting. Einige Sängerinnen und Sänger stellen Videos auf YouTube und Streaming-Apps ein. Sängerinnen und Sänger vermarkten sich selbst an Käufer von Gesangstalenten, indem sie vor einem Musikdirektor vorsingen. Je nachdem, in welchem Gesangsstil eine Person ausgebildet wurde, können die "Talentkäufer", die sie aufsuchen, Plattenfirmen, A&R-Vertreter, Musikdirektoren, Chorleiter, Nachtclubmanager oder Konzertveranstalter sein. Eine CD oder DVD mit Ausschnitten von Gesangsdarbietungen wird verwendet, um die Fähigkeiten eines Sängers zu demonstrieren. Manche Sängerinnen und Sänger engagieren einen Agenten oder Manager, der ihnen bei der Suche nach bezahlten Engagements und anderen Auftrittsmöglichkeiten hilft; der Agent oder Manager wird oft mit einem Prozentsatz der Gagen bezahlt, die der Sänger oder die Sängerin durch Auftritte auf der Bühne erhält. ⓘ

Singen und Sprache

Jede gesprochene Sprache, ob natürlich oder nicht, hat ihre eigene, ihr innewohnende Musikalität, die den Gesang durch Tonhöhe, Phrasierung und Akzent beeinflusst. ⓘ

Neurologische Aspekte

In letzter Zeit wurde viel über den Zusammenhang zwischen Musik und Sprache, insbesondere dem Gesang, geforscht. Es wird immer deutlicher, dass sich diese beiden Prozesse sehr ähneln und doch auch unterscheiden. Levitin beschreibt, wie, beginnend mit dem Trommelfell, Schallwellen in Tonhöhen oder eine tonotopische Karte übersetzt werden, und wie kurz danach "Sprache und Musik wahrscheinlich in getrennte Verarbeitungskreisläufe auseinandergehen" (130). Es gibt Hinweise darauf, dass die neuronalen Schaltkreise, die für Musik und Sprache verwendet werden, bei Säuglingen anfangs undifferenziert sind. Es gibt mehrere Hirnareale, die sowohl für Sprache als auch für Musik genutzt werden. So zum Beispiel das Brodmann-Areal 47, das an der Verarbeitung der Syntax von Mund- und Gebärdensprachen sowie der musikalischen Syntax und der semantischen Aspekte der Sprache beteiligt ist. Levitin berichtet, wie in bestimmten Studien "das Hören von Musik und die Beachtung ihrer syntaktischen Merkmale", ähnlich den syntaktischen Prozessen in der Sprache, diesen Teil des Gehirns aktivierte. Darüber hinaus "wurde die musikalische Syntax ... in ... Bereichen lokalisiert, die an die Regionen angrenzen und sich mit denen überschneiden, die die Sprachsyntax verarbeiten, wie z. B. das Broca-Areal", und "die an der musikalischen Semantik beteiligten Regionen ... scheinen in der Nähe des Wernicke-Areals [lokalisiert zu sein]". Sowohl das Broca-Areal als auch das Wernicke-Areal sind wichtige Schritte bei der Sprachverarbeitung und -produktion. ⓘ

Es hat sich gezeigt, dass Singen Schlaganfallopfern hilft, ihre Sprache wiederzuerlangen. Laut dem Neurologen Gottfried Schlaug gibt es ein dem Sprachareal entsprechendes Areal, das sich in der linken Hemisphäre auf der rechten Seite des Gehirns befindet. Dieser Bereich wird salopp als "Gesangszentrum" bezeichnet. Wenn man Schlaganfallopfern beibringt, ihre Worte zu singen, kann dies dazu beitragen, diesen Bereich des Gehirns für das Sprechen zu trainieren. Zur Untermauerung dieser Theorie behauptet Levitin, dass "regionale Spezifität", wie die für Sprache, "vorübergehend sein kann, da sich die Verarbeitungszentren für wichtige geistige Funktionen nach einem Trauma oder einer Hirnschädigung in andere Regionen verlagern." So kann in der rechten Hemisphäre des Gehirns das "Gesangszentrum" umgeschult werden, um die Sprachproduktion zu unterstützen. ⓘ

Akzente und Gesang

Der Sprachdialekt oder Akzent einer Person kann sich stark von dem allgemeinen Gesangsakzent unterscheiden, den eine Person beim Singen verwendet. Wenn Menschen singen, verwenden sie in der Regel den Akzent oder neutralen Akzent, der in dem Musikstil, in dem sie singen, verwendet wird, und nicht einen regionalen Akzent oder Dialekt; der Musikstil und das populäre Zentrum bzw. die Region des Stils haben mehr Einfluss auf den Gesangsakzent einer Person als ihr Herkunftsland. In der englischen Sprache zum Beispiel singen britische Sänger von Rock- oder Popmusik oft mit einem amerikanischen Akzent oder einem neutralen Akzent statt mit einem englischen Akzent. ⓘ

Stimmbildung und Gesangsunterricht

Die Gesangspädagogik im europäischen Kulturkreis beschäftigt sich mit dem Aufbau einer für den musikalischen Gebrauch geeigneten Stimme. Die professionelle Ausbildung zum Berufssänger im Bereich klassische Musik, Jazz oder Pop findet in Deutschland an Musikhochschulen oder in privaten Studios statt. Die akademische Ausbildung dauert mindestens acht Semester. Teilbereiche des Gesangsunterrichtes sind:

• Körperarbeit mit verschiedenen Methoden wie Gymnastik, Feldenkrais-Methode, Alexandertechnik, Yoga
• Stimmbildung
• Interpretation ⓘ

Die Ausbildungen für Opernbühne, Jazz, Popmusik und Musical unterscheiden sich grundsätzlich in den Stilistiken, aber teilweise auch in der angewandten Gesangstechnik. Eine klassische Gesangsausbildung orientiert sich häufig an der Praxis des Belcanto. Bei einigen Werken der zeitgenössischen Vokalmusik wird allerdings der gesamte klangliche Spielraum der menschlichen Stimme eingesetzt. An einigen Hochschulen gibt es dafür einen weiterführenden Studiengang. Bei der Ausbildung für Pop- oder Musicalgesang wird unter anderem häufig die Belting-Technik eingesetzt. ⓘ

Rock- und Metalsänger sind oft Autodidakten ohne klassische Stimmbildung. Im professionellen Bereich wird dennoch auch in diesem Genre Gesangsunterricht genommen, um Stimmschäden vorzubeugen. ⓘ

Kulturelle Aspekte

Freddie Mercury (1977) ⓘ

Gesang gehört zur Kultur sämtlicher Zeiten und Kulturgruppen und kann alle Lebenssituationen begleiten. Rituelle Gesänge, Kinderlied, Arbeitslied und Gesang als Vortragskunst sind nur wenige Beispiele. ⓘ

Im klassizistischen Kulturkanon Europas gilt die Gesangskunst und -Technik des späten 16. bis frühen 19. Jahrhundert im Belcanto und in der Oper in Italien als Höhepunkte der Virtuosität. Einzelne Sängerpersönlichkeiten fanden im öffentlichen Leben besondere Beachtung, von klassischen Bühnensängern wie Farinelli, Adelina Patti, Enrico Caruso und der „Primadonna assoluta“ Maria Callas bis zu Chansongrößen wie Édith Piaf und Jaques Brel oder dem Tangosänger Carlos Gardel. Heute sind oder waren vor allem Pop- und Rockstars wie Elvis Presley, Freddie Mercury, Michael Jackson oder Robbie Williams Anziehungspunkt und Idol für viele Menschen. ⓘ

Andere Kulturen kennen zahlreiche weitere Formen und Techniken des Gesangs. Beispiele hierfür sind der mongolische Kehlgesang und der Obertongesang. In mehreren Religionen wird Chanting praktiziert, eine meditative Art des Singens. ⓘ

In Feuchtwangen (Mittelfranken) befindet sich Deutschlands einziges Sängermuseum. ⓘ

Besondere Formen des Gesangs (Auswahl)

• Belcanto
• Gutturaler Gesang (Kehlgesang)
• Jazzgesang (mit Sonderformen wie Scat und Vocalese)
• Sprechgesang
• Vokalise („Singen ohne Worte“)
• Vocal Percussion ⓘ