Vaudeville
Das Vaudeville (/ˈvɔːd(ə)vɪl, ˈvoʊ-/; französisch: [vodvil]) ist eine Theatergattung der Varietéunterhaltung, die Ende des 19. Jahrhunderts in Frankreich entstand. Ursprünglich war das Vaudeville eine Komödie ohne psychologische oder moralische Absichten, die auf einer komischen Situation beruhte: eine dramatische Komposition oder leichte Poesie, durchsetzt mit Liedern oder Balletten. Es wurde in den Vereinigten Staaten und Kanada von den frühen 1880er Jahren bis in die frühen 1930er Jahre populär, aber die Idee des Vaudeville-Theaters änderte sich radikal gegenüber seinem französischen Vorläufer. ⓘ
Ähnlich wie die Music Hall im viktorianischen Großbritannien bestand eine typische nordamerikanische Vaudeville-Vorstellung aus einer Reihe separater, nicht miteinander verbundener Darbietungen, die zu einem gemeinsamen Programm zusammengefasst wurden. Zu den Darbietungen gehörten populäre und klassische Musiker, Sänger, Tänzer, Komödianten, dressierte Tiere, Zauberer, Bauchredner, Kraftprotze, weibliche und männliche Imitatoren, Akrobaten, Clowns, illustrierte Lieder, Jongleure, Einakter oder Szenen aus Theaterstücken, Sportler, vortragende Berühmtheiten, Barden und Filme. Ein Vaudeville-Darsteller wird oft als "Vaudevillier" bezeichnet. ⓘ
Das Vaudeville hat sich aus vielen Quellen entwickelt, unter anderem aus dem Konzertsalon, der Minstrelsy, den Freakshows, den Groschenmuseen und der literarischen amerikanischen Burleske. Das Vaudeville, das als "das Herz des amerikanischen Showbusiness" bezeichnet wird, war mehrere Jahrzehnte lang eine der beliebtesten Unterhaltungsformen in Nordamerika. ⓘ
Der Ausdruck Vaudeville [vɔd.vil] bezeichnet:
- eine Frühform des französischen Schlagers ab dem 15. Jahrhundert.
- ein Pariser Theatergenre mit Gesang und Instrumentalbegleitung, das in den 1840er Jahren den Höhepunkt seiner Beliebtheit erreichte.
- ein Genre des US-amerikanischen (vor allem New Yorker) Unterhaltungstheaters ab etwa 1860, das gegen 1900 am populärsten war. ⓘ
Diese drei Bedeutungen gehen ineinander über: Schon das Vaudeville als Liedgattung im 16./17. Jahrhundert kann ein Charakteristikum von Theaterstücken sein, in die es eingelegt ist. Das Vaudeville als Theatergattung des 19. Jahrhunderts kann stets noch Vaudevilles als Lieder im alten Sinne enthalten. Und das französische Vaudeville als in sich geschlossenes Theaterstück kann in den Produktionen der Music Halls nach 1850 in jene revueartige, lose Folge von Musik-, Tanz- und Akrobatiknummern übergehen, die das amerikanische Vaudeville charakterisiert. ⓘ
Etymologie
Der Ursprung des Begriffs ist unklar, wird aber oft als Ableitung des französischen Ausdrucks voix de ville ("Stimme der Stadt") erklärt. Eine zweite Spekulation besagt, dass er von den Liedern des Dichters Olivier Basselin über Satire aus dem 15. In seiner Fernsehserie Connections argumentiert der Wissenschaftshistoriker James Burke, dass der Begriff eine Verballhornung des französischen "Vau de Vire" ("Tal des Flusses Vire") ist, einer Gegend, die für ihre unzüchtigen Trinklieder bekannt ist und in der Basselin lebte. Auch das Oxford English Dictionary bestätigt den Ursprung von Vau de Vire, eine verkürzte Form von Chanson du Vau de Vire ("Lied vom Tal der Vire"). Um 1610 sammelte Jean le Houx diese Werke als Le Livre des Chants nouveaux de Vaudevire [fr], was wahrscheinlich der direkte Ursprung des Wortes ist. Einige zogen jedoch den früheren Begriff "Varieté" dem vor, was der Manager Tony Pastor als "verweichlichten und französisierten" Nachfolger bezeichnete. So vermarktete sich das Varieté bis weit ins 20. Jahrhundert hinein als "Varieté". ⓘ
Anfänge
Mit seinen ersten subtilen Auftritten in den frühen 1860er Jahren war das Vaudeville zunächst keine gängige Form der Unterhaltung. In den 1870er und 1880er Jahren entwickelte es sich allmählich aus dem Konzertsaal und dem Varieté zu seiner reifen Form. Diese sanftere Form wurde als "Polite Vaudeville" bezeichnet. ⓘ
In den Jahren vor dem Amerikanischen Bürgerkrieg gab es Unterhaltung in einem anderen Maßstab. Sicherlich gab es in Europa und anderswo bereits vor 1860 Varietés. In den USA konnten die Theaterbesucher bereits in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts eine Aufführung genießen, die aus Shakespeare-Stücken, Akrobatik, Gesang, Tanz und Komödie bestand. Im Laufe der Jahre fanden die Menschen, die ein abwechslungsreiches Vergnügen suchten, immer mehr Möglichkeiten, sich unterhalten zu lassen. Das Vaudeville zeichnete sich durch reisende Truppen aus, die durch Städte und Ortschaften zogen. Eine Handvoll Zirkusse tourte regelmäßig durch das Land; Groschenmuseen sprachen Neugierige an; Vergnügungsparks, Flussschiffe und Stadthallen boten oft "saubere" Darbietungen der Varieté-Unterhaltung; im Gegensatz zu Saloons, Music Halls und Burlesque-Häusern, die sich an Menschen mit einer Vorliebe für das Gewagte wandten. In den 1840er Jahren erfreute sich die Minstrel-Show, eine weitere Form des Varietés und "die erste Emanation einer allgegenwärtigen und rein amerikanischen Massenkultur", enormer Beliebtheit und bildete das, was Nick Tosches als "das Herz des Showbusiness des 19. Einen bedeutenden Einfluss hatten auch "holländische" (d. h. deutsche oder vorgetäuschte deutsche) Minnesänger und Komödianten. Medizin-Shows zogen durch die Lande und boten Programme mit Komödien, Musik, Jongleuren und anderen Neuheiten zusammen mit der Präsentation von Stärkungsmitteln, Salben und Wunderelixieren, während "Wild West"-Shows romantische Ausblicke auf die verschwindende Grenze boten, komplett mit Trickreiten, Musik und Schauspiel. Das Vaudeville vereinte diese verschiedenen Wandervergnügungen zu einer stabilen, institutionalisierten Form, die in den wachsenden städtischen Zentren Amerikas angesiedelt war. ⓘ
Ab Mitte der 1860er Jahre nutzte der Impresario Tony Pastor, ein ehemaliger singender Zirkusclown, der zu einem bekannten Varietékünstler und -manager geworden war, die Sensibilität und Kaufkraft der Mittelschicht, als er begann, in seinen New Yorker Theatern "höfliche" Varietéprogramme anzubieten. Pastor eröffnete 1865 sein erstes "Opera House" in der Bowery, später zog er mit seinem Varietébetrieb an den Broadway und schließlich in die Fourteenth Street nahe dem Union Square. Erst Anfang 1876 begann er, den Begriff "Vaudeville" anstelle von "Varieté" zu verwenden. In der Hoffnung, ein potenzielles Publikum aus dem weiblichen und familiären Einkaufsverkehr in der Innenstadt anzulocken, verbot Pastor den Verkauf von Alkohol in seinen Theatern, entfernte unzüchtiges Material aus seinen Shows und bot den Besuchern Kohle und Schinken als Geschenke an. Pastors Experiment erwies sich als erfolgreich, und andere Manager folgten bald seinem Beispiel. ⓘ
Popularität
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Die Kommentare des Managers, die wöchentlich an die Zentrale des Kreises zurückgeschickt werden, folgen der Beschreibung der einzelnen Nummern. Die Rechnung veranschaulicht das typische Muster, die Show mit einer "dummen" Darbietung zu eröffnen, damit die Besucher ihre Plätze finden können, die starken Darbietungen an die zweite und vorletzte Stelle zu setzen und die schwächste Darbietung für das Ende übrig zu lassen, um das Haus zu leeren. Außerdem ist zu beachten, dass in diesem Programm, wie in vielen anderen Varietés, Darbietungen, die oft mit "anspruchsloser" oder volkstümlicher Unterhaltung assoziiert werden (Akrobaten, ein dressiertes Maultier), die Bühne mit Darbietungen teilten, die üblicherweise als "anspruchsvoll" oder klassische Unterhaltung gelten (Opernsänger, klassische Musiker).
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B. F. Keith machte den nächsten Schritt und begann in Boston, wo er ein Imperium von Theatern aufbaute und das Vaudeville in die USA und nach Kanada brachte. Später führte E. F. Albee, der Adoptivgroßvater des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Dramatikers Edward Albee, die Kette zu ihrem größten Erfolg. Zirkel wie die von Keith-Albee geführten waren die größte wirtschaftliche Innovation des Vaudeville und die wichtigste Quelle seiner industriellen Stärke. Sie ermöglichten eine Kette von miteinander verbündeten Varietés, die das Chaos des Buchungssystems für ein einziges Theater behoben, indem sie Künstler für regionale und nationale Tourneen unter Vertrag nahmen. Diese konnten problemlos von einigen Wochen auf zwei Jahre ausgedehnt werden. ⓘ
Albee verlieh auch der "höflichen" Unterhaltung des Vaudeville, die Männer, Frauen und Kinder gleichermaßen ansprechen sollte, nationale Bekanntheit. Darbietungen, die gegen diesen Ethos verstießen (z. B. solche, die Wörter wie "Hölle" verwendeten), wurden ermahnt und mit dem Ausschluss von den verbleibenden Vorstellungen der Woche bedroht oder ganz abgesagt. Trotz dieser Drohungen setzten sich die Künstler regelmäßig über diese Zensur hinweg, oft zur Freude der Zuschauer, deren Empfindsamkeiten angeblich gefährdet waren. Schließlich führte er eine Reihe von Richtlinien für die Teilnahme an seinen Aufführungen ein, die von den Platzanweisern des Theaters verstärkt wurden. ⓘ
Diese "höfliche Unterhaltung" erstreckte sich auch auf die Mitglieder von Keiths Firma. Er griff zu extremen Maßnahmen, um dieses Maß an Bescheidenheit zu wahren. Keith ging sogar so weit, dass er hinter der Bühne Warnungen wie die folgende anbrachte: "Sagen Sie auf der Bühne nicht 'slob' oder 'son of a gun' oder 'hully gee', es sei denn, Sie wollen fristlos entlassen werden... wenn Sie sich der Äußerung von etwas Sakrilegischem oder gar Anzüglichem schuldig machen, werden Sie sofort geschlossen und dürfen nie wieder ein Theater betreten, in dem Mr. Keith das Sagen hat." Im Sinne dieser Disziplin verschickten Keiths Theatermanager gelegentlich blaue Umschläge mit der Anweisung, bestimmte anzügliche Liedzeilen wegzulassen und diese Worte durch andere zu ersetzen. Wenn Schauspieler diese Anweisungen ignorierten oder kündigten, bekamen sie einen "schwarzen Fleck" auf ihren Namen und durften nie wieder im Keith Circuit arbeiten. So lernten die Schauspieler, die Anweisungen von B. F. Keith zu befolgen, aus Angst, ihre Karriere für immer zu verlieren. ⓘ
In den späten 1890er Jahren verfügte das Vaudeville über große Zirkel, Häuser (kleine und große) in fast jedem größeren Ort, standardisierte Buchungen, einen großen Pool an qualifizierten Künstlern und eine treue nationale Anhängerschaft. Einer der größten Zirkel war Martin Becks Orpheum Zirkel. Er wurde 1919 gegründet und umfasste 45 Varietétheater in 36 Städten in den USA und Kanada sowie eine große Beteiligung an zwei Varietékreisen. Ein weiterer großer Zirkus war der von Alexander Pantages. In seiner Blütezeit besaß Pantages mehr als 30 Vaudeville-Theater und kontrollierte über Managementverträge vielleicht 60 weitere in den USA und Kanada. ⓘ
In seiner Blütezeit spielte das Vaudeville in verschiedenen Schichten der wirtschaftlichen Klasse und der Größe der Zuschauerräume. Im Vaudeville hieß es, dass eine Nummer, die in Peoria, Illinois, erfolgreich war, überall funktionieren würde. Die Frage "Wird es in Peoria funktionieren?" ist heute zu einer Metapher dafür geworden, ob etwas das amerikanische Mainstream-Publikum anspricht. Die drei gängigsten Stufen waren die "kleine Zeit" (Verträge mit geringerer Bezahlung für häufigere Auftritte in raueren, oft umgebauten Theatern), die "mittlere Zeit" (mäßige Gagen für zwei Auftritte pro Tag in eigens dafür errichteten Theatern) und die "große Zeit" (mögliche Gagen von mehreren Tausend Dollar pro Woche in großen, städtischen Theatern, die überwiegend von der Mittel- und oberen Mittelschicht besucht wurden). In dem Maße, wie die Künstler an Ansehen gewannen und sich regional und national einen Namen machten, arbeiteten sie sich in die weniger beschwerlichen Arbeitsbedingungen und die bessere Bezahlung der großen Bühne vor. Die Hauptstadt der großen Zeit war das Palace Theatre in New York City (oder einfach nur "The Palace" im Jargon der Varietékünstler), das 1913 von Martin Beck gebaut und von Keith betrieben wurde. Mit einem Programm, das aus einfallsreichen Novelty Acts, nationalen Berühmtheiten und anerkannten Meistern des Varietés (wie dem Komiker und Trickseilartisten Will Rogers) bestand, bot das Palace das, was viele Varietékünstler als den Höhepunkt ihrer bemerkenswerten Karrieren betrachteten. Eine Standard-Show begann mit einem Sketch, gefolgt von einer Einzelnummer (ein einzelner männlicher oder weiblicher Darsteller); danach folgte ein Alley-oop (eine akrobatische Nummer); dann eine weitere Einzelnummer, gefolgt von einem weiteren Sketch, z. B. einer Blackface-Comedy. Die darauf folgenden Darbietungen für den Rest der Show reichten von Musicals über Jongleure bis hin zu Gesangs- und Tanzeinlagen und endeten mit einer abschließenden Extravaganz - entweder Musical oder Drama - mit dem gesamten Ensemble. In diesen Shows traten Stars wie der Ragtime- und Jazzpianist Eubie Blake, der berühmte und magische Harry Houdini und der Kinderstar Baby Rose Marie auf. In einem Artikel der New-York Tribune über das Vaudeville heißt es, dass das Vaudeville zu einem bestimmten Zeitpunkt mehr als zwölftausend Personen in der gesamten Branche beschäftigte. Jeder Entertainer war 42 Wochen am Stück unterwegs und arbeitete in einem bestimmten "Circuit" - oder einer einzelnen Theaterkette eines großen Unternehmens. ⓘ
Während der Nachbarschaftscharakter der Varietébesucher schon immer die Tendenz begünstigt hatte, das Programm auf ein bestimmtes Publikum zuzuschneiden, wuchs das reife Varieté mit Häusern und Rundgängen, die speziell auf bestimmte demografische Gruppen ausgerichtet waren. Schwarze Besucher, die in weiß geprägten Theatern oft im hinteren Teil der zweiten Galerie untergebracht waren, hatten ihre eigenen, kleineren Zirkel, ebenso wie italienisch- und jiddischsprachige Besucher. (Für eine kurze Erörterung des schwarzen Varietés siehe Theatre Owners Booking Association). Diese ausländische Beimischung in Verbindung mit Comedy führte zu Darbietungen wie den "Minstrel Shows of antebellum America" und dem jiddischen Theater. Viele ethnische Familien beteiligten sich an diesem Unterhaltungsgeschäft, und für sie war dieser reisende Lebensstil einfach eine Fortsetzung der Umstände, die sie nach Amerika gebracht hatten. Durch diese Auftritte konnten sie sich in ihrer neuen Heimat assimilieren und gleichzeitig Teile ihrer eigenen Kultur in diese neue Welt mitnehmen. Regionale, auf Weiße ausgerichtete Zirkel, wie der "Peanut Circuit" in Neuengland, boten ebenfalls ein wichtiges Übungsfeld für neue Künstler und ermöglichten es etablierten Künstlern, mit neuem Material zu experimentieren und daran zu feilen. In seiner Blütezeit war das Vaudeville neben den Kirchen und öffentlichen Schulen der wichtigste öffentliche Treffpunkt der Nation. ⓘ
Ein weiterer, etwas anderer Aspekt des Vaudeville war das zunehmende Interesse an der weiblichen Figur. Die bereits erwähnte ominöse Idee der "blauen Umschläge" führte zu dem Ausdruck "blaues" Material, das die provokativen Inhalte vieler Vaudeville-Nummern jener Zeit beschrieb. Viele Manager sahen dieses skandalöse Material sogar als Marketingstrategie, um ein breites Publikum anzusprechen. Wie Andrew Erdman in seinem Buch Blue Vaudeville feststellt, war die Vaudeville-Bühne "ein hochgradig sexualisierter Raum ... in dem unbekleidete Körper, aufreizende Tänzerinnen und Sänger mit 'blauen' Texten um Aufmerksamkeit buhlten". Solche Darbietungen hoben den weiblichen Körper als "sexuelles Vergnügen" hervor und objektivierten ihn, aber mehr noch, Historiker glauben, dass das Vaudeville eine Zeit markierte, in der der weibliche Körper zu seinem eigenen "sexuellen Spektakel" wurde. Dieses sexuelle Bild verbreitete sich überall, wo ein Amerikaner hinging: in den Geschäften, im Restaurant, im Lebensmittelgeschäft usw. Je mehr dieses Bild zu den höchsten Einnahmen führte, desto mehr konzentrierte sich das Vaudeville auf Darbietungen mit Frauen. Selbst so unschuldige Nummern wie eine Schwesternnummer brachten höhere Umsätze als eine gute Brudernummer. Erdman fügt hinzu, dass weibliche Vaudeville-Darstellerinnen wie Julie Mackey und Gibson's Bathing Girls sich weniger auf ihr Talent als vielmehr auf ihre körperliche Attraktivität durch ihre Figur, enge Kleider und andere freizügige Kleidung konzentrierten. Die Zuschauer waren schließlich überrascht, dass diese schönen Frauen neben ihrem ansprechenden Aussehen auch über Talent verfügten. Dieses Überraschungsmoment prägte einen Großteil der Reaktionen auf die weibliche Unterhaltung dieser Zeit. ⓘ
Frauen
In den 1920er Jahren erschienen in Fachzeitschriften wie Billboard, Variety und in Zeitungen Anzeigen, in denen reine Mädchenbands für Vaudeville-Auftritte gesucht wurden. Bands wie The Ingenues und The Dixie Sweethearts wurden gut beworben, während andere Gruppen einfach als "All-Girl-Revue" bezeichnet wurden. Der feministischen Theorie zufolge wurden Frauen durch ähnliche Trends im Theater und im Film objektiviert, ein Beispiel für den männlichen Blick, während die Rolle der Frau im öffentlichen Leben zunahm. ⓘ
In der Zeit des Varietés waren die Frauen des 19. Jahrhunderts verpflichtet, zu arbeiten, um ihre Familien finanziell zu unterstützen. Die Arbeiterklasse der Frauen in dieser Zeit hatte auch mit der ungleichen Bezahlung ihrer Arbeit zu kämpfen. Dies führte dazu, dass Frauen als billigere Arbeitskräfte angesehen wurden, was schließlich dazu führte, dass die meiste Arbeit in die Hände von Frauen gelegt wurde. Die meisten dieser Herausforderungen betrafen die Frauen der Unterschicht, während die Frauen der Ober- und Mittelschicht andere Berufe ausübten, die mehr Ansehen genossen, wie z. B. der Beruf der Krankenschwester. Berufe, die für Frauen im 19. Jahrhundert immer noch tabu waren, waren Berufe, die als professioneller angesehen wurden, wie z. B. der des Rechtsanwalts. Das 19. Jahrhundert war auch eine Zeit, in der Frauen noch nicht wählen durften und nur wenig Kontrolle über ihr Leben hatten. Die meisten Frauen standen immer noch unter der Macht ihrer Väter oder, wenn sie verheiratet waren, ihrer Ehemänner. Abgesehen davon, dass sich Frauen im 19. Jahrhundert abmühen mussten, sahen sich Frauen verschiedener Religionen, Rassen und Klassen mit allen möglichen Herausforderungen konfrontiert, die sich auf jeden Aspekt ihres Lebens auswirken würden. ⓘ
Diese Erwartungen und Einschränkungen für Frauen im 19. Jahrhundert spielten eine große Rolle für die Attraktivität des Varietés. Frauen zogen oft die Massen in die Theater, weil sie als Hauptattraktion und als Stars angesehen wurden. Dies inspirierte andere Frauen der damaligen Zeit, da die Varietékünstlerinnen den Status quo in Frage stellten. Es war nicht leicht für diese Frauen, das zu bekommen, was sie wollten, aber die Entscheidungen, die sie in ihrer Berühmtheit trafen, schufen eine Stimme für die gesamte weibliche Bevölkerung. Die Künstlerinnen des 19. Jahrhunderts trugen wesentlich dazu bei, den kulturellen Wandel in ganz Amerika in Gang zu setzen. Sie lenkten die Aufmerksamkeit auf das Frauenwahlrecht in den USA, und ihre Auftritte auf der Bühne zwangen die Menschen, ihnen zuzuhören. ⓘ
Durch das Vaudeville durften viele Frauen gemeinsam mit ihren männlichen Kollegen auf der Bühne stehen und hatten mit ihren Darbietungen Erfolg. Leila Marie Koerber, später Marie Dressler, war eine kanadische Schauspielerin, die sich auf Vaudeville-Komödien spezialisierte und später in ihrer Karriere einen Oscar als beste Schauspielerin gewann. Als Tochter eines Musikers zog sie in ihrer Kindheit in die Vereinigten Staaten von Amerika. Im Alter von nur vierzehn Jahren verließ sie ihr Elternhaus, um ihre Karriere zu beginnen, wobei sie über ihr Alter log und ihrer Mutter die Hälfte ihres Gehalts schickte. Dressler hatte großen Erfolg und war bekannt für ihr komödiantisches Timing und ihre physische Komik, mit der sie ihre männlichen Kollegen trug. Schließlich arbeitete sie am Broadway, wo sie den großen Wunsch hatte, eine ernsthafte Schauspielerin zu werden, doch man riet ihr, bei der Komödie zu bleiben. Sie spielte dann in einigen Filmen mit, kehrte aber wieder zum Varieté zurück, ihrer ursprünglichen Karriere. ⓘ
Eine weitere berühmte Komödiantin, die mit ihren Improvisationskünsten Tausende von Zuschauern in ihren Bann zog, war May Irwin. Sie arbeitete von etwa 1875 bis 1914. Ursprünglich als Ada Campbell geboren, begann sie ihr Leben auf der Bühne im Alter von dreizehn Jahren nach dem Tod ihres Vaters. Sie und ihre ältere Schwester gründeten eine Gesangsgruppe, die "Irwin Sisters". Viele Jahre später waren sie erfolgreich und traten sowohl im Varieté als auch im Burlesque in berühmten Varietés auf, bis Irwin beschloss, ihre Karriere allein fortzusetzen. Sie änderte ihre Herangehensweise an das Vaudeville, indem sie afroamerikanisch geprägte Lieder vortrug und später sogar ihre eigenen Lieder schrieb. Sie stellte ihr Markenzeichen im Vaudeville vor, "The Bully Song", der in einer Broadway-Show aufgeführt wurde. In dieser Zeit begann sie mit Improvisationskomik zu experimentieren und fand schnell ihren einzigartigen Erfolg, der sie mit Auftritten im Vereinigten Königreich sogar in die ganze Welt führte. ⓘ
Eine weitere berühmte Varieté-Darstellerin war Trixi Friganza, die ursprünglich als Delia O'Callaghan geboren wurde. Sie hatte einen berühmten Spruch: "Sie kennen Trixi mit ihrer Trickkiste". Sie begann ihre Karriere in der Oper und trat auf, um ihre Familie zu ernähren. Als älteste von drei Töchtern wollte sie ihrer Familie finanziell unter die Arme greifen, musste dies aber heimlich tun, da weibliche Darsteller zu jener Zeit verpönt waren. Sie arbeitete hauptsächlich im Bereich der Komödie und erlangte Anerkennung und Erfolg durch ihre Bereitschaft, in die Rollen anderer zu schlüpfen, die erkrankt waren und sonst nicht auftreten konnten. In ihren Auftritten betonte sie oft ihre übergroße Figur und nannte sich selbst die "perfekte Sechsundvierzig". Friganza war auch eine Dichterin und Schriftstellerin. Sie nutzte viele ihrer Auftritte, um Geld für arme oder entrechtete Menschen zu sammeln, und sprach sich mehrfach öffentlich für diese sozialen Anliegen aus. Friganza verbrachte auch einen Großteil ihres Lebens damit, für die Gleichberechtigung der Frauen zu kämpfen und sich für die Selbstakzeptanz von Frauen einzusetzen, sowohl in der Öffentlichkeit als auch in ihrem Inneren, sowie für ihre Rechte im Vergleich zu Männern. ⓘ
Das eingewanderte Amerika
Das Vaudeville war nicht nur eine herausragende Form der amerikanischen Unterhaltung, sondern spiegelte auch die sich neu entwickelnde innerstädtische Kultur und die Interaktion zwischen den Akteuren und dem Publikum wider. Irische Amerikaner, die Mitte des 19. Jahrhunderts einen Großteil der Einwanderer in die Vereinigten Staaten ausmachten, interagierten mit etablierten Amerikanern, wobei die Iren aufgrund ihrer ethnischen, physischen und kulturellen Merkmale diskriminiert wurden. Die ethnischen Stereotypen der Iren durch ihre Darstellung als Greenhorn spielten auf ihren neu angekommenen Status als eingewanderte Amerikaner an, wobei das Stereotyp in den Unterhaltungsmedien dargestellt wurde. ⓘ
Auf die irische Einwanderungswelle folgten mehrere Wellen, in denen neue Einwanderer mit unterschiedlichem Hintergrund in den städtischen Zentren Amerikas in Kontakt mit den Iren kamen. Da sie bereits sesshaft waren und Englisch als Muttersprache hatten, nutzten die irischen Amerikaner diese Vorteile und begannen, ihre Position in der Rassenhierarchie der Einwanderer auf der Grundlage ihrer Hautfarbe und ihres Assimilationsstatus zu behaupten, indem sie Berufspositionen festigten, die ihnen als neu angekommenen Einwanderern zuvor nicht zur Verfügung standen. Infolgedessen wurden irische Amerikaner in der Varieté-Unterhaltung als Kuratoren und Schauspieler prominent und schufen ein einzigartiges ethnisches Zusammenspiel zwischen der Selbstironie der irischen Amerikaner und ihrem vielfältigen innerstädtischen Umfeld. ⓘ
Die Interaktionen zwischen neu angekommenen Einwanderern und sesshaften Einwanderern vor dem Hintergrund der unbekannten amerikanischen Stadtlandschaft ermöglichten es dem Varieté, sich auszudrücken und zu verstehen. Die oft feindseligen Erfahrungen der Einwanderer in ihrem neuen Land wurden nun auf der Vaudeville-Bühne als komische Erleichterung genutzt, wobei Stereotypen verschiedener ethnischer Gruppen aufrechterhalten wurden. Die grobschlächtigen Stereotypen, die sich herausbildeten, waren nicht nur an ihren unterschiedlichen ethnisch-kulturellen Merkmalen leicht zu erkennen, sondern auch daran, wie sich diese Merkmale von der etablierten amerikanischen Kultur und Identität unterschieden. ⓘ
In Verbindung mit ihrer historischen Präsenz auf der englischen Bühne, wo sie für komische Unterhaltung sorgten, und als Betreiber und Schauspieler der Vaudeville-Bühne wurden die irischen Amerikaner zu Interpreten der kulturellen Bilder von Einwanderern in der amerikanischen Populärkultur. Neuankömmlinge sahen ihren ethnischen Gruppenstatus innerhalb der Einwandererbevölkerung und in ihrem neuen Land als Ganzes durch die Iren auf der Bühne definiert. Leider führten dieselben Interaktionen zwischen ethnischen Gruppen in den engen Lebensbedingungen der Städte auch zu rassischen Spannungen, die sich im Vaudeville widerspiegelten. Der Konflikt zwischen Iren und Afroamerikanern führte dazu, dass auf der Bühne die "Blackface Minstrelsy" gefördert wurde, die gezielt eingesetzt wurde, um Afroamerikaner in der rassischen und sozialen Hierarchie der Städte unter die Iren zu stellen. ⓘ
Obwohl die Iren im Vaudeville und bei der Förderung ethnischer Stereotypen eine starke keltische Präsenz hatten, bedienten sich die von ihnen charakterisierten ethnischen Gruppen auch desselben Humors. Während die Iren ihre ethnischen Kostüme anzogen, nutzten Gruppen wie die Chinesen, Italiener, Deutschen und Juden ethnische Karikaturen, um sich selbst ebenso wie die Iren zu verstehen. Die urbane Vielfalt auf der Vaudeville-Bühne und im Publikum spiegelte auch ihren gesellschaftlichen Status wider, denn die Arbeiterklasse machte zwei Drittel des typischen Vaudeville-Publikums aus. ⓘ
Die ethnischen Karikaturen, die nun den amerikanischen Humor ausmachten, spiegelten die positiven und negativen Interaktionen zwischen den ethnischen Gruppen in den amerikanischen Städten wider. Die Karikaturen dienten als Methode zum Verständnis der verschiedenen Gruppen und ihrer gesellschaftlichen Stellung innerhalb ihrer Städte. Die Verwendung des unerfahrenen Einwanderers für komödiantische Zwecke zeigte, wie Einwanderer als Neuankömmlinge betrachtet wurden, aber auch, was sie werden konnten. Neben der Interpretation visueller ethnischer Karikaturen wurde das irisch-amerikanische Ideal des Übergangs vom Shanty zum Spitzenvorhang zu einem Modell für die wirtschaftliche Aufwärtsmobilität von Einwanderergruppen. ⓘ
Niedergang
Das anhaltende Wachstum des Billigkinos in den frühen 1910er Jahren versetzte dem Vaudeville den schwersten Schlag. Dies war vergleichbar mit dem Aufkommen des frei empfangbaren Fernsehens, das die kulturelle und wirtschaftliche Stärke des Kinos schwächte. Das Kino wurde in den USA zum ersten Mal regelmäßig in Vaudeville-Sälen kommerziell vorgeführt. Die erste öffentliche Vorführung von Filmen, die auf eine Leinwand projiziert wurden, fand 1896 in der Music Hall von Koster und Bial statt. Angelockt durch höhere Gagen und weniger beschwerliche Arbeitsbedingungen nutzten viele Darsteller und Persönlichkeiten wie Al Jolson, W. C. Fields, Mae West, Buster Keaton, die Marx Brothers, Jimmy Durante, Bill "Bojangles" Robinson, Edgar Bergen, Fanny Brice, Burns und Allen und Eddie Cantor die im Live-Varieté erlangte Bekanntheit, um in das neue Medium Kino einzusteigen. Dabei erschöpften diese Künstler oft in wenigen Augenblicken die Neuartigkeit einer Darbietung, mit der sie mehrere Jahre lang auf Tournee gewesen wären. Andere Künstler, die in den späteren Jahren des Vaudeville auftraten, wie Jack Benny, Abbott und Costello, Kate Smith, Cary Grant, Bob Hope, Milton Berle, Judy Garland, Rose Marie, Sammy Davis Jr., Red Skelton, Larry Storch und The Three Stooges, nutzten das Vaudeville nur als Sprungbrett für ihre späteren Karrieren. Sie verließen die Live-Auftritte, bevor sie die nationale Berühmtheit früherer Vaudeville-Stars erlangten, und fanden ihren Ruhm an neuen Schauplätzen. ⓘ
Die Grenze zwischen Live-Auftritten und Filmvorführungen wurde durch eine Reihe von Vaudeville-Unternehmern verwischt, die mehr oder weniger erfolgreich ins Filmgeschäft einstiegen. Alexander Pantages zum Beispiel erkannte schnell die Bedeutung des Kinofilms als Unterhaltungsform. Bereits 1902 baute er sie in seine Shows ein. Später ging er eine Partnerschaft mit Famous Players-Lasky ein, einer großen Hollywood-Produktionsfirma und Tochtergesellschaft von Paramount Pictures. ⓘ
In den späten 1920er Jahren enthielten die meisten Vaudeville-Shows eine große Auswahl an Filmen. Zu Beginn des Jahrhunderts waren sich viele Varietés der Bedrohung durch das Kino bewusst und hofften, dass der stumme Charakter der "flackernden Schattenschönheiten" verhindern würde, dass sie den ersten Platz in der Gunst des Publikums einnehmen würden. Mit der Einführung des Tonfilms im Jahr 1926 schafften die aufstrebenden Filmstudios das ab, was bis dahin der Hauptunterschied zur Live-Theateraufführung gewesen war: den gesprochenen Dialog. Der Historiker John Kenrick schrieb:
Die Top-Stars des Vaudeville filmten ihre Auftritte für einmalige Gagen und trugen so ungewollt dazu bei, den Tod des Vaudeville zu beschleunigen. Denn wenn "kleine" Theater "große" Darsteller für fünf Cent pro Platz auf der Leinwand anbieten konnten, wer wollte dann vom Publikum verlangen, höhere Summen für weniger beeindruckende Live-Talente zu zahlen? Die neu gegründeten RKO-Studios übernahmen das berühmte Orpheum-Varieté und verwandelten es in kürzester Zeit in eine Kette von Vollzeit-Filmtheatern. Die ein halbes Jahrhundert währende Tradition des Vaudeville wurde in weniger als vier Jahren ausgelöscht. ⓘ
Es war unvermeidlich, dass die Manager die Kosten weiter senkten, indem sie auch die letzten Live-Vorstellungen abschafften. Das Vaudeville litt auch unter dem Aufkommen des Rundfunks, nachdem später in diesem Jahrzehnt preiswerte Empfangsgeräte zur Verfügung standen. Selbst die Hartgesottenen in der Vaudeville-Industrie erkannten, dass die Form im Niedergang begriffen war; die Aufmerksamen sahen den Zustand als unheilvoll an. Der standardisierte Filmvertrieb und der Tonfilm der 1930er Jahre bestätigten das Ende des Vaudeville. Bis 1930 war die große Mehrheit der ehemaligen Live-Theater mit Tonanlagen ausgestattet worden, und keines der großen Studios produzierte Stummfilme. Eine Zeit lang boten die luxuriösesten Theater weiterhin Live-Unterhaltung an, aber die meisten Theater waren durch die Weltwirtschaftskrise gezwungen, zu sparen. ⓘ
Einige in der Branche machten die Abwanderung von Talenten aus dem Vaudeville für den Niedergang des Mediums verantwortlich. Andere argumentierten, das Vaudeville habe es zugelassen, dass seine Darbietungen seinem berühmt-treuen, nun aber scheinbar wankelmütigen Publikum zu vertraut geworden seien. ⓘ
Es gab kein abruptes Ende des Vaudeville, obwohl die Form in den späten 1920er Jahren deutlich nachließ. Joseph Kennedy Sr. erwarb in einer feindlichen Übernahme die Keith-Albee-Orpheum Theatres Corporation (KAO), die mehr als 700 Vaudeville-Theater in den Vereinigten Staaten besaß, in denen inzwischen auch Filme gezeigt wurden. Die Umstellung des Palace Theatre in New York City, des Zentrums des Vaudeville, auf eine ausschließliche Kinovorführung am 16. November 1932 wird oft als der Todesstoß für das Vaudeville angesehen. ⓘ
Zwar wurde in den 1930er Jahren und später von einer Wiederbelebung des Vaudeville gesprochen, doch der Niedergang des Unterhaltungsapparats der Zirkel und die höheren Kosten für Live-Vorführungen machten eine groß angelegte Erneuerung des Vaudeville unrealistisch. ⓘ
Architektur
Die eindrucksvollsten Beispiele der Theaterarchitektur des Goldenen Zeitalters wurden von den großen Varieté-Magnaten in Auftrag gegeben und waren Monumente ihres Reichtums und ihrer Ambitionen. Beispiele für eine solche Architektur sind die von Impresario Alexander Pantages gebauten Theater. Pantages arbeitete häufig mit dem Architekten B. Marcus Priteca (1881-1971) zusammen, der seinerseits regelmäßig mit dem Wandmaler Anthony Heinsbergen zusammenarbeitete. Priteca entwarf einen exotischen, neoklassizistischen Stil, den sein Arbeitgeber "Pantages Greek" nannte. ⓘ
Obwohl das klassische Varieté in den von nationalen Ketten und großen Theatern beherrschten städtischen Gebieten einen Höhepunkt an Kapitalisierung und Raffinesse erreichte, gab es auch unzählige kleinere, intimere und lokal kontrollierte Varietés. Bei den kleinen Häusern handelte es sich häufig um umgebaute Saloons, grobschlächtige Theater oder Mehrzweckhallen, die zusammen ein breites Spektrum an Kunden ansprachen. In vielen Kleinstädten gab es eigens errichtete Theater. Ein kleines, aber interessantes Beispiel sind die so genannten Grange Halls im nördlichen Neuengland, die immer noch genutzt werden. Dabei handelt es sich um altmodische Holzgebäude mit knarrenden, schwach beleuchteten Holzbühnen, die die Abgeschiedenheit des bäuerlichen Lebensstils ausgleichen sollen. Auf diesen Bühnen wird alles Mögliche geboten, von Kinderdarstellern über Kontra-Tänze, Besuche des Weihnachtsmannes, lokale musikalische Talente bis hin zu hausgemachten Speisen wie z. B. Furzkuchen. ⓘ
Der kulturelle Einfluss und das Erbe des Vaudeville
Einige der bekanntesten Vaudeville-Darsteller schafften den Übergang zum Kino, während andere nicht so erfolgreich waren. Einige Darsteller wie Bert Lahr machten Karriere, indem sie Live-Auftritte mit Radio- und Filmrollen kombinierten. Viele andere traten später in den Catskill-Resorts auf, die den "Borscht Belt" bildeten. ⓘ
Das Vaudeville trug maßgeblich zum Erfolg der neueren Medien Film, Radio und Fernsehen bei. Die Komödien der neuen Ära übernahmen viele der dramatischen und musikalischen Elemente der klassischen Vaudeville-Nummern. Die Filmkomödien der 1920er bis 1940er Jahre nutzten Talente von der Vaudeville-Bühne und folgten der Varieté-Ästhetik, sowohl in Hollywood als auch in Asien, einschließlich China. ⓘ
Das reiche Repertoire der Vaudeville-Tradition wurde für prominente Radio-Varietéshows zur Hauptsendezeit wie die Rudy Vallée Show genutzt. Die Struktur eines einzigen Moderators, der eine Reihe von Nummern vorstellt, wurde zu einem beliebten Fernsehstil und lässt sich durchgängig in der Entwicklung des Fernsehens beobachten, von der Milton Berle Show im Jahr 1948 bis zu Late Night with David Letterman in den 1980er Jahren. Das Multi-Act-Format hatte erneut Erfolg in Shows wie Your Show of Shows mit Sid Caesar und The Ed Sullivan Show. Heute werden Künstler wie Bill Irwin, ein MacArthur Fellow und Tony-Award-Gewinner, häufig als "New Vaudevillians" bezeichnet. ⓘ
Verweise auf das Vaudeville und die Verwendung seines charakteristischen Sprachgebrauchs finden sich in der gesamten westlichen Populärkultur. Wörter wie "Flop" und "Gag" sind Begriffe aus der Vaudeville-Ära und haben Eingang in den amerikanischen Sprachgebrauch gefunden. Auch wenn die Techniken des Vaudeville nicht oft genannt werden, so sind sie doch häufig im Fernsehen und in Filmen zu sehen, vor allem in den jüngsten, weltweit ausgestrahlten Fernsehshows wie America's Got Talent. ⓘ
Im professionellen Wrestling gab es ein bekanntes Tag-Team in der WWE, das sich The Vaudevillains nannte. ⓘ
2018 gründete der bekannte Filmregisseur Christopher Annino, der einen neuen Stummfilm mit dem Titel Silent Times gedreht hat, die Vaudeville Con, ein Treffen zur Feier der Geschichte des Vaudeville. Das erste Treffen fand in Pawcatuck, Connecticut, statt. ⓘ
Im Jahr 2003 veröffentlichte der Rapper MF DOOM unter dem Pseudonym Viktor Vaughn das Album Vaudeville Villain. ⓘ
Archiv
Die Aufzeichnungen des Tivoli-Theaters befinden sich in der Staatsbibliothek von Victoria, Melbourne, Australien. Weitere persönliche Unterlagen von Vaudeville-Darstellern des Tivoli-Theaters, einschließlich umfangreicher Bestände an Kostümen und Bühnenbildern, befinden sich in der Performing Arts Collection, Arts Centre Melbourne. ⓘ
Das American Vaudeville Museum, eine der größten Sammlungen von Vaudeville-Memorabilien, befindet sich an der Universität von Arizona. ⓘ
Die Elgin and Winter Garden Theatres in Toronto beherbergen die weltweit größte Sammlung von Vaudeville-Requisiten und Kulissen. ⓘ
Die Benjamin-Franklin-Keith- und Edward-F.-Albee-Sammlung an der Universität von Iowa umfasst eine große Sammlung von Berichtsbüchern der Manager, in denen das Programm und die Qualität der abendlichen Auftritte aufgezeichnet und kommentiert werden. ⓘ
Vaudeville als französischer Schlager
Das Vaudeville war seit dem 15. Jahrhundert eine Art Schlagerlied in Frankreich und im französischen Kanada, das von allen Ständen gesungen wurde, eine Vorform des Chansons. Zu bekannten Melodien („timbres“), von denen mehrere Tausend im Umlauf waren, wurden stets neue Texte gedichtet. Selbst Fabeln und Grammatikregeln wurden auf diese Weise zu Liedern gemacht. Häufig waren es Spottlieder. Dieser Begriff des Vaudevilles lässt sich etwa wie folgt umschreiben: „Bekannte Melodie bleibt, aktueller Text wechselt.“ ⓘ
In dieser Bedeutung ist das Vaudeville eine Art französische Nationalgattung, wie es Nicolas Boileau in seiner Poetik (Chant II, 1674) festhielt: ein satirisches Lied, das von Mund zu Mund gehe. Der Gebrauch solcher Lieder im Theater hat vermutlich die neueren Wortbedeutungen angeregt, was sich aus einigen Gattungsbezeichnungen schließen lässt. Z. B. comédie en vaudevilles mélée de prose: Komödie aus Vaudevilles, vermischt mit Prosatext. ⓘ
Als musikalische Bezeichnung kann Vaudeville seit dem 16. Jahrhundert für ein Lied oder einen Choralsatz mit syllabischer Textvertonung ohne Koloraturen stehen. ⓘ
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