Orchester
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| Musikpädagogik |
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Ein Orchester (/ˈɔːrkɪstrə/; italienisch: [orˈkɛstra]) ist ein großes, für die klassische Musik typisches Instrumentalensemble, das Instrumente aus verschiedenen Familien vereint, darunter
- Streichinstrumente wie Violine, Viola, Cello und Kontrabass
- Holzblasinstrumente wie Flöte, Oboe, Klarinette und Fagott
- Blechblasinstrumente wie Horn, Trompete, Posaune und Tuba
- Schlaginstrumente wie Pauke, Kleine Trommel, Große Trommel, Becken, Triangel, Tamburin und Stabspiele
jeweils gruppiert in Sektionen. ⓘ
Andere Instrumente wie das Klavier, das Cembalo und die Celesta können manchmal in einer fünften Keyboardsektion auftreten oder als Soloinstrumente allein stehen, ebenso wie die Konzertharfe und - bei Aufführungen einiger moderner Kompositionen - elektronische Instrumente und Gitarren. ⓘ
Ein großes westliches Orchester wird manchmal auch als Sinfonieorchester oder philharmonisches Orchester (von griechisch phil-, "liebend", und "Harmonie") bezeichnet. Die tatsächliche Anzahl der Musiker, die bei einer bestimmten Aufführung eingesetzt werden, kann je nach dem gespielten Werk und der Größe des Veranstaltungsortes zwischen siebzig und über hundert Musikern variieren. Ein Kammerorchester (manchmal auch Konzertorchester) ist ein kleineres Ensemble mit nicht mehr als fünfzig Musikern. Orchester, die sich auf Barockmusik, z. B. von Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel, oder auf klassisches Repertoire, z. B. von Haydn und Mozart, spezialisiert haben, sind in der Regel kleiner als Orchester, die romantische Musik, z. B. die Sinfonien von Johannes Brahms, aufführen. Das typische Orchester wurde im 18. und 19. Jahrhundert immer größer und erreichte seinen Höhepunkt mit den großen Orchestern (mit bis zu 120 Spielern), die in den Werken von Richard Wagner und später Gustav Mahler gefordert wurden. ⓘ
Orchester werden in der Regel von einem Dirigenten geleitet, der die Aufführung mit Hand- und Armbewegungen dirigiert, die für die Musiker oft durch den Einsatz eines Dirigentenstabs leichter zu erkennen sind. Der Dirigent vereint das Orchester, gibt das Tempo vor und formt den Klang des Ensembles. Der Dirigent bereitet das Orchester auch vor, indem er vor dem öffentlichen Konzert Proben leitet, in denen er den Musikern Anweisungen für ihre Interpretation der aufgeführten Musik gibt. ⓘ
Der Leiter der ersten Geigengruppe - im Allgemeinen Konzertmeister genannt - spielt ebenfalls eine wichtige Rolle bei der Führung der Musiker. In der Epoche der Barockmusik (1600-1750) wurden Orchester oft vom Konzertmeister oder von einem akkordspielenden Musiker geleitet, der die Basso-Continuo-Stimmen auf einem Cembalo oder einer Pfeifenorgel spielte - eine Tradition, die einige Ensembles für Alte Musik des 20. und 21. Orchester spielen ein breites Repertoire, darunter Sinfonien, Opern- und Ballett-Ouvertüren, Konzerte für Soloinstrumente und als Orchestergraben-Ensembles für Opern, Ballette und einige Arten von Musiktheater (z. B. Gilbert- und Sullivan-Operetten). ⓘ
Zu den Amateurorchestern gehören Orchester, die sich aus Schülern einer Grundschule oder eines Gymnasiums zusammensetzen, Jugendorchester und Gemeindeorchester; die beiden letzteren setzen sich in der Regel aus Amateurmusikern einer bestimmten Stadt oder Region zusammen. ⓘ
Der Begriff Orchester leitet sich vom griechischen ὀρχήστρα (Orchester) ab, der Bezeichnung für den Bereich vor der Bühne im antiken griechischen Theater, der dem griechischen Chor vorbehalten war. ⓘ
Geschichte
Barock und klassische Epochen
In der Barockzeit war die Größe und Zusammensetzung eines Orchesters nicht genormt. Zwischen den verschiedenen europäischen Regionen gab es große Unterschiede in Bezug auf Größe, Instrumentierung und Spielweise - und damit auch in Bezug auf die Klangfarben und die Palette der Orchester. Die Bandbreite der Barockorchester reichte von kleineren Orchestern (oder Ensembles) mit einem Spieler pro Stimme bis hin zu größeren Orchestern mit vielen Spielern pro Stimme. Beispiele für die kleinere Variante waren Bachs Orchester, z. B. in Köthen, wo er Zugang zu einem Ensemble von bis zu 18 Spielern hatte. Zu den großen Barockorchestern gehörte beispielsweise Corellis Orchester in Rom, das bei alltäglichen Aufführungen zwischen 35 und 80 Spieler hatte und bei besonderen Anlässen auf 150 Spieler vergrößert wurde. ⓘ
In der klassischen Ära wurde das Orchester stärker standardisiert, mit einem kleinen bis mittelgroßen Streichersatz und einem Kernbläsersatz, der aus Oboen-, Flöten-, Fagott- und Hörnerpaaren bestand, manchmal ergänzt durch Schlagzeug und Klarinetten- und Trompetenpaare. ⓘ
Beethovens Einfluss
Die so genannte "Standardbesetzung" des Orchesters mit doppelten Bläsern und Blechbläsern, die im späten 18. Jahrhundert eingeführt und in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts gefestigt wurde, wird im Allgemeinen auf die von Beethoven nach Haydn und Mozart geforderten Kräfte zurückgeführt. Beethovens Instrumentation umfasste fast immer gepaarte Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte, Hörner und Trompeten. Ausnahmen bilden die Symphonie Nr. 4, das Violinkonzert und das Klavierkonzert Nr. 4, die jeweils eine einzelne Flöte vorsehen. In den Sinfonien 3, 5, 6 und 9 hat Beethoven die Erweiterung dieser besonderen Klangpalette" sorgfältig berechnet, um einen innovativen Effekt zu erzielen. Das dritte Horn in der "Eroica"-Sinfonie sorgt nicht nur für eine gewisse harmonische Flexibilität, sondern auch für den Effekt von "chorischen" Blechbläsern im Triosatz. Piccoloflöte, Kontrafagott und Posaunen ergänzen das triumphale Finale seiner 5. Eine Piccoloflöte und ein Posaunenpaar sorgen in der Sechsten, die auch als Pastoralsinfonie bezeichnet wird, für die Wirkung von Sturm und Sonne. Die Neunte verlangt aus ähnlichen Gründen wie die "Eroica" ein zweites Paar Hörner (vier Hörner sind inzwischen Standard); Beethovens Einsatz von Piccoloflöte, Kontrafagott, Posaunen und ungestimmtem Schlagzeug - sowie Chor und Gesangssolisten - in seinem Finale sind sein frühester Hinweis darauf, dass die klanglichen Grenzen der Sinfonie erweitert werden könnten. Mehrere Jahrzehnte nach seinem Tod blieb die symphonische Instrumentation bis auf wenige Ausnahmen Beethovens bewährtem Modell treu. ⓘ
Instrumentale Technik
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Die Erfindung des Kolbens und des Drehventils durch die beiden Schlesier Heinrich Stölzel und Friedrich Blühmel im Jahr 1815 war die erste in einer Reihe von Innovationen, die sich auf das Orchester auswirkten, darunter die Entwicklung der modernen Klappenmechanik für die Flöte durch Theobald Boehm und die Innovationen von Adolphe Sax bei den Holzbläsern, insbesondere die Erfindung des Saxophons. Diese Fortschritte veranlassten Hector Berlioz dazu, ein bahnbrechendes Buch über die Instrumentation zu schreiben, das die erste systematische Abhandlung über die Verwendung des Instrumentalklangs als ausdrucksstarkes Element der Musik war. ⓘ
Wagners Einfluss
Die nächste wichtige Erweiterung der symphonischen Praxis kam von Richard Wagners Bayreuther Orchester, das zur Begleitung seiner Musikdramen gegründet wurde. Wagners Bühnenwerke waren von nie dagewesenem Umfang und Komplexität: In seiner Partitur zu Das Rheingold sind sechs Harfen vorgesehen. So sah Wagner eine immer anspruchsvollere Rolle für den Dirigenten des Theaterorchesters vor, wie er in seinem einflussreichen Werk Über das Dirigieren darlegte. Dies führte zu einer Revolution in der Orchesterkomposition und prägte den Stil der Orchesteraufführung für die nächsten achtzig Jahre. Wagners Theorien untersuchten die Bedeutung von Tempo, Dynamik, Streichinstrumenten und die Rolle der Solisten im Orchester. ⓘ
Das Orchester des 20. Jahrhunderts
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren die Sinfonieorchester größer, finanziell besser ausgestattet und besser ausgebildet als zuvor, so dass die Komponisten größere und anspruchsvollere Werke komponieren konnten. Besonders innovativ waren die Werke von Gustav Mahler, der in seinen späteren Sinfonien, wie der Mammutsinfonie Nr. 8, die Grenzen der Orchestergröße mit riesigen Besetzungen ausreizte. In der Spätromantik waren die Orchester in der Lage, die gewaltigsten symphonischen Ausdrucksformen mit riesigen Streichergruppen, massiven Blechbläsern und einer erweiterten Palette von Schlaginstrumenten zu realisieren. Mit dem Beginn der Aufzeichnungsära wurden die Aufführungsstandards auf ein neues Niveau gehoben, da eine aufgezeichnete Sinfonie genau abgehört werden konnte und selbst kleine Fehler in der Intonation oder im Zusammenspiel, die bei einer Live-Aufführung vielleicht nicht auffallen würden, von den Kritikern wahrgenommen werden konnten. Als sich die Aufnahmetechniken im 20. und 21. Jahrhundert verbesserten, konnten kleine Fehler in einer Aufnahme schließlich durch Audiobearbeitung oder Overdubbing "korrigiert" werden. Einige ältere Dirigenten und Komponisten können sich noch an eine Zeit erinnern, in der es der Standard war, die Musik einfach so gut wie möglich "durchzubringen". In Verbindung mit dem größeren Publikum, das durch die Aufnahme möglich wurde, führte dies zu einer erneuten Konzentration auf bestimmte Stardirigenten und auf einen hohen Standard der Orchesterausführung. ⓘ
Instrumentierung
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Ein Kammerorchester ist deutlich kleiner als ein Sinfonieorchester, da die meisten Instrumentengruppen kleiner besetzt sind oder ganz wegfallen. Die Grenzen zum großbesetzten Ensemble sind fließend. Eine spezielle Form bildet das reine Streichorchester. ⓘ
Die ersten Kammerorchester moderner Prägung entstanden in den 1920er Jahren, das früheste Beispiel sind die von Vladimir Golschmann verantworteten Concerts Golschmann, die von 1919 bis Mitte der 1920er Jahre in Paris veranstaltet wurden. Auslöser für die zahlreichen Gründungen in Europa (vereinzelt auch in den USA) war hauptsächlich eine Gegenbewegung zu den ausufernden Klangmassen der spätromantischen Musik und den dafür notwendigen riesigen Orchestern; auch die Wiederentdeckung „Alter“ Musik und die prekäre wirtschaftliche Situation, die den Unterhalt sehr großer Klangkörper erschwerte, spielten eine Rolle. Auch die Filmorchester (zur Begleitung von Stummfilmen) hatten meist Kammerorchestergröße. ⓘ
Wegen des geringeren wirtschaftlichen Risikos war es möglich, mit einem Kammerorchester auch verstärkt zeitgenössische Musik zur Aufführung zu bringen. Mit einer vergleichsweise kleinen Anzahl an Musikern wurde dies zunächst im Umkreis Arnold Schönbergs und im organisatorischen Rahmen des Vereins für musikalische Privataufführungen realisiert, wo sowohl Originalwerke für "Kammerorchester" als auch Bearbeitungen größer besetzter Werke (angefertigt u. a. durch Benno Sachs und Erwin Stein) gespielt wurden. Zu solistisch besetzten Streichern und wenigen solistischen Bläsern trat bei diesen Aufführungen grundsätzlich ein Tasteninstrument (Harmonium und/oder Klavier). ⓘ
Eine ähnliche Zielsetzung vertrat der in der Jugendmusikbewegung sozialisierte Paul Sacher, der 1926 das Basler Kammerorchester gründete und aufgrund der schnellen Professionalisierung des Klangkörpers und der ungewöhnlich guten finanziellen Ausstattung der Trägerstruktur bald zahlreiche Kompositionsaufträge vergeben konnte. Bis zu seiner Auflösung 1987 spielte das Orchester regelmäßig Uraufführungen von Komponisten wie Béla Bartók, Arthur Honegger, Frank Martin, Igor Strawinsky, Bohuslav Martinů, Witold Lutosławski, Henri Dutilleux, Luciano Berio oder Elliott Carter. Einen hohen Anteil an Werken zeitgenössischer Komponisten wiesen auch das 1920 von Alexander Schaichet gegründete Kammerorchester Zürich, der Trigintuor in Lyon, das von Michael Taube gegründete Neue Kammerorchester in Berlin, das von Nicolas Slonimsky ins Leben gerufene Boston Chamber Orchestra sowie das Anfang der 1940er Jahre ebenfalls von Paul Sacher geschaffene Collegium Musicum Zürich auf. Vereinzelt standen auch Komponisten im direkten organisatorischen Kontext eines Kammerorchesters, etwa Manuel de Falla in Sevilla mit der Orquesta Bética de Cámara, Helmut Degen in Köln mit dem Kammerorchester für neue Musik oder Wolfgang Fortner mit dem Heidelberger Kammerorchester. ⓘ
Die meisten Kammerorchestergründungen aus der Zeit vor 1939 überlebten die Kriegsjahre nicht, die Ausnahme bilden die von Sacher gegründeten und geleiteten Klangkörper in Basel und Zürich. 1942 wurde zudem durch Victor Desarzens das Orchestre de Chambre de Lausanne ins Leben gerufen. Nach 1945 erfolgten vor allem im deutschsprachigen Raum zahlreiche Neugründungen, von denen das Stuttgarter Kammerorchester unter Karl Münchinger, das Münchener Kammerorchester unter Hans Stadlmair, das Südwestdeutsche Kammerorchester Pforzheim unter Friedrich Tilegant, das Württembergische Kammerorchester Heilbronn unter Jörg Faerber, das Kurpfälzische Kammerorchester unter Wolfgang Hofmann, die Camerata Academica des Mozarteums Salzburg unter Bernhard Paumgartner, das Zürcher Kammerorchester unter Edmond de Stoutz oder die Camerata Zürich unter Räto Tschupp besondere Aufmerksamkeit erhielten und sich auch durch Rundfunk- und Schallplattenproduktionen profilieren konnten. Zu dieser Gruppe gehört auch das bereits 1923 gegründete Kölner Kammerorchester, welches seit 1964 von Helmut Müller-Brühl geleitet wurde. In kleinerer Besetzung, stärker auf Streichorchesterliteratur ausgerichtet, wirkten Ensembles wie die Festival Strings Lucerne unter Rudolf Baumgartner, das Kammerorchester Tibor Varga oder das Orchestre de chambre Jean-François Paillard. Auch im Kontext von Rundfunkanstalten bildeten sich Kammerorchesterformationen aus, genannt sei etwa das Kammerorchester des Saarländischen Rundfunks unter Karl Ristenpart. ⓘ
Außerhalb des deutschen Sprachraums gelangten in der Nachkriegszeit Formationen wie die Academy of St Martin in the Fields unter Neville Marriner, das English Chamber Orchestra (das bis 1985 ohne festen Dirigenten arbeitete) oder das Saint Paul Chamber Orchestra zu beträchtlicher Bedeutung. ⓘ
Seit den 1950er Jahren entstanden Spezialistenensembles, die sich intensiv mit den besonderen Besetzungs-, Notations- und spieltechnischen Anforderungen der Avantgarde-Komponisten auseinandersetzen, die von einem klassischen Kammerorchester nur schwer zu bewältigen sind. Zudem ließ die wieder aufkommende Beschäftigung mit Alter Musik ab etwa den 1970er Jahren zahlreiche Formationen entstehen, die in wechselnden Besetzungen, aber meist in Kammerorchesterstärke, und bisweilen auch ohne Dirigent auftreten. ⓘ
Schließlich bildete sich seit den 1980er Jahren eine "dritte Generation" an Kammerorchestern heraus, die oft aus Hochschulabsolventen-Orchestern oder Jugendorchestern hervorgingen, etwa die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, das Mahler Chamber Orchestra, das Chamber Orchestra of Europe oder das Kammerorchester Basel. Bereits in den 1970er Jahren hatte sich das Orpheus Chamber Orchestra formiert, welches das Prinzip des Musizierens ohne Dirigent_in bis zum heutigen Tage konsequent befolgt. ⓘ
Das typische Sinfonieorchester besteht aus vier Gruppen verwandter Musikinstrumente, den Holzbläsern, Blechbläsern, Schlagzeugern und Streichern. Andere Instrumente wie Klavier und Celesta können manchmal in einer fünften Gruppe, z. B. einer Keyboardgruppe, zusammengefasst sein oder auch allein stehen, ebenso wie die Konzertharfe und elektrische und elektronische Instrumente. Je nach Größe des Orchesters sind in jeder Gruppe fast alle Standardinstrumente vertreten. ⓘ
In der Geschichte des Orchesters hat sich die Instrumentierung im Laufe der Zeit erweitert, wobei häufig davon ausgegangen wird, dass sie durch die Klassik und Ludwig van Beethovens Einfluss auf das klassische Modell standardisiert wurde. Im 20. und 21. Jahrhundert wurde die Orchesterbesetzung durch neue Anforderungen an das Repertoire erweitert, was zu einem flexiblen Einsatz von Instrumenten des klassischen Modells und neu entwickelten elektrischen und elektronischen Instrumenten in verschiedenen Kombinationen führte. ⓘ
Die Begriffe Sinfonieorchester und Philharmonisches Orchester können verwendet werden, um verschiedene Ensembles desselben Ortes zu unterscheiden, z. B. das London Symphony Orchestra und das London Philharmonic Orchestra. Ein Sinfonie- oder Philharmonieorchester hat in der Regel mehr als achtzig, in manchen Fällen mehr als hundert Musiker auf dem Spielplan, aber die tatsächliche Anzahl der Musiker, die bei einer bestimmten Aufführung eingesetzt werden, kann je nach dem gespielten Werk und der Größe des Veranstaltungsortes variieren. ⓘ
Ein Kammerorchester ist in der Regel ein kleineres Ensemble; ein großes Kammerorchester kann bis zu fünfzig Musiker beschäftigen, manche sind jedoch viel kleiner. Konzertorchester ist ein alternativer Begriff, wie z. B. BBC Concert Orchestra und RTÉ Concert Orchestra. ⓘ
Erweitertes Instrumentarium
Neben der Kernbesetzung des Orchesters werden gelegentlich auch andere Instrumente eingesetzt. Dazu gehören das Flügelhorn und das Kornett. Saxophone und klassische Gitarren tauchen zum Beispiel in einigen Partituren des 19. bis 21. Jahrhunderts. Während das Saxophon in einigen Werken nur als Soloinstrument auftaucht, z. B. in Maurice Ravels Orchestrierung von Modest Mussorgskys Bilder einer Ausstellung und in Sergei Rachmaninows Symphonischen Tänzen, ist es in anderen Werken zu hören, z. B. in Ravels Boléro, Sergei Prokofjews Romeo-und-Julia-Suiten 1 und 2, Vaughan Williams' Symphonien Nr. 6 und Nr. 9 von Vaughan Williams und William Waltons Belshazzar's Feast, sowie in vielen anderen Werken als Mitglied des Orchesterensembles. Das Euphonium ist in einigen Werken der Spätromantik und des 20. Jahrhunderts zu hören, in der Regel in Partien mit der Bezeichnung "Tenortuba", darunter Gustav Holsts Die Planeten und Richard Strauss' Ein Heldenleben. Die Wagnertuba, ein modifiziertes Mitglied der Hornfamilie, kommt in Richard Wagners Zyklus Der Ring des Nibelungen und in mehreren anderen Werken von Strauss, Béla Bartók und anderen vor; sie spielt eine herausragende Rolle in Anton Bruckners Symphonie Nr. 7 in E-Dur. Cornets kommen in Pjotr Iljitsch Tschaikowskys Ballett Schwanensee, Claude Debussys La Mer und in mehreren Orchesterwerken von Hector Berlioz vor. Sofern diese Instrumente nicht von Mitgliedern gespielt werden, die ein anderes Instrument "verdoppeln" (z. B. ein Posaunist, der zum Euphonium wechselt, oder ein Fagottist, der für eine bestimmte Passage zum Kontrafagott wechselt), stellen die Orchester in der Regel freiberufliche Musiker ein, um ihr reguläres Ensemble zu verstärken. ⓘ
Das Orchester des 20. Jahrhunderts war weitaus flexibler als seine Vorgänger. Zu Beethovens und Felix Mendelssohns Zeiten bestand das Orchester aus einem ziemlich standardisierten Kern von Instrumenten, der nur sehr selten von Komponisten verändert wurde. Im Laufe der Zeit und in der Romantik, als Komponisten wie Berlioz und Mahler Änderungen akzeptierten, setzten einige Komponisten mehrere Harfen und Klangeffekte wie die Windmaschine ein. Im 20. Jahrhundert wurde das moderne Orchester im Allgemeinen mit der unten aufgeführten modernen Instrumentierung standardisiert. Mitte bis Ende des 20. Jahrhunderts, mit der Entwicklung der zeitgenössischen klassischen Musik, konnte die Instrumentierung jedoch praktisch vom Komponisten selbst ausgewählt werden (z. B. um elektrische Instrumente wie die E-Gitarre, elektronische Instrumente wie Synthesizer, nicht-westliche Instrumente oder andere Instrumente, die traditionell nicht im Orchester verwendet werden, hinzuzufügen). ⓘ
Vor dem Hintergrund dieser Geschichte kann das Orchester in fünf Epochen unterteilt werden: Barock, Klassik, Früh-/Mittelromantik, Spätromantik und Moderne/Postmoderne. Das erste ist ein Barockorchester (z.B. J.S. Bach, Händel, Vivaldi), das im Allgemeinen eine geringere Anzahl von Interpreten hatte und in dem ein oder mehrere akkordspielende Instrumente, die Basso-Continuo-Gruppe (z.B. Cembalo oder Pfeifenorgel und verschiedene Bassinstrumente zur Ausführung der Basslinie), eine wichtige Rolle spielten; das zweite ist ein typisches Orchester der klassischen Epoche (z.B., der frühe Beethoven sowie Mozart und Haydn), das eine kleinere Gruppe von Interpreten als ein Orchester der romantischen Musik und eine ziemlich standardisierte Instrumentierung verwendete; das dritte ist typisch für die frühe/mittelromantische Epoche (z. B., Schubert, Berlioz, Schumann, Brahms); das vierte ist ein Orchester der Spätromantik/des frühen 20. Jahrhunderts (z. B. Wagner, Mahler, Strawinsky), das durch ein modernes Orchester der 2010er Jahre (z. B. Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki) ergänzt wird. ⓘ
Spätbarockes Orchester
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Klassisches Orchester
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Frühromantisches Orchester
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Spätromantisches Orchester
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Modernes/Postmodernes Orchester
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Organisation
Zwischen den Instrumentengruppen und innerhalb jeder Instrumentengruppe gibt es eine allgemein anerkannte Hierarchie. Jede Instrumentengruppe (oder Sektion) hat einen Stimmführer, der im Allgemeinen für die Leitung der Gruppe und das Spielen von Orchestersoli verantwortlich ist. Die Violinen sind in zwei Gruppen unterteilt, die erste und die zweite Violine, wobei die zweiten Violinen in tieferen Lagen als die ersten Violinen spielen, eine Begleitstimme übernehmen oder die von den ersten Violinen gespielte Melodie harmonisieren. Die erste Violine wird Konzertmeister genannt (oder im Vereinigten Königreich "orchestra leader") und gilt nicht nur als Leiter der Streichergruppe, sondern auch als stellvertretender Leiter des gesamten Orchesters hinter dem Dirigenten. Der Konzertmeister leitet die Einstimmung vor dem Konzert und kümmert sich um die musikalischen Aspekte des Orchestermanagements, wie z. B. die Festlegung der Stimmbögen für die Geigen oder für die gesamte Streichergruppe. Der Konzertmeister sitzt in der Regel links vom Dirigenten, also am nächsten zum Publikum. Außerdem gibt es eine zweite Hauptgeige, eine Hauptbratsche, ein Hauptcello und einen Hauptbass. ⓘ
Die Soloposaune gilt als Leiter des tiefen Blechbläsersatzes, während die Solotrompete im Allgemeinen als Leiter des gesamten Blechbläsersatzes gilt. Während die Oboe oft den Stimmton für das Orchester angibt (aufgrund einer 300 Jahre alten Konvention), gibt es im Allgemeinen keinen bestimmten Stimmführer für die Holzbläsergruppe (obwohl in Holzbläserensembles die Flöte oft der mutmaßliche Stimmführer ist), sondern jeder Stimmführer berät sich bei musikalischen Meinungsverschiedenheiten mit den anderen gleichberechtigt. Die meisten Ensembles haben auch einen stellvertretenden Stimmführer (oder Ko-Stimmführer oder stellvertretenden Stimmführer) oder, im Falle der ersten Geigen, einen stellvertretenden Konzertmeister, der oft eine Tutti-Stimme spielt und den Stimmführer in dessen Abwesenheit vertritt. ⓘ
Ein Streicher der Sektion spielt unisono mit dem Rest der Sektion, es sei denn, es handelt sich um geteilte (divisi) Stimmen, bei denen die oberen und unteren Stimmen in der Musik oft "außen" (näher am Publikum) und "innen" sitzenden Spielern zugewiesen sind. Wird in einem Streichersatz eine Solostimme verlangt, so spielt diese immer der Stimmführer. Der Stimmführer einer Streichergruppe ist auch für die Festlegung des Bogenstrichs verantwortlich, oft auf der Grundlage der vom Konzertmeister vorgegebenen Bogenstriche. In einigen Fällen kann der Stimmführer einer Streichergruppe eine etwas andere Bogenführung als der Konzertmeister verwenden, um den Anforderungen seines Instruments gerecht zu werden (z. B. die Kontrabassgruppe). Die Leiter der Streichergruppe führen auch die Einsätze ihrer Gruppe an, indem sie den Bogen vor dem Einsatz anheben, um sicherzustellen, dass die Gruppe zusammen spielt. Tutti-Bläser und Blechbläser spielen in der Regel einen eigenen, nicht solistischen Part. Die Schlagzeuger der Sektionen spielen Teile, die ihnen vom Hauptschlagzeuger zugewiesen werden. ⓘ
In der heutigen Zeit werden die Musiker in der Regel von einem Dirigenten geleitet, obwohl frühe Orchester keinen Dirigenten hatten und diese Rolle stattdessen dem Konzertmeister oder dem Cembalisten, der den Continuo spielt, überließen. Einige moderne Orchester kommen auch ohne Dirigenten aus, insbesondere kleinere Orchester und solche, die sich auf historisch korrekte (so genannte "historische") Aufführungen von Barockmusik und früherer Musik spezialisiert haben. ⓘ
Das am häufigsten aufgeführte Repertoire für ein Sinfonieorchester ist die westliche klassische Musik oder die Oper. Orchester werden jedoch auch in der populären Musik (z. B. zur Begleitung einer Rock- oder Popband in einem Konzert), in der Filmmusik und immer häufiger auch in Videospielen eingesetzt. Auch im symphonischen Metal-Genre werden Orchester eingesetzt. Der Begriff "Orchester" kann auch für ein Jazz-Ensemble verwendet werden, z. B. bei der Aufführung von Big-Band-Musik. ⓘ
Auswahl und Ernennung der Mitglieder
In den 2000er Jahren sprechen normalerweise alle fest angestellten Mitglieder eines professionellen Orchesters für eine Stelle im Ensemble vor. Die Ausführenden spielen in der Regel ein oder mehrere Solostücke nach Wahl des Probespielers, z. B. einen Satz eines Konzerts, einen Solosatz von Bach und verschiedene Auszüge aus der Orchesterliteratur, die auf dem Probespielplakat angekündigt werden (damit sich die Probespieler vorbereiten können). Bei den Ausschnitten handelt es sich in der Regel um die technisch anspruchsvollsten Teile und Soli aus der Orchesterliteratur. Orchestervorspiele werden in der Regel vor einem Gremium abgehalten, dem der Dirigent, der Konzertmeister, der Stimmführer der Gruppe, für die sich der Bewerber bewirbt, und möglicherweise weitere Stimmführer angehören. ⓘ
Die vielversprechendsten Kandidaten der ersten Proberunde werden zu einer zweiten oder dritten Proberunde eingeladen, bei der der Dirigent und das Gremium die besten Kandidaten miteinander vergleichen können. Die Bewerber können aufgefordert werden, Orchestermusik vom Blatt zu lesen. Die letzte Phase des Probespiels ist in einigen Orchestern eine Probewoche, in der der Bewerber ein oder zwei Wochen lang mit dem Orchester spielt, so dass der Dirigent und die Solisten feststellen können, ob der Bewerber in einer tatsächlichen Proben- und Aufführungssituation gut funktionieren kann. ⓘ
Es gibt eine Reihe von verschiedenen Beschäftigungsverhältnissen. Die begehrtesten Stellen sind unbefristete Festanstellungen im Orchester. Orchester stellen aber auch Musiker auf der Grundlage von Verträgen ein, deren Dauer von einem einzigen Konzert bis zu einer ganzen Saison oder länger reicht. Vertragsmusiker können für einzelne Konzerte engagiert werden, wenn das Orchester ein außergewöhnlich großes spätromantisches Orchesterwerk aufführt, oder als Ersatz für ein festes Mitglied, das erkrankt ist. Ein professioneller Musiker, der für ein einzelnes Konzert engagiert wird, wird manchmal als "Sub" bezeichnet. Manche Vertragsmusiker werden eingestellt, um festangestellte Mitglieder für die Zeit zu ersetzen, in der das festangestellte Mitglied in Elternzeit oder wegen Arbeitsunfähigkeit beurlaubt ist. ⓘ
Geschichte des Geschlechts in Ensembles
Historisch gesehen waren die großen Berufsorchester überwiegend oder ganz von Männern besetzt. Die ersten Frauen, die in professionellen Orchestern angestellt wurden, waren Harfenistinnen. Die Wiener Philharmoniker zum Beispiel nahmen erst 1997 Frauen als ständige Mitglieder auf, weit später als vergleichbare Orchester (die anderen Orchester zählten 2008 laut Gramophone zu den fünf besten der Welt). Das letzte große Orchester, das eine Frau auf eine feste Stelle berief, waren die Berliner Philharmoniker. Im Februar 1996 erklärte der Soloflötist der Wiener Philharmoniker, Dieter Flury, gegenüber dem Westdeutschen Rundfunk, dass die Aufnahme von Frauen ein "Spiel mit der emotionalen Geschlossenheit, die dieser Organismus derzeit hat", wäre. Im April 1996 schrieb der Pressesprecher des Orchesters, dass die "Kompensation der zu erwartenden Abwesenheiten" des Mutterschaftsurlaubs ein Problem darstellen würde. ⓘ
1997 sahen sich die Wiener Philharmoniker "während einer [US-]Tournee" mit Protesten der Nationalen Frauenorganisation und der Internationalen Allianz für Frauen in der Musik konfrontiert. Schließlich, "nachdem sie selbst im sozial konservativen Österreich zunehmend der Lächerlichkeit preisgegeben wurden, versammelten sich die Mitglieder des Orchesters [am 28. Februar 1997] in einer außerordentlichen Sitzung am Vorabend ihrer Abreise und stimmten zu, eine Frau, Anna Lelkes, als Harfenistin aufzunehmen." Seit 2013 hat das Orchester sechs weibliche Mitglieder; eine von ihnen, die Geigerin Albena Danailova, ist seit 2008 eine der Konzertmeisterinnen des Orchesters und damit die erste Frau in dieser Position in diesem Orchester. Im Jahr 2012 betrug der Anteil der Frauen an den Orchestermitgliedern 6 %. Der Präsident des VPO, Clemens Hellsberg, sagte, dass das VPO jetzt vollständig überprüfte Blindproben durchführt. ⓘ
2013 hieß es in einem Artikel in Mother Jones, dass zwar "viele renommierte Orchester einen hohen Frauenanteil haben - in der Violinabteilung der New Yorker Philharmoniker sind mehr Frauen als Männer - und mehrere renommierte Ensembles, darunter das National Symphony Orchestra, das Detroit Symphony und das Minnesota Symphony, von Geigerinnen geleitet werden", aber die Kontrabass-, Blechbläser- und Schlagzeugabteilungen großer Orchester "immer noch überwiegend männlich sind". In einem BBC-Artikel aus dem Jahr 2014 heißt es, dass sich durch die "... Einführung von 'blinden' Vorspielen, bei denen ein angehender Instrumentalist hinter einer Leinwand spielt, damit die Jury keine Vorurteile aufgrund von Geschlecht oder Rasse hat, das Geschlechterverhältnis in den traditionell von Männern dominierten Symphonieorchestern allmählich verschoben hat." ⓘ
Amateur-Ensembles
Es gibt auch eine Vielzahl von Amateurorchestern:
- Schulorchester
- Diese Orchester bestehen aus Schülern der Grund- oder Sekundarschule. Dabei kann es sich um Schüler einer Musikklasse oder eines Musikprogramms handeln oder um Schüler der gesamten Schule. Schulorchester werden in der Regel von einem Musiklehrer geleitet. In einigen Fällen handelt es sich um Streichorchester, die nur aus Schülern bestehen, die Streichinstrumente spielen, während die Schüler, die Holz-, Blechblas- und Schlaginstrumente spielen, in einer Konzertband zusammengefasst sind.
- Universitäts- oder Konservatoriumsorchester
- Diese Orchester bestehen aus Studierenden einer Universität oder Musikhochschule. In einigen Fällen stehen die Universitätsorchester allen Studierenden einer Universität aus allen Studiengängen offen. Größere Universitäten können zwei oder mehr Universitätsorchester haben: ein oder mehrere Orchester, die sich aus Musikstudenten zusammensetzen (oder, bei großen Musikstudiengängen, mehrere Stufen von Orchestern für Musikstudenten, die nach Leistungsniveau geordnet sind), und ein zweites Orchester, das Studierenden aller Studiengänge (z. B. Naturwissenschaften, Wirtschaft usw.) offen steht, die bereits Erfahrung mit klassischer Musik auf einem Orchesterinstrument haben. Die Universitäts- und Konservatoriumsorchester werden von einem Dirigenten geleitet, der in der Regel ein Professor oder Dozent der Universität oder des Konservatoriums ist.
- Jugendorchester
- Diese Orchester bestehen aus Jugendlichen und jungen Erwachsenen, die aus einer ganzen Stadt oder Region stammen. Die Altersspanne in Jugendorchestern variiert von Ensemble zu Ensemble. In einigen Fällen können Jugendorchester aus Jugendlichen und jungen Erwachsenen eines ganzen Landes bestehen (z. B. das Nationale Jugendorchester Kanadas).
- Gemeindeorchester
- Diese Orchester bestehen aus Amateurmusikern aus einer ganzen Stadt oder Region. Gemeindeorchester bestehen in der Regel hauptsächlich aus erwachsenen Amateurmusikern. Das Niveau von Gemeindeorchestern reicht von Anfängern, die Musik proben, ohne formell vor Publikum aufzutreten, über Ensembles der Mittelstufe bis hin zu fortgeschrittenen Amateurgruppen, die das Standardrepertoire professioneller Orchester spielen. In einigen Fällen können auch Musikstudenten von Universitäten oder Konservatorien Mitglieder von Gemeinschaftsorchestern sein. Während es sich bei den Mitgliedern von Gemeinschaftsorchestern meist um unbezahlte Amateure handelt, können in einigen Orchestern auch einige wenige Profis als Solisten und Stimmführer angestellt werden. ⓘ
Repertoire und Aufführungen
Orchester spielen ein breit gefächertes Repertoire, das von Tanzsuiten aus dem 17. Jahrhundert über Divertimentos aus dem 18. Jahrhundert bis hin zu Filmmusik aus dem 20. und Sinfonien aus dem 21. Jahrhunderts. Orchester sind zum Synonym für die Symphonie geworden, eine ausgedehnte musikalische Komposition in der westlichen klassischen Musik, die in der Regel mehrere Sätze mit unterschiedlichen Tonarten und Tempi enthält. Sinfonien werden in einer Partitur notiert, die alle Instrumentenstimmen enthält. Der Dirigent verwendet die Partitur, um die Sinfonie vor den Proben zu studieren und über seine Interpretation zu entscheiden (z. B. Tempi, Artikulation, Phrasierung usw.) und um der Musik während der Proben und Konzerte zu folgen, während er das Ensemble leitet. Orchestermusiker spielen aus Stimmen, die nur die notierten Noten für ihr Instrument enthalten. Einige wenige Sinfonien enthalten auch Gesangsstimmen (z. B. Beethovens Neunte Sinfonie). ⓘ
Orchester führen auch Ouvertüren auf, ein Begriff, der ursprünglich für die instrumentale Einleitung einer Oper verwendet wurde. Während der frühen Romantik begannen Komponisten wie Beethoven und Mendelssohn, den Begriff für unabhängige, eigenständige instrumentale, programmatische Werke zu verwenden, die Gattungen wie die symphonische Dichtung vorwegnahmen, eine Form, die von Franz Liszt in mehreren Werken entwickelt wurde, die als dramatische Ouvertüren begannen. Diese waren "anfangs zweifellos dazu bestimmt, an der Spitze eines Programms gespielt zu werden". In den 1850er Jahren wurde die Konzertouvertüre allmählich von der symphonischen Dichtung verdrängt. ⓘ
Orchester spielen auch mit Instrumentalsolisten in Konzerten. Bei Konzerten begleitet das Orchester den Solisten (z. B. einen Soloviolinisten oder -pianisten) und führt zuweilen musikalische Themen oder Zwischenspiele ein, während der Solist nicht spielt. Orchester spielen auch bei Opern, Balletten, einigen Musiktheaterwerken und einigen Chorwerken (sowohl bei geistlichen Werken wie Messen als auch bei weltlichen Werken). In Opern und Balletten begleitet das Orchester die Sänger bzw. Tänzer und spielt Ouvertüren und Zwischenspiele, bei denen die vom Orchester gespielten Melodien im Vordergrund stehen. ⓘ
Aufführungen
In der Barockzeit traten Orchester an verschiedenen Orten auf, unter anderem in den vornehmen Häusern der Aristokraten, in Opernsälen und in Kirchen. Einige wohlhabende Aristokraten hatten ein Orchester auf ihrem Landsitz, das sie und ihre Gäste mit Aufführungen unterhielt. In der Epoche der Klassik, in der die Komponisten zunehmend um die finanzielle Unterstützung des Publikums baten, wurden Orchesterkonzerte zunehmend in öffentlichen Konzertsälen veranstaltet, in denen Musikliebhaber Eintrittskarten kaufen konnten, um das Orchester zu hören. Das aristokratische Mäzenatentum der Orchester setzte sich auch in der klassischen Epoche fort, allerdings neben den öffentlichen Konzerten. Im 20. und 21. Jahrhundert fanden die Orchester einen neuen Förderer: die Regierungen. Viele Orchester in Nordamerika und Europa erhalten einen Teil ihrer Finanzierung von nationalen oder regionalen Regierungen (z. B. von den Regierungen der Bundesstaaten in den USA) oder von Stadtverwaltungen. Diese staatlichen Subventionen machen einen Teil der Einnahmen der Orchester aus, zusammen mit dem Verkauf von Eintrittskarten, Spenden für wohltätige Zwecke (wenn das Orchester als gemeinnützig anerkannt ist) und anderen Fundraising-Aktivitäten. Mit der Erfindung neuer Technologien, wie Tonaufnahmen, Radio- und Fernsehübertragungen sowie dem Streaming und Herunterladen von Konzertvideos über das Internet, konnten die Orchester neue Einnahmequellen erschließen. ⓘ
Probleme bei der Aufführung
Täuschung
Eines der "großen unaussprechlichen [Themen] des Orchesterspiels" ist das "Faking", der Vorgang, bei dem ein Orchestermusiker den falschen "... Eindruck erweckt, jede Note so zu spielen, wie sie geschrieben steht", typischerweise bei einer sehr anspruchsvollen Passage, die sehr hoch oder sehr schnell ist, während er in Wirklichkeit nicht die Noten spielt, die in der gedruckten Notenpartie stehen. In einem Artikel in The Strad heißt es, dass alle Orchestermusiker, sogar die in den Spitzenorchestern, gelegentlich bestimmte Passagen vortäuschen. Ein Grund dafür ist, dass die Musiker nicht genug proben. Ein weiterer Grund sind die extremen Herausforderungen in zeitgenössischen Stücken des 20. und 21. Jahrhunderts; einige Profis sagten, dass "Fälschen" in zehn bis fast neunzig Prozent einiger moderner Werke notwendig sei. Die befragten professionellen Spieler waren sich einig, dass das Vortäuschen akzeptabel sein kann, wenn ein Teil nicht gut für das Instrument geschrieben ist, aber das Vortäuschen, "nur weil man die Musik nicht geübt hat", ist nicht akzeptabel. ⓘ
Gegenrevolution
Mit dem Aufkommen der Alte-Musik-Bewegung wurden kleinere Orchester üblich, in denen die Spieler an der Ausführung von Werken in Stilen arbeiteten, die aus dem Studium älterer Abhandlungen über das Spielen abgeleitet waren. Dazu gehören unter anderem das Orchestra of the Age of Enlightenment, die London Classical Players unter der Leitung von Sir Roger Norrington und die Academy of Ancient Music unter Christopher Hogwood. ⓘ
Neuere Entwicklungen in den Vereinigten Staaten
In den Vereinigten Staaten kam es Ende des 20. Jahrhunderts zu einer Krise bei der Finanzierung und Unterstützung von Orchestern. Die Größe und die Kosten eines Sinfonieorchesters im Vergleich zur Größe der Unterstützerbasis wurden zu einem Problem, das den Kern der Institution angriff. Nur wenige Orchester konnten die Säle füllen, und das altehrwürdige System der Saisonabonnements wurde zunehmend anachronistisch, da immer mehr Zuhörer Karten für einzelne Veranstaltungen ad hoc kauften. Orchesterstiftungen und - was für den täglichen Betrieb amerikanischer Orchester noch zentraler ist - Orchesterspender mussten feststellen, dass ihre Investitionsportfolios schrumpften oder geringere Renditen abwarfen, wodurch sich die Möglichkeiten der Spender, einen Beitrag zu leisten, verringerten; darüber hinaus gab es eine Tendenz, dass Spender andere soziale Zwecke für attraktiver hielten. Obwohl die staatliche Finanzierung für amerikanische Orchester weniger wichtig ist als für europäische, sind die Kürzungen dieser Mittel für amerikanische Ensembles immer noch erheblich. Schließlich hat der drastische Rückgang der Einnahmen aus Tonträgern, der zu einem nicht geringen Teil mit Veränderungen in der Tonträgerindustrie selbst zusammenhängt, eine Phase des Wandels eingeleitet, die noch nicht abgeschlossen ist. ⓘ
Zu den US-amerikanischen Orchestern, die Insolvenz nach Chapter 11 angemeldet haben, gehören das Philadelphia Orchestra (April 2011) und das Louisville Orchestra (Dezember 2010); zu den Orchestern, die Insolvenz nach Chapter 7 angemeldet und ihren Betrieb eingestellt haben, gehören das Northwest Chamber Orchestra (2006), das Honolulu Orchestra (März 2011), das New Mexico Symphony Orchestra (April 2011) und das Syracuse Symphony (Juni 2011). Das Festival of Orchestras in Orlando, Florida, hat Ende März 2011 seinen Betrieb eingestellt. ⓘ
Eine Ursache für die finanziellen Schwierigkeiten, die bemerkt und kritisiert wurden, waren die hohen Gehälter der Musikdirektoren von US-Orchestern, die in den letzten Jahren mehrere hochrangige Dirigenten zu Gehaltskürzungen veranlassten. Musikverwalter wie Michael Tilson Thomas und Esa-Pekka Salonen argumentierten, dass neue Musik, neue Präsentationsmethoden und eine erneuerte Beziehung zur Gemeinschaft das Symphonieorchester wiederbeleben könnten. Der amerikanische Kritiker Greg Sandow hat ausführlich dargelegt, dass die Orchester ihre Herangehensweise an die Musik, die Aufführung, das Konzerterlebnis, das Marketing, die Öffentlichkeitsarbeit, die Einbindung der Gemeinschaft und die Präsentation überarbeiten müssen, um sie mit den Erwartungen des in die Populärkultur eingetauchten Publikums des 21. ⓘ
Es ist nicht ungewöhnlich, dass zeitgenössische Komponisten unkonventionelle Instrumente, einschließlich verschiedener Synthesizer, verwenden, um die gewünschten Effekte zu erzielen. Viele finden jedoch, dass konventionelle Orchesterkonfigurationen bessere Möglichkeiten für Farbe und Tiefe bieten. Komponisten wie John Adams setzen oft Orchester in romantischer Größe ein, wie in Adams' Oper Nixon in China; Philip Glass und andere sind zwar freier, erkennen aber dennoch Größengrenzen. Insbesondere Glass hat sich in letzter Zeit in Werken wie dem Konzert für Cello und Orchester und dem Violinkonzert Nr. 2 konventionellen Orchestern zugewandt. ⓘ
Im Zuge des Rückgangs der finanziellen Mittel haben einige US-amerikanische Orchester ihr Gesamtpersonal sowie die Anzahl der Spieler, die bei Aufführungen auftreten, reduziert. Die verringerte Zahl der Aufführungen beschränkt sich in der Regel auf die Streicher, da die Besetzung hier traditionell flexibel ist (da in der Regel mehrere Spieler dieselbe Rolle spielen). ⓘ
Die Rolle des Dirigenten
Dirigieren ist die Kunst, eine musikalische Darbietung zu leiten, z. B. ein Orchester- oder Chorkonzert. Die Hauptaufgabe des Dirigenten besteht darin, das Tempo vorzugeben, für den korrekten Einsatz der verschiedenen Ensemblemitglieder zu sorgen und gegebenenfalls die Phrasierung zu "formen". Um seine Ideen und Interpretationen zu vermitteln, kommuniziert ein Dirigent mit seinen Musikern in erster Linie durch Handgesten, typischerweise (wenn auch nicht immer) mit Hilfe eines Taktstocks, und kann auch andere Gesten oder Signale verwenden, wie z. B. Blickkontakt mit den betreffenden Interpreten. Die Anweisungen eines Dirigenten werden fast immer durch verbale Anweisungen oder Vorschläge an die Musiker in der Probe vor einer Aufführung ergänzt oder verstärkt. ⓘ
Der Dirigent steht in der Regel auf einem erhöhten Podium mit einem großen Notenpult für die Gesamtpartitur, die die Notation für alle Instrumente und Stimmen enthält. Seit Mitte des 18. Jahrhunderts spielen die meisten Dirigenten beim Dirigieren kein Instrument mehr, obwohl es in früheren Epochen der klassischen Musikgeschichte üblich war, ein Ensemble zu leiten und gleichzeitig ein Instrument zu spielen. In der Barockmusik von 1600 bis 1750 wurde die Gruppe in der Regel vom Cembalisten oder dem ersten Geiger (siehe Konzertmeister) geleitet, ein Ansatz, der in der Neuzeit von mehreren Musikdirektoren für Musik aus dieser Zeit wiederbelebt wurde. Das Dirigieren am Klavier oder Synthesizer kann auch bei Musiktheaterorchestern angewandt werden. Die Kommunikation während einer Aufführung erfolgt in der Regel nonverbal (dies gilt ausschließlich für die Kunstmusik, aber in Jazz-Bigbands oder großen Pop-Ensembles können gelegentlich gesprochene Anweisungen, wie z. B. ein "count in", gegeben werden). Bei den Proben kann der Dirigent jedoch durch häufige Unterbrechungen verbale Anweisungen geben, wie die Musik gespielt oder gesungen werden soll. ⓘ
Dirigenten führen die von ihnen geleiteten Orchester oder Chöre. Sie wählen die aufzuführenden Werke aus und studieren deren Partituren, an denen sie bestimmte Anpassungen vornehmen (z. B. in Bezug auf Tempo, Artikulation, Phrasierung, Wiederholung von Abschnitten usw.), ihre Interpretation ausarbeiten und ihre Vorstellungen an die Ausführenden weitergeben. Sie können sich auch um organisatorische Angelegenheiten kümmern, wie z. B. die Planung von Proben, die Planung einer Konzertsaison, die Durchführung von Probespielen und die Auswahl von Mitgliedern sowie die Werbung für ihr Ensemble in den Medien. Orchester, Chöre, Konzertkapellen und andere große Musikensembles wie Bigbands werden in der Regel von Dirigenten geleitet. ⓘ
Dirigentenlose Orchester
In der Epoche der Barockmusik (1600-1750) wurden die meisten Orchester von einem der Musiker geleitet, in der Regel von der ersten Violine, dem sogenannten Konzertmeister. Der Konzertmeister gab das Tempo der Stücke vor, indem er seinen Bogen in rhythmischer Weise hob. Die Führung konnte auch von einem der akkordspielenden Instrumentalisten übernommen werden, der den Basso-Continuo-Part spielte, der den Kern der meisten barocken Instrumentalensembles bildete. In der Regel handelte es sich dabei um einen Cembalospieler, einen Pfeifenorganisten, einen Lautenisten oder einen Theorbisten. Ein Tastenspieler konnte das Ensemble mit dem Kopf führen oder eine Hand von der Tastatur nehmen, um einen schwierigeren Tempowechsel anzuführen. Ein Lautenist oder Theorbenspieler konnte die Führung übernehmen, indem er den Instrumentenhals auf und ab hob, um das Tempo eines Stücks anzugeben, oder einen Ritard während einer Kadenz oder eines Schlusses anzuführen. In einigen Werken, die Chöre und Instrumentalensembles kombinierten, wurden manchmal zwei Dirigenten eingesetzt: Ein Konzertmeister, der die Instrumentalisten anführt, und ein Akkordspieler, der die Sänger anführt. Im Laufe der klassischen Musik (ca. 1720-1800) wurde die Verwendung von Akkordinstrumenten für den Basso continuo allmählich abgeschafft und verschwand um 1800 ganz. Der Konzertmeister übernahm eine zusätzliche Führungsrolle für die Musiker, insbesondere für die Streicher, die den Bogenstrich und die Spielweise des Konzertmeisters nachahmen, soweit dies für die verschiedenen Saiteninstrumente möglich ist. ⓘ
Im Jahr 1922 wurde die Idee eines dirigentenlosen Orchesters in der postrevolutionären Sowjetunion wiederbelebt. Das Sinfonieorchester Persimfans wurde ohne Dirigent gegründet, weil die Gründer der Meinung waren, dass das Ensemble dem idealen marxistischen Staat nachempfunden sein sollte, in dem alle Menschen gleich sind. Die Mitglieder des Orchesters hielten es daher nicht für nötig, sich von einem Dirigenten leiten zu lassen, sondern ließen sich von einem Komitee leiten, das die Tempi und Spielweisen festlegte. Obwohl es in der Sowjetunion ein Teilerfolg war, bestand die Hauptschwierigkeit des Konzepts in der Änderung des Tempos während der Aufführungen, denn selbst wenn das Komitee einen Erlass darüber herausgegeben hatte, an welcher Stelle ein Tempowechsel stattfinden sollte, gab es im Ensemble keinen Leiter, der diesen Tempowechsel anleiten konnte. Das Orchester überlebte zehn Jahre lang, bevor Stalins Kulturpolitik es auflöste, indem sie ihm die Mittel entzog. ⓘ
In den westlichen Ländern haben einige Ensembles, wie das Orpheus Chamber Orchestra in New York City, mehr Erfolg mit dirigentenlosen Orchestern, obwohl die Entscheidungen wahrscheinlich von einer gewissen Führung innerhalb des Ensembles (z. B. den wichtigsten Bläsern und Streichern, insbesondere dem Konzertmeister) getroffen werden. Andere sind zu der Tradition zurückgekehrt, dass ein Solist, in der Regel ein Geiger, die künstlerische Leitung innehat und die Proben und Konzerte leitet. Beispiele hierfür sind das Australian Chamber Orchestra, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson und das New Century Chamber Orchestra. Als Teil der Bewegung für Alte Musik haben einige Orchester des 20. und 21. Jahrhunderts die barocke Praxis wiederbelebt, bei barocken Stücken keinen Dirigenten auf dem Podium zu haben, sondern den Konzertmeister oder einen akkordspielenden Basso continuo-Spieler (z. B. Cembalo oder Orgel) für die Leitung der Gruppe einzusetzen. ⓘ
Mehrere Dirigenten
Instrumente außerhalb der Bühne
In einigen Orchesterwerken ist der Einsatz einer Trompete aus dem Off oder anderer Instrumente des Orchesters aus dem Off oder hinter der Bühne vorgesehen, um eine gespenstische, mystische Wirkung zu erzielen. Um sicherzustellen, dass der oder die Instrumentalisten aus dem Off im richtigen Takt spielen, wird manchmal ein Subdirigent außerhalb der Bühne postiert, der den Hauptdirigenten gut im Blick hat. Ein Beispiel dafür ist der Schluss von "Neptun" aus Gustav Holsts Die Planeten. Der Hauptdirigent leitet das große Orchester, und der Subdirigent gibt das Tempo und die Gesten des Hauptdirigenten an den oder die Musiker hinter der Bühne weiter. Eine der Herausforderungen beim Einsatz von zwei Dirigenten besteht darin, dass der zweite Dirigent möglicherweise nicht mehr mit dem Hauptdirigenten synchron ist oder die Gesten des Hauptdirigenten falsch überträgt (oder missversteht), was dazu führen kann, dass die Instrumente hinter der Bühne aus dem Takt geraten. Im späten 20. und frühen 21. Jahrhundert verwenden einige Orchester statt zweier Dirigenten eine auf den Hauptdirigenten gerichtete Videokamera und ein Fernsehgerät mit geschlossenem Kreislauf vor den Ausführenden hinter der Bühne. ⓘ
Zeitgenössische Musik
Die Techniken des Polystilismus und der Polytempo-Musik haben einige Komponisten des 20. und 21. Jahrhunderts dazu veranlasst, Musik zu schreiben, in der mehrere Orchester oder Ensembles gleichzeitig auftreten. Diese Tendenzen haben das Phänomen der polykonduktiven Musik hervorgebracht, bei der jede Gruppe von Musikern von separaten Unterdirigenten geleitet wird. In der Regel dirigiert ein Hauptdirigent die Unterdirigenten und prägt so die Gesamtaufführung. In Percy Graingers The Warriors gibt es drei Dirigenten: den Hauptdirigenten des Orchesters, einen zweiten Dirigenten, der ein Blechbläserensemble außerhalb der Bühne leitet, und einen dritten Dirigenten, der Schlagzeug und Harfe dirigiert. Ein Beispiel aus der Orchestermusik des späten Jahrhunderts sind Karlheinz Stockhausens Gruppen für drei Orchester, die um das Publikum herum angeordnet sind. Auf diese Weise konnten die "Klangmassen" verräumlicht werden, wie in einem elektroakustischen Werk. Gruppen wurde 1958 in Köln uraufgeführt, dirigiert von Stockhausen, Bruno Maderna und Pierre Boulez. Es wurde 1996 von Simon Rattle, John Carewe und Daniel Harding aufgeführt. ⓘ
Sinfonieorchester
Besetzung
Im Folgenden einige Beispiele, geordnet von klein zu groß. Die Gesamtanzahl der Spieler kann aus obengenannten Gründen nur ungefähr angegeben werden:
- 1.1.2.1 - 2.1.0.0, str: 1.1.1.1.1 (kammerorchesterartige Instrumentation – aus Wagners Siegfried-Idyll, 13 Spieler; später folgte eine zweite Fassung mit 35 Spielern)
- Reed I (Querflöte, Piccolo, Klarinette), Reed II (Querflöte, Oboe, Klarinette), Reed III (Englischhorn, Oboe), Reed IV (Fagott, Bassklarinette) - 2.2.2.0, 1 perc, git, 3 keyb, hp, str: 4.2.0.3.1 (Beispiel für ein typisches Musical-Orchester, 27 Spieler)
- 1.1.1.1 - 3.1.1.0, timp, 2 perc, str (kammerorchesterartige Instrumentation – aus Prokofjews Peter und der Wolf, ca. 40 Spieler)
- 2.2.0.2 - 2.0.0.0, timp, str (häufige Besetzung für die Epoche der Wiener Klassik, wie z. B. zahlreiche Haydn-Sinfonien, ca. 46 Spieler)
- 0.2.3.0 sop-, alt-, ten-sax - 0.3.2.1, timp, 2 perc, banjo, 2 pno, str („amerikanisierte“, eher ungewöhnliche Instrumentation – aus George Antheils Jazz Symphony, ca. 55 Spieler)
- 1.0.0.0 - 4.2.4.0, timp, pno, 2 perc, hp, str (Instrumentation aus Marco Beltramis Soundtrack zum Film Repo Men, ca. 58 Spieler; bemerkenswert ist hier, dass das Holz nur mit einer einzigen Flöte besetzt ist, was nicht unüblich ist für moderne Filmmusik)
- 0.0.2(basset hn).2 - 0.2.3(alt, ten, bass).0, timp, str, basso continuo (Besetzung für Mozarts Requiem, ca. 30 Spieler + Chor und Gesangssolisten; besonders die Bläserbesetzung fällt auf)
- 2.2.2.2 - 4.2.3.1, timp, 3 perc, hp, str (häufige „Standardinstrumentation“ seit der Spätromantik, ca. 75 Spieler)
- 0.0.0.0 - 0.0.0.0, str: 12.12.14.42.8 (auch reine Streichorchester (ohne Bläser oder Perkussion) kommen häufig vor; diese Instrumentation stammt aus einem Stück aus dem Soundtrack von Hans Zimmer zu Batman Dark Knight, auffallend sind hier die extrem vielen Celli; 88 Spieler)
- 3.3.3.3 - 8.4.4.1, timp, 3 perc, hp, str („Standardinstrumentation“ der Spätromantik mit expandiertem Bläserapparat, ca. 90 Spieler)
- 4.4.4.3 - 8.4.4.1, 2 timp, 4 perc, 6 hp, str (Instrumentation aus Wagners Ring des Nibelungen, ca. 100 Spieler + Gesangsstimmen)
- 6.5.6.5 - 8.4.4.1, timp, 3 perc, 4 hp, cel, pno, harm, org, 2 mand, str - Fernorchester: 4 tpt, 3 tbn (sehr große Instrumentation – aus Mahlers 8. Sinfonie, ca. 135 Spieler + zahlreiche Chor-/Gesangsstimmen)
- 8.5.7.5 - 10.6.6.1, timp, 8 perc, 4 hp, cel, str - Fernorchester: btrp, bpos (extrem große Instrumentation – aus Schönbergs Gurre-Liedern, ca. 150 Spieler + zahlreiche Chor-/Gesangsstimmen) ⓘ
Sitzordnung
Die Instrumente sind auf dem Podium oder im Orchestergraben nach einer bestimmten Anordnung aufgestellt. Üblich ist heutzutage die sogenannte Amerikanische Aufstellung; einige Orchester spielen aber auch in der Deutschen Aufstellung, die bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts üblich war und im Rahmen der historischen Aufführungspraxis auch heute noch genutzt wird. Die Staatskapelle Berlin spielt ihre Konzerte in einer gemischten Formation: die Bläser amerikanisch platziert, die Harfen je nach klanglicher Disposition links oder rechts, die Streicher hingegen immer in der traditionellen deutschen Aufstellung. ⓘ
Filmorchester
Filmorchester entstanden während der Stummfilmzeit, um während der Kinovorführungen einerseits die Handlung zu untermalen, andererseits das Geräusch des Projektors zu übertönen. Aufgeführt wurden sowohl Originalkompositionen als auch Potpourris aus bekannten Stücken. In Deutschland waren 1929 über 6000 Musiker in solchen Kinoorchestern tätig. Mit der Einführung des Tonfilms 1930 wurden Kinoorchester überflüssig. Dagegen begannen die Studios in Hollywood, sich eigene Orchester aufzubauen. Da viele der engagierten Filmkomponisten von der europäischen spätromantischen Musik beeinflusst waren, hatten diese Orchester oft umfangreiche Sinfoniebesetzung. Ihre Bedeutung ging erst in den 1970er Jahren zurück, als die Pop-Musik zunehmend Eingang in die Soundtracks von Filmen fand. In Deutschland existiert mit dem Deutschen Filmorchester Babelsberg, das aus den Orchestern der UFA und DEFA hervorging, derzeit nur ein einziges professionelles Filmorchester. ⓘ
Probenbetrieb
Überwiegend finden Orchesterproben in voller Besetzung statt (Tuttiprobe). In seltenen Fällen gibt es jedoch zunächst separate Proben einzelner Instrumentengruppen (Registerproben). Diese werden von den jeweiligen Solostreichern oder Solobläsern angesetzt und geführt. Teilproben in größerer Besetzung wie Proben der gesamten Streicher oder aller Bläser werden vom jeweiligen Dirigenten oder seinem Assistenten abgehalten. All dies soll dazu führen, dass bei extremen instrumentalen Anforderungen oder neu einzustudierenden Werken auch jene Stimmgruppen mit besonders schwierigem Part diesen weitestgehend beherrschen, um den weiteren Probenprozess nicht wegen permanenter spieltechnischer Herausforderungen stocken zu lassen. ⓘ
Öffentlich finanzierte Orchester in Deutschland
Geschichte
Das älteste ununterbrochen bestehende deutsche Orchester ist das Orchester des Staatstheaters Kassel, gegründet im Jahr 1502. ⓘ
Bis Anfang der 1930er Jahre war die Tätigkeit eines deutschen Orchestermusikers hinsichtlich der Ausbildung und der existenziellen Absicherung uneinheitlich geregelt. Einige Musiker kamen von der Stadtpfeiferei, andere hatten eine Musikschule, einige auch eine Musikhochschule besucht. Die existentielle Absicherung wurde 1938 mit dem jetzt eingeführten Tarifvertrag geregelt. Der Begriff des Kulturorchesters wurde mit diesem Tarifvertrag zu einem kulturpolitischen Terminus. Der Begriff, die Struktur und die beabsichtigte künstlerische Ausrichtung dieses öffentlich finanzierten Klangkörpers wurde von dem damaligen Präsidenten der Reichsmusikkammer, Peter Raabe, geprägt. Eng verknüpft mit diesem Begriff war die strikte Trennung des Musiklebens in einen Bereich der „ernsten Konzertunternehmungen“ (Peter Raabe 1928) und einen Bereich der sonstigen europäischen und außereuropäischen Konzertveranstaltungen. Die angebliche Ernsthaftigkeit der klassischen (deutschen) Musik wurde als Begründung für deren Förderungswürdigkeit angegeben, denn Raabe nahm seine „Rolle als Vermittler und Verteidiger des deutschen Kulturguts sehr ernst.“ Diese von Raabe durchgesetzte Auffassung vom besonderen Wert der „ernsten Musik“ spiegelte sich auch im musikalischen Urheberrecht wider, das ebenfalls von dem Präsidenten der Reichsmusikkammer zentral verantwortet wurde. Deshalb entsprach es beispielsweise diesem Kulturbegriff, die Verpflichtung eines Jazzorchesters bei einer kommunalen Einrichtung zu verhindern, denn Raabe wollte mit dem Begriff des Kulturorchesters einen Gegenbegriff zur „Unkultur“ des Jazz schaffen. Wiewohl gelegentlich Big Bands im Rahmen von pädagogischen Einrichtungen gegründet wurden, gibt es in Deutschland bis heute eine kulturpolitische Bevorzugung von Streichern gegenüber den Jazzsaxophonisten, unabhängig von der jeweiligen künstlerischen Qualifikation. Auch die Beibehaltung des NS-Begriffs Kulturorchester bis zur heutigen Zeit muss als höchst unglücklich bezeichnet werden. Raabes Philosophie, der sinfonischen Musik müsse bei der Förderung des kommunalen Musiklebens eine Priorität eingeräumt werden, ist bis heute nicht nennenswert infrage gestellt worden. Die Orchester wurden in Deutschland in tariflicher Hinsicht nach einem hierarchischen Prinzip unterschiedlich gewertet, die auch die Größe des Klangkörpers beinhaltete. Im Zusammenhang mit der historischen Aufführungspraxis ist die in diesem Tarifsystem verankerte Philosophie, Größe und Qualität miteinander zu verbinden, fraglich geworden. Zunächst gab es die drei Einstufungsgruppen A-, B- und C-Orchester. Später wurden sieben verschiedene Tarifgruppen unterschieden. ⓘ
Amateurorchester
- Bundesjugendorchester, das nationale Jugendorchester der Bundesrepublik Deutschland
- Jugendsinfonieorchester
- Orchestre Symphonique Kimbanguiste, Orchester in der Demokratischen Republik Kongo
- West-Eastern Divan Orchestra ⓘ