Schauspieler
Ein Schauspieler oder eine Schauspielerin ist eine Person, die eine Figur in einer Aufführung darstellt. Der Schauspieler tritt "leibhaftig" im traditionellen Medium des Theaters oder in modernen Medien wie Film, Radio und Fernsehen auf. Der entsprechende griechische Begriff ist ὑποκριτής (hupokritḗs), wörtlich "einer, der antwortet". Die Interpretation einer Rolle durch den Schauspieler - die Kunst des Schauspiels - bezieht sich auf die gespielte Rolle, unabhängig davon, ob sie auf einer realen Person oder einer fiktiven Figur basiert. Man kann dies auch als "Schauspielerrolle" bezeichnen, die so genannt wurde, weil in Theatern Schriftrollen verwendet wurden. Eine Interpretation findet auch dann statt, wenn der Schauspieler "sich selbst spielt", wie bei einigen Formen der experimentellen Performance-Kunst. ⓘ
Im antiken Griechenland und in der mittelalterlichen Welt sowie in England zur Zeit von William Shakespeare konnten nur Männer Schauspieler werden, und Frauenrollen wurden im Allgemeinen von Männern oder Jungen gespielt. Im alten Rom waren zwar weibliche Darsteller auf der Bühne zugelassen, aber nur eine kleine Minderheit von ihnen erhielt Sprechrollen. Die italienische Commedia dell'arte erlaubte jedoch schon früh den Auftritt professioneller Frauen; Lucrezia Di Siena, deren Name auf einem Schauspielervertrag vom 10. Oktober 1564 steht, wird als die erste namentlich bekannte italienische Schauspielerin bezeichnet, während Vincenza Armani und Barbara Flaminia die ersten Primadonnen und die ersten gut dokumentierten Schauspielerinnen in Italien (und in Europa) sind. Nach der englischen Restauration von 1660 begannen Frauen in England auf der Bühne zu erscheinen. In der Neuzeit, insbesondere in der Pantomime und in einigen Opern, spielen Frauen gelegentlich die Rollen von Jungen oder jungen Männern. ⓘ
Geschichte
Die Ursprünge schauspielerischer Aktivitäten lassen sich zeitlich nicht auf ein bestimmtes Datum festlegen, bei Ausgrabungen stieß man jedoch auf prähistorische Masken und bildliche Darstellungen von maskierten Menschen, die auf Vorgänge des Überkleidens, Verkörperns und Verwandelns hindeuten. Die Ethnologie hat schauspielerisches Verkörpern und Masken bei allen indigenen Völkern beobachtet. Frühe idealistische Auffassungen führten Schauspielerei allgemein auf einen „mimetischen Urtrieb“ und eine angeborene Lust am Nachahmen zurück. Die heutige Forschung geht davon aus, dass der Ursprung schauspielerischer Betätigung in Riten liegt, mit denen die vorgeschichtlichen Menschen überlebenswichtige Handlungen (z. B. bei der Jagd) und erwünschte soziale Verhaltensweisen nachahmend einübten oder als unbeherrschbar erlebte Naturkräfte durch Verkörperungen (Dämonen, Götter) zu beschwören versuchten. Auch Fundstücke wie Masken und Zeichnungen sowie ethnologische Beobachtungen weisen auf Zusammenhänge zu Tieren bzw. essentiellen Naturvorgängen (Sonnenlauf, Niederschlag, Fruchtbarkeit usw.) hin. Auf dieser Grundlage lässt sich Schauspielen als eine anthropologische Grundkonstante begreifen. ⓘ
Spezialisierte oder (semi)professionelle Schauspieler gibt es in Europa seit der Antike (siehe Theater der griechischen Antike, Theater der römischen Antike; Mime stammt von altgriechisch μῖμος mīmos „Nachahmer, Schauspieler“); die Nähe zur vorhellenischen Praxis wird in der frühen Antike noch dadurch deutlich, dass die Schauspieler in der Regel Masken tragen. Diese (vor)berufliche Tradition findet im europäischen Mittelalter und in der Frühneuzeit vor allem deshalb keine Fortsetzung, weil das Theater – der Hauptort schauspielerischer Betätigung – durch die Kirche streng geächtet ist; schauspielerische Betätigung ist allenfalls als „Possenreißen“ und Nebenbeschäftigung von Gauklern denkbar, die als Vaganten (Fahrendes Volk) die Jahrmärkte bereisen und einen dementsprechend niedrigen sozialen Status innehaben. Zur Zeit der Säkularisierung waren spezialisierte Schauspieler zunächst in den adeligen Hoftheatern und Opern sowie in den bürgerlichen Theatern Englands (Elisabethanisches Theater) und Italiens (Commedia dell’arte) tätig. Das Hoftheater mit seiner vorwiegend auf Repräsentation, Festlichkeit und Erhabenheit zielenden Kultur verlangte noch nach einem präsentierenden und vortragenden Schauspielertyp. Durch modernere Theaterpraktiker wie Gotthold Ephraim Lessing und die Dramatiker der Weimarer Klassik entstand ein neues Verständnis der Schauspielerei und die Forderung nach empfindsamer Natürlichkeit der Charaktere und nach innerer Motivation der Handlung. ⓘ
Die Ächtung durch die Kirche ging z. B. so weit, dass zu Zeiten Voltaires die Schauspielerin Adrienne Lecouvreur, während sie im Sterben lag, ihrem Schauspielerberuf nicht abgeschworen hatte. Der Pfarrer verbot ihre Bestattung in geweihter Erde; ihre sterblichen Überreste wurden an der Uferböschung der Seine verscharrt. Ähnlich erging es Moliere, der jedoch eine halbwegs ehrbare Bestattung auf einem kirchlichen Friedhof erhielt. ⓘ
Somit liegen die Anfänge berufsmäßig betriebener Schauspielkunst in der doppelten Genese von Theater als Kunst in der frühen Neuzeit begründet. Neben einem akademisch-dilettantischen Kunsttheater bildete sich hier eine professionelle Theaterkunst heraus, die von Berufsschauspielern (ital. comici) ausgeübt wurde. Ihre unmittelbaren Vorgänger, reisende mittelalterliche Akteure (gemeinhin als Vaganten bezeichnet und herabwürdigend dem sogenannten „Fahrenden Volk“ hinzugezählt), übten die Schauspielerei noch nicht als zentrale Tätigkeit aus. Auch die Hofschauspieler waren als Staatsbedienstete keine Berufsschauspieler im modernen Sinn. Frauen wurde aus religiösen und gesellschaftlichen Gründen offiziell über lange Zeit der Zugang zum Schauspielberuf verwehrt; zahlreiche Quellen belegen jedoch auch Berufsschauspielerinnen in der Commedia all'improvviso, wie etwa die berühmte Schauspielerin Isabella Andreini, die seit 1576 Mitglied der Compagnia dei Comici Gelosi war. Während die Tradition der Commedia all'improvviso im Zuge aufklärerischer Bestrebungen eines Reformtheaters sukzessive verdrängt wurde, brachte das 18. Jahrhundert eine Auffassung vom Schauspieler hervor, die im Grunde bis heute Bestand hat: die des Schauspielers als Menschendarsteller. Erst in dieser Zeit, genaugenommen durch Goldoni entstand die abwertend gemeinte Bezeichnung Commedia dell'Arte, die noch heute am geläufigsten ist. ⓘ
Die heutige Vorstellung, wonach ein Schauspieler die umfassende Illusion einer anderen Person erzeugen, sich „einfühlen“ und „nicht aus der Rolle fallen“ soll, wird im 19. und frühen 20. Jahrhundert durch den schauspielerischen Naturalismus und das Aufkommen des Films weiter ausgebaut. Die steigenden Ansprüche an Schauspieler führen u. a. zur verstärkten Bedeutung der Schauspielerausbildung, insbesondere von Schauspielschulen. Ab Mitte des 20. Jahrhunderts wurde die „klassische“ Auffassung von schauspielerischer Tätigkeit und Fähigkeit wieder in Frage gestellt, da Film, Radio und Fernsehen neue Anforderungen an Schauspieler stellen (siehe Filmschauspieler). Die Auffächerung der Genres (z. B. Musicals) und die zunehmende Verschmelzung der verschiedenen Medien erhöhte die Ansprüche an Schauspieler. Die Vorstellung von kompletter Einfühlung und perfekt illusionistischem Spiel wurde auch programmatisch in Frage gestellt. Eine Reihe von Theaterpraktikern und -theoretikern, z. B. Brecht, forderten, dass Schauspieler sichtbare Distanz zu ihrer Rolle einnehmen, eine Person eher vorzeigen als imitieren und ihren eigenen Standpunkt gegenüber der Figur verdeutlichen sollen. Als Mittel schlugen sie vor, historische Schauspieltraditionen (z. B. das Tragen von Masken), aber auch Praktiken des außereuropäischen (oft des fernöstlichen) Theaters anzuwenden. ⓘ
Der erste aufgezeichnete Fall eines darstellenden Schauspielers ereignete sich im Jahr 534 v. Chr. (obwohl die Änderungen im Kalender im Laufe der Jahre eine genaue Bestimmung erschweren), als der griechische Darsteller Thespis die Bühne des Dionysos-Theaters betrat und die erste bekannte Person wurde, die als Figur in einem Stück oder einer Geschichte Worte sprach. Vor Thespis' Auftritt wurden griechische Geschichten nur durch Gesang, Tanz und Erzählungen in der dritten Person wiedergegeben. Zu Ehren von Thespis werden die Schauspieler gemeinhin Thespianer genannt. Die ausschließlich männlichen Schauspieler im Theater des antiken Griechenlands spielten drei Arten von Dramen: die Tragödie, die Komödie und das Satyrspiel. Unter den Römern entwickelte und erweiterte sich das Theater erheblich. Das Theater des antiken Roms war eine blühende und vielfältige Kunstform, die von Festspielen mit Straßentheater, Nackttanz und Akrobatik über die Inszenierung von Situationskomödien bis hin zu hochtrabenden, verbal ausgefeilten Tragödien reichte. ⓘ
Als das Weströmische Reich im 4. und 5. Jahrhundert zerfiel, wurde der Sitz der römischen Macht nach Osten, nach Konstantinopel, verlegt. Aufzeichnungen zeigen, dass Pantomime, Pantomime, Szenen oder Rezitationen aus Tragödien und Komödien, Tänze und andere Unterhaltungsformen sehr beliebt waren. Ab dem 5. Jahrhundert geriet Westeuropa in eine Zeit allgemeiner Unruhen. Kleine nomadische Schauspieltruppen zogen während dieser Zeit durch Europa und traten überall dort auf, wo sie ein Publikum fanden; es gibt keine Belege dafür, dass sie etwas anderes als grobe Szenen aufführten. Da Schauspieler traditionell keinen hohen Status besaßen, wurden reisende Schauspieltruppen im Frühmittelalter oft mit Misstrauen betrachtet. Im frühen Mittelalter wurden die Schauspieler von der Kirche während des finsteren Mittelalters angeprangert, da sie als gefährlich, unmoralisch und heidnisch galten. In vielen Teilen Europas durften Schauspieler aufgrund des traditionellen Glaubens der jeweiligen Region und Zeit kein christliches Begräbnis erhalten. ⓘ
Im frühen Mittelalter begannen die Kirchen in Europa damit, biblische Ereignisse in dramatisierter Form zu inszenieren. Bis Mitte des 11. Jahrhunderts hatte sich das liturgische Drama von Russland über Skandinavien bis nach Italien verbreitet. Das Fest der Narren förderte die Entwicklung der Komödie. Im Spätmittelalter wurden in 127 Städten Theaterstücke aufgeführt. Diese volkstümlichen Mysterienspiele enthielten oft Komödien, in denen Schauspieler Teufel, Schurken und Clowns spielten. Die meisten Schauspieler in diesen Stücken stammten aus der lokalen Bevölkerung. Die Laiendarsteller in England waren ausschließlich männlich, während in anderen Ländern auch Frauen mitwirkten. ⓘ
Im Mittelalter wurden mehrere weltliche Theaterstücke aufgeführt, von denen das früheste das Stück The Play of the Greenwood von Adam de la Halle aus dem Jahr 1276 ist. Es enthält satirische Szenen und volkstümliche Stoffe wie Feen und andere übernatürliche Erscheinungen. Auch nach dem 13. Jahrhundert wurden Farcen immer beliebter. Am Ende des Spätmittelalters traten in England und Europa zunehmend professionelle Schauspieler auf. Sowohl Richard III. als auch Heinrich VII. unterhielten kleine Ensembles von Berufsschauspielern. Ab Mitte des 16. Jahrhunderts führten Truppen der Commedia dell'arte jahrhundertelang in ganz Europa lebhafte Improvisationstheaterstücke auf. Die Commedia dell'arte war ein schauspielerzentriertes Theater, das wenig Kulissen und nur wenige Requisiten benötigte. Die Stücke waren lose Rahmenwerke, die Situationen, Komplikationen und den Ausgang der Handlung vorgaben, um die herum die Schauspieler improvisierten. In den Stücken wurden Standardfiguren verwendet. Eine Truppe bestand in der Regel aus 13 bis 14 Mitgliedern. Die meisten Schauspieler erhielten einen Anteil am Gewinn des Stücks, der in etwa der Größe ihrer Rolle entsprach. ⓘ
Das Renaissancetheater knüpfte an verschiedene mittelalterliche Theatertraditionen an, z. B. die Mysterienspiele, die "Moralstücke" und das "Universitätsdrama", das versuchte, die athenische Tragödie nachzustellen. Auch die italienische Tradition der Commedia dell'arte und die aufwendigen Masken, die häufig bei Hofe aufgeführt wurden, trugen zur Gestaltung des öffentlichen Theaters bei. Schon vor der Herrschaft von Elisabeth I. waren an den Haushalten führender Adliger Spielertruppen angesiedelt, die saisonal an verschiedenen Orten auftraten. Sie bildeten die Grundlage für die professionellen Spieler, die auf der elisabethanischen Bühne auftraten. ⓘ
Die Entwicklung des Theaters und die Möglichkeiten der Schauspielerei endeten, als die puritanische Opposition gegen die Bühne die Aufführung aller Stücke in London verbot. Die Puritaner betrachteten das Theater als unmoralisch. Die Wiedereröffnung der Theater im Jahr 1660 läutete eine Renaissance des englischen Dramas ein. Englische Komödien, die in der Restaurationszeit von 1660 bis 1710 geschrieben und aufgeführt wurden, werden unter dem Begriff "Restaurationskomödie" zusammengefasst. Die Restaurationskomödie ist für ihre sexuelle Freizügigkeit berüchtigt. In dieser Zeit durften Frauen zum ersten Mal auf der englischen Bühne auftreten, und zwar ausschließlich in weiblichen Rollen. In diese Zeit fallen auch die ersten professionellen Schauspielerinnen und der Aufstieg der ersten berühmten Schauspieler. ⓘ
Die Arbeitsmarktlage für Schauspieler ist vergleichsweise schlecht. Da die Berufsbezeichnung „Schauspieler“ nicht geschützt ist, können sich Personen mit unterschiedlichsten Ausbildungswegen und Berufserfahrungen um Engagements bewerben, was zu einem großen Überangebot an Bewerbern führen kann. Die Ungeregeltheit bewirkt auch, dass keine verlässlichen Angaben über die Arbeitslosigkeit vorliegen: Die amtliche Statistik bezieht sich nur auf die sozialversicherungspflichtig Beschäftigten (nicht auf die Freiberufler/Selbständigen) und weist nur die arbeitslos gemeldeten Schauspieler aus. Dennoch macht eine Arbeitslosenquote von fast 22 % (2006) deutlich, dass unter den rund 20.000 registrierten darstellenden Künstlern (so die Kategorie der Statistik, darin sind u. a. auch Tänzer, Sänger und Regisseure enthalten) hohe Beschäftigungslosigkeit herrscht. ⓘ
Schauspielerinnen und ältere Schauspieler sind besonders häufig von Arbeitslosigkeit betroffen. Dies hängt damit zusammen, dass viele traditionelle Theaterstücke Männer und jüngere Menschen favorisieren und es leichter ist, einen jüngeren Schauspieler „älter“ zu machen als umgekehrt. In Film und Fernsehen werden zudem viele Formate mit fast ausschließlich jungen Darstellern produziert. Die Arbeitslosenstatistik nimmt bei den über 50-Jährigen wieder ab, was allerdings auch darauf hinweisen kann, dass sich ältere erfolglose Schauspieler anderen Erwerbsquellen zuwenden. ⓘ
Die Problematik, dass Schauspieler trotz Zahlungen an die Arbeitslosenkasse kaum Arbeitslosengeld 1 beziehen konnten, hat 2006 zur Gründung des Bundesverbands der Film- und Fernsehschauspieler (BFFS) geführt, der sich u. a. um die sozialversicherungsrechtlichen Belange von Schauspielern kümmert. So wurde z. B. 2008 mit den Sozialversicherungsträgern das vom BFFS erarbeitete Eckpunktepapier und die dazugehörige drehtagbezogene Zusatzleistungsformel vereinbart. Schauspieler können nun auch während Vorbereitungszeiten sozialversichert werden, was den Bezug von Arbeitslosengeld 1 erleichtert. ⓘ
Schauspieler bewerben sich entweder direkt bei Theatern und Medienunternehmen, über die „ZAV Künstlervermittlung“, durch private Arbeitsvermittler oder über ihre spezialisierte Schauspieleragentur, die sie in Fragen der Vermittlung, Gagenverhandlung und in Rechtsfragen sowie Karriereberatung vertritt und somit die breite Spanne des Managements übernimmt. Rollen in Film- und Fernsehproduktionen, insbesondere Nebenrollen, werden üblicherweise über ein Auswahlverfahren, das sogenannte Casting, vergeben. Bei Bewerbungen an Theatern ist dies das Vorsprechen, beim Musical die Audition. ⓘ
Für Schauspieler mit einem festen Engagement werden Beschäftigungsbedingungen und Gagen in der Regel frei ausgehandelt, teilweise gelten auch Tarifverträge: Der „Normalvertrag Bühne“ (NV Bühne), vereinbart zwischen dem Deutschen Bühnenverein und der Genossenschaft Deutscher Bühnenangehöriger, wird bei städtischen, Staats- und Landestheatern angewendet; privatwirtschaftliche Fernseh- und Filmproduktionsfirmen, die einem Arbeitgeberverband angehören, unterliegen dem „Tarifvertrag für Film- und Fernsehschaffende“. Gemäß dem „NV Bühne“ erhält ein Berufsanfänger/Absolvent einer Schauspielschule im 1. Festengagement am Theater bundesweit tariflich 2.000 Euro brutto pro Monat. ⓘ
Wie bei anderen Künstlerberufen gibt es auch bei Schauspielern verhältnismäßig hohe Einkommensunterschiede. Prominente Darsteller, die „Stars“, erzielen hohe bis sehr hohe Einkommen; regelmäßig engagierte Schauspieler bei öffentlichen Theatern haben ein mittleres Einkommen, während ein großer Teil der Schauspieler häufig nur über ein unterdurchschnittliches und unregelmäßiges Einkommen verfügt. ⓘ
Durch natürliche Befristungen der schauspielerischen Tätigkeit (Spielzeiten im Theater, Engagement für einen einzelnen Film, Laufzeit einer Fernsehserie) müssen sich auch viele erfolgreiche Schauspieler kontinuierlich um neue Engagements bemühen, was die Arbeitsmarktlage für Schauspieler weiterhin erschwert. ⓘ
1983 wurde die Künstlersozialversicherung als Alterssicherung für Schauspieler eingeführt. Sie beinhaltet Renten-, Kranken- und Pflegeversicherung. Die Versicherten haben lediglich den Arbeitnehmeranteil des Beitrags zu entrichten. Da die Versicherungspflicht nicht alle schauspielerisch Tätigen betrifft und Beiträge nur für tatsächliche Beschäftigungszeiten angerechnet werden, ist die Altersversorgung für viele Schauspieler jedoch oft nicht ausreichend. ⓘ
19. Jahrhundert
Im 19. Jahrhundert wurde der negative Ruf der Schauspieler weitgehend revidiert, und die Schauspielerei wurde zu einem angesehenen, beliebten Beruf und einer Kunst. Der Aufstieg des Schauspielers zur Berühmtheit sorgte für den Übergang, denn das Publikum strömte zu seinen Lieblings-"Stars". Eine neue Rolle kam den Schauspiel-Managern zu, die ihre eigenen Unternehmen gründeten und die Schauspieler, die Produktionen und die Finanzierung kontrollierten. Wenn sie erfolgreich waren, bauten sie sich einen festen Kundenstamm auf, der zu ihren Produktionen strömte. Sie konnten ihr Publikum vergrößern, indem sie mit einem Repertoire bekannter Stücke, z. B. von Shakespeare, durch das Land tourten. In den Zeitungen, Privatclubs, Kneipen und Cafés wurden lebhafte Debatten über die Vorzüge der Stars und der Inszenierungen geführt. Henry Irving (1838-1905) war der erfolgreichste der britischen Schauspieler-Manager. Irving war berühmt für seine Shakespeare-Rollen und für Innovationen wie das Ausschalten der Hausbeleuchtung, damit sich die Aufmerksamkeit mehr auf die Bühne und weniger auf das Publikum richten konnte. Seine Truppe tourte durch Großbritannien, Europa und die Vereinigten Staaten und bewies, dass Starschauspieler und berühmte Rollen ein begeistertes Publikum anziehen können. Sein Ritterschlag im Jahr 1895 bedeutete die volle Akzeptanz in den höheren Kreisen der britischen Gesellschaft. ⓘ
20. Jahrhundert
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verdrängte die Ökonomie von Großproduktionen das Modell des Schauspielers und Managers. Es war zu schwierig, Leute zu finden, die sowohl ein Genie in der Schauspielerei als auch im Management waren, so dass die Spezialisierung die Rollen aufteilte und Bühnenmanager und später Theaterdirektoren entstanden. Aus finanzieller Sicht war ein viel größeres Kapital erforderlich, um von einer Großstadt aus zu operieren. Die Lösung bestand in der Übernahme von Theaterketten durch Unternehmen, wie das Theatrical Syndicate, Edward Laurillard und vor allem die Shubert Organization. Da die Theater in den Großstädten auf Touristen ausgerichtet waren, bevorzugten sie zunehmend lange Aufführungen sehr populärer Stücke, insbesondere Musicals. Große Stars wurden noch wichtiger. ⓘ
Techniken
- Das klassische Schauspiel ist eine Schauspielphilosophie, die den Ausdruck des Körpers, der Stimme, der Vorstellungskraft, der Personalisierung, der Improvisation, der äußeren Reize und der Analyse des Drehbuchs einbezieht. Sie basiert auf den Theorien und Systemen ausgewählter klassischer Schauspieler und Regisseure, darunter Konstantin Stanislawski und Michel Saint-Denis.
- In Stanislawskis System, das auch als Stanislawski-Methode bekannt ist, greifen Schauspieler auf ihre eigenen Gefühle und Erfahrungen zurück, um die "Wahrheit" der von ihnen dargestellten Figur zu vermitteln. Die Schauspieler versetzen sich in die Denkweise der Figur und finden Gemeinsamkeiten, um eine authentischere Darstellung der Figur zu erreichen.
- Method Acting ist eine Reihe von Techniken, die auf der Ausbildung von Schauspielern basieren, um eine bessere Charakterisierung der von ihnen gespielten Figuren zu erreichen, wie sie von Lee Strasberg formuliert wurde. Strasbergs Methode basiert auf der Idee, dass Schauspieler, um ein emotionales und kognitives Verständnis für ihre Rollen zu entwickeln, ihre eigenen Erfahrungen nutzen sollten, um sich persönlich mit ihren Figuren zu identifizieren. Sie basiert auf Aspekten von Stanislawskis System. Andere Schauspieltechniken basieren ebenfalls auf den Ideen Stanislawskis, wie z. B. die von Stella Adler und Sanford Meisner, die jedoch nicht als "Method Acting" bezeichnet werden.
- Bei der Meisner-Technik muss sich der Schauspieler ganz auf den anderen Schauspieler konzentrieren, als ob er oder sie real wäre und nur in diesem Moment existierte. Dies ist eine Methode, die die Schauspieler in der Szene für das Publikum authentischer erscheinen lässt. Sie basiert auf dem Prinzip, dass die Schauspielerei ihren Ausdruck in der Reaktion der Menschen auf andere Menschen und Umstände findet. Sie basiert auf dem System von Stanislawski. ⓘ
Bei der heutzutage vermittelten Schauspieltechnik existieren grundsätzlich zwei verschiedene Ansätze, die naturalistische „Identifikations“-Position (englisch Representation) und die illusionistische „Distanz“-Position (englisch Presentation). ⓘ
Durch die „Identifikation“ fühlt sich der Schauspieler in die Rolle ein, verschmilzt mit den Eigenschaften der Rollenfigur und „vergisst“ dabei seine eigene Identität temporär. Durch die „Distanz“-Position geht er möglichst planmäßig und kalkuliert „mit klarem Kopf“ vor, um die für die Darstellung jeweils erforderlichen Ausdrucksformen willensgesteuert an sich hervorzurufen. ⓘ
Als wichtige Vertreter der illusionistischen Schauspielmethode gelten die aus dem elisabethanischen Theater hervorgehende englische Theaterausbildung (z. B. Bristol Old Vic, Central School of Speech and Drama, Royal Academy of Dramatic Art), sowie die Techniken von Wsewolod Meyerhold, Erwin Piscator und Bertolt Brecht. ⓘ
Als das andere Geschlecht
Früher konnten in einigen Gesellschaften nur Männer Schauspieler werden. Im antiken Griechenland, im antiken Rom und in der mittelalterlichen Welt galt es als Schande für eine Frau, auf die Bühne zu gehen; dennoch traten Frauen im antiken Rom auf, und im 16. Jahrhundert betraten sie in Italien in der Commedia dell'arte erneut die Bühne; Lucrezia Di Siena wurde die vielleicht erste professionelle Schauspielerin seit dem antiken Rom. Auch in Frankreich und Spanien gab es im 16. Jahrhundert Schauspielerinnen. Im England William Shakespeares wurden die Frauenrollen jedoch in der Regel von Männern oder Jungen gespielt. ⓘ
Als nach der englischen Restauration von 1660 das achtzehnjährige puritanische Verbot des Theaterspiels aufgehoben wurde, begannen Frauen in England auf der Bühne zu erscheinen. Margaret Hughes wird oft als die erste professionelle Schauspielerin auf der englischen Bühne bezeichnet. Zuvor war Angelica Martinelli, Mitglied einer italienischen Commedia dell'arte-Truppe, bereits 1578 in England aufgetreten, aber solche ausländischen Gastspiele waren seltene Ausnahmen, und es gab keine professionellen englischen Schauspielerinnen in England. Dieses Verbot wurde während der Herrschaft Karls II. aufgehoben, auch weil er gerne Schauspielerinnen auf der Bühne sah. Karl II. erteilte Thomas Killigrew und William Davenant ein Patent, das ihnen das Monopol zur Gründung von zwei Londoner Theatertruppen für die Aufführung "ernster" Dramen verlieh. 1662 wurde das Patent mit Änderungen erneut erteilt, so dass erstmals auch Schauspielerinnen auftreten durften. ⓘ
Dem OED zufolge wurde der Begriff Schauspielerin erstmals 1608 verwendet und wird Middleton zugeschrieben. Im 19. Jahrhundert standen viele Frauen der Schauspielerei negativ gegenüber, da Schauspielerinnen oft Kurtisanen waren und mit Promiskuität in Verbindung gebracht wurden. Trotz dieser Vorurteile gab es im 19. Jahrhundert auch die ersten weiblichen Schauspiel-"Stars", allen voran Sarah Bernhardt. ⓘ
In Japan wurden im Kabuki-Theater Onnagata, also Männer, die weibliche Rollen übernahmen, eingesetzt, als Frauen während der Edo-Periode verboten waren, auf der Bühne aufzutreten; diese Konvention besteht weiterhin. In einigen Formen des chinesischen Dramas, wie der Peking-Oper, spielten traditionell Männer alle Rollen, auch die weiblichen, während in der Shaoxing-Oper oft Frauen alle Rollen, auch die männlichen, spielen. ⓘ
In der Neuzeit spielten Frauen gelegentlich die Rollen von Jungen oder jungen Männern. So wird beispielsweise die Bühnenrolle des Peter Pan traditionell von einer Frau gespielt, ebenso wie die meisten männlichen Hauptrollen in der britischen Pantomime. In der Oper gibt es mehrere "Hosenrollen", die traditionell von Frauen, meist Mezzosopranistinnen, gesungen werden. Beispiele sind Hänsel in Hänsel und Gretel, Cherubino in Die Hochzeit des Figaro und Octavian in Der Rosenkavalier. ⓘ
Frauen, die Männerrollen spielen, sind im Film eher selten, mit bemerkenswerten Ausnahmen. Stina Ekblad spielte 1982 den geheimnisvollen Ismael Retzinsky in Fanny und Alexander, und Linda Hunt erhielt den Oscar für die beste Nebendarstellerin für ihre Rolle als Billy Kwan in Das Jahr, in dem man gefährlich lebt. Im Jahr 2007 wurde Cate Blanchett für ihre Rolle als Jude Quinn, eine fiktive Darstellung von Bob Dylan in den 1960er Jahren, in I'm Not There für den Oscar als beste Nebendarstellerin nominiert. ⓘ
In den 2000er Jahren sind Frauen in der Rolle von Männern im Live-Theater besonders häufig in älteren Stücken zu sehen, wie z. B. in Shakespeare-Stücken mit vielen männlichen Figuren in Rollen, in denen das Geschlecht keine Rolle spielt. ⓘ
Die Verkleidung eines Schauspielers als das andere Geschlecht, um einen komischen Effekt zu erzielen, ist ebenfalls eine lange Tradition im komischen Theater und im Film. In den meisten Komödien von Shakespeare gibt es Fälle von offenem Cross-Dressing, wie z. B. Francis Flute in Ein Sommernachtstraum. In dem Film A Funny Thing Happened on the Way to the Forum verkleidet sich Jack Gilford als junge Braut. Tony Curtis und Jack Lemmon gaben sich in dem Billy Wilder-Film Manche mögen's heiß als Frauen aus, um Gangstern zu entkommen. In den meisten Carry On-Filmen wurde das Cross-Dressing aus komödiantischen Gründen häufig eingesetzt. Dustin Hoffman und Robin Williams haben jeweils in einer Erfolgskomödie (Tootsie bzw. Mrs. Doubtfire) mitgespielt, in der sie in den meisten Szenen als Frau verkleidet waren. ⓘ
Gelegentlich wird das Problem noch weiter verkompliziert, z. B. durch eine Frau, die eine Frau spielt, die als Mann agiert und dann vorgibt, eine Frau zu sein, wie Julie Andrews in Victor/Victoria oder Gwyneth Paltrow in Shakespeare in Love. In It's Pat: The Movie erfährt der Zuschauer nie das Geschlecht der androgynen Hauptfiguren Pat und Chris (gespielt von Julia Sweeney und Dave Foley). In ähnlicher Weise gibt es in dem bereits erwähnten Beispiel der Hochzeit des Figaro eine Szene, in der Cherubino (eine männliche Figur, die von einer Frau dargestellt wird) sich als Frau verkleidet und sich wie eine Frau verhält; die anderen Figuren in der Szene sind sich einer einzigen Ebene der Verschleierung der Geschlechterrolle bewusst, während das Publikum sich zweier Ebenen bewusst ist. ⓘ
Einige moderne Rollen werden von einem Mitglied des anderen Geschlechts gespielt, um die Geschlechterfluidität der Rolle zu betonen. Edna Turnblad in Hairspray wurde im Originalfilm von 1988 von Divine gespielt, Harvey Fierstein im Broadway-Musical und John Travolta im Filmmusical von 2007. Eddie Redmayne wurde für seine Rolle der Lili Elbe (einer Transfrau) in The Danish Girl (2015) für einen Oscar nominiert. ⓘ
Der Begriff Schauspielerin
Im Gegensatz zum antiken griechischen Theater waren im antiken römischen Theater auch weibliche Darstellerinnen zugelassen. Während die meisten von ihnen selten in Sprechrollen, sondern eher als Tänzerinnen eingesetzt wurden, gab es in Rom eine Minderheit von Schauspielerinnen, die in Sprechrollen eingesetzt wurden, und auch solche, die durch ihre Kunst zu Reichtum, Ruhm und Anerkennung gelangten, wie Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola und Fabia Arete, und die auch ihre eigene Schauspielergilde, die Sociae Mimae, gründeten, die offenbar recht wohlhabend war. Der Beruf scheint in der Spätantike ausgestorben zu sein. ⓘ
Während Frauen in England erst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts auf der Bühne zu stehen begannen, traten sie in Italien, Spanien und Frankreich ab dem späten 16. Lucrezia Di Siena, deren Name auf einem Schauspielvertrag in Rom vom 10. Oktober 1564 steht, wird als die erste namentlich bekannte italienische Schauspielerin bezeichnet, während Vincenza Armani und Barbara Flaminia die ersten Primadonnen und die ersten gut dokumentierten Schauspielerinnen in Italien (und Europa) sind. ⓘ
Nach 1660, als in England zum ersten Mal Frauen auf der Bühne standen, wurden die Begriffe actor und actress zunächst synonym für weibliche Darstellerinnen verwendet, doch später wurde actress, beeinflusst durch das französische actrice, zum allgemein verwendeten Begriff für Frauen in Theater und Film. Die Etymologie ist eine einfache Ableitung von actor mit dem Zusatz -ess. Bezieht man sich auf Gruppen von Darstellern beiderlei Geschlechts, wird Schauspieler bevorzugt. ⓘ
Innerhalb des Berufsstandes geht die Wiederaufnahme des neutralen Begriffs auf die Nachkriegszeit in den 1950er und 60er Jahren zurück, als die Beiträge von Frauen zum kulturellen Leben im Allgemeinen überprüft wurden. Als The Observer und The Guardian 2010 ihren neuen gemeinsamen Stil-Leitfaden veröffentlichten, hieß es darin: "Verwenden Sie ['actor'] sowohl für männliche als auch für weibliche Schauspieler; verwenden Sie nicht actress, es sei denn, Sie nennen einen Preis, z. B. Oscar für die beste Schauspielerin". Die Autoren des Leitfadens erklärten, dass "Schauspielerin in dieselbe Kategorie fällt wie Autorin, Komödiantin, Managerin, 'Ärztin', 'Krankenpfleger' und ähnliche veraltete Begriffe, die aus einer Zeit stammen, in der Berufe weitgehend einem Geschlecht (in der Regel Männern) vorbehalten waren." (Siehe Männlichkeit als Norm.) "Wie Whoopi Goldberg es in einem Interview mit der Zeitung ausdrückte: 'Eine Schauspielerin kann nur eine Frau spielen. Ich bin ein Schauspieler - ich kann alles spielen.'" Die britische Schauspielergewerkschaft Equity hat keine Richtlinien für die Verwendung von "Schauspieler" oder "Schauspielerin". Ein Sprecher von Equity erklärte, die Gewerkschaft glaube nicht, dass es in dieser Frage einen Konsens gebe, und stellte fest, dass das Thema den Berufsstand spaltet". Im Jahr 2009 stellte die Los Angeles Times fest, dass "Schauspielerin" nach wie vor die gängige Bezeichnung bei großen Schauspielpreisen ist, die an weibliche Preisträger vergeben werden (z. B. der Academy Award für die beste Schauspielerin). ⓘ
Im US-amerikanischen Kino war der geschlechtsneutrale Begriff "Player" in der Stummfilmzeit und in den Anfängen des Motion Picture Production Code gebräuchlich, gilt aber in den 2000er Jahren im Filmkontext allgemein als archaisch. Im Theater wird der Begriff jedoch weiterhin verwendet, oft als Bestandteil des Namens einer Theatergruppe oder eines Ensembles, z. B. der American Players, der East West Players usw. Auch Schauspieler im Improvisationstheater können als "Spieler" bezeichnet werden. ⓘ
Lohngerechtigkeit
Im Jahr 2015 berichtete Forbes, dass "... nur 21 der 100 umsatzstärksten Filme des Jahres 2014 eine weibliche Haupt- oder Nebenrolle hatten, während nur 28,1 % der Charaktere in den 100 umsatzstärksten Filmen weiblich waren...". "In den USA gibt es eine "branchenweite [Kluft] bei den Gehältern in allen Größenordnungen. Im Durchschnitt verdienen weiße Frauen 78 Cents für jeden Dollar, den ein weißer Mann verdient, während hispanische Frauen 56 Cents für einen Dollar eines weißen Mannes verdienen, schwarze Frauen 64 Cents und indianische Frauen nur 59 Cents für einen Dollar." Die Forbes-Analyse der US-Schauspielergehälter im Jahr 2013 ergab, dass die "...Männer auf der Forbes-Liste der bestbezahlten Schauspieler in diesem Jahr 21/2 mal so viel Geld verdienten wie die bestbezahlten Schauspielerinnen. Das bedeutet, dass Hollywoods bestbezahlte Schauspielerinnen für jeden Dollar, den die bestbezahlten Männer verdienten, nur 40 Cent erhielten." ⓘ
Arten
Schauspieler, die in Theater, Film, Fernsehen und Radio arbeiten, müssen bestimmte Fähigkeiten erlernen. Techniken, die bei einer Art von Schauspielerei gut funktionieren, funktionieren bei einer anderen Art von Schauspielerei möglicherweise nicht so gut. ⓘ
Im Theater
Um auf der Bühne zu agieren, müssen Schauspieler die Regieanweisungen lernen, die im Drehbuch stehen, wie "Bühne links" und "Bühne rechts". Diese Anweisungen beziehen sich auf den Standpunkt des Schauspielers, der auf der Bühne steht und dem Publikum zugewandt ist. Schauspieler müssen auch die Bedeutung der Bühnenanweisungen "Upstage" (vom Publikum weg) und "Downstage" (zum Publikum hin) lernen. Theaterschauspieler müssen das Blocking lernen, d. h. wo und wie sich ein Schauspieler während eines Stücks auf der Bühne bewegt. In den meisten Drehbüchern ist ein gewisses Blocking vorgeschrieben. Der Regisseur gibt auch Anweisungen zum Blockieren, z. B. zum Überqueren der Bühne oder zum Aufnehmen und Verwenden von Requisiten. ⓘ
Einige Theaterschauspieler müssen Bühnenkampf lernen, d. h. simulierte Kämpfe auf der Bühne. Die Schauspieler müssen unter Umständen einen Nahkampf oder einen Schwertkampf simulieren. Die Schauspieler werden von Kampfregisseuren gecoacht, die ihnen helfen, die choreografierte Abfolge von Kampfhandlungen zu lernen. ⓘ
Im Film
Stummfilme
Von 1894 bis in die späten 1920er Jahre waren Filme Stummfilme. Stummfilmschauspieler legten großen Wert auf Körpersprache und Mimik, damit die Zuschauer besser verstehen konnten, was ein Schauspieler auf der Leinwand fühlte und darstellte. Viele Stummfilmdarsteller wirken auf das heutige Publikum eher simpel oder kitschig. Der melodramatische Schauspielstil war in einigen Fällen eine Angewohnheit, die die Schauspieler von ihrer früheren Bühnenerfahrung übernommen hatten. Das Vaudeville-Theater war ein besonders beliebter Ursprung für viele amerikanische Stummfilmschauspieler. Die allgegenwärtige Präsenz von Bühnenschauspielern im Film war der Grund für diesen Ausbruch des Regisseurs Marshall Neilan im Jahr 1917: "Je eher die Bühnenleute, die ins Kino gekommen sind, wieder verschwinden, desto besser für die Filme." In anderen Fällen verlangten Regisseure wie John Griffith Wray von ihren Schauspielern, dass sie zur Betonung überlebensgroße Ausdrücke von sich gaben. Bereits 1914 hatten die amerikanischen Zuschauer damit begonnen, ihre Vorliebe für eine größere Natürlichkeit auf der Leinwand kundzutun. ⓘ
Pionierregisseure in Europa und den Vereinigten Staaten erkannten in den frühen 1910er Jahren die unterschiedlichen Grenzen und Freiheiten der Medien Bühne und Leinwand. Mitte der 1910er Jahre wurde der Stummfilm weniger vaudevillisch, da die Unterschiede zwischen Bühne und Leinwand deutlich wurden. Dank der Arbeit von Regisseuren wie D. W. Griffith wurde die Kinematografie weniger bühnenhaft, und die damals revolutionäre Nahaufnahme ermöglichte ein subtiles und naturalistisches Schauspiel. In Amerika wurde D.W. Griffiths Firma Biograph Studios für ihre innovativen Regie- und Schauspieltechniken bekannt, die eher für das Kino als für die Bühne geeignet waren. Griffith erkannte, dass Theaterschauspiel auf dem Film nicht gut aussieht, und verlangte von seinen Schauspielern und Schauspielerinnen ein wochenlanges Schauspieltraining für den Film. ⓘ
Lillian Gish wurde für ihre Arbeit in dieser Zeit als die "erste echte Schauspielerin" des Films bezeichnet, da sie als Pionierin neue Techniken für die Filmdarstellung entwickelte und die entscheidenden Unterschiede zwischen Bühnen- und Leinwandschauspiel erkannte. Regisseure wie Albert Capellani und Maurice Tourneur begannen, in ihren Filmen auf Naturalismus zu bestehen. Mitte der 1920er Jahre hatten viele amerikanische Stummfilme einen naturalistischeren Schauspielstil angenommen, wenn auch nicht alle Schauspieler und Regisseure das naturalistische, zurückhaltende Schauspiel von Anfang an akzeptierten; noch 1927 wurden Filme mit expressionistischem Schauspielstil wie Metropolis veröffentlicht. ⓘ
Laut Anton Kaes, einem Stummfilmwissenschaftler von der University of Wisconsin, setzte im amerikanischen Stummfilmkino zwischen 1913 und 1921 ein Wandel der Schauspieltechniken ein, der von den Techniken des deutschen Stummfilms beeinflusst wurde. Dies wird vor allem auf den Zustrom von Emigranten aus der Weimarer Republik zurückgeführt, darunter Filmregisseure, Produzenten, Kameraleute, Beleuchter und Bühnentechniker sowie Schauspieler und Schauspielerinnen". ⓘ
Das Aufkommen des Tons im Film
Filmschauspieler müssen lernen, sich daran zu gewöhnen, dass eine Kamera vor ihnen steht, und sich damit wohlfühlen. Filmschauspieler müssen lernen, ihren "Platz" zu finden und zu halten. Dies ist eine mit Klebeband markierte Position auf dem Boden. Von dieser Position aus werden Licht und Kamerafokus optimiert. Filmschauspieler müssen auch lernen, sich gut vorzubereiten und bei Probeaufnahmen gut abzuschneiden. Probeaufnahmen sind ein gefilmtes Vorsprechen eines Teils des Drehbuchs. ⓘ
Im Gegensatz zu Theaterschauspielern, die ihre Charaktere für wiederholte Auftritte entwickeln, fehlt es den Filmschauspielern an Kontinuität, was sie dazu zwingt, zu allen Szenen (die manchmal in umgekehrter Reihenfolge gedreht werden) mit einem bereits vollständig entwickelten Charakter zu kommen. ⓘ
"Da der Film auch die kleinste Geste einfängt und vergrößert..., verlangt das Kino vom Schauspieler eine weniger extravagante und stilisierte körperliche Darstellung als das Theater. "Die Darstellung von Emotionen ist der am schwierigsten zu meisternde Aspekt der Filmschauspielerei: ... der Filmschauspieler muss sich auf subtile Gesichtsausdrücke, Zittern und winziges Heben der Augenbraue verlassen, um einen glaubwürdigen Charakter zu schaffen." Einige Theaterstars "...haben den Übergang vom Theater zum Kino recht erfolgreich vollzogen (Laurence Olivier, Glenn Close und Julie Andrews zum Beispiel), andere nicht...". ⓘ
Im Fernsehen
"Bei einer Fernsehsendung sind in der Regel mehrere Kameras auf den Drehort gerichtet. Schauspieler, für die das Schauspielen auf dem Bildschirm neu ist, können verwirrt sein, in welche Kamera sie schauen sollen." Fernsehschauspieler müssen lernen, Lavaliere-Mikrofone zu benutzen. TV-Schauspieler müssen das Konzept des "Rahmens" verstehen. Der Begriff "Frame" bezieht sich auf den Bereich, der von der Kameralinse erfasst wird. In der Schauspielbranche gibt es vier Arten von Fernsehrollen, die man in einer Sendung übernehmen kann. Jede Art von Rolle unterscheidet sich in Bezug auf ihre Bedeutung, die Häufigkeit der Auftritte und die Bezahlung. Die erste Art von Rolle ist die eines Seriendarstellers - die Hauptdarsteller der Serie als Teil der festen Besetzung. Schauspieler in wiederkehrenden Rollen stehen unter Vertrag, um in mehreren Episoden einer Serie aufzutreten. Eine Co-Star-Rolle ist eine kleine Sprechrolle, die in der Regel nur in einer Folge auftritt. Eine Gastrolle ist eine größere Rolle als eine Co-Star-Rolle, und die Figur steht oft im Mittelpunkt der Folge oder ist ein wesentlicher Bestandteil der Handlung. ⓘ
Im Radio
Das Hörspiel ist eine dramatisierte, rein akustische Aufführung, die im Radio gesendet oder auf Tonträgern wie Kassetten oder CDs veröffentlicht wird. Da das Hörspiel keine visuelle Komponente hat, ist es auf Dialoge, Musik und Soundeffekte angewiesen, um dem Hörer zu helfen, sich die Figuren und die Geschichte vorzustellen: "In der physischen Dimension ist das Hörspiel auditiv, aber in der psychologischen Dimension ist es ebenso stark wie eine visuelle Kraft". ⓘ
Das Hörspiel erlangte innerhalb eines Jahrzehnts nach seiner Entwicklung in den 1920er Jahren große Popularität. In den 1940er Jahren war es eine der führenden internationalen Unterhaltungsformen. Mit dem Aufkommen des Fernsehens in den 1950er Jahren verlor das Hörspiel jedoch einen Teil seiner Popularität und hat in einigen Ländern nie wieder große Zuschauerzahlen erreicht. Aufnahmen von OTR (Old-Time-Radio) überleben jedoch heute in den Audioarchiven von Sammlern und Museen sowie auf verschiedenen Online-Seiten wie dem Internet Archive. ⓘ
Seit 2011 ist das Hörspiel im terrestrischen Radio der Vereinigten Staaten kaum noch präsent. Ein Großteil des amerikanischen Hörspiels beschränkt sich auf Wiederholungen oder Podcasts von Sendungen aus früheren Jahrzehnten. In anderen Ländern gibt es jedoch nach wie vor blühende Hörspieltraditionen. Im Vereinigten Königreich zum Beispiel produziert und sendet die BBC jedes Jahr Hunderte von neuen Hörspielen auf Radio 3, Radio 4 und Radio 4 Extra. Das Podcasting hat neben der Verbreitung alter Sendungen auch die Möglichkeit geboten, neue Hörspiele zu produzieren. ⓘ
Die Begriffe "Hörspiel" oder "Hörtheater" werden manchmal synonym mit "Hörspiel" verwendet, mit einem möglichen Unterschied: Hörspiele oder Hörtheater müssen nicht unbedingt speziell für die Ausstrahlung im Radio bestimmt sein. Hörspiele, ob neu produziert oder als OTR-Klassiker, sind auf CDs, Kassetten, Podcasts, Webcasts und im herkömmlichen Rundfunk zu finden. ⓘ
Dank der Fortschritte bei der digitalen Aufzeichnung und der Verbreitung über das Internet erlebt das Hörspiel derzeit ein Revival. ⓘ
Definition
Der Dramatiker und Kritiker Eric Bentley definierte Schauspiel als: A verkörpert B, während C zuschaut. Bentleys Definition macht deutlich, dass die Darstellung durch den Schauspieler viel mit der Vorstellungskraft des Zuschauers zu tun hat. Erst in der Wahrnehmung des Zuschauers kann ein Bild der dargestellten Person entstehen. ⓘ
Gleichzeitig abstrahiert Bentleys Definition von allen historischen oder kulturellen Besonderheiten, die spezifische Formen der Schauspielerei, künstlerische Konventionen des Theaters bzw. Films usw. kennzeichnen. Demnach ist es für einen Schauspieler keineswegs zwingend, dass er seiner Tätigkeit regelmäßig oder professionell nachgeht, dass er die Darstellung einübt oder generell das Darstellen systematisch erlernt, dass er sich nach einer vorher festgelegten Anweisung richtet (er kann auch improvisieren oder extemporieren) oder das Schauspielen nur an dafür speziell eingerichteten Orten (auf einer Bühne oder in einem Studio) ausübt. ⓘ