Ballett

Klassische Glocken-Tutus in Die Ballettklasse von Degas, 1874 ⓘ

Das Ballett (französisch: [balɛ]) ist eine Tanzform, die in der italienischen Renaissance im 15. Jahrhundert entstand und sich später in Frankreich und Russland zu einer Konzerttanzform entwickelte. Inzwischen ist es eine weit verbreitete und hochtechnische Tanzform mit eigenem Vokabular. Das Ballett war weltweit einflussreich und hat die grundlegenden Techniken definiert, die auch in vielen anderen Tanzgenres und Kulturen verwendet werden. Verschiedene Schulen auf der ganzen Welt haben ihre eigenen Kulturen integriert. Infolgedessen hat sich das Ballett auf unterschiedliche Weise entwickelt. ⓘ

Ein Ballett als einheitliches Werk umfasst die Choreografie und die Musik für eine Ballettaufführung. Ballette werden von ausgebildeten Balletttänzern choreografiert und aufgeführt. Traditionelle klassische Ballette werden in der Regel mit klassischer Musikbegleitung und unter Verwendung aufwändiger Kostüme und Bühnenbilder aufgeführt, während moderne Ballette oft in einfachen Kostümen und ohne aufwändige Bühnenbilder oder Kulissen aufgeführt werden. ⓘ

Das Nußknackerballett (1981) ⓘ

Tänzerin (Gemälde von Pierre-Auguste Renoir) ⓘ

Etymologie

Ballett ist ein französisches Wort, das seinen Ursprung im Italienischen balletto hat, einer Verkleinerungsform von ballo (Tanz), das vom lateinischen ballo, ballare stammt und "tanzen" bedeutet, was wiederum vom griechischen "βαλλίζω" (ballizo), "tanzen, herumspringen", stammt. Das Wort kam um 1630 aus dem Französischen in den englischen Sprachgebrauch. ⓘ

Geschichte

Ludwig XIV. als Apollo im Ballet Royal de la Nuit (1653) ⓘ

Das Ballett hat seinen Ursprung an den italienischen Renaissancehöfen des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts. Unter dem Einfluss von Katharina de' Medici als Königin verbreitete es sich in Frankreich, wo es sich weiter entwickelte. Die Tänzer dieser frühen Hofballette waren meist adlige Amateure. Ausgeschmückte Kostüme sollten die Zuschauer beeindrucken, schränkten aber die Bewegungsfreiheit der Tänzer ein. ⓘ

Die Ballette wurden in großen Sälen mit Zuschauern auf drei Seiten aufgeführt. Die Einführung des Proszeniumsbogens ab 1618 entfernte die Darsteller von den Zuschauern, die so die technischen Leistungen der professionellen Tänzer in den Produktionen besser sehen und würdigen konnten. ⓘ

Das französische Hofballett erreichte seinen Höhepunkt unter der Herrschaft von König Ludwig XIV. Ludwig gründete 1661 die Académie Royale de Danse (Königliche Tanzakademie), um Standards festzulegen und Tanzlehrer zu zertifizieren. Im Jahr 1672 ernannte Ludwig XIV. Jean-Baptiste Lully zum Direktor der Académie Royale de Musique (Pariser Oper), aus der die erste professionelle Ballettkompanie, das Ballett der Pariser Oper, hervorging. Pierre Beauchamp fungierte als Lullys Ballettmeister. Gemeinsam hatten sie einen großen Einfluss auf die Entwicklung des Balletts, was sich darin zeigt, dass ihnen die Erfindung der fünf großen Fußstellungen zugeschrieben wird. 1681 betraten die ersten "Ballerinen" nach jahrelanger Ausbildung an der Académie die Bühne. ⓘ

Nach 1830 begann der Niedergang des Balletts in Frankreich, doch in Dänemark, Italien und Russland entwickelte es sich weiter. Als die Ballets Russes unter der Leitung von Sergej Diaghilew am Vorabend des Ersten Weltkriegs nach Europa kamen, erwachte das Interesse am Ballett wieder und es begann die Moderne. ⓘ

Jahrhundert hatte das Ballett einen großen Einfluss auf andere Tanzgattungen. Ebenfalls im zwanzigsten Jahrhundert vollzog das Ballett eine Wende vom klassischen Ballett zur Einführung des modernen Tanzes, was in mehreren Ländern zu modernistischen Bewegungen führte. ⓘ

Zu den berühmten Tänzern des zwanzigsten Jahrhunderts gehören Anna Pawlowa, Galina Ulanowa, Rudolf Nurejew, Maya Plissezkaja, Margot Fonteyn, Rosella Hightower, Maria Tall Chief, Erik Bruhn, Michail Baryschnikow, Suzanne Farrell, Gelsey Kirkland, Natalia Makarowa, Arthur Mitchell und Jeanne Devereaux. Jeanne Devereaux trat drei Jahrzehnte lang als Primaballerina auf und stellte einen Weltrekord auf, indem sie 16 dreifache Fouettes ausführen konnte. ⓘ

Das Ballett entwickelte sich im 15. und 16. Jahrhundert aus den an italienischen und französischen Fürstenhöfen aufgeführten Schauspielen sowie aus tänzerischen Gesellschaftsspielen. Zu dieser Zeit war es noch keine eigenständige Kunstform. Der Bühnentanz war, ähnlich wie das Schauspiel, lange den Männern vorbehalten. ⓘ

Die Führungsrolle in der Entwicklung des Tanzes ging im 16. Jahrhundert von Italien auf Frankreich über. Das älteste Ballett, dessen Partitur erhalten ist, ist das Ballet comique de la reine für Katharina von Medici aus dem Jahr 1581. Es steht im Zusammenhang mit einem Hoffest anlässlich einer Hochzeit, enthält antike mythologische Figuren und transportiert politische Botschaften. Es zeigt die Verbindung italienischer und französischer Tanzelemente im Dienst einer höfischen Machtdemonstration. ⓘ

Die Tanztechniken, Schritte und Positionen seiner Zeit beschrieb Raoul Feuillet um 1700 in seinem Buch Chorégraphie. Mitte des 18. Jahrhunderts entstanden die ersten Handlungsballette. Zuvor waren die Tänze nur durch ein gemeinsames Motiv, nicht aber durch eine durchgängige Handlung verbunden. So spielen die einzelnen Teile von Jean-Philippe Rameaus Ballettoper Les Indes galantes (1735) alle in exotischen Ländern, haben über diese Charakteristik hinaus aber keinen inhaltlichen Zusammenhang. ⓘ

Stile

Marie Sallé, klassische Balletttänzerin ⓘ

Im Laufe der Zeit haben sich stilistische Variationen und Untergattungen herausgebildet. Die frühen, klassischen Varianten sind vor allem mit der geografischen Herkunft verbunden. Beispiele dafür sind das russische Ballett, das französische Ballett und das italienische Ballett. Spätere Varianten, wie das zeitgenössische Ballett und das neoklassische Ballett, vereinen sowohl das klassische Ballett als auch nicht-traditionelle Techniken und Bewegungen. Der vielleicht bekannteste und am häufigsten aufgeführte Ballettstil ist das spätromantische Ballett (oder Ballet blanc). ⓘ

Klassisches Ballett

Der Valse des cygnes aus Akt II der Ivanov/Petipa-Ausgabe von Schwanensee ⓘ

Das klassische Ballett basiert auf der traditionellen Balletttechnik und dem traditionellen Vokabular. In verschiedenen Ländern haben sich unterschiedliche Stile herausgebildet, z. B. das französische Ballett, das italienische Ballett, das englische Ballett und das russische Ballett. Mehrere der klassischen Ballettstile sind mit spezifischen Trainingsmethoden verbunden, die in der Regel nach ihren Schöpfern benannt sind (siehe unten). Die Methode der Royal Academy of Dance ist eine Balletttechnik und ein Trainingssystem, das von einer Gruppe verschiedener Balletttänzer gegründet wurde. Sie verschmolzen ihre jeweiligen Tanzmethoden (italienisch, französisch, dänisch und russisch), um einen neuen Ballettstil zu schaffen, der einzigartig für die Organisation ist und international als der englische Ballettstil anerkannt wird. Einige Beispiele für klassische Ballettproduktionen sind: Schwanensee, Dornröschen und Der Nussknacker. ⓘ

Romantisches Ballett

Carlotta Grisi, die ursprüngliche Giselle, 1841, trägt das romantische Tutu ⓘ

Das romantische Ballett war eine künstlerische Bewegung des klassischen Balletts, und mehrere Produktionen sind heute noch im klassischen Repertoire. Die romantische Ära war gekennzeichnet durch das Aufkommen der Spitzenarbeit, die Dominanz der Tänzerinnen und längere, fließende Tutus, die Weichheit und eine zarte Ausstrahlung vermitteln sollten. Jahrhunderts (die romantische Epoche) und zeichnete sich durch Themen aus, die intensive Gefühle als Quelle ästhetischer Erfahrung betonten. Die Handlung vieler romantischer Ballette drehte sich um Geisterfrauen (Sylphen, Wilis und Geister), die die Herzen und Sinne der sterblichen Männer versklavten. Das Ballett La Sylphide von 1827 gilt weithin als das erste, das Ballett Coppélia von 1870 als das letzte. Berühmte Balletttänzer der romantischen Epoche sind Marie Taglioni, Fanny Elssler und Jules Perrot. Jules Perrot ist auch für seine Choreografie bekannt, insbesondere für Giselle, die oft als das am meisten gefeierte romantische Ballett gilt. ⓘ

Neoklassisches Ballett

Alexandra Danilova und Serge Lifar, Apollon Musagète, 1928

Das neoklassische Ballett ist in der Regel abstrakt, ohne klare Handlung, Kostüme oder Kulissen. Die Musikauswahl kann vielfältig sein und umfasst oft auch neoklassische Musik (z. B. Strawinsky, Roussel). Tim Scholl, Autor von From Petipa to Balanchine, betrachtet George Balanchines Apollo von 1928 als das erste neoklassische Ballett. Apollo bedeutete eine Rückkehr zur Form als Antwort auf die abstrakten Ballette von Sergej Diaghilew. Balanchine arbeitete mit der Choreografin des modernen Tanzes Martha Graham zusammen und holte moderne Tänzer wie Paul Taylor in seine Kompanie, der 1959 in Balanchines Episodes auftrat. ⓘ

Obwohl Balanchine weithin als das Gesicht des neoklassischen Balletts gilt, gab es auch andere, die bedeutende Beiträge leisteten. Frederick Ashtons Symphonische Variationen (1946) sind ein bahnbrechendes Werk für den Choreographen. Es wurde zu César Francks gleichnamiger Partitur komponiert und ist eine rein tänzerische Interpretation der Partitur. ⓘ

Eine weitere Form, das moderne Ballett, entstand ebenfalls als Ableger des Neoklassizismus. Zu den Innovatoren dieser Form gehörten Glen Tetley, Robert Joffrey und Gerald Arpino. Obwohl es schwierig ist, das moderne Ballett vom Neoklassizismus abzugrenzen, war die Arbeit dieser Choreographen von einer größeren Athletik geprägt, die sich von der Zartheit des Balletts entfernte. Die Körperlichkeit war gewagter, die Stimmung, das Thema und die Musik waren intensiver. Ein Beispiel dafür ist Joffreys Astarte (1967), das eine Rockmusik und sexuelle Untertöne in der Choreografie enthielt. ⓘ

Zeitgenössisches Ballett

Ein Ballettsprung, der in einem zeitgenössischen Ballett in moderner, nicht klassischer Form ausgeführt wird. ⓘ

Dieser Ballettstil wird oft barfuß getanzt. Zeitgenössische Ballette können Pantomime und Schauspiel beinhalten und sind in der Regel mit Musik unterlegt (in der Regel mit Orchester, gelegentlich auch mit Gesang). Es kann schwierig sein, diese Form vom neoklassischen oder modernen Ballett zu unterscheiden. Zeitgenössisches Ballett steht dem zeitgenössischen Tanz auch deshalb nahe, weil viele Konzepte des zeitgenössischen Balletts aus den Ideen und Innovationen des modernen Tanzes des zwanzigsten Jahrhunderts stammen, einschließlich der Bodenarbeit und der Einwärtsdrehung der Beine. Der Hauptunterschied besteht darin, dass die Balletttechnik für die Aufführung eines zeitgenössischen Balletts unerlässlich ist. ⓘ

George Balanchine gilt als einer der Pioniere des zeitgenössischen Balletts. Eine weitere frühe Choreografin des zeitgenössischen Balletts, Twyla Tharp, choreografierte 1976 Push Comes To Shove für das American Ballet Theatre und schuf 1986 In The Upper Room für ihre eigene Kompanie. Beide Stücke galten als innovativ, weil sie eindeutig moderne Bewegungen mit dem Einsatz von Spitzenschuhen und klassisch ausgebildeten Tänzern verbanden. ⓘ

Heute gibt es viele zeitgenössische Ballettkompanien und Choreographen. Dazu gehören Alonzo King und seine Kompanie LINES Ballet, Matthew Bourne und seine Kompanie New Adventures, Complexions Contemporary Ballet, Nacho Duato und seine Compañia Nacional de Danza, William Forsythe und The Forsythe Company sowie Jiří Kylián vom Nederlands Dans Theater. Traditionell "klassische" Kompanien wie das Mariinsky (Kirov) Ballett und das Ballett der Pariser Oper führen auch regelmäßig zeitgenössische Werke auf. ⓘ

Der Begriff Ballett hat sich so entwickelt, dass er alle mit ihm verbundenen Formen umfasst. Von jemandem, der eine Ausbildung zum Balletttänzer absolviert, wird heute erwartet, dass er neoklassische, moderne und zeitgenössische Werke tanzt. Von einem Balletttänzer wird erwartet, dass er in der Lage ist, bei klassischen Werken stattlich und königlich, bei neoklassischen Werken frei und lyrisch und bei modernen und zeitgenössischen Werken bescheiden, rau oder langweilig zu sein. Darüber hinaus gibt es mehrere moderne Tanzarten, die die klassische Balletttechnik mit dem zeitgenössischen Tanz verbinden, wie z. B. Hiplet, die von den Tänzerinnen und Tänzern verlangen, dass sie in nicht-westlichen Tanzstilen geübt sind. ⓘ

Technische Methoden des Ballettunterrichts

Es gibt sechs weit verbreitete, international anerkannte Methoden, um Ballett zu lehren oder zu studieren. Diese Methoden sind die Französische Schule, die Waganowa-Methode, die Cecchetti-Methode, die Bournonville-Methode, die Royal Academy of Dance-Methode (englischer Stil) und die Balanchine-Methode (amerikanischer Stil). In verschiedenen Ländern gibt es viele weitere Technikschulen. ⓘ

Obwohl Kinder im Vorschulalter eine lukrative Einnahmequelle für ein Ballettstudio sind, ist der Ballettunterricht im Allgemeinen nicht für kleine Kinder geeignet. Zu Beginn des Unterrichts muss man still stehen und sich auf die Körperhaltung konzentrieren, anstatt zu tanzen. Aus diesem Grund haben viele Ballettprogramme in der Vergangenheit keine Schüler bis zum Alter von etwa 8 Jahren aufgenommen. Kreative Bewegung und nicht anspruchsvolle Vorballettkurse werden als Alternativen für Kinder empfohlen. ⓘ

Französische Methode

Die französische Methode ist die Grundlage des Ballettunterrichts. Als Ludwig XIV. 1661 die Académie Royale de Danse gründete, trug er dazu bei, die kodifizierte Technik zu schaffen, die noch heute von allen Tänzern verwendet wird, unabhängig davon, welcher Ausbildungsmethode sie folgen. Die französische Schule wurde in den 1980er Jahren vor allem unter Rudolf Nurejew wiederbelebt. Sein Einfluss belebte und erneuerte die Wertschätzung für diesen Stil und prägte das Ballett als Ganzes entscheidend. In der Tat wird die französische Schule heute manchmal als Nurejew-Schule bezeichnet. Die französische Methode zeichnet sich häufig durch technische Präzision, Flüssigkeit und Anmut sowie elegante, klare Linien aus. Bei diesem Stil wird oft eine schnelle Fußarbeit eingesetzt, um den Eindruck zu erwecken, dass die Darsteller leicht über die Bühne schweben. Zwei wichtige Merkmale dieser Technik sind die besondere Art und Weise, in der das Port de bras und das épaulement ausgeführt werden, die runder sind als beim russischen Stil, aber nicht so rund wie beim dänischen Stil. ⓘ

Vaganova-Methode

Agrippina Vaganova, "Esmeralda" 1910 ⓘ

Die Waganowa-Methode ist ein aus dem russischen Ballett hervorgegangener Ballettausbildungsstil, der von Agrippina Waganowa entwickelt wurde. Nachdem sie sich 1916 vom Tanz zurückgezogen hatte, unterrichtete Vaganova ab 1921 an der Leningrader Choreografieschule. Ihre Trainingsmethode ist heute international anerkannt, und ihr Buch The Fundamentals of Classical Dance (1934) ist ein klassisches Nachschlagewerk. Diese Methode ist gekennzeichnet durch die Verschmelzung des klassischen französischen Stils, insbesondere der Elemente der Romantik, mit der Athletik der italienischen Methode und der gefühlvollen Leidenschaft des russischen Balletts. In ihrem Buch Basic Principles of Russian Classical Dance (1948) entwickelte sie eine äußerst präzise Unterrichtsmethode. Darin wird unter anderem dargelegt, wann die Schüler in ihrer Ballettkarriere die technischen Komponenten unterrichten sollten, wie lange sie sich darauf konzentrieren sollten und wie viel sie in jeder Phase ihrer Karriere lernen sollten. Diese Lehrbücher sind auch heute noch von großer Bedeutung für den Ballettunterricht. ⓘ

Die Methode legt den Schwerpunkt auf die Entwicklung von Kraft, Flexibilität und Ausdauer für die richtige Ausführung des Balletts. Sie vertrat die Überzeugung, dass Arme und Beine bei der Ausführung des Balletts gleich wichtig sein sollten, da dies dem Körper als Ganzes Harmonie und größeren Ausdruck verleihen wird. ⓘ

Cecchetti-Methode

Enrico Cecchetti mit Anna Pawlowa ⓘ

Diese von Enrico Cecchetti (1850-1928) entwickelte Methode ist international bekannt für ihr intensives Verständnis der Anatomie im Zusammenhang mit dem klassischen Ballett. Das Ziel dieser Methode ist es, den Schülern wichtige Eigenschaften für die Ausführung des Balletts zu vermitteln, damit sie sich nicht auf die Nachahmung der Lehrer verlassen müssen. Wichtige Bestandteile dieser Methode sind die Betonung des Gleichgewichts, der Hebungen, des Ballons, des Gleichgewichts und der Kraft. ⓘ

Diese Methode betont, wie wichtig es ist zu erkennen, dass sich alle Teile des Körpers gemeinsam bewegen, um schöne, anmutige Linien zu schaffen, und warnt daher davor, Ballett als getrennte Teile von Armen, Beinen, Hals und Rumpf zu betrachten. Diese Methode ist bekannt für ihre acht Port de bras, die verwendet werden. ⓘ

Bournonville-Methode

August Bournonville ⓘ

Die Bournonville-Methode ist eine dänische Methode, die zuerst von August Bournonville entwickelt wurde. Bournonville war stark von der frühen französischen Ballettmethode beeinflusst, da er bei seinem Vater Antoine Bournonville und anderen bedeutenden französischen Ballettmeistern trainierte. Diese Methode weist viele stilistische Unterschiede auf, die sie von anderen heute gelehrten Ballettmethoden unterscheiden. Ein Schlüsselelement ist die Verwendung von diagonalen Pauschen, wobei sich der Oberkörper typischerweise zum Arbeitsfuß hin dreht. Diese Methode beinhaltet auch einen sehr einfachen Einsatz der Arme, Pirouetten aus einer niedrigen Développé-Position in die Seconde und die Verwendung von Bras en Bas in der fünften Position zu Beginn und am Ende von Bewegungen. ⓘ

Die Bournonville-Methode bringt Tänzer hervor, die einen schönen Ballon haben ("die Illusion von unwägbarer Leichtigkeit"). ⓘ

Die Methode der Royal Academy of Dance (RAD)

Junge Mädchen, die an den Prüfungen der Royal Academy of Dancing (London) in Brisbane und Toowoomba teilnehmen, 1938 ⓘ

Die Methode der Royal Academy of Dance, die auch als englischer Ballettstil bezeichnet wird, wurde 1920 von Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa und Richardson entwickelt. Ziel dieser Methode ist es, die akademische Ausbildung im klassischen Ballett in ganz Großbritannien zu fördern. Dieser Stil verbreitete sich auch in den Vereinigten Staaten und ist auch heute noch weit verbreitet. Es gibt bestimmte Klassenstufen, die ein Schüler durchlaufen muss, um die Ausbildung in dieser Methode abzuschließen. Das Hauptprinzip dieser Unterrichtsmethode ist, dass die grundlegende Balletttechnik in einem langsamen Tempo gelehrt werden muss, wobei der Schwierigkeitsgrad oft viel langsamer ansteigt als bei den anderen Methoden. Der Gedanke dahinter ist, dass ein Schüler, der viel Mühe in die Perfektionierung der Grundschritte steckt, dank der in diesen Schritten erlernten Technik die schwierigeren Schritte in einem viel leichteren Tempo ausführen kann. ⓘ

Balanchine-Methode

Suzanne Farrell und George Balanchine tanzen in einem Segment von "Don Quixote" am New York State Theater ⓘ

Entwickelt von George Balanchine am New York City Ballet. Seine Methode stützt sich stark auf seine eigene Ausbildung als Tänzer in Russland. Die Technik ist bekannt für extremes Tempo in den Übungen, Betonung der Linien und tiefe Pliés. Einer der bekanntesten Unterschiede dieses Stils ist vielleicht die unorthodoxe Körperhaltung. Tänzerinnen und Tänzer dieses Stils haben oft gebeugte Hände und glatte Füße und befinden sich in Positionen, die nicht dem Gleichgewicht entsprechen. Wichtige Ballettstudios, die diese Methode unterrichten, sind das Miami City Ballet, die Ballet Chicago Studio Company und die School of American Ballet in New York. ⓘ

Kostüme

Balletttänzer in typischer Kostümierung für klassisches Ballett ⓘ

In der Geschichte des Balletts haben sich die Kostüme entsprechend dem Zeitgeschmack verändert. Im Laufe der Jahre wurden sie kürzer und leichter. Damit wurde der Weg frei für anspruchsvollere und technisch schwierigere Bewegungsabläufe. Noch heute werden die Kostüme nur unwesentlich variiert. So trägt Giselle immer ein knielanges Kleid, und die Schwäne aus Schwanensee sind selbst für einen Laien leicht zu erkennen.
Bei den Damenkostümen unterscheidet man zwischen dem langen Tüllrock für Geisterwesen aus dem Weißen Akt (Ballet blanc) (z. B. in Giselle), dem schmalen langen Kleid (z. B. in Romeo und Julia) und dem Tutu, einem steifen abstehenden Tüllrock, der das bekannteste Ballettkostüm darstellt (z. B. in Schwanensee oder Raimonda) und aus dem 19. Jahrhundert stammt. Bei manchen Kostümen, die schön abstehen sollen (Tellerröcke), wird ein Aluminiumgestell als Hilfsmittel benutzt. Als Oberteil wird meist ein Mieder getragen.
Die Kostümierung der Herren besteht im Ballett meist aus einem Hemd und (blickdichten) Strumpfhosen. Oft wird über dem Hemd eine Jacke getragen. ⓘ

Anna Pavlova (Primaballerina); Die frühen Materialien für Ballettkostüme waren schwer und behinderten die Bewegungen der Tänzerin ⓘ

Ballettkostüme spielen in der Ballettgemeinde eine wichtige Rolle. Sie sind oft das einzige Überbleibsel einer Inszenierung und stellen ein lebendiges imaginäres Bild der Szene dar. ⓘ

Renaissance und Barock

Die Wurzeln des Balletts reichen bis in die Renaissance in Frankreich und Italien zurück, als die höfische Kleidung den Anfang der Ballettkostüme bildete. Ballettkostüme gibt es bereits seit dem frühen fünfzehnten Jahrhundert. Baumwolle und Seide wurden mit Flachs gemischt und zu halbtransparenter Gaze verwoben, um exquisite Ballettkostüme zu schaffen. ⓘ

Das siebzehnte Jahrhundert

Im siebzehnten Jahrhundert wurden verschiedene Arten von Stoffen und Mustern verwendet, um die Kostüme spektakulärer und auffälliger zu machen. Die höfische Kleidung für Frauen blieb auch in diesem Jahrhundert erhalten. Seide, Satin und mit echtem Gold und Edelsteinen bestickte Stoffe erhöhten den Grad der spektakulären Dekoration der Ballettkostüme. Die Kostüme der Frauen bestanden außerdem aus schweren Gewändern und knielangen Röcken, die es ihnen erschwerten, viel Bewegung und Gestik zu erzeugen. ⓘ

Achtzehntes Jahrhundert

Jahrhundert ähnelten die Bühnenkostüme noch stark der höfischen Kleidung, entwickelten sich aber mit der Zeit weiter, vor allem dank des französischen Tänzers und Ballettmeisters Jean-Georges Noverre (1727-1810), dessen Vorschläge zur Modernisierung des Balletts in seinen revolutionären Lettres sur la danse et les ballets (1760) enthalten sind. Noverres Buch verlagerte den Schwerpunkt einer Inszenierung weg von den Kostümen hin zu den körperlichen Bewegungen und Emotionen der Tänzer. ⓘ

Das europäische Ballett hatte sein Zentrum in der Pariser Oper. In dieser Epoche wurden die Röcke einige Zentimeter über den Boden gehoben. Blumen, Volants, Bänder und Spitzen unterstrichen diesen opulenten, femininen Stil, während sanfte Pastelltöne in Zitrone, Pfirsich, Rosa und Pistazie die Farbpalette dominierten. ⓘ

Neunzehntes Jahrhundert

Olga Spessiva; Schwanensee-Kostüm im zwanzigsten Jahrhundert ⓘ

Im frühen neunzehnten Jahrhundert wurden eng anliegende Körperkostüme, Blumenkränze, Korsagen und Juwelen verwendet. Die Ideale der Romantik spiegelten sich in den Bewegungen der Frauen wider. ⓘ

Die Kostüme wurden viel enger, als Korsetts in Gebrauch kamen, um die Kurven einer Ballerina zur Geltung zu bringen. Juwelen und glitzernde Kostüme wurden immer beliebter. ⓘ

Zwanzigstes Jahrhundert

Maggie Gripenberg (in der Mitte) bei einem Auftritt im finnischen Nationaltheater im Jahr 1916. ⓘ

Im Laufe des zwanzigsten Jahrhunderts wandelten sich die Ballettkostüme zurück zum Einfluss des russischen Balletts. Die Röcke der Ballerinen wurden später zu knielangen Tutus, um ihre präzise Spitzenarbeit zur Geltung zu bringen. Auch die Farben der Bühnenkostüme wurden viel kräftiger. Die Designer verwendeten Farben wie Rot, Orange, Gelb usw., um dem Auftritt der Balletttänzer auf der Bühne mehr Ausdruck zu verleihen. ⓘ

Ballett als Beruf

Professionelle Tänzerinnen und Tänzer werden im Allgemeinen nicht gut bezahlt und verdienen weniger als ein normaler Arbeiter. Im Jahr 2020 erhielten amerikanische Tänzer (einschließlich Ballett und andere Tanzformen) im Durchschnitt 19 US-Dollar pro Stunde, wobei die Bezahlung von Lehrern etwas besser ist als die von Tänzern. ⓘ

Die Berufsaussichten sind nicht rosig, und der Wettbewerb um eine Stelle ist hart, da die Zahl der Bewerber die Zahl der offenen Stellen bei weitem übersteigt. Die meisten Stellen sind in privaten Tanzschulen zu besetzen. ⓘ

Choreographen werden besser bezahlt als Tänzer. Musiker und Sänger werden pro Stunde besser bezahlt als Tänzer oder Choreographen, etwa 30 US-Dollar pro Stunde; Vollzeitarbeit ist für Musiker jedoch ungewöhnlich. ⓘ

Gesundheitliche Auswirkungen

Balletttänzerinnen im Teenageralter sind anfällig für Stressfrakturen der ersten Rippe. Es wird angenommen, dass Essstörungen weit verbreitet sind, und eine Meta-Analyse aus dem Jahr 2014 deutet darauf hin, dass Studien darauf hindeuten, dass Balletttänzer ein höheres Risiko für verschiedene Arten von Essstörungen haben als die Allgemeinbevölkerung. Darüber hinaus haben einige Forscher festgestellt, dass intensives Balletttraining zu einer geringeren Knochenmineraldichte in den Armen führt. ⓘ

Kritik

Die meisten Ballettchoreografien sind so geschrieben, dass sie nur von relativ jungen Tänzern ausgeführt werden können. Die Struktur des Balletts, bei der ein (in der Regel) männlicher Choreograf oder Regisseur (meist) weibliche Körper benutzt, um seine künstlerische Vision auszudrücken, während er die beteiligten Frauen ignoriert, objektiviert oder zum Schweigen bringt, ist als frauenfeindlich kritisiert worden. ⓘ

Geschichte des Balletts

Das Handlungsballett

Anna Pawlowa und Nikolai Legat in La Fille mal gardée ⓘ

1760 veröffentlichte Jean Georges Noverre seine Briefe über die Tanzkunst und das Ballett, die viele seiner Zeitgenossen beeinflussten. Er glaubte, dass man ein Drama mit den Mitteln des Tanzes gestalten könne. Weil das Drama noch als höchste dichterische Gattung galt, wertete dies den Tanz erheblich auf. Seine Ideen setzte er in dem Ballett Medea und Jason um, das 1763 vom Ballet de l’Opéra de Paris uraufgeführt wurde. Parallel zum höfischen Ballett gab es etwa im Pariser Jahrmarktstheater die populäre Pantomime, die ebenfalls Handlungen hatte und die „hohe“ Tanzkunst beeinflusste, als die Hofkultur vor der Französischen Revolution zunehmend kritisiert wurde. ⓘ

Neben Christoph Willibald Glucks und Antonio Salieris Balletten (meist Bestandteile von Opern) ist das Reformballett La Fille mal gardée (1789) von Jean Dauberval das älteste bis heute im Repertoire gebliebene Stück. Es verzichtete auf klassische Figuren wie Satyrn und andere mythologische Wesen und brachte einen schlichten zwischenmenschlichen Konflikt auf die Bühne. ⓘ

In der Revolutionszeit trug Auguste Vestris dazu bei, dem Ballett, das stets noch in Opern eingegliedert war, eine selbstständige Bedeutung zu geben. Nach 1800 enthielt die neu entstehende Gattung der Grand opéra jeweils ein ausgedehntes Ballett. In diesem Rahmen entwickelten sich neuartige Tanztechniken und Bühnenausstattungen. ⓘ

Ausdruckstanz und andere Neuerungen

Martha Graham als „Makubi“ mit Bertram Ross in Visionary recital ⓘ

George Balanchine mit Suzanne Farrell in Don Quichotte ⓘ

Pädagogen wie François Delsarte, auf den sich etwa Ruth St. Denis stützte, hatten bereits in der klassischen Zeit des Balletts seine Inhalte und seine hochspezialisierte Technik in Zweifel gezogen. Durch den Ausdruckstanz seit etwa 1900, wie ihn Isadora Duncan auf ihren weltweiten Tourneen präsentierte, wurden zahlreiche Ballettkonventionen angegriffen und abgeschafft. Es entwickelten sich neue Darstellungsformen, zum Beispiel in den Choreografien von Rudolf von Laban. ⓘ

Die Avantgarden Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts brachten eine Annäherung des Balletts an die übrigen Künste und an den populären Bühnentanz oder die Pantomime, wie zum Beispiel die von Erik Satie, Jean Cocteau und Pablo Picasso gemeinsam mit den Ballets Russes inszenierte Parade in Paris 1917. Bildende Künstler wie Sophie Taeuber-Arp versuchten sich auch als Bühnentänzer und stellten das klassische tänzerische Handwerk in Frage. Emil Jaques-Dalcroze verband den professionellen Bühnentanz mit dem Volkstanz und der Gymnastik. Michel Fokine versuchte zwischen der älteren Technik und den neueren Ausdrucksbemühungen zu vermitteln (etwa in Der sterbende Schwan, 1907). ⓘ

Aus dem Ausdruckstanz und dem verwandten Modern Dance, der sich in den USA verbreitete, sind viele Bestrebungen entstanden, das Ballett zu erneuern. Man fasst sie unter dem Begriff Zeitgenössischer Tanz zusammen. Als Begründer gelten Mary Wigman, Martha Graham, Gret Palucca und Jean Weidt. Kurt Jooss und seine Schülerin Pina Bausch sind die bekanntesten Wegbereiter des Tanztheaters, welches sich strikt gegen Balletttraditionen stellt. ⓘ

Renaissance des klassischen Balletts

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts setzte in Westeuropa und Nordamerika eine Renaissance des Balletts ein, unter anderem ausgelöst durch die Gründung der Ballets Russes durch den Impresario Sergei Djagilew 1909. Die Truppe stammte aus Sankt Petersburg, feierte ihre Erfolge in Paris und hatte großen Einfluss auf den US-amerikanischen Tanz. Das Ballett des 20. Jahrhunderts war vor allem durch Künstler geprägt, die nach der Gründung der Sowjetunion ins westliche Exil gingen. Dazu gehören Michel Fokine, Vaslav Nijinsky und George Balanchine. Künstlerisch rezipiert wurde das Ballett von der Berliner Secession, allem voran Ernst Oppler. ⓘ

Das klassische Ballett konnte sich in den osteuropäischen Staaten in sehr traditionellen Formen halten. Die Tänzerin und Pädagogin Agrippina Jakowlewna Waganowa entwarf eine universelle Darstellung seiner Technik. Durch die Erneuerungsversuche im Westen geriet es dagegen in Bedrängnis. Seit den 1930er-Jahren gab es daher Bestrebungen, die klassischen Balletttraditionen zu erhalten, die unter dem Begriff des Neoklassizismus zusammengefasst werden. Als Begründer gilt George Balanchine mit seinem meist handlungslosen Ballett, in London vertrat Frederick Ashton diese Richtung, in den USA zum Beispiel Bronislava Nijinska. Eine jüngere Generation des Neoklassizismus vertrat etwa John Cranko mit seinen großen Handlungsballetten. ⓘ

Seit Mitte der 1950er Jahre ist das klassische Repertoireballett der russischen Tradition auch auf westeuropäischen Bühnen heimisch geworden und bildet den Gegenpol zum modernen Tanztheater. Die Choreografien zeigen sich allerdings in immer neuen Varianten. Oft unverstanden und nicht immer befriedigend gelöst wurde die Aufteilung der Funktionen in Tänzer und Mimiker im romantischen Ballett, die zum Verständnis der Handlung wichtig ist. ⓘ

Ballettmusik

Russisches Ballett (Gemälde von August Macke) ⓘ

Erst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts entstand Ballettmusik im heutigen Sinn. Instrumentalstücke mit dem Titel Ballet finden sich etwa bei dem französischen Komponisten und Lautenisten Robert Ballard und dem Italiener Giovanni Battista Granata. Die französische Oper im 17. und 18. Jahrhundert (Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck, Antonio Salieri, Giacomo Meyerbeer) hatte ein Schwergewicht auf dem Ballett, das sich allerdings noch stark am Gesellschaftstanz orientierte. Auch Mozart hat einige Musik für den Bühnentanz geschrieben. Die tänzerischen Zwischenspiele und Divertissements kennt man oft nicht mehr oder ist sich über ihre Funktion als Tanzmusik nicht mehr im Klaren. ⓘ

Die Ballettmeister, die mit der Tanzmeistergeige aufspielten wie Pierre Beauchamp, waren oft auch für die Komposition der Musik zuständig. Der Choreograf Arthur Saint-Léon war selbst um die Mitte des 19. Jahrhunderts noch zugleich Tänzer, Violinist und Komponist. ⓘ

Im 19. Jahrhundert entstand eine selbstständige Ballettmusik. Zu den ältesten klassischen Ballettmusiken gehören La Sylphide (1832) von Jean Schneitzhoeffer, Giselle (1841) von Adolphe Adam und Coppélia (1870) von Léo Delibes. Ihnen liegt jeweils ein literarisches Ballett-Libretto zu Grunde. Beide wurden vom Ballet de l’Opéra de Paris uraufgeführt. ⓘ

Besonders während der Blütezeit des klassischen Balletts in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Sankt Petersburg wurde die Komposition auf die Gegebenheiten des Theaters und die Größe und Zusammensetzung des Ensembles abgestimmt. Dabei arbeiteten der Komponist und der Choreograf oft eng zusammen und kommunizierten über die „Minutage“. ⓘ

In dieser Blütezeit schrieb Pjotr Iljitsch Tschaikowski für das Sankt Petersburger Mariinski-Theater und das Moskauer Bolschoi-Theater. Entstanden sind Stücke, die heute zum Repertoire einer jeden klassischen Ballettkompanie gehören, zum Beispiel Schwanensee (1877), Dornröschen (1890) und Der Nussknacker (1892). ⓘ

Die bekanntesten Ballettmusiken des beginnenden 20. Jahrhunderts sind Igor Strawinskys Der Feuervogel (1910), Petruschka (1911) und Le sacre du printemps (1913). Claude Debussys Musik wurde in Nijinskys Choreografie L'Après-midi d'un faune (1912) berühmt. Zu Maurice Ravels Boléro gibt es seit Ida Rubinstein 1927 zahlreiche Tanzfassungen. ⓘ

Auch Sergei Prokofjews Romeo und Julia (1936) und Cinderella (1945) setzten sich noch durch auf der Ballettbühne. Integrale Ballettkompositionen schuf Mitte des 20. Jahrhunderts noch Aram Chatschaturjan. Die bekanntesten sind Gayaneh (1942) und Spartacus (1956). ⓘ

Die abendfüllenden Ballette des 19. Jahrhunderts führten zeitweise zu einer Dominanz der Musik über den Tanz, die sich im 20. Jahrhundert wieder auflöste. Choreografen gebrauchten zunehmend Musikstücke, die nicht eigens für den Bühnentanz geschrieben worden waren. Absolute Musik wie Sinfonien und Sonaten wurde seit Isadora Duncan durch den Tanz interpretiert. Auch Zusammenstellungen sehr unterschiedlicher Musikstücke wurden erprobt. Tanzstücke wurden und werden auch ohne Musik aufgeführt und verwenden Geräuschcollagen oder Sprecher als akustische Ergänzung. Auch Bühnentanz mit DJ ist gelegentlich zu sehen. ⓘ

Klassische Technik

Um die klassische Technik zu erlernen, braucht man ein jahrelanges Training. Die Methode eines solchen Trainings basiert auf Übungen an der Barre (Stange) und Übungen im Milieu (Mitte). Die Übungen an der Barre dienen der Vorbereitung des Körpers und der Basistechnik. Eine optimale vertikale Achse, die durch das Zentrieren des Körpers erreicht wird, soll beim Wechseln der Raumhöhen (plié, tendue, relevé) immer garantiert werden, gleichgültig ob auf beiden oder auf einem Bein gestanden wird. Ferner werden die Bewegungen der Beine, Arme und des Kopfes in den verschiedenen Raumrichtungen präzise geübt. ⓘ

In der Mitte (Milieu) werden dann einige der Platzierungsübungen wiederholt, allerdings im Raum (Richtungswechsel, Ortswechsel). Die Schrittfolgen sind in qualitative Kategorien eingeteilt: Adagio, Pirouetten, petit Allegro (kleine, sehr schnelle Sprünge), mittlere Sprünge und zum Schluss das grand Allegro. Zu jeder dieser Kategorien gibt es verschiedene Schwierigkeitsgrade und Gestalten. Die Lehrer sind frei, diese Kombinationen zu gestalten. ⓘ

In einer Ballett-Klasse werden somit keine Choreografien eingeübt. Dies tun die Ballett-Tänzer oder die Tänzer des zeitgenössischen Tanzes erst in den Proben. Bühnentänzer trainieren, also üben ihre Technik, solange sie als Interpreten agieren (wie auch die Musiker oder Sänger). ⓘ

Ballettpositionen

Alle Ballettbewegungen beruhen auf fünf Grundpositionen von Armen und Beinen. Die Basis der körperlichen Haltung ist die Vertikale und das en dehors (Auswärtsdrehung der Beine aus dem Hüftgelenk). Zu den Ballettpositionen gehören zum Beispiel die Arabesque (gestrecktes Spielbein) und die Attitude (gebogenes Spielbein), das Sur-le-cou-de-pied und das Retiré, ebenso sind die Fußpositionen standardisiert. Auch die Arme (dazu gehören auch die Hände und die Finger) haben bestimmte Positionen sowie der Kopf (dazu gehört auch der Blick). In einer Choreografie werden diese formalisierten Positionen abgeändert, verwischt, variiert und interpretiert. Doch geschieht dies alles auf der Basis der Grundpositionen. Ein Ballett-Tänzer ist also stets in einer dieser Positionen, unabhängig davon, ob er springt, sich dreht oder bewegt. ⓘ

Ballettbegriffe

Da die Geschichte des Balletts in Italien beginnt und dann auf Frankreich übergeht, sind noch heute die meisten Begriffe der Ballettsprache französischen oder seltener italienischen Ursprungs. Aber auch einige durch die englische Schule geprägte Begriffe kann man in der Ballettsprache finden. Ballettterminologie ist noch immer nicht einheitlich, jede der großen Schulen verwendet leicht abweichende Termini. Bei der täglichen Arbeit im Ballettsaal werden oft Abkürzungen verwendet. ⓘ

Eine umfangreiche Liste der wichtigsten Begriffe (sowie die dazugehörigen klärenden Darstellungen) finden sich im Ballett-Glossar. ⓘ

Siehe auch

• Ballet
• Liste bedeutender Tänzer
• Liste bekannter Choreografen ⓘ

Literatur

Technik

• Agrippina Jakowlewna Waganowa: Die Grundlagen des klassischen Tanzes. Henschel Verlag, Berlin 2002, ISBN 3-89487-418-X.
• Vera S. Kostrowitzkaja: Schule des klassischen Tanzes. Die Waganowa-Methode in der Praxis. Henschel Verlag, Berlin 2003, ISBN 3-89487-458-9. ⓘ

Geschichte

• Rudolf Liechtenhan der Jüngere: Vom Tanz zum Ballett. Geschichte und Grundbegriffe des Bühnentanzes. 2. Auflage. Belser, Stuttgart 1983, ISBN 3-7630-2094-2.
• Manuela Jahrmärker (Hrsg.): Die Ballettpantomimen von Eugène Scribe. Texte, Skizzen und Entwürfe. Ricordi, München 1999, ISBN 3-931788-12-1 (= Meyerbeer-Studien, Band 3).
• Klaus Kieser, Katja Schneider: Reclams Ballettführer. 15. Auflage. Reclam, Stuttgart 2009, ISBN 978-3-15-010709-6.
• Dorion Weickmann: Der dressierte Leib: Kulturgeschichte des Balletts (1580-1870), Campus, Frankfurt am Main 2002, ISBN 3-593-37111-1 (= Geschichte und Geschlechter, Band 39, zugleich Dissertation an der Universität Hamburg 2001). ⓘ

Ballett als Thema im Film

Zahlreiche Spiel- und Fernsehfilme haben Ballett und Balletttänzer zum Thema, z. B.

• Die verbotene Tür (Frankreich, 1966)
• Die roten Schuhe (Großbritannien, 1948)
• Billy Elliot (Großbritannien, 2000)
• Black Swan (USA, 2010)
• High Strung (USA, 2016)
• Dance Academy (Australien, 2017) ⓘ