Folk
| Volksmusik ⓘ | |
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 Béla Bartók bei der Aufnahme von ungarischen Bauernsängern in Zobordarázs, Ungarn, 1907
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| Traditionen | Liste der Volksmusiktraditionen |
| Musikanten | Liste der Volksmusikanten |
| Instrumente | Folkloristische Instrumente |
| Andere Themen | |
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Volksmusik ist ein Musikgenre, das die traditionelle Volksmusik und das zeitgenössische Genre umfasst, das sich während des Folk-Revivals im 20. Einige Arten von Volksmusik können auch als Weltmusik bezeichnet werden. Traditionelle Volksmusik wurde auf verschiedene Weise definiert: als Musik, die mündlich weitergegeben wird, als Musik mit unbekannten Komponisten, als Musik, die auf traditionellen Instrumenten gespielt wird, als Musik, die von kultureller oder nationaler Identität handelt, als Musik, die sich von Generation zu Generation verändert (Folk-Prozess), als Musik, die mit der Folklore eines Volkes verbunden ist, oder als Musik, die über einen langen Zeitraum hinweg aus Tradition gespielt wird. Sie wurde den kommerziellen und klassischen Stilen gegenübergestellt. Der Begriff hat seinen Ursprung im 19. Jahrhundert, aber die Volksmusik reicht darüber hinaus. ⓘ
Ab Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelte sich aus der traditionellen Volksmusik eine neue Form der populären Volksmusik. Dieser Prozess und diese Periode werden als (zweites) Folk-Revival bezeichnet und erreichten ihren Höhepunkt in den 1960er Jahren. Diese Form der Musik wird manchmal als zeitgenössische Folkmusik oder Folk-Revival-Musik bezeichnet, um sie von früheren Folk-Formen zu unterscheiden. Kleinere, ähnliche Erweckungen gab es auch zu anderen Zeiten in anderen Teilen der Welt, aber der Begriff Volksmusik wurde in der Regel nicht auf die neue Musik angewendet, die während dieser Erweckungen entstand. Zu dieser Art von Volksmusik gehören auch Fusionsgenres wie Folk Rock, Folk Metal und andere. Obwohl die zeitgenössische Folkmusik ein Genre ist, das sich im Allgemeinen von der traditionellen Folkmusik unterscheidet, trägt sie im amerikanischen Englisch denselben Namen und tritt oft mit denselben Interpreten und an denselben Orten auf wie die traditionelle Folkmusik. ⓘ
Traditionelle Volksmusik
| Traditionelle Volksmusik ⓘ | |
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| Stilistische Ursprünge | Traditionelle Musik |
| Kulturelle Ursprünge | Einzelne Nationen oder Regionen |
| Abgeleitete Formen |
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| Untergattungen | |
| Zeitgenössische Volksmusik (westlich) Zeitgenössische Volksmusik (nicht-westlich) | |
| Fusionierte Genres | |
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| Andere Themen | |
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Definitionen
Die Begriffe Volksmusik, Volkslied und Volkstanz sind vergleichsweise junge Begriffe. Sie sind Erweiterungen des Begriffs Folklore, der 1846 von dem englischen Antiquar William Thoms geprägt wurde, um "die Traditionen, Bräuche und den Aberglauben der unkultivierten Klassen" zu beschreiben. Der Begriff leitet sich ferner von dem deutschen Ausdruck Volk im Sinne von "das Volk als Ganzes" ab, der von Johann Gottfried Herder und den deutschen Romantikern mehr als ein halbes Jahrhundert zuvor auf die Volks- und Nationalmusik angewandt wurde. Obwohl man davon ausgeht, dass Volksmusik die Musik des Volkes ist, halten Beobachter eine genauere Definition für schwer zu fassen. Einige sind sich nicht einmal einig, ob der Begriff Volksmusik überhaupt verwendet werden sollte. Die Volksmusik weist zwar bestimmte Merkmale auf, lässt sich aber rein musikalisch nicht klar abgrenzen. Eine Bedeutung, die oft genannt wird, ist die von "alten Liedern ohne bekannte Komponisten", eine andere die von Musik, die einem evolutionären "Prozess der mündlichen Überlieferung.... die Gestaltung und Umgestaltung der Musik durch die Gemeinschaft, die ihr ihren Volkscharakter verleiht", unterworfen wurde. ⓘ
Solche Definitionen beruhen auf "(kulturellen) Prozessen und nicht auf abstrakten Musiktypen...", auf "Kontinuität und mündlicher Überlieferung..., die als eine Seite einer kulturellen Dichotomie angesehen werden, deren andere Seite nicht nur in den unteren Schichten feudaler, kapitalistischer und einiger orientalischer Gesellschaften zu finden ist, sondern auch in 'primitiven' Gesellschaften und in Teilen der 'Volkskulturen'". Eine weit verbreitete Definition lautet einfach: "Volksmusik ist das, was das Volk singt". ⓘ
Für Scholes, ebenso wie für Cecil Sharp und Béla Bartók, war die Musik des Landes eine andere als die der Stadt. Die Volksmusik wurde bereits "...als authentischer Ausdruck einer Lebensweise angesehen, die jetzt vorbei ist oder im Begriff ist zu verschwinden (oder in einigen Fällen bewahrt oder irgendwie wiederbelebt zu werden)", insbesondere in einer "von der Kunstmusik unbeeinflussten Gemeinschaft" und von kommerziellen und gedruckten Liedern. Lloyd lehnte dies zugunsten einer einfachen Unterscheidung der ökonomischen Klasse ab, doch für ihn war echte Volksmusik, in Charles Seegers Worten, "mit einer unteren Klasse verbunden" in kulturell und sozial geschichteten Gesellschaften. In diesem Sinne kann die Volksmusik als Teil eines "Schemas gesehen werden, das vier Musiktypen umfasst: 'primitiv' oder 'Stammesmusik'; 'Elite' oder 'Kunst'; 'Volksmusik' und 'populär'". ⓘ
Musik dieses Genres wird oft auch als traditionelle Musik bezeichnet. Obwohl der Begriff in der Regel nur beschreibend ist, wird er in einigen Fällen als Name für ein Genre verwendet. So wurden bei der Grammy-Verleihung früher die Begriffe "traditionelle Musik" und "traditioneller Folk" für Volksmusik verwendet, die keine zeitgenössische Volksmusik ist. Volksmusik kann die meisten einheimischen Musiken umfassen. ⓘ
Merkmale
Aus historischer Sicht hatte die traditionelle Volksmusik diese Merkmale:
- Sie wurde durch eine mündliche Tradition weitergegeben. Vor dem 20. Jahrhundert waren die einfachen Leute in der Regel Analphabeten; sie eigneten sich Lieder an, indem sie sie auswendig lernten. Dies geschah in erster Linie nicht durch Bücher oder aufgezeichnete oder übertragene Medien. Sängerinnen und Sänger können ihr Repertoire zwar mit Hilfe von Flugblättern oder Liederbüchern erweitern, aber diese sekundären Erweiterungen haben denselben Charakter wie die primären Lieder, die sie in natura erleben.
- Die Musik war oft mit der nationalen Kultur verbunden. Sie war kulturell spezifisch; sie stammte aus einer bestimmten Region oder Kultur. Im Kontext einer Einwanderergruppe erhält die Volksmusik eine zusätzliche Dimension für den sozialen Zusammenhalt. Besonders auffällig ist dies in Einwanderungsgesellschaften, in denen griechische Australier, somalische Amerikaner, punjabische Kanadier und andere danach streben, ihre Unterschiede zum Mainstream zu betonen. Sie lernen Lieder und Tänze, die ihren Ursprung in den Ländern haben, aus denen ihre Großeltern stammen.
- Sie erinnern sich an historische und persönliche Ereignisse. An bestimmten Tagen des Jahres, darunter an Feiertagen wie Weihnachten, Ostern und dem 1. Mai, wird der Jahreszyklus mit besonderen Liedern gefeiert. Auch Geburtstage, Hochzeiten und Beerdigungen werden mit Liedern, Tänzen und besonderen Kostümen begangen. Religiöse Feste haben oft eine volksmusikalische Komponente. Die Chormusik bei diesen Anlässen bringt Kinder und Laiensänger dazu, in einer öffentlichen Arena mitzuwirken, was eine emotionale Bindung schafft, die nichts mit den ästhetischen Qualitäten der Musik zu tun hat.
- Die Lieder werden aus Gewohnheit über einen langen Zeitraum hinweg, in der Regel über mehrere Generationen, gesungen. ⓘ
Als Nebeneffekt sind manchmal die folgenden Merkmale zu beobachten:
- Es gibt kein Urheberrecht an den Liedern. Bei Hunderten von Volksliedern aus dem 19. Jahrhundert sind die Urheber bekannt, aber die mündliche Überlieferung hat sich so weit fortgesetzt, dass sie für die Zwecke der Musikveröffentlichung als traditionell gelten. Seit den 1940er Jahren ist dies sehr viel seltener geworden. Heute wird fast jedes Volkslied, das aufgenommen wird, einem Arrangeur zugeschrieben.
- Verschmelzung von Kulturen: Da Kulturen miteinander interagieren und sich im Laufe der Zeit verändern, können traditionelle Lieder, die sich im Laufe der Zeit entwickeln, Einflüsse aus unterschiedlichen Kulturen enthalten und widerspiegeln. Zu den relevanten Faktoren können Instrumentierung, Stimmungen, Phrasierung, Themen und sogar Produktionsmethoden gehören. ⓘ
Melodie
In der Volksmusik ist eine Melodie ein kurzes Instrumentalstück, eine Melodie, oft mit sich wiederholenden Abschnitten, die gewöhnlich mehrmals gespielt wird. Eine Sammlung von Melodien mit strukturellen Ähnlichkeiten wird als Melodiefamilie bezeichnet. In America's Musical Landscape heißt es: "Die häufigste Form für Melodien in der Volksmusik ist AABB, auch bekannt als binäre Form". ⓘ
In einigen Traditionen können Melodien in Medleys oder "Sets" aneinandergereiht werden. ⓘ
Ursprünge
Während des größten Teils der Vorgeschichte und der Geschichte der Menschheit war es nicht möglich, aufgezeichnete Musik zu hören. Das einfache Volk musizierte sowohl während der Arbeit als auch in der Freizeit und bei religiösen Aktivitäten. Die Arbeit der wirtschaftlichen Produktion war oft manuell und gemeinschaftlich. Bei der manuellen Arbeit sangen die Arbeiter oft, was mehreren praktischen Zwecken diente. Es verringerte die Langeweile bei sich wiederholenden Aufgaben, hielt den Rhythmus beim synchronen Schieben und Ziehen aufrecht und bestimmte das Tempo vieler Tätigkeiten wie Pflanzen, Jäten, Ernten, Dreschen, Weben und Mahlen. In der Freizeit waren das Singen und das Spielen von Musikinstrumenten gängige Formen der Unterhaltung und des Geschichtenerzählens - sogar noch verbreiteter als heute, wo elektrische Technologien und die weit verbreitete Alphabetisierung andere Formen der Unterhaltung und des Informationsaustauschs konkurrenzfähig machen. ⓘ
Manche glauben, dass Volksmusik ursprünglich Kunstmusik war, die durch mündliche Überlieferung verändert und wahrscheinlich entwertet wurde und den Charakter der Gesellschaft, die sie hervorbrachte, widerspiegelte. In vielen Gesellschaften, vor allem in präliteraten, erfordert die kulturelle Weitergabe von Volksmusik das Erlernen des Gehörs, obwohl sich in einigen Kulturen die Notation entwickelt hat. Verschiedene Kulturen können unterschiedliche Vorstellungen von der Abgrenzung zwischen "Volksmusik" einerseits und "Kunst-" und "Hofmusik" andererseits haben. Im Zuge der Ausbreitung populärer Musikgenres wurden einige traditionelle Volksmusiken auch als "Weltmusik" oder "Roots-Musik" bezeichnet. ⓘ
Der englische Begriff "Folklore" zur Beschreibung traditioneller Volksmusik und -tänze fand Eingang in das Vokabular vieler kontinentaleuropäischer Länder, von denen jedes seine Volksliedsammler und -erwecker hatte. Die Unterscheidung zwischen "echtem" Folk und nationalem und populärem Liedgut im Allgemeinen war schon immer unscharf, vor allem in Amerika und Deutschland - zum Beispiel könnten populäre Liedermacher wie Stephen Foster in Amerika als "Folk" bezeichnet werden. Die Definition des International Folk Music Council lässt zu, dass der Begriff auch für Musik gelten kann, die "... von einem einzelnen Komponisten stammt und anschließend in die ungeschriebene, lebendige Tradition einer Gemeinschaft aufgenommen wurde. Der Begriff umfasst jedoch keine Lieder, Tänze oder Melodien, die von vornherein übernommen wurden und unverändert bleiben." ⓘ
Das Folk-Revival nach dem Zweiten Weltkrieg in Amerika und Großbritannien begründete ein neues Genre, die "Contemporary Folk Music", und verlieh dem Begriff "Volksmusik" eine zusätzliche Bedeutung: neu komponierte Lieder mit fester Form und von bekannten Autoren, die eine Form der traditionellen Musik nachahmen. Die Popularität der zeitgenössischen Folk"-Aufnahmen führte dazu, dass 1959 bei den Grammy Awards die Kategorie Folk" eingeführt wurde; 1970 wurde der Begriff zugunsten von Best Ethnic or Traditional Recording (including Traditional Blues)" fallen gelassen, während 1987 eine Unterscheidung zwischen Best Traditional Folk Recording" und Best Contemporary Folk Recording" vorgenommen wurde. Danach gab es eine Kategorie "Traditionelle Musik", aus der sich später weitere Kategorien entwickelten. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts konnte der Begriff "Folk" Singer-Songwriter wie den Schotten Donovan und den Amerikaner Bob Dylan umfassen, die in den 1960er Jahren aufkamen, und vieles mehr. Damit wurde ein Prozess abgeschlossen, bei dem "Folkmusik" nicht mehr nur traditionelle Volksmusik bedeutete. ⓘ
Gegenstand
Traditionelle Volksmusik enthält oft gesungene Worte, obwohl instrumentale Volksmusik häufig in Tanzmusiktraditionen vorkommt. Erzählende Verse spielen in der traditionellen Volksmusik vieler Kulturen eine große Rolle. Dazu gehören Formen wie die traditionelle epische Dichtung, von denen viele ursprünglich für den mündlichen Vortrag gedacht waren, der manchmal von Instrumenten begleitet wurde. Viele epische Gedichte verschiedener Kulturen wurden aus kürzeren Stücken traditioneller Erzählverse zusammengesetzt, was ihre episodische Struktur, sich wiederholende Elemente und die häufigen Entwicklungen der Handlung in medias res erklärt. Andere Formen traditioneller erzählter Verse berichten über den Ausgang von Schlachten oder beklagen Tragödien oder Naturkatastrophen. ⓘ
Manchmal, wie im triumphalen Lied der Deborah im biblischen Buch der Richter, feiern diese Lieder den Sieg. Auch die Klage über verlorene Schlachten und Kriege und die dabei verlorenen Menschenleben spielt in vielen Traditionen eine wichtige Rolle; diese Klagen halten die Sache, für die die Schlacht geschlagen wurde, lebendig. Die Erzählungen der traditionellen Lieder erinnern oft auch an Volkshelden wie John Henry oder Robin Hood. In einigen traditionellen Liedern wird von übernatürlichen Ereignissen oder mysteriösen Todesfällen berichtet. ⓘ
Hymnen und andere Formen religiöser Musik sind oft traditionellen und unbekannten Ursprungs. Die westliche Musiknotation wurde ursprünglich geschaffen, um die Linien des gregorianischen Gesangs zu bewahren, der vor seiner Erfindung als mündliche Tradition in Klostergemeinschaften gelehrt wurde. Traditionelle Lieder wie Green grow the rushes, O präsentieren religiöse Überlieferungen in einer mnemotechnischen Form, ebenso wie westliche Weihnachtslieder und ähnliche traditionelle Lieder. ⓘ
Arbeitslieder weisen häufig Ruf- und Antwortstrukturen auf und sollen es den Arbeitern, die sie singen, ermöglichen, ihre Anstrengungen im Einklang mit den Rhythmen der Lieder zu koordinieren. Sie sind häufig, aber nicht immer, komponiert. In den amerikanischen Streitkräften gibt es eine lebendige mündliche Tradition von Jody Calls ("Duckworth-Gesänge"), die gesungen werden, während die Soldaten auf dem Marsch sind. Berufsmatrosen machten in ähnlicher Weise Gebrauch von einer großen Anzahl von Seemannsliedern. Liebeslyrik, oft tragischer oder bedauernder Natur, spielt in vielen Volkstraditionen eine wichtige Rolle. Auch Kinderreime und Nonsens-Verse, die zur Belustigung oder Beruhigung von Kindern dienen, sind häufig Gegenstand von Volksliedern. ⓘ
Abwandlungen und Variationen von Volksliedern
Musik, die in einer Gemeinschaft mündlich weitergegeben wird, entwickelt im Laufe der Zeit viele Varianten, da bei dieser Art der Übermittlung keine wort- und notengetreue Wiedergabe möglich ist. In der Tat sind viele traditionelle Sänger recht kreativ und verändern das gelernte Material absichtlich. ⓘ
So ist zum Beispiel der Text von "I'm a Man You Don't Meet Every Day" (Roud 975) von einer Breitseite in der Bodleian Library bekannt. Das Datum liegt mit ziemlicher Sicherheit vor 1900, und es scheint irisch zu sein. Im Jahr 1958 wurde das Lied in Kanada aufgenommen (My Name is Pat and I'm Proud of That). Die nächste Aufnahme stammt von der schottischen Reisenden Jeannie Robertson aus Aberdeen aus dem Jahr 1961. Sie änderte den Titel, um auf "Jock Stewart", einen ihrer Verwandten, Bezug zu nehmen, und es gibt keine irischen Bezüge. 1976 änderte der schottische Künstler Archie Fisher das Lied absichtlich, um den Hinweis auf einen erschossenen Hund zu entfernen. 1985 haben The Pogues den Kreis geschlossen und alle irischen Bezüge wiederhergestellt. ⓘ
Da sich Varianten natürlich vermehren, ist es naiv zu glauben, dass es so etwas wie eine einzige "authentische" Version einer Ballade wie "Barbara Allen" gibt. Feldforscher auf dem Gebiet des traditionellen Liedes (siehe unten) sind in der gesamten englischsprachigen Welt auf unzählige Versionen dieser Ballade gestoßen, und diese Versionen unterscheiden sich oft stark voneinander. Keine kann zuverlässig behaupten, das Original zu sein, und es ist möglich, dass die "ursprüngliche" Version schon vor Jahrhunderten aufgehört hat, gesungen zu werden. Viele Versionen können den gleichen Anspruch auf Authentizität erheben. ⓘ
Der einflussreiche Volkskundler Cecil Sharp vertrat die Ansicht, dass diese konkurrierenden Varianten eines traditionellen Liedes einen Verbesserungsprozess durchlaufen würden, der der biologischen, natürlichen Auslese ähnelt: Nur die neuen Varianten, die den gewöhnlichen Sängern am besten gefielen, würden von anderen aufgegriffen und im Laufe der Zeit weitergegeben. So ist zu erwarten, dass jedes traditionelle Lied im Laufe der Zeit ästhetisch immer ansprechender wird - es wird sozusagen von der Gemeinschaft kollektiv zur Perfektion komponiert. ⓘ
Das literarische Interesse an der populären Balladenform geht mindestens auf Thomas Percy und William Wordsworth zurück. Englische Komponisten der elisabethanischen und Stuart-Ära hatten ihre Musik oft aus volkstümlichen Themen entwickelt, die klassische Suite basierte auf stilisierten Volkstänzen, und Joseph Haydn verwendete bekanntermaßen Volksmelodien. Das Aufkommen des Begriffs "volkstümlich" fiel jedoch mit einem "Ausbruch des Nationalgefühls in ganz Europa" zusammen, der besonders stark an den Rändern Europas war, wo die nationale Identität am stärksten ausgeprägt war. Nationalistische Komponisten entstanden in Mitteleuropa, Russland, Skandinavien, Spanien und Großbritannien: Die Musik von Dvořák, Smetana, Grieg, Rimski-Korsakow, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók und vielen anderen griff auf Volksmelodien zurück. ⓘ
Regionale Formen
Der Verlust traditioneller Volksmusik angesichts des Aufstiegs der Populärmusik ist zwar ein weltweites Phänomen, doch verläuft er nicht überall gleich schnell. Der Prozess ist dort am weitesten fortgeschritten, "wo die Industrialisierung und Kommerzialisierung der Kultur am weitesten fortgeschritten ist", aber auch dort, wo der technische Fortschritt nicht so weit fortgeschritten ist, verläuft er allmählich. Der Verlust der traditionellen Musik wird jedoch in den Ländern oder Regionen verlangsamt, in denen die traditionelle Volksmusik ein Abzeichen der kulturellen oder nationalen Identität ist. ⓘ
Frühe Volksmusik, Feldforschung und Wissenschaft
Vieles von dem, was über Volksmusik vor der Entwicklung der Tonaufnahmetechnik im 19. Jahrhundert bekannt ist, stammt aus Feldforschungen und Schriften von Gelehrten, Sammlern und Befürwortern. ⓘ
Europa im 19. Jahrhundert
Ab dem 19. Jahrhundert unternahmen Akademiker und Amateurwissenschaftler, die den Verlust von Musiktraditionen bemerkten, verschiedene Anstrengungen, um die Musik des Volkes zu erhalten. So sammelte Francis James Child im späten 19. Jahrhundert die Texte von über dreihundert Balladen der englischen und schottischen Tradition (die so genannten Child Ballads), von denen einige aus dem 16. ⓘ
Zeitgleich mit Child setzten sich die Reverend Sabine Baring-Gould und später Cecil Sharp unter der Ägide der English Folk Dance and Song Society (EFDSS) für die Erhaltung eines großen Bestandes an traditionellen englischen Liedern, Musik und Tänzen auf dem Land ein. Sharp setzte sich mit einigem Erfolg dafür ein, dass englische traditionelle Lieder (in seinen eigenen, stark bearbeiteten und überarbeiteten Versionen) Schulkindern beigebracht wurden, in der Hoffnung, die Popularität dieser Lieder wiederzubeleben und zu verlängern. In den 1960er und Anfang bis Mitte der 1970er Jahre veröffentlichte der amerikanische Gelehrte Bertrand Harris Bronson eine umfassende vierbändige Sammlung der damals bekannten Text- und Melodievariationen, die unter dem Namen Child Canon bekannt wurde. Er stellte auch einige bedeutende Theorien über die Funktionsweise der mündlich-auralen Tradition auf. ⓘ
Ähnliche Aktivitäten gab es auch in anderen Ländern. Eine der umfangreichsten war vielleicht die Arbeit von Krisjanis Barons in Riga, der zwischen 1894 und 1915 sechs Bände mit den Texten von 217.996 lettischen Volksliedern, den Latvju dainas, veröffentlichte. In Norwegen wurde die Arbeit von Sammlern wie Ludvig Mathias Lindeman von Edvard Grieg in seinen Lyrischen Stücken für Klavier und in anderen Werken verwendet, die sehr populär wurden. ⓘ
Zu dieser Zeit entwickelten Komponisten der klassischen Musik ein starkes Interesse am Sammeln traditioneller Lieder, und eine Reihe von Komponisten führte eigene Feldforschungen zur traditionellen Musik durch. Dazu gehörten Percy Grainger und Ralph Vaughan Williams in England und Béla Bartók in Ungarn. Wie viele ihrer Vorgänger bearbeiteten diese Komponisten sowohl Volkslieder als auch verarbeiteten sie traditionelles Material in klassischen Originalkompositionen. ⓘ
Nord-Amerika
Mit dem Aufkommen der Tonaufnahmetechnik erhielten die Volkskundler ein revolutionäres Instrument zur Bewahrung verschwindender Musikformen. Die ersten amerikanischen Volksmusikforscher gehörten der American Folklore Society (AFS) an, die in den späten 1800er Jahren gegründet wurde. Ihre Studien weiteten sich auf die Musik der amerikanischen Ureinwohner aus, behandelten die Volksmusik aber weiterhin als historisches Gut, das auch in isolierten Gesellschaften bewahrt wurde. In Nordamerika arbeitete die Library of Congress in den 1930er und 1940er Jahren mit den Büros der Sammler traditioneller Musik Robert Winslow Gordon, Alan Lomax und anderen zusammen, um so viel nordamerikanisches Feldmaterial wie möglich zu erfassen. John Lomax (der Vater von Alan Lomax) war der erste prominente Wissenschaftler, der sich mit spezifisch amerikanischer Volksmusik wie der der Cowboys und der Schwarzen aus den Südstaaten beschäftigte. Sein erstes größeres Werk wurde 1911 unter dem Titel Cowboy Songs and Other Frontier Ballads veröffentlicht. Er war wohl der bedeutendste US-amerikanische Volksmusikforscher seiner Zeit, insbesondere während der Anfänge der Wiederbelebung der Volksmusik in den 1930er und frühen 1940er Jahren. Cecil Sharp arbeitete ebenfalls in Amerika, wo er 1916-1918 in Zusammenarbeit mit Maud Karpeles und Olive Dame Campbell die traditionellen Lieder der Appalachen aufnahm, und gilt als erster bedeutender Wissenschaftler der amerikanischen Volksmusik. Campbell und Sharp werden unter anderen Namen von Schauspielern in dem modernen Film Songcatcher dargestellt. ⓘ
Ein starkes Thema unter Folk-Wissenschaftlern in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts war der Regionalismus, die Analyse der Vielfalt der Folk-Musik (und verwandter Kulturen) auf der Grundlage von Regionen der USA und nicht auf der Grundlage der historischen Wurzeln eines bestimmten Liedes. Später kam eine Dynamik der Klasse und der Umstände hinzu. Die prominentesten Regionalisten waren Literaten mit einem besonderen Interesse an der Folklore. Carl Sandburg reiste als Schriftsteller und Dichter oft durch die USA. Auf seinen Reisen sammelte er auch Lieder und veröffentlichte sie 1927 in dem Buch The American Songbag. Rachel Donaldson, eine Historikerin, die für Vanderbilt arbeitete, stellte später in ihrer Analyse des Folkmusik-Revivals Folgendes über The American Songbird fest. "In seinen Sammlungen von Volksliedern fügte Sandburg dem populären Verständnis der amerikanischen Volksmusik eine Klassendynamik hinzu. Dies war das letzte Element der Grundlage, auf der die frühen Folkmusik-Revivalisten ihre eigene Sicht des Amerikanismus aufbauten. Sandburgs Amerikaner aus der Arbeiterklasse schlossen sich den ethnisch, rassisch und regional unterschiedlichen Bürgern an, die andere Wissenschaftler, öffentliche Intellektuelle und Folkloristen ihre eigenen Definitionen des American Folk feierten, Definitionen, die die Folk-Revivalisten bei der Konstruktion ihres eigenen Verständnisses von amerikanischer Folkmusik und einer übergreifenden amerikanischen Identität verwendeten". ⓘ
Vor den 1930er Jahren war das Studium der Volksmusik in erster Linie eine Angelegenheit von Wissenschaftlern und Sammlern. In den 1930er Jahren begannen sich in der Bevölkerung und bei den Musikern größere Themen, Gemeinsamkeiten und Zusammenhänge in der Volksmusik herauszubilden, die oft mit der Großen Depression zusammenhingen. Regionalität und kultureller Pluralismus wuchsen als Einflüsse und Themen. In dieser Zeit begann die Volksmusik, sich mit politischen und sozialen Themen und Bewegungen zu verbinden. Zwei damit zusammenhängende Entwicklungen waren das Interesse der Kommunistischen Partei der USA an der Folkmusik als Mittel, um die Amerikaner zu erreichen und zu beeinflussen, und das Interesse politisch aktiver prominenter Folk-Musiker und -Wissenschaftler, die vor dem Hintergrund der Großen Depression den Kommunismus als ein mögliches besseres System betrachteten. Woody Guthrie ist ein Beispiel für Songwriter und Künstler mit einer solchen Einstellung. ⓘ
In den 1930er Jahren gab es eine Vielzahl von Folkmusikfestivals. Präsident Franklin Roosevelt war ein Fan der Folkmusik, veranstaltete Folkkonzerte im Weißen Haus und besuchte häufig Folkfestivals. Ein bekanntes Festival war Sarah Gertrude Knott's National Folk Festival, das 1934 in St. Louis, Missouri, gegründet wurde. Unter der Schirmherrschaft der Washington Post fand das Festival von 1937 bis 1942 in der Constitution Hall in Washington, DC statt. Die Volksmusikbewegung, die Festivals und die Kriegsanstrengungen wurden als Kräfte für soziale Güter wie Demokratie, kulturellen Pluralismus und die Beseitigung von Kultur- und Rassenschranken angesehen. ⓘ
Die amerikanischen Folkmusik-Revivalisten der 1930er Jahre verfolgten unterschiedliche Ansätze zur Folkmusik. Es kristallisierten sich drei Hauptströmungen heraus: "Traditionalisten" (z. B. Sarah Gertrude Knott und John Lomax) betonten die Erhaltung von Liedern als Artefakte untergegangener Kulturen. "Funktionale" Folkloristen (z. B. Botkin und Alan Lomax) vertraten die Ansicht, dass Lieder nur dann von Bedeutung sind, wenn sie von denjenigen Kulturen verwendet werden, die die Traditionen beibehalten, aus denen diese Lieder hervorgegangen sind. "Linke" Folk-Revivalisten (z. B. Charles Seeger und Lawrence Gellert) betonten die Rolle der Musik "in den Kämpfen der Menschen für soziale und politische Rechte". Ende der 1930er Jahre hatten diese und andere die amerikanische Folkmusik in eine soziale Bewegung verwandelt.
Manchmal wurden Folk-Musiker selbst zu Gelehrten und Anwälten. Jean Ritchie (1922-2015) zum Beispiel war das jüngste Kind einer großen Familie aus Viper, Kentucky, die viele der alten traditionellen Lieder der Appalachen bewahrt hatte. Ritchie, die in einer Zeit lebte, in der sich die Appalachen für Einflüsse von außen geöffnet hatten, erhielt eine Universitätsausbildung und zog schließlich nach New York City, wo sie eine Reihe von klassischen Aufnahmen des Familienrepertoires machte und eine wichtige Zusammenstellung dieser Lieder veröffentlichte. ⓘ
Im Januar 2012 kündigte das American Folklife Center der Library of Congress zusammen mit der Association for Cultural Equity an, dass sie Lomax' umfangreiches Archiv von 1946 und späteren Aufnahmen in digitaler Form veröffentlichen würden. Lomax verbrachte die letzten 20 Jahre seines Lebens mit der Arbeit an einem interaktiven Multimedia-Bildungscomputerprojekt, das er Global Jukebox nannte und das 5.000 Stunden Tonaufnahmen, 400.000 Meter Film, 3.000 Videobänder und 5.000 Fotos umfasste. Im März 2012 war das Ziel erreicht. Ungefähr 17.400 von Lomax' Aufnahmen aus den Jahren 1946 und später wurden online frei zugänglich gemacht. Dieses Material aus Alan Lomax' 1946 begonnenem unabhängigen Archiv, das von der Association for Cultural Equity digitalisiert und angeboten wird, "unterscheidet sich von den Tausenden früherer Aufnahmen auf Acetat- und Aluminiumplatten, die er von 1933 bis 1942 unter der Schirmherrschaft der Library of Congress gemacht hat. Diese frühere Sammlung - zu der die berühmten Aufnahmen von Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly und Muddy Waters sowie Lomax' umfangreiche Sammlungen aus Haiti und Ost-Kentucky (1937) gehören - stammt aus dem American Folklife Center" der Library of Congress. ⓘ
Nationale und regionale Formen
Afrika
Afrika ist ein riesiger Kontinent und seine Regionen und Nationen haben unterschiedliche Musiktraditionen. Die Musik Nordafrikas hat größtenteils eine andere Geschichte als die afrikanischen Musiktraditionen südlich der Sahara. ⓘ
Die Musik- und Tanzformen der afrikanischen Diaspora, einschließlich der afroamerikanischen Musik und vieler karibischer Genres wie Soca, Calypso und Zouk sowie lateinamerikanischer Musikgenres wie Samba, kubanischer Rumba, Salsa und anderer Clave (Rhythmus)-basierter Genres, basieren in unterschiedlichem Maße auf der Musik der afrikanischen Sklaven, die wiederum die afrikanische Populärmusik beeinflusst hat. ⓘ
Asien
In vielen asiatischen Kulturen wird zwischen Kunst-, Hof- und klassischer Musik und Volksmusik unterschieden. Der verstorbene Alam Lohar ist ein Beispiel für einen südasiatischen Sänger, der als Volkssänger eingestuft wurde. ⓘ
Khunung Eshei/Khuland Eshei ist ein altes Volkslied aus Indien, einem asiatischen Land, von Meiteis aus Manipur, das ein Beispiel für asiatische Volksmusik ist, und wie sie es in ein eigenes Genre einordnen. ⓘ
Volksmusik in China
Archäologische Funde belegen, dass die chinesische Volksmusik 7000 Jahre alt ist; sie basiert weitgehend auf der pentatonischen Tonleiter. ⓘ
Zu den traditionellen Hochzeiten und Beerdigungen der Han gehören in der Regel eine Art Oboe, Suona genannt, und apercussive Ensembles, Chuigushou genannt. Ensembles aus Mundharmonikas (Sheng), Schalmeien (Suona), Flöten (Dizi) und Schlaginstrumenten (vor allem Yunluo-Gongs) sind in den nördlichen Dörfern beliebt; ihre Musik stammt von der kaiserlichen Tempelmusik in Peking, Xi'an, Wutai shan und Tianjin ab. Die Xi'an-Trommelmusik, die aus Blas- und Schlaginstrumenten besteht, ist in der Umgebung von Xi'an beliebt und hat auch außerhalb Chinas eine gewisse kommerzielle Popularität erlangt. Ein weiteres wichtiges Instrument ist die Sheng, eine Art chinesische Pfeife, ein uraltes Instrument, das der Vorläufer aller westlichen freien Rohrblattinstrumente wie dem Akkordeon ist. Paraden, die von westlichen Blaskapellen angeführt werden, sind üblich und konkurrieren oft in der Lautstärke mit einer Schalmeien- oder Chuigushou-Band. ⓘ
Im südlichen Fujian und in Taiwan ist Nanyin oder Nanguan ein Genre traditioneller Balladen. Sie werden von einer Frau gesungen, die von einem Xiao und einer Pipa sowie anderen traditionellen Instrumenten begleitet wird. Die Musik ist im Allgemeinen traurig und handelt von Menschen mit Liebeskummer. Weiter südlich, in Shantou, Hakka und Chaozhou, sind Zheng-Ensembles sehr beliebt. Sizhu-Ensembles verwenden Flöten und Streich- oder Zupfinstrumente, um harmonische und melodiöse Musik zu machen, die im Westen bei einigen Zuhörern beliebt geworden ist. Sie sind in Nanjing und Hangzhou sowie anderswo im südlichen Jangtse-Gebiet beliebt. Jiangnan Sizhu (Seiden- und Bambusmusik aus Jiangnan) ist ein Instrumentalmusikstil, der häufig von Amateurmusikern in Teehäusern in Shanghai gespielt wird. Guangdong-Musik oder kantonesische Musik ist Instrumentalmusik aus Guangzhou und den umliegenden Gebieten. Die Musik aus dieser Region beeinflusste die Yueju-Musik (kantonesische Oper), die später während des selbst bezeichneten "Goldenen Zeitalters" Chinas unter der VR China populär wurde. ⓘ
Traditionelle Volksmusik in Sri Lanka
Die Kunst, die Musik und der Tanz Sri Lankas entstammen den Elementen der Natur und wurden in der buddhistischen Umgebung genossen und weiterentwickelt. Es gibt verschiedene Arten von Musik, für die nur wenige Instrumente verwendet werden. Die Volkslieder und Gedichte wurden in geselligen Zusammenkünften verwendet, um gemeinsam zu arbeiten. Die indisch beeinflusste klassische Musik hat sich zu einer einzigartigen Musik entwickelt. Das traditionelle Drama, die Musik und die Lieder der singhalesischen Unterhaltungsmusik sind typisch für Sri Lanka. Die Tempelmalereien und Schnitzereien zeigen Vögel, Elefanten, wilde Tiere, Blumen und Bäume, und die traditionellen 18 Tänze zeigen den Tanz von Vögeln und Tieren. Zum Beispiel:
- Mayura Wannama - Der Tanz des Pfaus
- Hanuma Wannama - Der Tanz des Affen
- Gajaga Wannama - Der Tanz des Elefanten ⓘ
Die Musikarten umfassen:
- Die lokale Schauspielmusik umfasst die Typen Kolam und Nadagam. Die Kolam-Musik basiert auf ländlichen Melodien und dient in erster Linie der Begleitung von Maskentänzen bei Exorzismus-Ritualen. Sie gilt als weniger entwickelt, getreu der Volkstradition und als Bewahrung einer älteren Kunstform. Sie beschränkt sich auf etwa 3-4 Töne und wird von den einfachen Leuten zum Vergnügen und zur Unterhaltung gespielt.
- Nadagam-Musik ist eine weiterentwickelte Form des Dramas, die vom südindischen Straßendrama beeinflusst ist und von einigen südindischen Künstlern eingeführt wurde. Phillippu Singho aus Negombo führte 1824 "Harishchandra Nadagama" in Hnguranketha auf, das ursprünglich in der Telingu-Sprache geschrieben war. Später wurden "Maname", "Sanda kinduru" und andere eingeführt. Don Bastian aus Dehiwala führte Noorthy ein, indem er sich an indischen Dramen orientierte, und John de Silva entwickelte es weiter, ebenso wie Ramayanaya im Jahr 1886.
- Singhalesische Unterhaltungsmusik ist derzeit die beliebteste Musikart in Sri Lanka und wird durch den Einfluss von Volksmusik, Kolam-Musik, Nadagam-Musik, Noorthy-Musik, Filmmusik, klassischer Musik, westlicher Musik und anderen bereichert. Einige Künstler besuchten Indien, um Musik zu lernen, und begannen später, Unterhaltungsmusik einzuführen. Ananda Samarakone war der Pionier auf diesem Gebiet und komponierte auch die Nationalhymne. ⓘ
Das klassische singhalesische Orchester besteht aus fünf Kategorien von Instrumenten, aber unter den Schlaginstrumenten ist die Trommel für den Tanz unerlässlich. Der pulsierende Rhythmus der Trommeln bildet die Grundlage des Tanzes. Die Füße der Tänzerinnen und Tänzer wippen über den Boden, sie springen und wirbeln in Mustern, die die komplexen Rhythmen des Trommelschlags widerspiegeln. Dieser Trommelschlag mag beim ersten Hören einfach erscheinen, aber es dauert lange, bis man die komplizierten Rhythmen und Variationen beherrscht, die der Trommler manchmal zu einem Crescendo der Intensität bringen kann. Es gibt sechs verschiedene Arten von Trommeln, die sich in drei Stile einteilen lassen (einseitig, beidseitig und flach):
- Der typische singhalesische Tanz wird als Kandyan-Tanz bezeichnet und die Gatabera-Trommel ist für diesen Tanz unverzichtbar.
- Die Yak-bera ist die Dämonentrommel oder die Trommel, die beim Low-Country-Tanz verwendet wird, bei dem die Tänzer Masken tragen und einen Teufelstanz aufführen, der zu einer hoch entwickelten Kunstform geworden ist.
- Die Daula ist eine tonnenförmige Trommel, die früher als Begleittrommel zur Thammattama verwendet wurde, um den Rhythmus zu halten.
- Die Thammattama ist eine flache, doppelseitige Trommel. Der Trommler schlägt die Trommel auf den beiden oberen Flächen mit Stöcken an, im Gegensatz zu den anderen Trommeln, bei denen man auf den Seiten trommelt. Sie ist eine Begleittrommel zur bereits erwähnten Dawula.
- Eine kleine doppelköpfige Handtrommel wird zur Begleitung von Liedern verwendet. Sie ist vor allem bei den poetischen Tänzen wie Vannam zu hören.
- Die Rabana ist eine runde Trommel mit flachem Gesicht, die es in verschiedenen Größen gibt. Die große Rabana - Banku Rabana genannt - wird wie ein kreisförmiger Tisch mit kurzen Beinen auf den Boden gestellt, und mehrere Personen (traditionell Frauen) können um sie herum sitzen und mit beiden Händen darauf schlagen. Dies wird bei Festen wie dem singhalesischen Neujahrsfest und bei Zeremonien wie Hochzeiten verwendet. Der schallende Schlag der Rabana symbolisiert die freudige Stimmung des Anlasses. Die kleine Rabana ist eine Art mobiler Trommelschlag, da der Spieler sie überallhin mitnimmt. ⓘ
Andere Instrumente sind:
- Die Thalampata - 2 kleine Becken, die durch eine Saite verbunden sind.
- Die Bläsergruppe wird von einem Instrument beherrscht, das der Klarinette ähnelt. Dieses Instrument wird normalerweise nicht für Tänze verwendet. Das ist wichtig zu wissen, denn der singhalesische Tanz ist nicht vertont, wie man es in der westlichen Welt kennt; der Rhythmus ist entscheidend.
- Metallflöten wie Silber- und Messingflöten erzeugen schrille Musik zur Begleitung von Kandyan-Tänzen, während die klagenden Töne der Schilfrohrflöte beim Teufelstanz die Luft durchdringen können. Die Muschel (Hakgediya) ist eine andere Form eines natürlichen Instruments, das der Spieler bläst, um die Eröffnung großer Zeremonien anzukündigen.
- Die Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron oder ravana hasta veena) ist eine Streichgeige, die einst in Westindien beliebt war. Es wird angenommen, dass sie ihren Ursprung in der Hela-Zivilisation von Sri Lanka zur Zeit von König Ravana hatte. Die Schale besteht aus einer geschliffenen Kokosnussschale, deren Mund mit Ziegenhaut überzogen ist. An dieser Schale ist ein Dandi aus Bambus befestigt. Die wichtigsten Saiten sind zwei: eine aus Stahl und die andere aus einem Satz Pferdehaar. Der lange Bogen hat Schellen ⓘ
Australien
Volksliedtraditionen wurden von frühen Siedlern aus England, Schottland und Irland nach Australien gebracht und fassten vor allem im ländlichen Outback Fuß. Die gereimten Lieder, Gedichte und Geschichten, die in Form von Buschballaden verfasst wurden, beziehen sich oft auf den reisenden und rebellischen Geist von Australien im Busch, und die Autoren und Interpreten werden oft als Buschbarden bezeichnet. Das 19. Jahrhundert war das goldene Zeitalter der Buschballaden. Mehrere Sammler haben die Lieder katalogisiert, darunter John Meredith, dessen Aufnahme in den 1950er Jahren die Grundlage für die Sammlung der National Library of Australia bildete. ⓘ
Die Lieder erzählen persönliche Geschichten über das Leben in der weiten, offenen Landschaft Australiens. Typische Themen sind Bergbau, Rinderzucht und -trieb, Schafschur, Wanderungen, Kriegsgeschichten, der australische Schafschererstreik von 1891, Klassenkonflikte zwischen der landlosen Arbeiterklasse und den Landbesitzern, Gesetzlose wie Ned Kelly, aber auch Liebesgeschichten und modernere Themen wie das Trucking. Die berühmteste Buschballade ist "Waltzing Matilda", die als "die inoffizielle Nationalhymne Australiens" bezeichnet wurde. ⓘ
Die Musik der australischen Ureinwohner umfasst die Musik der australischen Ureinwohner und der Torres-Strait-Insulaner, die kollektiv als australische Ureinwohner bezeichnet werden. Sie umfasst eine Vielzahl von unverwechselbaren traditionellen Musikstilen, die von den australischen Ureinwohnern praktiziert werden, sowie eine Reihe von zeitgenössischen Musikstilen, die mit europäischen Traditionen verschmelzen und von australischen Ureinwohnern interpretiert und aufgeführt werden. Die Musik war über die Jahrtausende ihrer individuellen und kollektiven Geschichte bis in die Gegenwart ein fester Bestandteil der sozialen, kulturellen und zeremoniellen Bräuche dieser Völker. Die traditionellen Formen umfassen viele Aspekte der Darbietung und Musikinstrumente, die für bestimmte Regionen oder indigene australische Gruppen einzigartig sind. Gleiche Elemente der Musiktradition sind in weiten Teilen des australischen Kontinents und sogar darüber hinaus verbreitet. Die Kultur der Torres-Strait-Insulaner ist mit derjenigen der angrenzenden Teile Neuguineas verwandt, und so ist auch ihre Musik verwandt. Die Musik ist ein wesentlicher Bestandteil der kulturellen Pflege der australischen Ureinwohner. ⓘ
Europa
Keltische traditionelle Musik
Keltische Musik ist ein Begriff, der von Künstlern, Plattenfirmen, Musikgeschäften und Musikzeitschriften verwendet wird, um eine breite Gruppe von Musikgenres zu beschreiben, die sich aus den Volksmusiktraditionen der keltischen Völker entwickelt haben. Zu diesen Traditionen gehören irische, schottische, manxische, kornische, walisische und bretonische Traditionen. Auch asturische und galicische Musik wird oft dazu gezählt, obwohl es keine aussagekräftigen Forschungsergebnisse gibt, die eine enge musikalische Verwandtschaft belegen. Das Folk-Revival in der Bretagne begann in den 1950er Jahren mit dem "bagadoù" und dem "kan-ha-diskan", bevor es seit Mitte der 1960er Jahre durch Alan Stivell zu Weltruhm gelangte. ⓘ
In Irland haben The Clancy Brothers und Tommy Makem (obwohl alle Mitglieder in Irland geboren wurden, erlangte die Gruppe Berühmtheit, als sie im New Yorker Greenwich Village ansässig war), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers und eine Vielzahl anderer Folk-Bands in den letzten Jahrzehnten viel dazu beigetragen, die traditionelle irische Musik wiederzubeleben und populär zu machen. Diese Bands waren mehr oder weniger in der irischen Musiktradition verwurzelt und profitierten von den Bemühungen von Künstlern wie Seamus Ennis und Peter Kennedy. ⓘ
In Schottland haben The Corries, Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough und The Silencers den schottischen Folk lebendig und frisch gehalten, indem sie traditionelle schottische und gälische Folksongs mit moderneren Genres mischten. Diese Künstler waren auch in Kontinentaleuropa und Nordamerika kommerziell erfolgreich. In der schottischen traditionellen Musikszene gibt es eine Fülle von Talenten, wobei Bands wie Mànran, Skipinnish, Barluath und Breabach sowie Solokünstler wie Patsy Reid, Robyn Stapleton und Mischa MacPherson in den letzten Jahren große Erfolge erzielt haben. ⓘ
Mittel- und Osteuropa
Während der kommunistischen Ära wurde der nationale Volkstanz im Ostblock aktiv vom Staat gefördert. Tanzgruppen aus Russland und Polen tourten von etwa 1937 bis 1990 durch das nichtkommunistische Europa. Der Chor der Roten Armee nahm zahlreiche Alben auf und wurde zur beliebtesten Militärkapelle. Osteuropa ist auch der Ursprung der jüdischen Klezmer-Tradition. ⓘ
Die Polka ist ein mitteleuropäischer Tanz und eine in ganz Europa und Amerika bekannte Tanzmusikgattung. Sie entstand in der Mitte des 19. Jahrhunderts in Böhmen. Jahrhunderts in Böhmen. Die Polka ist auch heute noch in vielen europäischen Ländern ein beliebtes Genre der Volksmusik und wird von Volkskünstlern in Polen, Lettland, Litauen, der Tschechischen Republik, den Niederlanden, Kroatien, Slowenien, Deutschland, Ungarn, Österreich, der Schweiz, Italien, der Ukraine, Weißrussland, Russland und der Slowakei gespielt. Lokale Varianten dieses Tanzes gibt es auch in den nordischen Ländern, im Vereinigten Königreich, in der Republik Irland, in Lateinamerika (insbesondere Mexiko) und in den Vereinigten Staaten. ⓘ
Deutsche Volkslieder, die in Liederhandschriften wie Carmina Burana überliefert sind, gehen auf mittelalterliche Minnesang- und Meistersinger-Traditionen zurück. Diese Volkslieder lebten in der deutschen Romantik des späten 18. Jahrhunderts wieder auf, die zunächst von Johann Gottfried Herder und anderen Vertretern der Aufklärung gefördert und später von Achim von Arnim und Clemens Brentano (Des Knaben Wunderhorn) sowie von Ludwig Uhland zusammengestellt wurde. ⓘ
Die Gattung der Volksmusik und der Volkstänze hat sich vor allem in den Alpenregionen Bayerns, Österreichs, der Schweiz (Kuhreihen) und Südtirols bis heute in den bäuerlichen Gemeinden vor dem Hintergrund der Industrialisierung gehalten - niederdeutsche Hüttenlieder oder das Wienerlied (Schrammelmusik) sind bemerkenswerte Ausnahmen. Auch die slowenische Volksmusik in der Oberkrain und in der Steiermark hat ihren Ursprung in den alpinen Traditionen, wie etwa das produktive Ensemble Lojze Slak. Die traditionelle Volksmusik ist nicht zu verwechseln mit der kommerziellen volkstümlichen Musik, die eine Ableitung davon ist. ⓘ
Die ungarische Gruppe Muzsikás unternahm zahlreiche Tourneen durch Amerika und wirkte in dem Hollywood-Film Der englische Patient mit, während die Sängerin Márta Sebestyén mit der Band Deep Forest arbeitete. Die ungarische Táncház-Bewegung, die in den 1970er Jahren entstand, ist eine enge Zusammenarbeit zwischen Musikwissenschaftlern und begeisterten Amateuren. Die traditionelle ungarische Volksmusik und Volkskultur hat jedoch in einigen ländlichen Gebieten Ungarns kaum überlebt, und auch bei den ethnischen Ungarn in Siebenbürgen ist sie im Verschwinden begriffen. Die Táncház-Bewegung belebte die breiteren volkstümlichen Traditionen von Musik, Tanz und Tracht wieder und schuf eine neue Art von Musikverein. Die Bewegung verbreitete sich in den ungarischen Volksgruppen in anderen Teilen der Welt. ⓘ
Balkanmusik
Die Volksmusik des Balkans wurde durch die Vermischung der ethnischen Gruppen des Balkans während der Zeit des Osmanischen Reichs beeinflusst. Sie umfasst die Musik Bosniens und Herzegowinas, Bulgariens, Kroatiens, Griechenlands, Montenegros, Serbiens, Rumäniens, der Republik Mazedonien, Albaniens, einiger historischer Staaten Jugoslawiens oder der Staatenunion Serbien und Montenegro sowie geografischer Regionen wie Thrakien. Einige Musikstücke zeichnen sich durch komplexe Rhythmen aus. ⓘ
Ein bemerkenswerter Akt ist The Mystery of the Bulgarian Voices, der 1989 mit einem Grammy Award ausgezeichnet wurde. ⓘ
Ein wichtiger Teil der gesamten Balkan-Volksmusik ist die Musik der lokalen ethnischen Minderheit der Roma, die Tallava und Brass Band Musik genannt wird. ⓘ
Nordische Volksmusik
Die nordische Volksmusik umfasst eine Reihe von Traditionen in nordeuropäischen, insbesondere skandinavischen Ländern. Unter den nordischen Ländern versteht man im Allgemeinen Island, Norwegen, Finnland, Schweden, Dänemark und Grönland. Manchmal werden auch die baltischen Länder Estland, Lettland und Litauen dazu gezählt. ⓘ
Die vielen Regionen der nordischen Länder haben bestimmte Traditionen gemeinsam, von denen viele stark voneinander abweichen, wie das Psalmodicon von Dänemark, Schweden und Norwegen. Auch die baltischen Staaten (oder manchmal nur Estland) und Teile des nordwestlichen Russlands haben kulturelle Gemeinsamkeiten, auch wenn die Beziehungen in den letzten Jahren abgekühlt sind. Im Gegensatz zu Norwegen, Schweden, Dänemark und den atlantischen Inseln Island und Färöer, die so gut wie keine Gemeinsamkeiten dieser Art aufweisen. Die grönländische Inuit-Kultur hat ihre eigenen einzigartigen Musiktraditionen. Finnland hat sowohl mit den baltischen als auch mit den skandinavischen Ländern viele kulturelle Gemeinsamkeiten. Die Sami in Schweden, Norwegen, Finnland und Russland haben ihre eigene, einzigartige Kultur mit Verbindungen zu den benachbarten Kulturen. ⓘ
Die schwedische Volksmusik ist ein Musikgenre, das weitgehend auf folkloristischen Sammlungen basiert, die im frühen 19. Jahrhundert in Schweden entstanden sind. Das wichtigste Instrument der schwedischen Volksmusik ist die Fiedel. Ein weiteres gängiges Instrument, das in der schwedischen Tradition einzigartig ist, ist die Nyckelharpa. Die meiste schwedische instrumentale Volksmusik ist Tanzmusik; die charakteristische Musik- und Tanzform innerhalb der schwedischen Volksmusik ist die Polska. Gesang und Instrumentalmusik haben in Schweden historisch gesehen die Tendenz, gemeinsame Melodien zu spielen, auch wenn sie getrennt voneinander aufgeführt wurden. Seit der Wiederbelebung der Volksmusik in den 1970er Jahren treten Vokalisten und Instrumentalisten auch gemeinsam in Volksmusikensembles auf. ⓘ
Latein- und Südamerika
Die Volksmusik Amerikas besteht aus dem Zusammentreffen und der Verbindung dreier wichtiger Musikrichtungen: Europäische traditionelle Musik, traditionelle Musik der amerikanischen Ureinwohner und afrikanische Stammesmusik, die mit den Sklaven von diesem Kontinent kam. ⓘ
Im besonderen Fall der latein- und südamerikanischen Musik ist die Andenmusik neben anderen einheimischen Musikstilen (wie der karibischen und der pampeanischen), der iberischen Musik Spaniens und Portugals und allgemein der afrikanischen Stammesmusik zu nennen, die alle drei miteinander verschmolzen sind und sich in Mittel- und Südamerika zu differenzierten Musikformen entwickelt haben. ⓘ
Die Musik der Anden stammt aus dem Gebiet der Quechuas, Aymaras und anderer Völker, die vor dem Kontakt mit den Europäern auf dem Gebiet des Inka-Reiches lebten. Sie umfasst die Folkloremusik von Teilen von Bolivien, Ecuador, Chile, Kolumbien, Peru und Venezuela. Andenmusik ist in ganz Lateinamerika in unterschiedlichem Maße populär, wobei sie ihr Hauptpublikum in ländlichen Gebieten und unter der indigenen Bevölkerung hat. Die Nueva-Canción-Bewegung der 1970er Jahre hat das Genre in ganz Lateinamerika wiederbelebt und es an Orte gebracht, wo es unbekannt oder vergessen war. ⓘ
Nueva Canción (spanisch für "neues Lied") ist eine Bewegung und ein Genre innerhalb der lateinamerikanischen und iberischen Volksmusik, der von der Volksmusik inspirierten Musik und der sozial engagierten Musik. In mancherlei Hinsicht ähnelt ihre Entwicklung und Rolle dem zweiten Folkmusik-Revival in Nordamerika. Dazu gehört auch die Entwicklung dieses neuen Genres aus der traditionellen Volksmusik, die im Wesentlichen der zeitgenössischen Volksmusik entspricht, nur dass der englische Genre-Begriff nicht allgemein auf sie angewendet wird. Die Nueva Cancion hat anerkanntermaßen eine wichtige Rolle bei den sozialen Umwälzungen in Portugal, Spanien und Lateinamerika in den 1970er und 1980er Jahren gespielt. ⓘ
Nueva cancion tauchte erstmals in den 1960er Jahren in Chile unter dem Namen "The Chilean New Song" auf. Wenig später tauchte der Musikstil auch in Spanien und anderen Regionen Lateinamerikas auf, wo er unter ähnlichen Namen bekannt wurde. Die Nueva Canción erneuerte die traditionelle lateinamerikanische Volksmusik und wurde mit ihren politischen Texten bald mit revolutionären Bewegungen, der lateinamerikanischen Neuen Linken, der Befreiungstheologie, Hippie- und Menschenrechtsbewegungen in Verbindung gebracht. Sie erlangte in ganz Lateinamerika große Popularität und gilt als Vorläuferin des Rock en español. ⓘ
Cueca ist eine Familie von Musikstilen und damit verbundenen Tänzen aus Chile, Bolivien und Peru. ⓘ
Trova und Son sind Stile der traditionellen kubanischen Musik, die ihren Ursprung in der Provinz Oriente haben und Einflüsse spanischer Lieder und Tänze wie Bolero und Contradanza sowie afrokubanische Rhythmus- und Perkussionselemente enthalten. ⓘ
Moda de viola ist die Bezeichnung für die brasilianische Volksmusik. Sie wird oft mit einer 6-saitigen akustischen Nylongitarre gespielt, aber das traditionellste Instrument ist die Viola Caipira. In den Liedern werden im Wesentlichen die Schwierigkeiten des Lebens derjenigen beschrieben, die auf dem Land arbeiten. Die Themen sind in der Regel mit dem Land, Tieren, Folklore, unmöglicher Liebe und Trennung verbunden. Obwohl es einige fröhliche Lieder gibt, sind die meisten nostalgisch und melancholisch. ⓘ
Nord-Amerika
Kanada
Die traditionelle Volksmusik Kanadas ist besonders vielfältig. Schon vor der Liberalisierung der Einwanderungsgesetze in den 1960er Jahren war Kanada ethnisch vielfältig, mit Dutzenden verschiedener indigener und europäischer Gruppen. In Bezug auf die Musik sprechen Wissenschaftler nicht von einer kanadischen Tradition, sondern eher von ethnischen Traditionen (akadische Musik, irisch-kanadische Musik, Blackfoot-Musik, Innu-Musik, Inuit-Musik, Métis-Fiddle usw.) und später in Ostkanada von regionalen Traditionen (Neufundland-Musik, Cape Breton Fiddle, Quebecois-Musik usw.)
Traditionelle Volksmusik europäischen Ursprungs gibt es in Kanada seit der Ankunft der ersten französischen und britischen Siedler im 16. und 17. Jahrhundert.... Sie fischten in den Küstengewässern und bewirtschafteten die Küsten dessen, was zu Neufundland, Neuschottland, Neubraunschweig, Prince-Edward-Insel und dem St.-Lorenz-Stromtal in Quebec wurde.
Der Pelzhandel und seine Voyageure brachten sie weiter in den Norden und Westen Kanadas; später setzten Holzfällerbetriebe und Holzfäller diesen Prozess fort. ⓘ
Die landwirtschaftliche Besiedlung im Osten und Süden Ontarios und im Westen Quebecs im frühen 19. Jahrhundert schuf ein günstiges Milieu für das Überleben vieler anglo-kanadischer Volkslieder und Breitseitenballaden aus Großbritannien und den USA. Trotz der massiven Industrialisierung haben sich die Volksmusiktraditionen in vielen Gebieten bis heute erhalten. Im Norden von Ontario hielt eine große franko-ontarische Bevölkerung die Volksmusik französischen Ursprungs am Leben. ⓘ
Die bevölkerungsreichen akadischen Gemeinden in den Atlantikprovinzen trugen mit ihren Liedvarianten zu dem riesigen Korpus französischer Volksmusik bei, dessen Zentrum die Provinz Quebec ist. Eine reiche Quelle anglo-kanadischer Volksmusik findet sich in der Atlantikregion, insbesondere in Neufundland. Ergänzt wird dieses Mosaik musikalischer Folklore durch die gälische Musik der schottischen Siedlungen, insbesondere in Cape Breton, und die Hunderte von irischen Liedern, deren Präsenz in Ostkanada auf die irische Hungersnot der 1840er Jahre zurückgeht, die die Iren zu großen Wanderungsbewegungen nach Nordamerika zwang.
"Die Kenntnis der Geschichte Kanadas", schrieb Isabelle Mills 1974, "ist für das Verständnis des Mosaiks des kanadischen Volksliedes unerlässlich. Einen Teil dieses Mosaiks liefern die Volkslieder Kanadas, die von europäischen und angelsächsischen Siedlern in das neue Land gebracht wurden." Sie beschreibt, wie die französische Kolonie in Québec französische Einwanderer mitbrachte, denen schon bald Wellen von Einwanderern aus Großbritannien, Deutschland und anderen europäischen Ländern folgten, die alle Musik aus ihren Heimatländern mitbrachten, von der einige bis in die heutige Zeit überlebt haben. Der Ethnograf und Volkskundler Marius Barbeau schätzte, dass in Kanada weit über zehntausend französische Volkslieder und ihre Varianten gesammelt worden waren. Viele der älteren Lieder waren zu diesem Zeitpunkt in Frankreich bereits ausgestorben. ⓘ
Die Musik als professionelle, bezahlte Unterhaltung entwickelte sich in Kanada, insbesondere in abgelegenen ländlichen Gebieten, im 19. und frühen 20. Während in den Städten Musikclubs der Art Dance Hall/Vaudeville populär wurden, gefolgt vom Jazz, blieb das ländliche Kanada hauptsächlich ein Land der traditionellen Musik. Als jedoch amerikanische Radiosender in den 1920er und 1930er Jahren begannen, in Kanada zu senden, ging das Publikum für die traditionelle kanadische Musik zugunsten der amerikanischen Country-Musik im Stil von Nashville und städtischen Stilen wie Jazz immer mehr zurück. Die Amerikanisierung der kanadischen Musik veranlasste die Canadian Radio League in den 1930er Jahren, sich für eine nationale öffentliche Rundfunkanstalt einzusetzen, was schließlich 1936 zur Gründung der Canadian Broadcasting Corporation (CBC) führte. Die CBC förderte kanadische Musik, einschließlich traditioneller Musik, im Radio und später auch im Fernsehen, aber die Begeisterung für alles "Moderne" in der Mitte des Jahrhunderts führte zum Niedergang der Volksmusik im Vergleich zu Rock und Pop. Kanada wurde jedoch von der Wiederbelebung der Folkmusik in den 1960er Jahren beeinflusst, als lokale Veranstaltungsorte wie der Montreal Folk Workshop und andere Folkclubs und Kaffeehäuser im ganzen Land zu Schmelztiegeln für aufstrebende Songwriter und Interpreten sowie für den Austausch mit Künstlern aus dem Ausland wurden. ⓘ
Vereinigte Staaten
Die traditionelle amerikanische Musik wird auch als Roots-Musik bezeichnet. Roots-Musik ist eine weit gefasste Musikkategorie, zu der Bluegrass, Country-Musik, Gospel, Old Time Music, Jug Bands, Appalachen-Folk, Blues, Cajun und Musik der amerikanischen Ureinwohner gehören. Die Musik gilt als amerikanisch, weil sie entweder in den Vereinigten Staaten beheimatet ist oder weil sie sich dort aus fremden Ursprüngen heraus in einem solchen Maße entwickelt hat, dass sie Musikwissenschaftlern als etwas eindeutig Neues auffällt. Sie gilt als "Roots-Musik", weil sie als Grundlage für die später in den Vereinigten Staaten entwickelte Musik diente, darunter Rock and Roll, zeitgenössische Volksmusik, Rhythm and Blues und Jazz. Einige dieser Genres werden als traditionelle Volksmusik betrachtet. ⓘ
- Die Cajun-Musik, eine emblematische Musik aus Louisiana, hat ihre Wurzeln in den Balladen der französischsprachigen Akadier in Kanada. Die Cajun-Musik wird oft im Zusammenhang mit der kreolischen, von der Cajun-Musik beeinflussten Zydeco-Musik erwähnt, die beide aus Acadiana stammen. Diese französischen Klänge aus Louisiana haben die amerikanische Popmusik über viele Jahrzehnte hinweg beeinflusst, insbesondere die Country-Musik, und sie haben die Popkultur durch die Massenmedien, z. B. durch Fernsehwerbung, beeinflusst.
- Die Musik der Appalachen ist die traditionelle Musik der Region Appalachia im Osten der Vereinigten Staaten. Sie geht auf verschiedene europäische und afrikanische Einflüsse zurück, darunter englische Balladen, irische und schottische traditionelle Musik (insbesondere Fiddle-Musik), Hymnen und afroamerikanischer Blues. Die Musiker aus den Appalachen, die in den 1920er Jahren zum ersten Mal aufgezeichnet wurden, hatten einen entscheidenden Einfluss auf die frühe Entwicklung der Old-Time-Musik, der Country-Musik und des Bluegrass und waren ein wichtiger Bestandteil der Wiederbelebung der amerikanischen Volksmusik. Zu den typischen Instrumenten der Appalachenmusik gehören das Banjo, die amerikanische Fiddle, das Hackbrett und die Gitarre. Zu den frühen Musikern der Appalachen gehören Fiddlin' John Carson, Henry Whitter, Bascom Lamar Lunsford, die Carter Family, Clarence Ashley, Frank Proffitt und Dock Boggs, die alle in den 1920er und 1930er Jahren aufgenommen wurden. Mehrere Musiker aus den Appalachen erlangten während des Folk-Revivals der 1950er und 1960er Jahre Bekanntheit, darunter Jean Ritchie, Roscoe Holcomb, Ola Belle Reed, Lily May Ledford und Doc Watson. Country- und Bluegrass-Künstler wie Loretta Lynn, Roy Acuff, Dolly Parton, Earl Scruggs, Chet Atkins und Don Reno wurden stark von der traditionellen Musik der Appalachen beeinflusst. Künstler wie Bob Dylan, Dave Van Ronk, Jerry Garcia und Bruce Springsteen haben Lieder aus den Appalachen interpretiert oder umgeschriebene Versionen von Liedern aus den Appalachen.
- Die Carter Family war eine traditionelle amerikanische Volksmusikgruppe, die zwischen 1927 und 1956 Aufnahmen machte. Ihre Musik hatte einen großen Einfluss auf Bluegrass, Country, Southern Gospel, Pop und Rockmusik. Sie waren die erste Gesangsgruppe, die zu Stars der Country-Musik wurde; ein Anfang der Abkehr der Country-Musik von der traditionellen Volksmusik. Ihre Aufnahmen von Songs wie "Wabash Cannonball" (1932), "Will the Circle Be Unbroken" (1935), "Wildwood Flower" (1928) und "Keep On the Sunny Side" (1928) wurden zu Country-Standards.
- Oklahoma und südliche US-Ebenen: Schon vor der Aufzeichnung der Geschichte verwendeten die Indianer in diesem Gebiet Lieder und Instrumente; Musik und Tanz bilden nach wie vor den Kern der zeremoniellen und sozialen Aktivitäten. Der "Stomp Dance" ist nach wie vor eine Form des Rufens und Antwortens; die Instrumentierung erfolgt durch Rasseln oder Fesseln, die von den Frauen an den Beinen getragen werden. "Andere südöstliche Völker haben ihre eigenen Komplexe von heiligen und sozialen Liedern, darunter solche für Tiertänze und Freundschaftstänze sowie Lieder, die Stickball-Spiele begleiten. Im Mittelpunkt der Musik der südlichen Plains-Indianer steht die Trommel, die als Herzschlag der Musik der Plains-Indianer bezeichnet worden ist. Der größte Teil dieses Genres lässt sich auf die Aktivitäten der Jagd und Kriegsführung zurückführen, auf denen die Kultur der Plains basierte. Die Trommel spielt eine zentrale Rolle in der Musik der südlichen Plains-Indianer. Während der Reservationszeit nutzten sie die Musik, um sich die Langeweile zu vertreiben. Nachbarn trafen sich, tauschten sich aus und kreierten Lieder und Tänze; dies ist ein Teil der Wurzeln des modernen stammesübergreifenden Powwows. Ein weiteres gängiges Instrument ist die Balzflöte.
- Die afroamerikanische Volksmusik in diesem Gebiet hat ihre Wurzeln in der Sklaverei und der Emanzipation. Sakrale Musik - a capella und mit Instrumentalbegleitung - ist das Herzstück dieser Tradition. Frühe Spirituals umrahmten den christlichen Glauben mit den Praktiken der Ureinwohner und waren stark von der Musik und den Rhythmen Afrikas beeinflusst. Spirituals stehen im Vordergrund und verwenden oft ein Ruf- und Antwortmuster. "Der Gospel entwickelte sich nach dem Bürgerkrieg (1861-1865). Er stützte sich in weiten Teilen auf biblische Texte, und die Verwendung von Metaphern und Bildern war üblich. Gospel ist ein "freudiger Lärm", der manchmal von Instrumenten begleitet und fast immer durch Händeklatschen, Fußwippen und Körperbewegungen unterstrichen wird. "Der Shape-Note- oder Sacred-Harp-Gesang entwickelte sich im frühen 19. Jahrhundert, als Wandergesangslehrer Kirchenlieder in ländlichen Gemeinden unterrichteten. Sie unterrichteten mit Hilfe von Liederbüchern, in denen musikalische Notationen von Tönen durch geometrische Formen dargestellt wurden, die dazu dienten, eine Form mit ihrer Tonhöhe zu assoziieren. Das Singen von Harfenliedern wurde in vielen ländlichen Gemeinden Oklahomas populär, unabhängig von der ethnischen Zugehörigkeit. Später entwickelte sich die Blues-Tradition, die ihre Wurzeln in der sakralen Musik hat und Parallelen zu ihr aufweist. Dann entwickelte sich der Jazz, der aus einer "Mischung aus Ragtime, Gospel und Blues" entstand.
- Anglo-schottisch-irische Musiktraditionen gewannen nach dem Land Run von 1889 einen Platz in Oklahoma. Aufgrund ihrer Größe und Tragbarkeit war die Fiddle das Herzstück der frühen angloamerikanischen Musik in Oklahoma, aber andere Instrumente wie die Gitarre, die Mandoline, das Banjo und die Steel Guitar kamen später hinzu. Verschiedene Musiktraditionen in Oklahoma haben ihre Wurzeln auf den Britischen Inseln, darunter Cowboy-Balladen, Western Swing und zeitgenössischer Country und Western. Mexikanische Einwanderer kamen in den 1870er Jahren nach Oklahoma und brachten wunderschöne Canciones und Corridos, Liebeslieder, Walzer und Balladen mit sich. Wie in den indianischen Gemeinden wird auch in den hispanischen Gemeinden jeder Übergangsritus von traditioneller Musik begleitet. Die akustische Gitarre, der Kontrabass und die Geige bilden die Grundausstattung der mexikanischen Musik, die durch Maracas, Flöten, Hörner und manchmal auch Akkordeon ergänzt wird. Andere Europäer (wie Böhmen und Deutsche) ließen sich im späten 19. Jahrhundert nieder. Ihre gesellschaftlichen Aktivitäten konzentrierten sich auf Gemeindehäuser, "in denen einheimische Musiker Polkas und Walzer auf dem Akkordeon, dem Klavier und den Blasinstrumenten spielten". Später trugen auch die Asiaten zur musikalischen Mischung bei. "Alte Musik- und Tanztraditionen aus den Tempeln und Höfen Chinas, Indiens und Indonesiens werden in den asiatischen Gemeinden im ganzen Bundesstaat aufrechterhalten, und populäre Liedgenres werden kontinuierlich auf diese klassischen Musikformen übertragen. ⓘ
Wiederbelebung der Volksmusik
"Es ist ein sich selbst erhaltender, regenerativer Prozess. Es ist das, was man ein immerwährendes amerikanisches Lied nennen würde. Ich glaube nicht, dass sie ein Revival, eine Wiederbelebung braucht. Er lebt und gedeiht. Es braucht wirklich nur Leute, die 18 Jahre alt sind, um es zu hören. Aber es wird mit oder ohne sie weitergehen. Das Volkslied ist mächtiger als alles, was im Radio läuft, als alles, was veröffentlicht wird... Es ist diese Destillation der Stimmen, die lange, lange Zeit anhält, und das ist es, was sie stark macht."
Ketch Secor
Der Begriff "Folkmusik-Revival" bezieht sich entweder auf eine Periode erneuerten Interesses an traditioneller Folkmusik oder auf ein Ereignis oder eine Periode, die diese Musik verändert; letzteres beinhaltet in der Regel eine soziale Komponente. Ein bekanntes Beispiel für das erste ist das britische Folk-Revival von etwa 1890-1920. Das bekannteste und einflussreichste Beispiel für letzteres (insofern, als es gewöhnlich als "Folk Music Revival" bezeichnet wird) ist das Folk-Revival in der Mitte des 20. Jahrhunderts in der englischsprachigen Welt, aus dem die zeitgenössische Folkmusik hervorging. Siehe den Artikel "Zeitgenössische Volksmusik" für eine Beschreibung dieses Revivals. ⓘ
Ein früheres Revival beeinflusste die westliche klassische Musik. Komponisten wie Percy Grainger, Ralph Vaughan Williams und Béla Bartók machten Feldaufnahmen oder Transkriptionen von Volkssängern und -musikern. ⓘ
In Spanien schuf Isaac Albéniz (1860-1909) Klavierwerke, die seine spanische Herkunft widerspiegeln, darunter die Suite Iberia (1906-1909). Enrique Granados (1867-1918) komponierte die Zarzuela, die spanische leichte Oper, und die Danzas Españolas - Spanische Tänze. Manuel de Falla (1876-1946) interessierte sich für den cante jondo des andalusischen Flamenco, dessen Einfluss in vielen seiner Werke stark zu spüren ist, darunter Nächte in den Gärten Spaniens und Siete canciones populares españolas ("Sieben spanische Volkslieder", für Gesang und Klavier). Komponisten wie Fernando Sor und Francisco Tarrega machten die Gitarre zum Nationalinstrument Spaniens. Moderne spanische Volkskünstler gibt es zuhauf (Mil i Maria, Russian Red u. a.), die sich modernisieren und gleichzeitig die Traditionen ihrer Vorfahren respektieren. ⓘ
Der Flamenco wurde im 20. Jahrhundert immer beliebter, ebenso wie nördliche Stile wie die keltische Musik Galiciens. Französische Komponisten der Klassik, von Bizet bis Ravel, griffen ebenfalls auf spanische Themen zurück, und charakteristische spanische Genres wurden allgemein anerkannt. ⓘ
Volksmusik-Revivals oder Roots-Revivals umfassen auch eine Reihe von Phänomenen in der ganzen Welt, bei denen ein neues Interesse an traditioneller Musik besteht. Dies geschieht oft durch die Jugend, oft in der traditionellen Musik ihres eigenen Landes, und beinhaltet oft eine neue Einbeziehung des sozialen Bewusstseins, Ursachen und Entwicklungen der neuen Musik im gleichen Stil. Nueva canción, eine ähnliche Entwicklung einer neuen Form von sozial engagierter Musik fand in mehreren spanischsprachigen Ländern statt. ⓘ
Festivals
Vereinigte Staaten
Gelegentlich wird behauptet, dass das Mountain Dance and Folk Festival 1928 in Asheville, North Carolina, das von Bascom Lamar Lunsford gegründet wurde, das erste Volksmusikfestival der Vereinigten Staaten war. Das National Folk Festival (USA) ist ein wanderndes Folkfestival in den Vereinigten Staaten. Seit 1934 wird es vom National Council for the Traditional Arts (NCTA) veranstaltet und fand in 26 Gemeinden im ganzen Land statt. Nachdem das National Folk Festival einige dieser Gemeinden verlassen hatte, hat es mehrere lokale Folk-Festivals hervorgebracht, darunter das Lowell Folk Festival, das Richmond Folk Festival, das American Folk Festival und zuletzt das Montana Folk Festival. ⓘ
Das Newport Folk Festival ist ein jährlich stattfindendes Folk-Festival in der Nähe von Newport, Rhode Island. Es fand in den meisten Jahren von 1959 bis 1970 und von 1985 bis heute statt und wurde jedes Jahr von etwa 10 000 Menschen besucht. ⓘ
Das viertägige Philadelphia Folk Festival wurde 1962 ins Leben gerufen. Es wird von der gemeinnützigen Philadelphia Folksong Society gesponsert. Auf der Veranstaltung treten zeitgenössische und traditionelle Künstler aus den Bereichen World/Fusion, Keltisch, Singer-Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer und Tanz auf. Sie findet jährlich am dritten Wochenende im August statt. Die Veranstaltung wird mittlerweile von rund 12 000 Besuchern besucht, die Bands auf 6 Bühnen erleben können. ⓘ
Das Fest des Jägermonds in Indiana zieht jedes Jahr etwa 60 000 Besucher an. ⓘ
Vereinigtes Königreich
Das Sidmouth Festival gibt es seit 1954, das Cambridge Folk Festival seit 1965. Das Cambridge Folk Festival in Cambridge, England, ist dafür bekannt, dass die Definition der eingeladenen Folkmusiker sehr weit gefasst ist. In den "Clubzelten" können die Besucher eine große Anzahl unbekannter Künstler entdecken, die jeweils zehn oder 15 Minuten lang dem Festivalpublikum ihre Werke präsentieren. ⓘ
Australien
Das National Folk Festival ist Australiens wichtigstes Folk-Festival und wird von über 50 000 Menschen besucht. Das Woodford Folk Festival und das Port Fairy Folk Festival gehören ebenfalls zu den größten jährlichen Veranstaltungen Australiens und ziehen neben vielen einheimischen Künstlern auch internationale Folkgrößen an. ⓘ
Kanada
Stan Rogers ist ein fester Bestandteil des kanadischen Folkfestivals Summerfolk, das jährlich in Owen Sound, Ontario, stattfindet, wo die Hauptbühne und das Amphitheater als "Stan Rogers Memorial Canopy" gewidmet sind. Das Festival ist fest in der Tradition verankert: Rogers' Lied "The Mary Ellen Carter" wird von allen Beteiligten gesungen, einschließlich des Publikums und eines Medleys der Festivalteilnehmer. Das Canmore Folk Music Festival ist das am längsten stattfindende Folkmusik-Festival in Alberta. ⓘ
Andere
Urkult Näsåker, Ångermanland, findet jedes Jahr im August statt und ist angeblich Schwedens größtes Festival für Weltmusik. ⓘ
Begriff
Die englischsprachige Bezeichnung für traditionelle Volksmusik bekam eine neue Bedeutung, als in den USA ab den 1920er Jahren mit der Entstehung moderner Massenmedien wie Radio und Schallplatte regionale, meist ländliche Musikkulturen landesweit beliebt wurden und sich in der Folgezeit zu überregionalen, eigenständigen Musikformen wie dem Jazz und Country entwickelten. ⓘ
Herkunft
Der Begriff Folk wurde unter dem Einfluss der US-amerikanischen urbanen Folk-Bewegung in den 1950er und 1960er Jahren in die deutsche Sprache übernommen. Die Popularität des nordamerikanischen, urbanen Folkrocks in den 1960er Jahren löste auch in Europa ein großes Interesse an eigenen musikalischen Traditionen aus. Besonders seit den 1960er Jahren, einer Zeit des gesellschaftlichen Umbruchs in den USA (schwarze Bürgerrechtsbewegung, Anti-Vietnamkriegsbewegung und seit etwa 1970 auch die Frauenrechtsbewegung), lag das Augenmerk des Folkrocks auf den politischen und sozialen Problemen dieser Zeit. Daraus hat sich in Deutschland beispielsweise der Politrock entwickelt. Mit dem Abflauen der politischen Bewegungen in den 1970er Jahren verschob sich auch die Bedeutung der Folkmusik zur Unterhaltungsmusik wie dem Irish Folk. Heutzutage findet auf zahlreichen Festivals ein reger internationaler Austausch statt und Folkmusik ist sowohl in Produktion, Vertrieb als auch Konsum nicht mehr auf einzelne Staaten oder Regionen beschränkt. ⓘ
Geschichte
Anfänge
Ab 1765 erschienen die Reliques of Ancient British Poetry als Überarbeitung und Ergänzung einer um 1650 entstandenen Handschrift populärer Lieder. Als Folge dieser Veröffentlichung wurde über England hinaus das Interesse für traditionelles Liedgut geweckt. In Deutschland veröffentlichte Johann Gottfried Herder 1778/79 Volkslieder nebst untermischten anderen Stücken und prägte den Begriff Volkslied. Da die Melodien allseits bekannt waren und für Herder weniger interessant, wurden nur die Texte abgedruckt. Entsprechende Melodien finden sich jedoch in Friedrich Nicolais satirischer Publikation Eyn feyner kleyner Almanach Vol schönerr echterr liblicherr Volckslieder, der bereits ein Jahr vorher erschien. Joseph Haydns Musik bezieht zahlreiche Melodien und Ideen aus der Volksmusik Österreichs, Kroatiens und der Roma. ⓘ
Der englische Begriff Folksong entsprach dem deutschsprachigen Volkslied. Europaweit beschäftigten sich im 19. Jahrhundert Historiker, Musik- und Literaturwissenschaftler mit der Erfassung traditioneller Musik und Kultur. Auch die klassische Musik griff nationale Traditionen auf, beispielsweise bei Schubert, Bizet, Smetana und Sibelius. ⓘ
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelt sich mit der Öffnung der klassischen Musik für eine breitere bürgerliche und urbane Hörerschaft der Schlager; frühe Beispiele sind der Wiener Walzer und die Operette. Die deutsche Schlagermusik bleibt bis in die 1960er Jahre bestimmend für den deutschsprachigen Musikmarkt, bis sie – trotz Anpassung an neue Hörgewohnheiten (zum Beispiel Öffnung für fremdsprachige Interpreten und Texte in den 1960er Jahren) – von Rockmusik und Neuer Deutscher Welle verdrängt und heute dem Bereich der volkstümlichen Musik zugeordnet wird. ⓘ
Folkmusik in Europa (ab 1970)
Die internationale Popularität des amerikanischen Folkrocks weckte auch in Europa das Interesse an den eigenen Traditionen der Volksmusik. Im Unterschied zu den USA war die Popularität überwiegend nicht politisch begründet. Bekannte Bands und Musiker dieser Zeit sind Steeleye Span und Fairport Convention in England, Alan Stivell und Tri Yann in Frankreich (Bretagne) sowie die City Preachers (bereits ab 1965), Ougenweide und Zupfgeigenhansel in Deutschland. ⓘ
In den 1980er Jahren und danach nahm die Popularität weiter zu. Regionale lebendige musikalische Traditionen werden international bekannt – allen voran der Irish Folk mit Bands wie The Chieftains und The Dubliners. Die Bands spielten zunehmend auch Arrangements im Stile alter Traditionen, beispielsweise Blowzabella aus England. Ebenso wurde versucht, neue Klangfarben und Instrumentensounds in die Musik zu integrieren; ein früher Vorläufer dieser Entwicklung ist der Psychedelic Folk der Incredible String Band. ⓘ
Ebenso kommt es zur Wiederbelebung lokaler Traditionen durch die Popularität der Folkmusik. In der Bretagne macht beispielsweise die Musik Ar Re Yaouanks das Fest-noz wieder populär. Ebenso ist die Folkmusik mit der Entstehung neuer Traditionen verknüpft, beispielsweise mit den Mittelaltermärkten in der Bundesrepublik. Eigenständige Schwerpunkte der internationalen Folkmusik bilden Irland, England, Skandinavien, die Länder des Balkans, die Bretagne und das übrige Frankreich. ⓘ
In den 1990er Jahren betrifft die zunehmende Auflösung der Grenzen zwischen verschiedenen Stilen der Popmusik und die Verbreitung des Crossover auch die Folkmusik; insbesondere hinsichtlich Rock, Techno und Jazz. Hieraus entstanden Musikrichtungen wie Folk Metal, Folk-Punk, Neofolk und Anti-Folk sowie eine Mischung aus Folk und Hip-Hop, die beispielsweise von Lecker Sachen aus Köln betrieben wurde. ⓘ
Heute ist Folkmusik im popkulturellen Mainstream eher eine Randerscheinung, aber Elemente der Folkmusik leben in anderen Musikrichtungen fort, wie in der Country-Musik. In Deutschland hat amerikanisch, englisch, irisch, französisch und skandinavisch geprägter Folk als Nischenkultur viele Anhänger. ⓘ
Folkmusik in Deutschland nach 1945
Die Folkmusikszene in Deutschland unterscheidet sich von der vieler europäischer Länder erheblich. Sie ist bis heute von einer Distanz zu den deutschen Traditionen geprägt, die seit dem Ende des „Dritten Reiches“ besteht. Das europäische Folkrevival ist in Deutschland eher ein Neuanfang und bedingt durch die Teilung Deutschlands verlief die Entwicklung über lange Zeit im Ost- und Westteil des Landes getrennt und es fehlt ihr der Bezug auf die eigenen deutschen Traditionen. Nach der Zäsur der Nazidiktatur und ihrer ideologischen Vereinnahmung kultureller Traditionen ist der Bezug auf das musikalische nationale Erbe wenig populär. Hinzu kommt die Vernichtung des jüdischen kulturellen Lebens in Deutschland in der Folge des Holocaust. Eine Ausnahme bildet die klassische Musik, die durch ihre weltweite Rezeption ihre Bedeutung bis heute behalten hat und mit Carl Orffs Carmina Burana auch ein wichtiges Werk mit Bezug auf mittelalterliche Dichtung umfasst. Auch bildet regional der süddeutsche bzw. alpenländische Raum eine Ausnahme, die prägend ist für die internationale Wahrnehmung deutscher traditioneller Musik. Im Osten Deutschlands zeichneten sich vor allem das Erzgebirge und das Vogtland durch regionale Traditionen aus. Klassische, nationale Volkslieder wie Der Mond ist aufgegangen – das Herbert Grönemeyer immer zum Abschluss seiner Livekonzerte spielt – oder Franz Schuberts Heidenröslein sind durch die Schulbildung bekannt, jedoch wenig populär. ⓘ
Erst mit der Popularität des amerikanischen Folkrock begann eine Entwicklung, sich neue Zugänge zu den eigenen Traditionen zu erschließen. Wie auch in anderen europäischen Ländern entstand die Szene in Deutschland unter dem Einfluss der US-amerikanischen Protest- und Folkmusik Ende der 1960er Jahre. In den frühen 80er Jahren wurde dieser Deutschfolk durch die Neue Deutsche Welle verdrängt und geriet in Vergessenheit. ⓘ
Bereits 1954 und 1962 war die Dokumentation Deutsche Volkslieder demokratischen Charakters aus sechs Jahrhunderten von Wolfgang Steinitz in der DDR erschienen, der als wichtigster Wegbereiter der modernen Folkmusikszene Deutschlands gilt. ⓘ
Im Ostteil Deutschlands entstand die moderne Folkmusikszene in der Mitte der 1970er Jahre. Folkstanz wurde ein Mitmach-Volkstanz, der zum massenwirksamen Zweig der DDR-Folkszene avancierte. Die Tanzpaare führten zu den Erklärungen eines Tanzmeisters dem tanzwilligen, aber nicht kundigen Publikum Schritte und Tanzfiguren vor. Übernommen wurde dieses Prinzip von der ungarischen Tanzhaus-Bewegung. ⓘ
Ab 1974 tourte die irische Band Sands Family regelmäßig durch den Ostens Deutschlands. Die 1976 gegründeten Folkländer gelten als eine der ersten Folkbands der DDR. Wichtiges nationales und internationales Musikereignis war das Festival des politischen Liedes, bei dem auch die nationale und internationale Folkmusik einen festen Bestandteil bildete – Auftritte so von Mikis Theodorakis, Mercedes Sosa, Pete Seeger und Michelle Shocked. Das Festival fand zwischen 1970 und 1990 jährlich in Ost-Berlin statt. ⓘ
In Rudolstadt wurde erstmals 1955 das Fest des deutschen Volkstanzes veranstaltet. Parteipolitisch vereinnahmt – zum Beispiel als Gegenpol zu amerikanischen Einflüssen wie Jazz und Rock & Roll – war das Fest bis zur Wende vor allem eine Plattform folkloristischer Traditionen Osteuropas. Anfang der 1990er fand eine Neuausrichtung zum internationalen Folk statt und das Tanz- und Folkfest Rudolstadt entwickelte sich danach zum wichtigsten Festival für Folk- und Rootsmusik in Deutschland mit großer internationaler Bedeutung. Neben dem hier vergebenen RUTH sind Eiserner Eversteiner und Creole wichtige nationale Preise der Folkmusik. ⓘ
Die ersten deutschen Folkfestivals waren die Burg-Waldeck-Festivals. Glatt & Verkehrt ist ein seit 1997 stattfindendes Festival, das jährlich Ende Juli in Krems, Spitz und Göttweig stattfindet. Das Festival wird von Ö1 mit veranstaltet und übertragen. Weitere Folk-Veranstaltungen in Österreich sind das Musikfest in Waidhofen an der Thaya, die Folkfestivals in Mistelbach, Hallein, Amaliendorf (Wackelsteinfestival) und Kremsmünster – letzteres als Podium für die Bordunszene. ⓘ
Erst allmählich begann in Deutschland ein reflektierter Umgang mit der eigenen Tradition. MIAs Hit Was es ist von 2003 und die daran anschließende Kontroverse sind ein Beispiel dafür, das Entstehen der Stilrichtung Deutschfolk seit den 1970er Jahren und ihr Revival im 21. Jahrhundert ein weiteres. Fester Bestandteil der Musikszene sind Volkstanzabende oder der Bal Folk. ⓘ
In Deutschland gibt es neben der Folkmusik in der hochdeutschen Sprache auch Interpreten und Folkbands, die in Dialekten (Biermösl Blosn) und Vorgängersprachen (wie Ougenweide), in Jiddisch (Zupfgeigenhansel), in Nordfriesisch (Knut Kiesewetter) singen oder sangen. Vor allem wurden aber Folktitel in Niederdeutsch veröffentlicht, etwa von Knut Kiesewetter, Hannes Wader, Fiede Kay, Godewind, De Plattfööt und Malbrook. ⓘ