Musical
Musiktheater ist eine Form der Theateraufführung, die Lieder, gesprochene Dialoge, Schauspiel und Tanz miteinander verbindet. Die Geschichte und der emotionale Inhalt eines Musicals - Humor, Pathos, Liebe, Wut - werden durch Worte, Musik, Bewegung und technische Aspekte der Unterhaltung als ein integriertes Ganzes vermittelt. Obwohl sich das Musiktheater mit anderen Theaterformen wie der Oper und dem Tanz überschneidet, zeichnet es sich dadurch aus, dass der Musik die gleiche Bedeutung beigemessen wird wie dem Dialog, der Bewegung und anderen Elementen. Seit dem frühen 20. Jahrhundert werden Musiktheaterstücke im Allgemeinen einfach als Musicals bezeichnet. ⓘ
Obwohl die Musik schon seit der Antike Teil der dramatischen Darbietungen ist, entstand das moderne westliche Musiktheater im 19. Jahrhundert, wobei viele strukturelle Elemente durch die Werke von Gilbert und Sullivan in Großbritannien und die von Harrigan und Hart in Amerika festgelegt wurden. Es folgten die zahlreichen Edwardianischen Musikkomödien und die Musiktheaterwerke amerikanischer Schöpfer wie George M. Cohan an der Wende zum 20. Die Musicals des Princess Theatre (1915-1918) waren ein künstlerischer Fortschritt gegenüber den Revuen und anderen schaumigen Unterhaltungen des frühen 20. Jahrhunderts und führten zu so bahnbrechenden Werken wie Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) und Oklahoma! (1943). Zu den berühmtesten Musicals der folgenden Jahrzehnte gehören My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) und Hamilton (2015). In den Jahren 2020-2021 wurden viele Musiktheaterproduktionen wegen der COVID-19-Pandemie eingestellt. ⓘ
Musicals werden überall auf der Welt aufgeführt. Sie können in großen Theatern aufgeführt werden, z. B. in großen Broadway- oder West-End-Produktionen in New York City oder London. Alternativ können Musicals auch in kleineren Theatern aufgeführt werden, wie z. B. in Randtheatern, Off-Broadway-, Off-Off-Broadway-, Regionaltheater- oder Gemeinschaftstheaterproduktionen oder auf Tournee. Musicals werden häufig von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Aufführungsorten aufgeführt. Neben den Vereinigten Staaten und Großbritannien gibt es lebendige Musiktheaterszenen in Kontinentaleuropa, Asien, Australasien, Kanada und Lateinamerika. ⓘ
Thematisch wird eine breite Fülle von tragischen als auch humorvollen Stoffen behandelt, die zu unterschiedlichsten Zeiten und an unterschiedlichsten Orten spielen. Auch für gesellschaftlich oder politisch sensible Themen hat sich das Musical stets offen gezeigt. Viele Musicals basieren dabei auf literarischen Vorlagen verschiedener Gattungen und Epochen und in neuerer Zeit gelegentlich auch auf Filmen unterschiedlicher Genres. ⓘ
Auch musikalisch ist ein breites Spektrum stilistischer Einflüsse erkennbar: von Popmusik, Tanz- und Unterhaltungsmusik bis zu Jazz, Swing, Soul und Rock ’n’ Roll, um nur einige zu nennen. Gattungsgeschichtlich haben Elemente des Dramas, der Komödie, der Revue, der Operette, des Balletts, des Varietés und der Oper Einfluss auf die Entwicklung des Musicals genommen. Das Musical ist ein Gesamtkunstwerk und ist sowohl eine literarische als auch eine musiktheatralische Gattung. ⓘ
Definitionen und Umfang
Buchmusicals
Seit dem 20. Jahrhundert wird das "Buchmusical" als ein Musiktheaterstück definiert, bei dem Lieder und Tänze vollständig in eine gut gemachte Geschichte mit ernsthaften dramatischen Zielen integriert sind und das in der Lage ist, echte Emotionen außer Lachen hervorzurufen. Die drei Hauptbestandteile eines Buchmusicals sind die Musik, der Text und das Buch. Das Buch oder Skript eines Musicals bezieht sich auf die Geschichte, die Entwicklung der Charaktere und die dramatische Struktur, einschließlich des gesprochenen Dialogs und der Regieanweisungen, es kann sich aber auch auf den Dialog und den Text zusammen beziehen, die manchmal als Libretto (italienisch für "kleines Buch") bezeichnet werden. Die Musik und der Text bilden zusammen die Partitur eines Musicals und umfassen Lieder, Begleitmusik und musikalische Szenen, d. h. "vertonte theatralische Sequenzen, die oft Gesang mit gesprochenen Dialogen kombinieren". Die Interpretation eines Musicals liegt in der Verantwortung des kreativen Teams, zu dem ein Regisseur, ein musikalischer Leiter, in der Regel ein Choreograf und manchmal ein Orchestrator gehören. Die Inszenierung eines Musicals wird auch durch technische Aspekte wie Bühnenbild, Kostüme, Requisiten, Licht und Ton kreativ geprägt. Das kreative Team, die Entwürfe und die Interpretationen ändern sich in der Regel von der ursprünglichen Produktion zu den nachfolgenden Produktionen. Einige Elemente der Inszenierung können jedoch von der ursprünglichen Produktion übernommen werden, z. B. die Choreografie von Bob Fosse in Chicago. ⓘ
Es gibt keine feste Länge für ein Musical. Es kann zwar von einem kurzen Einakter bis zu mehreren Akten und mehreren Stunden Länge (oder sogar einer Aufführung an mehreren Abenden) reichen, aber die meisten Musicals dauern zwischen eineinhalb und drei Stunden. Musicals werden in der Regel in zwei Akten mit einer kurzen Pause aufgeführt, wobei der erste Akt häufig länger ist als der zweite. Im ersten Akt werden in der Regel fast alle Figuren und der größte Teil der Musik vorgestellt, und er endet oft mit der Einführung eines dramatischen Konflikts oder einer Komplikation der Handlung, während im zweiten Akt vielleicht ein paar neue Lieder eingeführt werden, aber in der Regel wichtige musikalische Themen wiederholt werden und der Konflikt oder die Komplikation gelöst wird. Ein Buchmusical ist in der Regel auf vier bis sechs Hauptthemen aufgebaut, die später in der Show wiederholt werden, obwohl es manchmal aus einer Reihe von Liedern besteht, die nicht direkt musikalisch zusammenhängen. Gesprochene Dialoge werden im Allgemeinen zwischen den Musiknummern eingestreut, obwohl auch "gesungene Dialoge" oder Rezitative verwendet werden können, insbesondere in so genannten "durchgesungenen" Musicals wie Jesus Christ Superstar, Falsettos, Les Misérables, Evita und Hamilton. Mehrere kürzere Musicals am Broadway und im West End des 21. Jahrhunderts wurden in einem einzigen Akt aufgeführt. ⓘ
Die dramatischsten Momente in einem Buchmusical werden oft mit Gesang vorgetragen. Sprichwörtlich heißt es: "Wenn das Gefühl zu stark für die Sprache wird, singt man; wenn es zu stark für den Gesang wird, tanzt man". In einem Buchmusical wird ein Lied idealerweise so gestaltet, dass es zu der Figur (oder den Figuren) und ihrer Situation innerhalb der Geschichte passt; allerdings gab es in der Geschichte des Musicals (z. B. von den 1890er bis zu den 1920er Jahren) Zeiten, in denen diese Integration zwischen Musik und Geschichte nur schwach ausgeprägt war. Der Kritiker der New York Times, Ben Brantley, beschrieb das Ideal des Gesangs im Theater, als er die Wiederaufnahme von Gypsy im Jahr 2008 besprach: "Es gibt überhaupt keine Trennung zwischen dem Gesang und der Figur, was in jenen seltenen Momenten geschieht, in denen Musicals nach oben streben, um ihre idealen Daseinsberechtigungen zu erreichen." Normalerweise werden in einem fünfminütigen Lied viel weniger Worte gesungen als in einem fünfminütigen Dialogblock gesprochen. Daher bleibt in einem Musical weniger Zeit für die Entwicklung eines Dramas als in einem Theaterstück gleicher Länge, da in einem Musical in der Regel der Musik mehr Zeit gewidmet wird als dem Dialog. Innerhalb der komprimierten Natur eines Musicals müssen die Autoren die Charaktere und die Handlung entwickeln. ⓘ
Das in einem Musical dargebotene Material kann original sein, oder es kann aus Romanen (Wicked und Man of La Mancha), Theaterstücken (Hello, Dolly! und Carousel), klassischen Legenden (Camelot), historischen Ereignissen (Evita) oder Filmen (The Producers und Billy Elliot) übernommen werden. Andererseits wurden viele erfolgreiche Musiktheaterwerke für Musicalfilme adaptiert, wie z. B. West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver! und Chicago. ⓘ
Vergleiche mit der Oper
Das Musiktheater ist eng mit der Theaterform der Oper verwandt, aber die beiden unterscheiden sich in der Regel durch die Abwägung einer Reihe von Faktoren. Erstens haben Musicals im Allgemeinen einen größeren Schwerpunkt auf gesprochenen Dialogen. Einige Musicals sind jedoch vollständig begleitet und durchgesungen, während einige Opern, wie Die Zauberflöte, und die meisten Operetten einen unbegleiteten Dialog enthalten. Zweitens enthalten Musicals in der Regel mehr Tanz als wesentlichen Teil der Handlung, insbesondere durch die Hauptdarsteller und den Chor. Drittens werden in Musicals häufig verschiedene Genres der Popmusik oder zumindest populäre Gesangs- und Musikstile verwendet. ⓘ
Schließlich vermeiden Musicals in der Regel bestimmte Opernkonventionen. Insbesondere wird ein Musical fast immer in der Sprache des Publikums aufgeführt. Musicals, die am Broadway oder im West End produziert werden, werden beispielsweise ausnahmslos auf Englisch gesungen, auch wenn sie ursprünglich in einer anderen Sprache geschrieben wurden. Während ein Opernsänger in erster Linie ein Sänger und erst in zweiter Linie ein Schauspieler ist (und nur selten tanzen muss), ist ein Musiktheaterdarsteller oft in erster Linie ein Schauspieler, muss aber auch Sänger und Tänzer sein. Jemand, der in allen drei Bereichen gleichermaßen gut ist, wird als "Triple Threat" bezeichnet. Komponisten, die Musik für Musicals komponieren, berücksichtigen oft die stimmlichen Anforderungen der Rollen mit Blick auf Musiktheaterdarsteller. In großen Theatern, die Musicals aufführen, werden heute in der Regel Mikrofone und Verstärker für die Gesangsstimmen der Darsteller eingesetzt, was in einem Opernkontext im Allgemeinen missbilligt würde. ⓘ
Einige Werke (z. B. von George Gershwin, Leonard Bernstein und Stephen Sondheim) wurden sowohl als "Musiktheater" als auch als "Opern" inszeniert. Ebenso wurden einige ältere Operetten oder leichte Opern (z. B. The Pirates of Penzance von Gilbert und Sullivan) in modernen Adaptionen aufgeführt, die sie als Musicals behandeln. Bei einigen Werken ist der Inszenierungsstil fast so wichtig wie der musikalische oder dramatische Inhalt, wenn es darum geht, welcher Kunstform das Stück zuzuordnen ist. Sondheim sagte: "Ich glaube wirklich, wenn etwas am Broadway gespielt wird, ist es ein Musical, und wenn es in einem Opernhaus gespielt wird, ist es eine Oper. Das war's. Es ist das Terrain, die Landschaft, die Erwartungen des Publikums, die es zu dem einen oder anderen machen." Es gibt nach wie vor eine Überschneidung zwischen leichteren Opernformen und musikalisch komplexeren oder anspruchsvolleren Musicals. In der Praxis ist es oft schwierig, zwischen den verschiedenen Arten des Musiktheaters zu unterscheiden, darunter "musikalisches Schauspiel", "musikalische Komödie", "Operette" und "leichte Oper". ⓘ
Wie in der Oper wird der Gesang im Musiktheater im Allgemeinen von einem Instrumentalensemble, dem so genannten Orchestergraben, begleitet, der sich in einem abgesenkten Bereich vor der Bühne befindet. Während in der Oper in der Regel ein herkömmliches Sinfonieorchester zum Einsatz kommt, werden Musicals in der Regel für Ensembles mit 27 Spielern bis hin zu einigen wenigen Spielern orchestriert. Bei Rockmusicals kommt in der Regel eine kleine Gruppe von Instrumenten zum Einsatz, die hauptsächlich aus dem Rockbereich stammen, und bei einigen Musicals sind nur ein Klavier oder zwei Instrumente erforderlich. Die Musik in Musicals verwendet eine Reihe von "Stilen und Einflüssen, einschließlich Operette, klassische Techniken, Volksmusik, Jazz [und] lokale oder historische Stile [die] dem Umfeld angemessen sind". Musicals können mit einer vom Orchester gespielten Ouvertüre beginnen, die "Auszüge der berühmten Melodien der Partitur zusammenwebt". ⓘ
Östliche Traditionen und andere Formen
Es gibt verschiedene östliche Theatertraditionen, die Musik beinhalten, wie die chinesische Oper, die taiwanesische Oper, das japanische Noh-Theater und das indische Musiktheater, einschließlich des Sanskrit-Dramas, des klassischen indischen Tanzes, des Parsi-Theaters und des Yakshagana. Indien hat seit dem 20. Jahrhundert zahlreiche Musical-Filme produziert, die als "Bollywood"-Musicals bezeichnet werden, und in Japan hat sich in den letzten Jahrzehnten eine Reihe von 2,5D-Musicals entwickelt, die auf beliebten Anime- und Manga-Comics basieren. ⓘ
Von vielen Musicals gibt es kürzere oder vereinfachte "Junior"-Versionen für Schulen und Jugendgruppen, und sehr kurze Werke, die für die Aufführung durch Kinder geschaffen oder angepasst wurden, werden manchmal als Minimusicals bezeichnet. ⓘ
Geschichte
Ende der 1960er Jahre gingen neue Ideen und Klänge, beeinflusst durch Woodstock, Underground-Musik, 68er-Bewegung und gesellschaftliche Umwälzungen, auch an den Musicals nicht vorbei. Zu dieser Entwicklung gehörte das Musical Hair von 1967, das sich intensiv mit den Problemen Jugendlicher und deren aktueller Lage, wie dem kritisch betrachteten Vietnamkrieg, beschäftigt. Durch eingebaute Mitspielszenen wurde die Barriere zwischen Darstellern und dem Publikum gebrochen. Auch der musikalische Stil und die Instrumentation passten sich den neuen Anforderungen an. Aktuelle Rockmusik verdrängte die sinfonischen Merkmale und die Jazzelemente in der Musik. Das Orchester wurde durch elektroakustische Instrumente wie die E-Gitarre ergänzt oder ersetzt. ⓘ
Hair (1968) oder Oh! Calcutta! (1969) ersetzten den Handlungsrahmen durch ein provokatives inhaltliches Konzept, das sich wieder mehr der Revue annäherte. Eine neue Art der Satire wie in Richard O’Briens The Rocky Horror Show (1973) wandte sich gegen die mittlerweile als brav empfundene Komik der Musical Comedy. Dessen Verfilmung The Rocky Horror Picture Show aus dem Jahr 1975 wurde ein weltweiter Kultfilm. ⓘ
Frühe Ursprünge
Die Anfänge des Musiktheaters in Europa lassen sich bis zum Theater des antiken Griechenlands zurückverfolgen, wo Musik und Tanz im 5. Jahrhundert v. Chr. Musik und Tanz in Komödien und Tragödien eingesetzt wurden. Die Musik dieser antiken Formen ist jedoch verloren gegangen, und sie hatte wenig Einfluss auf die spätere Entwicklung des Musiktheaters. Im 12. und 13. Jahrhundert unterrichteten religiöse Dramen die Liturgie. Gruppen von Schauspielern benutzten Festwagen (Bühnen auf Rädern) im Freien, um jeden Teil der Geschichte zu erzählen. Poetische Formen wechselten sich manchmal mit Prosadialogen ab, und liturgische Gesänge machten neuen Melodien Platz. ⓘ
In der europäischen Renaissance entwickelten sich ältere Formen zu zwei Vorläufern des Musiktheaters: die commedia dell'arte, in der lärmende Clowns bekannte Geschichten improvisierten, und später die opera buffa. In England enthielten elisabethanische und jakobinische Theaterstücke häufig Musik, und kurze musikalische Stücke wurden allmählich in die abendlichen dramatischen Unterhaltungen integriert. In der Tudorzeit entwickelten sich Hofmasken mit Musik, Tanz, Gesang und Schauspiel, oft mit aufwendigen Kostümen und einem komplexen Bühnenbild. Diese entwickelten sich zu gesungenen Stücken, die als englische Opern erkennbar sind, wobei als erstes die Belagerung von Rhodos (1656) genannt wird. In Frankreich verwandelte Molière im späten 17. Jahrhundert mehrere seiner possenhaften Komödien in musikalische Unterhaltungsstücke mit Gesang (Musik von Jean-Baptiste Lully) und Tanz. Diese beeinflussten eine kurze Periode englischer Opern von Komponisten wie John Blow und Henry Purcell. ⓘ
Ab dem 18. Jahrhundert waren die populärsten Formen des Musiktheaters in Großbritannien Balladenopern wie John Gays The Beggar's Opera, die Texte zu den Melodien populärer Lieder der Zeit enthielten (und oft die Oper parodierten), und später die Pantomime, die sich aus der Commedia dell'arte entwickelte, und die komische Oper mit meist romantischen Handlungssträngen, wie Michael Balfe's The Bohemian Girl (1845). Auf dem Kontinent entstanden unterdessen Singspiel, Comédie en Vaudeville, Opéra comique, Zarzuela und andere Formen der leichten musikalischen Unterhaltung. Die Beggar's Opera war das erste aufgezeichnete Theaterstück, das 1728 in 62 aufeinanderfolgenden Vorstellungen aufgeführt wurde. Danach sollte es fast ein Jahrhundert dauern, bis ein Stück die Marke von 100 Aufführungen überschritt, aber in den späten 1820er Jahren wurde der Rekord bei 150 Aufführungen aufgestellt. Im 19. Jahrhundert entwickelten sich in England weitere Musiktheaterformen wie Music Hall, Melodrama und Burletta, die zum Teil deshalb so populär wurden, weil die meisten Londoner Theater nur als Music Hall zugelassen waren und keine Stücke ohne Musik aufführen durften. ⓘ
Im kolonialen Amerika gab es bis 1752 keine nennenswerte Theaterpräsenz, als der Londoner Unternehmer William Hallam eine Schauspieltruppe unter der Leitung seines Bruders Lewis in die Kolonien schickte. In New York führten sie im Sommer 1753 Balladenopern, wie The Beggar's Opera, und Balladenfarcen auf. In den 1840er Jahren betrieb P. T. Barnum einen Unterhaltungskomplex in Lower Manhattan. Andere frühe Musiktheater in Amerika bestanden aus britischen Formen wie Burletta und Pantomime, aber wie ein Stück genannt wurde, definierte nicht unbedingt, was es war. Die Broadway-Extravaganz The Magic Deer von 1852 warb für sich selbst als "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment". Ab etwa 1850 verlagerte sich das New Yorker Theater allmählich von Downtown nach Midtown und erreichte erst in den 1920er und 1930er Jahren das Gebiet um den Times Square. Die Aufführungen in New York blieben weit hinter denen in London zurück, aber Laura Keenes "Musical Burletta" Seven Sisters (1860) brach mit 253 Aufführungen den bisherigen New Yorker Musiktheaterrekord. ⓘ
1850er bis 1880er Jahre
Um 1850 experimentierte der französische Komponist Hervé mit einer Form des komischen Musiktheaters, die er Opérette nannte. Die bekanntesten Komponisten der Operette waren Jacques Offenbach von den 1850er bis zu den 1870er Jahren und Johann Strauss II in den 1870er und 1880er Jahren. Offenbachs fruchtbare Melodien, kombiniert mit der geistreichen Satire seiner Librettisten, bildeten ein Modell für das nachfolgende Musiktheater. Adaptionen der französischen Operetten (meist in schlechten, gewagten Übersetzungen), musikalische Burlesken, Music Hall, Pantomime und Burletta beherrschten die Londoner Musicalbühne bis in die 1870er Jahre. ⓘ
In Amerika gehörten zu den Musiktheaterunterhaltungen der Mitte des 19. Jahrhunderts die plumpe Varieté-Revue, aus der sich schließlich das Vaudeville entwickelte, die Minstrel-Shows, die schon bald den Atlantik nach Großbritannien überquerten, und die viktorianische Burleske, die in den USA zuerst von britischen Truppen popularisiert wurde. Ein äußerst erfolgreiches Musical, das 1866 in New York uraufgeführt wurde, The Black Crook, war ein originelles Musiktheaterstück, das viele der modernen Definitionen eines Musicals erfüllte, einschließlich Tanz und origineller Musik, die zur Erzählung der Geschichte beitrug. Die spektakuläre Inszenierung, die für ihre knappen Kostüme berühmt war, erreichte eine rekordverdächtige Anzahl von 474 Aufführungen. Im selben Jahr war The Black Domino/Between You, Me and the Post die erste Show, die sich als "Musical Comedy" bezeichnete. Die Komödianten Edward Harrigan und Tony Hart produzierten zwischen 1878 (The Mulligan Guard Picnic) und 1885 Musicals am Broadway und übernahmen die Hauptrollen. Diese musikalischen Komödien, deren Figuren und Situationen aus dem Alltag der New Yorker Unterschicht stammten, stellten einen bedeutenden Schritt hin zu einer legitimeren Theaterform dar. In den Hauptrollen waren hochkarätige Sängerinnen (Lillian Russell, Vivienne Segal und Fay Templeton) zu sehen und nicht die Damen von zweifelhaftem Ruf, die in früheren Musicals die Hauptrolle gespielt hatten. ⓘ
Als sich die Verkehrsmittel verbesserten, die Armut in London und New York zurückging und die Straßenbeleuchtung für mehr Sicherheit bei nächtlichen Fahrten sorgte, stieg die Zahl der Besucher in den immer zahlreicheren Theatern enorm an. Die Stücke wurden länger aufgeführt, was zu höheren Gewinnen und besseren Produktionswerten führte, und die Männer begannen, ihre Familien mit ins Theater zu bringen. Das erste Musiktheaterstück, das mehr als 500 aufeinanderfolgende Aufführungen erlebte, war die französische Operette The Chimes of Normandy im Jahr 1878. Die englische komische Oper übernahm viele der erfolgreichen Ideen der europäischen Operette, und keine war erfolgreicher als die Serie von mehr als einem Dutzend langlaufender komischer Opern von Gilbert und Sullivan, darunter H.M.S. Pinafore (1878) und The Mikado (1885). Diese waren auf beiden Seiten des Atlantiks und in Australien eine Sensation und trugen dazu bei, den Standard für eine erfolgreiche Show anzuheben. Diese Shows waren für ein Familienpublikum konzipiert, ein deutlicher Unterschied zu den gewagten Burlesken, unzüchtigen Music-Hall-Shows und französischen Operetten, die manchmal ein Publikum anzogen, das weniger gesunde Unterhaltung suchte. Nur wenige Musikstücke aus dem 19. Jahrhundert übertrafen die Laufzeit von Mikado, wie z. B. Dorothy, das 1886 uraufgeführt wurde und mit einer Laufzeit von 931 Vorstellungen einen neuen Rekord aufstellte. Gilbert und Sullivan hatten einen großen Einfluss auf das spätere Musiktheater, indem sie Beispiele dafür lieferten, wie Musicals so "integriert" werden konnten, dass die Texte und Dialoge eine kohärente Geschichte vorantrieben. Ihre Werke wurden von frühen Autoren und Komponisten von Musicals in Großbritannien und Amerika bewundert und kopiert. ⓘ
1890er Jahre bis ins neue Jahrhundert
A Trip to Chinatown (1891) war mit 657 Aufführungen der Dauerbrenner am Broadway (bis Irene 1919), aber die New Yorker Aufführungen waren im Vergleich zu den Londoner Aufführungen bis in die 1920er Jahre hinein mit wenigen Ausnahmen relativ kurz. Gilbert und Sullivan wurden in großem Umfang kopiert und auch in New York von Produktionen wie Reginald De Kovens Robin Hood (1891) und John Philip Sousas El Capitan (1896) nachgeahmt. A Trip to Coontown (1898) war die erste Musikkomödie, die vollständig von Afroamerikanern am Broadway produziert und aufgeführt wurde (weitgehend inspiriert von den Routinen der Minstrel-Shows), gefolgt von Ragtime-Tinged-Shows. In den 1890er Jahren und zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden am Broadway Hunderte von Musikkomödien aufgeführt, die aus Liedern bestanden, die in der New Yorker Tin Pan Alley geschrieben worden waren, darunter auch solche von George M. Cohan, der daran arbeitete, einen amerikanischen Stil zu schaffen, der sich von den Werken von Gilbert und Sullivan unterschied. Den erfolgreichsten New Yorker Shows folgten oft ausgedehnte nationale Tourneen. ⓘ
In der Zwischenzeit eroberten Musicals die Londoner Bühnen, angeführt von dem Produzenten George Edwardes, der erkannte, dass das Publikum eine neue Alternative zu den komischen Opern im Savoy-Stil und ihrer intellektuellen, politischen und absurden Satire wollte. Er experimentierte mit einem modern gekleideten, familienfreundlichen Musiktheaterstil, mit luftigen, populären Liedern, flottem, romantischem Geplänkel und stilvollem Spektakel im Gaiety und seinen anderen Theatern. Er knüpfte an die Traditionen der komischen Oper an und verwendete Elemente der Burleske und der Stücke von Harrigan und Hart. Er ersetzte die unzüchtigen Frauen der Burleske durch sein "respektables" Korps von Gaiety Girls, um den musikalischen und visuellen Spaß zu vervollständigen. Der Erfolg des ersten dieser Stücke, In Town (1892) und A Gaiety Girl (1893), gab den Stil für die nächsten drei Jahrzehnte vor. Im Allgemeinen handelte es sich um leichte, romantische Shows, in denen sich ein armes Mädchen in einen Aristokraten verliebt und ihn gegen alle Widerstände gewinnt, mit Musik von Ivan Caryll, Sidney Jones und Lionel Monckton. Diese Shows wurden in Amerika sofort in großem Umfang kopiert, und die Edwardian Musical Comedy verdrängte die früheren musikalischen Formen der komischen Oper und der Operette. The Geisha (1896) war eines der erfolgreichsten Stücke der 1890er Jahre, das mehr als zwei Jahre lang lief und einen großen internationalen Erfolg erzielte. ⓘ
The Belle of New York (1898) war das erste amerikanische Musical, das über ein Jahr lang in London aufgeführt wurde. Die britische Musical-Komödie Florodora (1899) war auf beiden Seiten des Atlantiks ein großer Erfolg, ebenso wie A Chinese Honeymoon (1901), das in London rekordverdächtige 1.074 und in New York 376 Vorstellungen erlebte. Nach der Wende zum 20. Jahrhundert tat sich Seymour Hicks mit Edwardes und dem amerikanischen Produzenten Charles Frohman zusammen, um ein weiteres Jahrzehnt beliebter Shows zu schaffen. Weitere Dauerbrenner der Edwardes'schen Musikkomödie waren The Arcadians (1909) und The Quaker Girl (1910). ⓘ
Anfang des 20. Jahrhunderts
Durch die Konkurrenz der allgegenwärtigen Edwardian Musical Comedies praktisch von der englischsprachigen Bühne verdrängt, kehrte die Operette 1907 mit The Merry Widow auf die Londoner und die Broadway-Bühne zurück, und Bearbeitungen kontinentaler Operetten wurden zu direkten Konkurrenten des Musicals. Franz Lehár und Oscar Straus komponierten neue Operetten, die im englischen Sprachraum bis zum Ersten Weltkrieg populär waren. In Amerika schuf Victor Herbert eine Reihe von Operetten, die bis heute Bestand haben, darunter The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) und Naughty Marietta (1910). ⓘ
In den 1910er Jahren schuf das Team von P. G. Wodehouse, Guy Bolton und Jerome Kern in den Fußstapfen von Gilbert und Sullivan die "Princess Theatre Shows" und ebnete den Weg für Kerns spätere Arbeit, indem es zeigte, dass ein Musical leichte, populäre Unterhaltung mit Kontinuität zwischen der Geschichte und den Liedern verbinden konnte. Der Historiker Gerald Bordman schrieb:
Diese Shows bauten und polierten die Form, aus der sich fast alle späteren großen Musical-Komödien entwickelten. ... Die Charaktere und Situationen waren innerhalb der Grenzen der musikalischen Komödienlizenz glaubwürdig, und der Humor kam aus den Situationen oder der Natur der Charaktere. Kerns exquisit fließende Melodien wurden eingesetzt, um die Handlung voranzutreiben oder die Charaktere zu entwickeln. ... Die [edwardianische] musikalische Komödie war oft schuldig, Lieder in einer Hit-or-Miss-Manier einzufügen. Die Musicals des Princess Theatre brachten eine Änderung des Ansatzes. P. G. Wodehouse, der aufmerksamste, belesenste und witzigste Texter seiner Zeit, und das Team von Bolton, Wodehouse und Kern hatten einen Einfluss, der bis heute spürbar ist. ⓘ
In den dunklen Zeiten des Ersten Weltkriegs brauchte das Theaterpublikum Ablenkung, und es strömte in Scharen ins Theater. Das Erfolgsmusical Irene aus dem Jahr 1919 wurde 670 Mal aufgeführt - ein Broadway-Rekord, der bis 1938 Bestand hatte. Das britische Theaterpublikum unterstützte weitaus längere Aufführungen wie die von The Maid of the Mountains (1.352 Aufführungen) und insbesondere Chu Chin Chow. Mit 2.238 Aufführungen war die Laufzeit mehr als doppelt so lang wie bei jedem anderen Musical zuvor und stellte einen Rekord auf, der fast vierzig Jahre lang Bestand hatte. Revuen wie The Bing Boys Are Here in Großbritannien und die von Florenz Ziegfeld und seinen Nachahmern in Amerika waren ebenfalls außerordentlich beliebt. ⓘ
Die Musicals der Roaring Twenties, die Anleihen beim Vaudeville, der Music Hall und anderen Unterhaltungsformaten machten, legten den Schwerpunkt auf große Tanzeinlagen und populäre Lieder, was auf Kosten der Handlung ging. Typisch für das Jahrzehnt waren heitere Produktionen wie Sally; Lady, Be Good; No, No, Nanette; Oh, Kay! und Funny Face. Trotz der vergesslichen Geschichten traten in diesen Musicals Stars wie Marilyn Miller und Fred Astaire auf, und es entstanden Dutzende von populären Liedern von Kern, George und Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter und Rodgers and Hart, die bis heute Bestand haben. Die populäre Musik wurde von Musiktheaterstandards wie "Fascinating Rhythm", "Tea for Two" und "Someone to Watch Over Me" dominiert. Viele Shows waren Revuen, Aneinanderreihungen von Sketchen und Liedern, die wenig oder gar nicht miteinander verbunden waren. Am bekanntesten waren die alljährlich stattfindenden Ziegfeld Follies, spektakuläre Gesangs- und Tanzrevuen am Broadway mit extravaganten Bühnenbildern, aufwendigen Kostümen und schönen Revuegirls. Diese Spektakel erhöhten auch die Produktionskosten, und die Aufführung eines Musicals wurde generell teurer. Shuffle Along (1921), eine rein afroamerikanische Show, war ein Hit am Broadway. In den 1920er Jahren entstand auch eine neue Generation von Operettenkomponisten wie Rudolf Friml und Sigmund Romberg, die eine Reihe beliebter Broadway-Hits schufen. ⓘ
In London wurden Autorenstars wie Ivor Novello und Noël Coward populär, aber die Vorrangstellung des britischen Musiktheaters vom 19. Jahrhundert bis 1920 wurde allmählich durch amerikanische Innovationen abgelöst, insbesondere nach dem Ersten Weltkrieg, als Kern und andere Tin Pan Alley-Komponisten begannen, neue Musikstile wie Ragtime und Jazz in die Theater zu bringen, und die Shubert Brothers die Kontrolle über die Broadway-Theater übernahmen. Der Musiktheaterautor Andrew Lamb stellt fest: "Die Opern- und Theaterstile der sozialen Strukturen des neunzehnten Jahrhunderts wurden durch einen Musikstil ersetzt, der besser zur Gesellschaft des zwanzigsten Jahrhunderts und ihrer Umgangssprache passte. Der direktere Stil kam aus Amerika, und in Amerika konnte er sich in einer sich entwickelnden Gesellschaft entfalten, die weniger an die Tradition des 19. Jahrhunderts gebunden war. In Frankreich wurde die Comédie musicale in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts für Stars wie Yvonne Printemps geschrieben. ⓘ
Show Boat und die Weltwirtschaftskrise
Das Broadway-Musical Show Boat (1927), das weit über die vergleichsweise frivolen Musicals und sentimentalen Operetten des Jahrzehnts hinausging, stellte eine noch vollständigere Integration von Buch und Partitur dar als die Musicals des Princess-Theaters, mit dramatischen Themen, die durch Musik, Dialoge, Kulissen und Bewegungen erzählt wurden. Erreicht wurde dies durch die Kombination der Lyrik von Kerns Musik mit dem geschickten Libretto von Oscar Hammerstein II. Ein Historiker schrieb: "Hier kommen wir zu einem völlig neuen Genre - dem musikalischen Theaterstück im Unterschied zur musikalischen Komödie. Jetzt ... war alles andere diesem Stück untergeordnet. Jetzt ... kam die vollständige Integration von Gesang, Humor und Produktionsnummern in eine einzige und unentwirrbare künstlerische Einheit." ⓘ
Als die Große Depression während der nationalen Tournee von Show Boat nach der Broadway-Premiere einsetzte, wandte sich das Publikum wieder der meist leichten, eskapistischen Lied- und Tanzunterhaltung zu. Das Publikum auf beiden Seiten des Atlantiks hatte wenig Geld für Unterhaltung, und nur wenige Bühnenshows erreichten in diesem Jahrzehnt mehr als 500 Aufführungen. In der Revue The Band Wagon (1931) traten Fred Astaire und seine Schwester Adele als Tanzpartner auf, während Porters Anything Goes (1934) Ethel Merman als First Lady des Musiktheaters etablierte, einen Titel, den sie viele Jahre lang beibehielt. Coward und Novello lieferten weiterhin altmodische, sentimentale Musicals wie The Dancing Years, während Rodgers und Hart aus Hollywood zurückkehrten und eine Reihe erfolgreicher Broadway-Shows schufen, darunter On Your Toes (1936, mit Ray Bolger, das erste Broadway-Musical, das klassischen Tanz dramatisch einsetzt), Babes in Arms (1937) und The Boys from Syracuse (1938). Porter fügte Du Barry Was a Lady (1939) hinzu. Das am längsten laufende Musiktheaterstück der 1930er Jahre war Hellzapoppin (1938), eine Revue mit Publikumsbeteiligung, die 1.404 Aufführungen lang gespielt wurde und damit einen neuen Broadway-Rekord aufstellte. ⓘ
Dennoch begannen einige Kreativteams, auf den Innovationen von Show Boat aufzubauen. Of Thee I Sing (1931), eine politische Satire von den Gershwins, war das erste Musical, das mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet wurde. As Thousands Cheer (1933), eine Revue von Irving Berlin und Moss Hart, in der jeder Song oder Sketch auf einer Zeitungsschlagzeile basierte, war die erste Broadway-Show, in der eine Afroamerikanerin, Ethel Waters, neben weißen Schauspielern auftrat. Zu Waters' Nummern gehörte "Supper Time", das Klagelied einer Frau über ihren gelynchten Ehemann. Porgy and Bess (1935) der Gershwins hatte eine rein afroamerikanische Besetzung und mischte Opern-, Folk- und Jazz-Idiome. The Cradle Will Rock (1937), unter der Regie von Orson Welles, war ein hochpolitisches, gewerkschaftsfreundliches Stück, das trotz der Kontroversen, die es auslöste, 108 Mal aufgeführt wurde. Rodgers und Harts I'd Rather Be Right (1937) war eine politische Satire mit George M. Cohan als Präsident Franklin D. Roosevelt, und Kurt Weills Knickerbocker Holiday schilderte die frühe Geschichte von New York City und persiflierte auf gutmütige Weise Roosevelts gute Absichten. ⓘ
Der Kinofilm stellte eine Herausforderung für die Bühne dar. Stummfilme hatten nur eine begrenzte Konkurrenz dargestellt, aber Ende der 1920er Jahre konnten Filme wie The Jazz Singer mit synchronisiertem Ton präsentiert werden. "Talkie"-Filme zu niedrigen Preisen verdrängten das Varieté bis Anfang der 1930er Jahre. Trotz der wirtschaftlichen Probleme in den 1930er Jahren und der Konkurrenz durch den Film überlebte das Musical. Tatsächlich entwickelte es sich thematisch weiter und ging über die Gags und Showgirls der "Gay Nineties" und der "Roaring Twenties" sowie die sentimentale Romantik der Operette hinaus, indem es sich mit technischem Fachwissen, rasanten Inszenierungen und naturalistischen Dialogen unter der Leitung von Regisseur George Abbott weiterentwickelte. ⓘ
Das Goldene Zeitalter (1940er bis 1960er Jahre)
1940s
Die 1940er Jahre begannen mit weiteren Hits von Porter, Irving Berlin, Rodgers und Hart, Weill und Gershwin, von denen einige mehr als 500 Aufführungen erlebten, als sich die Wirtschaft erholte, aber künstlerische Veränderungen lagen in der Luft. ⓘ
Oklahoma! (1943) von Rodgers und Hammerstein vollendete die mit Show Boat begonnene Revolution, indem es alle Aspekte des Musiktheaters eng miteinander verknüpfte, mit einer zusammenhängenden Handlung, mit Liedern, die die Handlung der Geschichte vorantrieben, und mit Traumballetten und anderen Tänzen, die die Handlung vorantrieben und die Charaktere entwickelten, anstatt den Tanz als Vorwand zu benutzen, um spärlich bekleidete Frauen über die Bühne zu führen. Rodgers und Hammerstein engagierten die Ballettchoreografin Agnes de Mille, die alltägliche Bewegungen verwendete, um den Figuren zu helfen, ihre Ideen auszudrücken. Das Stück setzte sich über die Konventionen des Musicals hinweg, indem sich der Vorhang des ersten Aktes nicht für eine Schar von Chormädchen hob, sondern für eine Frau, die Butter rührte, während eine Stimme aus dem Off die ersten Zeilen von Oh, What a Beautiful Mornin' ohne Begleitung sang. Das Stück erhielt begeisterte Kritiken, löste einen Kassensturz aus und wurde mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet. Brooks Atkinson schrieb in der New York Times, dass die Eröffnungsnummer der Show die Geschichte des Musiktheaters veränderte: "Nach einer Strophe wie dieser, gesungen zu einer beschwingten Melodie, wurden die Banalitäten der alten Musicalbühne unerträglich." Es war die erste "Blockbuster"-Show am Broadway, die insgesamt 2 212 Mal aufgeführt wurde, und wurde zu einem Filmhit. Es ist nach wie vor eines der am häufigsten produzierten Projekte des Teams. William A. Everett und Paul R. Laird schrieben, dass es sich um eine "Show handelte, die wie Show Boat zu einem Meilenstein wurde, so dass spätere Historiker, die über wichtige Momente des Theaters des zwanzigsten Jahrhunderts schrieben, begannen, Epochen nach ihrer Beziehung zu Oklahoma! zu identifizieren". ⓘ
"Nach Oklahoma! waren Rodgers und Hammerstein die wichtigsten Vertreter des Musiktheaters... Die Beispiele, die sie mit ihren lebendigen Stücken, die oft reich an sozialem Gedankengut sind, gaben anderen begabten Autoren die nötige Ermutigung, selbst Musikstücke zu schreiben". Die beiden Mitarbeiter schufen eine außergewöhnliche Sammlung einiger der beliebtesten und beständigsten Klassiker des Musiktheaters, darunter Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) und The Sound of Music (1959). Einige dieser Musicals behandeln ernstere Themen als die meisten früheren Shows: Der Bösewicht in Oklahoma! ist ein mutmaßlicher Mörder und Psychopath mit einer Vorliebe für anzügliche Postkarten; Carousel befasst sich mit Missbrauch in der Ehe, Diebstahl, Selbstmord und dem Leben nach dem Tod; South Pacific erforscht das Thema Rassenmischung noch gründlicher als Show Boat; und der Held von The King and I stirbt auf der Bühne. ⓘ
Die Kreativität der Show regte die Zeitgenossen von Rodgers und Hammerstein an und läutete das "Goldene Zeitalter" des amerikanischen Musiktheaters ein. Während des "Goldenen Zeitalters" wurde am Broadway Americana gezeigt, als der Zyklus der Kriegsshows anlief. Ein Beispiel dafür ist On the Town (1944), geschrieben von Betty Comden und Adolph Green, komponiert von Leonard Bernstein und choreografiert von Jerome Robbins. Die Geschichte spielt während des Krieges und handelt von drei Matrosen, die einen 24-stündigen Landurlaub in New York City verbringen und sich dabei ineinander verlieben. Die Show vermittelt auch den Eindruck eines Landes mit einer ungewissen Zukunft, wie sie auch die Matrosen und ihre Frauen haben. Irving Berlin nutzte die Karriere der Scharfschützin Annie Oakley als Grundlage für sein Annie Get Your Gun (1946, 1.147 Aufführungen); Burton Lane, E. Y. Harburg und Fred Saidy kombinierten politische Satire mit irischer Laune für ihre Fantasie Finian's Rainbow (1947, 725 Aufführungen); und Cole Porter ließ sich von William Shakespeares Der Widerspenstigen Zähmung für Kiss Me, Kate (1948, 1.077 Aufführungen) inspirieren. Die amerikanischen Musicals verdrängten die altmodischen britischen Coward/Novello-Shows, von denen Novellos Perchance to Dream (1945, 1.021 Aufführungen) einer der letzten großen Erfolge war. Die Formel für die Musicals des Goldenen Zeitalters spiegelte eine oder mehrere der vier weit verbreiteten Auffassungen vom "amerikanischen Traum" wider: Dass sich Stabilität und Wert aus einer Liebesbeziehung ergeben, die durch protestantische Eheideale sanktioniert und eingeschränkt wird; dass ein verheiratetes Paar ein moralisches Heim mit Kindern abseits der Stadt in einem Vorort oder einer Kleinstadt errichten sollte; dass die Funktion der Frau in der Rolle der Hausfrau und Mutter besteht; und dass Amerikaner einen unabhängigen und pionierhaften Geist in sich tragen oder dass ihr Erfolg selbstgemacht ist. ⓘ
1950s
Die 1950er Jahre waren entscheidend für die Entwicklung des amerikanischen Musicals. Damon Runyons eklektische Charaktere standen im Mittelpunkt von Frank Loessers und Abe Burrows' Guys and Dolls (1950, 1.200 Aufführungen); und der Goldrausch war der Schauplatz für Alan Jay Lerner und Frederick Loewes Paint Your Wagon (1951). Die relativ kurze Laufzeit dieser Show von sieben Monaten hielt Lerner und Loewe nicht davon ab, erneut zusammenzuarbeiten, diesmal bei My Fair Lady (1956), einer Adaption von George Bernard Shaws Pygmalion mit Rex Harrison und Julie Andrews in den Hauptrollen, die mit 2.717 Aufführungen viele Jahre lang den Langzeitrekord hielt. Alle diese Musicals wurden in Hollywood verfilmt. Zwei Hits britischer Regisseure in diesem Jahrzehnt waren The Boy Friend (1954), das in London 2 078 Vorstellungen erlebte und Andrews' Debüt in Amerika war, und Salad Days (1954) mit 2 283 Vorstellungen. ⓘ
Einen weiteren Rekord stellte die Dreigroschenoper auf, die mit 2 707 Aufführungen das am längsten laufende Off-Broadway-Musical bis zu den Fantasticks wurde. Die Produktion war auch bahnbrechend, da sie zeigte, dass Musicals in kleinem Rahmen und mit kleinem Orchester auch außerhalb des Broadway rentabel sein konnten. Dies wurde 1959 bestätigt, als eine Wiederaufnahme von Jerome Kerns und P. G. Wodehouses Leave It to Jane mehr als zwei Jahre lang lief. Die Off-Broadway-Saison 1959-1960 umfasste ein Dutzend Musicals und Revuen, darunter Little Mary Sunshine, The Fantasticks und Ernest in Love, eine Musical-Adaption von Oscar Wildes Hit The Importance of Being Earnest von 1895. ⓘ
West Side Story (1957) verlegte Romeo und Julia ins moderne New York City und verwandelte die verfeindeten Familien Montague und Capulet in verfeindete ethnische Banden, die Jets und die Sharks. Das Buch wurde von Arthur Laurents adaptiert, die Musik stammte von Leonard Bernstein und die Texte von dem Newcomer Stephen Sondheim. Das Stück wurde von den Kritikern gelobt, war aber bei den "blauhaarigen Matinee-Damen", die die Kleinstadt River City, Iowa, aus Meredith Willsons The Music Man (1957) den Gassen von Manhattans Upper West Side vorzogen, nicht sehr beliebt. Offensichtlich waren die Wähler der Tony Awards ähnlicher Meinung, denn sie zogen das erstere dem letzteren vor. West Side Story hatte eine respektable Laufzeit von 732 Vorstellungen (1 040 im West End), während The Music Man mit 1 375 Vorstellungen fast doppelt so lange lief. Die Verfilmung der West Side Story im Jahr 1961 war jedoch äußerst erfolgreich. Laurents und Sondheim taten sich für Gypsy (1959, 702 Aufführungen) erneut zusammen. Jule Styne lieferte die Musik für eine Backstage-Geschichte über die treibendste Bühnenmutter aller Zeiten, die Mutter Rose der Stripperin Gypsy Rose Lee. Die ursprüngliche Produktion lief 702 Mal und wurde vier Mal wiederaufgenommen, wobei Angela Lansbury, Tyne Daly, Bernadette Peters und Patti LuPone die Rolle übernahmen, die durch Ethel Merman berühmt wurde. ⓘ
Obwohl Regisseure und Choreographen den Stil des Musiktheaters mindestens seit dem 19. Jahrhundert maßgeblich beeinflusst haben, spielten George Abbott und seine Mitarbeiter und Nachfolger eine zentrale Rolle bei der vollständigen Integration von Bewegung und Tanz in Musiktheaterproduktionen im Goldenen Zeitalter. Abbott führte 1936 in On Your Toes das Ballett als Mittel zur Erzählung der Geschichte ein, woraufhin Agnes de Mille das Ballett und die Choreografie in Oklahoma! übernahm. Nachdem Abbott mit Jerome Robbins in On the Town und anderen Shows zusammengearbeitet hatte, kombinierte Robbins die Rollen des Regisseurs und des Choreografen und betonte die erzählerische Kraft des Tanzes in West Side Story, A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) und Fiddler on the Roof (1964). Bob Fosse choreographierte für Abbott in The Pajama Game (1956) und Damn Yankees (1957) und verlieh diesen Hits eine spielerische Sexualität. Später war er der Regisseur und Choreograf von Sweet Charity (1968), Pippin (1972) und Chicago (1975). Weitere namhafte Regisseure und Choreographen waren unter anderem Gower Champion, Tommy Tune, Michael Bennett, Gillian Lynne und Susan Stroman. Zu den prominenten Regisseuren gehörten Hal Prince, der ebenfalls bei Abbott anfing, und Trevor Nunn. ⓘ
Während des Goldenen Zeitalters begannen Autofirmen und andere große Unternehmen, Broadway-Talente zu engagieren, um Firmenmusicals zu schreiben, private Shows, die nur von ihren Mitarbeitern oder Kunden gesehen wurden. Die 1950er Jahre endeten mit Rodgers und Hammersteins letztem Hit, The Sound of Music, der auch ein weiterer Hit für Mary Martin wurde. Es wurde 1.443 Mal aufgeführt und erhielt den Tony Award für das beste Musical. Zusammen mit der äußerst erfolgreichen Verfilmung von 1965 wurde es zu einem der beliebtesten Musicals der Geschichte. ⓘ
1960s
1960 wurde The Fantasticks zum ersten Mal außerhalb des Broadway aufgeführt. Diese intime allegorische Show lief über 40 Jahre lang im Sullivan Street Theatre in Greenwich Village und wurde damit das bei weitem am längsten laufende Musical der Geschichte. Seine Autoren produzierten in den 1960er Jahren weitere innovative Werke, wie Celebration und I Do! I Do!, das erste Broadway-Musical mit zwei Hauptdarstellern. Die 1960er Jahre brachten eine Reihe von Blockbustern hervor, wie Fiddler on the Roof (1964; 3.242 Aufführungen), Hello, Dolly! (1964; 2.844 Aufführungen), Funny Girl (1964; 1.348 Aufführungen) und Man of La Mancha (1965; 2.328 Aufführungen), sowie einige gewagtere Stücke wie Cabaret, bevor sie mit dem Aufkommen des Rockmusicals endeten. Zwei Männer haben die Geschichte des Musiktheaters ab diesem Jahrzehnt maßgeblich beeinflusst: Stephen Sondheim und Jerry Herman. ⓘ
Das erste Projekt, für das Sondheim sowohl die Musik als auch die Texte schrieb, war A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 Aufführungen), dessen Buch auf den Werken des Plautus von Burt Shevelove und Larry Gelbart basierte und in dem Zero Mostel die Hauptrolle spielte. Sondheim bewegte das Musical über die Konzentration auf die für frühere Epochen typischen romantischen Handlungen hinaus; seine Arbeit neigte dazu, düsterer zu sein und die düsteren Seiten des Lebens in Gegenwart und Vergangenheit zu erforschen. Zu den weiteren frühen Werken Sondheims gehören Anyone Can Whistle (1964, das trotz der Stars Lee Remick und Angela Lansbury nur neun Mal aufgeführt wurde) sowie die erfolgreichen Company (1970), Follies (1971) und A Little Night Music (1973). Später fand Sondheim Inspiration in unwahrscheinlichen Quellen: die Öffnung Japans für den westlichen Handel für Pacific Overtures (1976), ein legendärer mörderischer Barbier auf Rachefeldzug im Londoner Industriezeitalter für Sweeney Todd (1979), die Gemälde von Georges Seurat für Sunday in the Park with George (1984), Märchen für Into the Woods (1987) und eine Sammlung von Präsidentenmördern in Assassins (1990). ⓘ
Während einige Kritiker behauptet haben, dass es einigen von Sondheims Musicals an kommerzieller Attraktivität mangelt, haben andere ihre lyrische Raffinesse und musikalische Komplexität sowie das Zusammenspiel von Text und Musik in seinen Shows gelobt. Zu Sondheims bemerkenswerten Innovationen gehören eine Show, die in umgekehrter Reihenfolge aufgeführt wird (Merrily We Roll Along) und das bereits erwähnte Anyone Can Whistle, in dem der erste Akt damit endet, dass die Darsteller dem Publikum mitteilen, dass sie verrückt sind. ⓘ
Jerry Herman spielte eine bedeutende Rolle im amerikanischen Musiktheater, beginnend mit seiner ersten Broadway-Produktion, Milk and Honey (1961, 563 Aufführungen), über die Gründung des Staates Israel, bis hin zu den Kassenschlagern Hello, Dolly! (1964, 2.844 Vorstellungen), Mame (1966, 1.508 Vorstellungen) und La Cage aux Folles (1983, 1.761 Vorstellungen). Selbst seine weniger erfolgreichen Shows wie Dear World (1969) und Mack and Mabel (1974) hatten denkwürdige Partituren (Mack and Mabel wurde später zu einem Londoner Hit umgeschrieben). Da er sowohl den Text als auch die Musik schrieb, sind viele von Hermans Showmelodien zu beliebten Standards geworden, darunter "Hello, Dolly! ", "We Need a Little Christmas", "I Am What I Am", "Mame", "The Best of Times", "Before the Parade Passes By", "Put On Your Sunday Clothes", "It Only Takes a Moment", "Bosom Buddies" und "I Won't Send Roses", aufgenommen von Künstlern wie Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark und Bernadette Peters. Hermans Liederbuch war Gegenstand von zwei populären Musical-Revuen, Jerry's Girls (Broadway, 1985) und Showtune (Off-Broadway, 2003). ⓘ
Das Musical begann, sich von den relativ engen Grenzen der 1950er Jahre zu entfernen. Rockmusik wurde in mehreren Broadway-Musicals verwendet, angefangen mit Hair, das nicht nur Rockmusik, sondern auch Nacktheit und kontroverse Meinungen über den Vietnamkrieg, die Rassenbeziehungen und andere soziale Themen enthielt. ⓘ
Soziale Themen
Nach Show Boat und Porgy and Bess und mit dem Fortschreiten des Kampfes für die Bürgerrechte von Minderheiten in Amerika und anderswo wurden Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg und andere ermutigt, weitere Musicals und Opern zu schreiben, die darauf abzielten, die gesellschaftliche Toleranz gegenüber Minderheiten zu normalisieren und die Rassenharmonie zu fördern. Zu den frühen Werken des Goldenen Zeitalters, die sich mit Rassentoleranz befassten, gehörten Finian's Rainbow und South Pacific. Gegen Ende des Goldenen Zeitalters griffen mehrere Shows jüdische Themen und Fragen auf, wie Fiddler on the Roof, Milk and Honey, Blitz! und später Rags. Das ursprüngliche Konzept, aus dem die West Side Story hervorging, spielte in der Lower East Side während der Oster-Passah-Feierlichkeiten; die rivalisierenden Banden sollten jüdisch und italienisch-katholisch sein. Später entschied das Kreativteam, dass der Konflikt zwischen Polen (Weißen) und Puerto-Ricanern frischer sei. ⓘ
Toleranz als wichtiges Thema in Musicals hat sich in den letzten Jahrzehnten fortgesetzt. Das Ende von West Side Story hinterließ eine Botschaft der Rassentoleranz. Ende der 1960er Jahre wurden Musicals rassisch integriert, und schwarze und weiße Darsteller übernahmen sogar die Rollen des jeweils anderen, wie in Hair. Auch Homosexualität wurde in Musicals thematisiert, angefangen mit Hair und noch offener in La Cage aux Folles, Falsettos, Rent, Hedwig and the Angry Inch und anderen Shows der letzten Jahrzehnte. Parade ist eine einfühlsame Auseinandersetzung mit dem Antisemitismus und dem historischen amerikanischen Rassismus, und Ragtime thematisiert in ähnlicher Weise die Erfahrungen von Einwanderern und Minderheiten in Amerika. ⓘ
1970er Jahre bis heute
1970s
Nach dem Erfolg von Hair erlebten Rockmusicals in den 1970er Jahren mit Jesus Christ Superstar, Godspell, The Rocky Horror Show, Evita und Two Gentlemen of Verona eine Blütezeit. Einige dieser Musicals begannen als "Konzeptalben", die dann für die Bühne adaptiert wurden, vor allem Jesus Christ Superstar und Evita. Andere hatten keinen Dialog oder erinnerten anderweitig an eine Oper, mit dramatischen, emotionalen Themen; diese begannen manchmal als Konzeptalben und wurden als Rockopern bezeichnet. Shows wie Raisin, Dreamgirls, Purlie und The Wiz brachten einen bedeutenden afro-amerikanischen Einfluss an den Broadway. Immer mehr verschiedene musikalische Genres und Stile wurden in die Musicals am und vor allem außerhalb des Broadways integriert. Zur gleichen Zeit hatte Stephen Sondheim mit einigen seiner Musicals Erfolg, wie bereits erwähnt. ⓘ
1975 entstand das Tanzmusical A Chorus Line aus den Aufzeichnungen von Gruppentherapiesitzungen, die Michael Bennett mit den "Gypsies" - denjenigen, die zur Unterstützung der Hauptdarsteller singen und tanzen - aus der Broadway-Community durchführte. James Kirkwood Jr. und Nick Dante haben aus Hunderten von Stunden an Tonbändern ein Buch über das Vorsprechen für ein Musical geschrieben, in das viele Geschichten aus dem wirklichen Leben eingeflossen sind; einige, die an den Sitzungen teilnahmen, spielten schließlich Variationen von sich selbst oder anderen in der Show. A Chorus Line mit der Musik von Marvin Hamlisch und den Texten von Edward Kleban wurde erstmals im Public Theater von Joseph Papp in Lower Manhattan aufgeführt. Das ursprünglich nur für ein begrenztes Engagement vorgesehene Stück wurde schließlich in das Shubert Theatre am Broadway verlegt, wo es 6 137 Aufführungen erlebte und damit die bis dahin am längsten laufende Produktion in der Geschichte des Broadway wurde. Die Show räumte bei den Tony Awards ab und gewann den Pulitzer-Preis, und ihr Hit What I Did for Love wurde zum Standard. ⓘ
Das Broadway-Publikum begrüßte Musicals, die vom Stil und Inhalt des Goldenen Zeitalters abwichen. John Kander und Fred Ebb setzten sich in Cabaret mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus in Deutschland auseinander und in Chicago zur Zeit der Prohibition mit Mord und Medien, wobei sie sich auf alte Varietétechniken stützten. Pippin von Stephen Schwartz spielt in der Zeit Karls des Großen. Federico Fellinis autobiografischer Film 8½ wurde zu Maury Yestons Nine. Am Ende des Jahrzehnts waren Evita und Sweeney Todd Vorläufer der düsteren, groß budgetierten Musicals der 1980er Jahre, die sich auf dramatische Geschichten, mitreißende Partituren und spektakuläre Effekte stützten. Gleichzeitig wurden altmodische Werte in Hits wie Annie, 42nd Street, My One and Only und den beliebten Wiederaufnahmen von No, No, Nanette und Irene hochgehalten. Obwohl in den 1970er Jahren viele Musical-Verfilmungen gedreht wurden, waren nur wenige ein Erfolg bei Kritikern oder an den Kinokassen, mit den bemerkenswerten Ausnahmen von Fiddler on the Roof, Cabaret und Grease. ⓘ
1980s
In den 1980er Jahren wurden die europäischen "Megamusicals" am Broadway, im West End und anderswo bekannt. Sie zeichnen sich durch eine von Popmusik beeinflusste Musik, eine große Besetzung, spektakuläre Bühnenbilder und Spezialeffekte - einen herabfallenden Kronleuchter (in Das Phantom der Oper), einen auf der Bühne landenden Hubschrauber (in Miss Saigon) - und große Budgets aus. Einige basierten auf Romanen oder anderen literarischen Werken. Das britische Team um den Komponisten Andrew Lloyd Webber und den Produzenten Cameron Mackintosh begründete das Phänomen der Megamusicals 1981 mit dem auf den Gedichten von T. S. Eliot basierenden Musical Cats, das A Chorus Line überholte und zur am längsten laufenden Broadway-Show wurde. Lloyd Webber folgte mit Starlight Express (1984), das auf Rollschuhen aufgeführt wurde, The Phantom of the Opera (1986; ebenfalls mit Mackintosh), das auf dem gleichnamigen Roman basiert, und Sunset Boulevard (1993), das auf dem gleichnamigen Film von 1950 basiert. Phantom übertraf Cats und wurde die am längsten laufende Show in der Geschichte des Broadway, ein Rekord, den es immer noch hält. Das französische Team Claude-Michel Schönberg und Alain Boublil schrieb Les Misérables nach dem gleichnamigen Roman, dessen Londoner Inszenierung 1985 von Mackintosh produziert wurde und das am längsten laufende Musical in der Geschichte des West End und des Broadway wurde und immer noch ist. Mit Miss Saigon (1989), das von der Puccini-Oper Madama Butterfly inspiriert war, landete das Team einen weiteren Hit. ⓘ
Die riesigen Budgets der Megamusicals definierten die Erwartungen an den finanziellen Erfolg am Broadway und im West End neu. In früheren Jahren konnte eine Show bereits nach einigen hundert Aufführungen als Hit gelten, doch bei Produktionskosten in Höhe von mehreren Millionen Dollar muss eine Show jahrelang laufen, um überhaupt noch Gewinn zu machen. Megamusicals wurden auch in Produktionen auf der ganzen Welt reproduziert, was ihr Gewinnpotenzial vervielfachte und gleichzeitig das weltweite Publikum für Musiktheater vergrößerte. ⓘ
1990s
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In den 1990er Jahren tauchte eine neue Generation von Theaterkomponisten auf, darunter Jason Robert Brown und Michael John LaChiusa, die mit Off-Broadway-Produktionen begannen. Der auffälligste Erfolg dieser Künstler war Jonathan Larsons Show Rent (1996), ein Rockmusical (basierend auf der Oper La bohème) über eine sich abmühende Gemeinschaft von Künstlern in Manhattan. Während die Kosten für Eintrittskarten für Broadway- und West End-Musicals das Budget vieler Theaterbesucher überstiegen, wurde Rent vermarktet, um die Popularität von Musicals bei einem jüngeren Publikum zu steigern. Mit einer jungen Besetzung und einer stark rockbeeinflussten Musik wurde das Musical ein Hit. Die jungen Fans, viele von ihnen Studenten, die sich selbst als RENTheads bezeichneten, zelteten vor dem Nederlander Theatre in der Hoffnung, in der Lotterie Karten für 20 Dollar in der ersten Reihe zu gewinnen, und einige sahen die Show Dutzende Male. Andere Broadway-Shows folgten dem Beispiel von Rent und boten stark ermäßigte Karten für die Tagesvorstellung oder Stehplätze an, obwohl diese Ermäßigungen oft nur für Studenten angeboten wurden. ⓘ
In den 1990er Jahren wurde auch der Einfluss großer Unternehmen auf die Produktion von Musicals sichtbar. Das wichtigste Unternehmen war Disney Theatrical Productions, das damit begann, einige der Disney-Zeichentrickfilmmusicals für die Bühne zu adaptieren, angefangen mit Die Schöne und das Biest (1994), Der König der Löwen (1997) und Aida (2000), die beiden letzteren mit Musik von Elton John. Der König der Löwen ist das umsatzstärkste Musical in der Geschichte des Broadway. The Who's Tommy (1993), eine Theateradaption der Rockoper Tommy, erreichte eine beachtliche Auflage von 899 Aufführungen, wurde aber wegen der Verharmlosung der Geschichte und der "Musicaltheaterisierung" der Rockmusik kritisiert. ⓘ
Trotz der wachsenden Zahl großer Musicals in den 1980er- und 1990er-Jahren gelang es einer Reihe von Musicals mit geringerem Budget und kleinerem Umfang, einen kritischen und finanziellen Erfolg zu erzielen, wie Falsettoland und Little Shop of Horrors, Bat Boy: The Musical und Blood Brothers. Die Themen dieser Stücke sind sehr unterschiedlich, und die Musik reicht von Rock bis Pop, aber sie werden oft außerhalb des Broadway oder für kleinere Londoner Theater produziert, und einige dieser Inszenierungen gelten als fantasievoll und innovativ. ⓘ
2000-Gegenwart
Trends
Im neuen Jahrhundert haben sich Produzenten und Investoren, die sicherstellen wollen, dass sie ihre beträchtlichen Investitionen wieder hereinbekommen, für das Vertraute entschieden. Einige wagten sich (meist mit bescheidenem Budget) an neue und kreative Stoffe wie Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) und The Book of Mormon (2011). Hamilton (2015) verwandelte die "unterdramatisierte amerikanische Geschichte" in einen ungewöhnlichen, vom Hip-Hop beeinflussten Hit. 2011 argumentierte Sondheim, dass von allen Formen "zeitgenössischer Popmusik" der Rap "dem traditionellen Musiktheater am nächsten" stehe und "ein Weg in die Zukunft" sei. ⓘ
Die meisten großen Produktionen des 21. Jahrhunderts sind jedoch einen sicheren Weg gegangen, mit Wiederaufnahmen bekannter Stücke wie Fiddler on the Roof, A Chorus Line, South Pacific, Gypsy, Hair, West Side Story und Grease oder mit Adaptionen anderer bewährter Stoffe wie Literatur (The Scarlet Pimpernel, Wicked und Fun Home), in der Hoffnung, dass die Shows dadurch ein festes Publikum haben würden. Dieser Trend hält sich besonders hartnäckig bei Filmadaptionen (The Producers, Spamalot, Hairspray, Legally Blonde, The Color Purple, Xanadu, Billy Elliot, Shrek, Waitress und Groundhog Day). Einige Kritiker haben argumentiert, dass die Wiederverwendung von Filmplots, insbesondere von Disney-Filmen (wie Mary Poppins und Die kleine Meerjungfrau), das Broadway- und West End-Musical eher mit einer Touristenattraktion als mit einem kreativen Ventil gleichsetzt. ⓘ
Heute ist es weniger wahrscheinlich, dass ein einzelner Produzent wie David Merrick oder Cameron Mackintosh hinter einer Produktion steht. Unternehmenssponsoren dominieren den Broadway, und oft werden Allianzen gebildet, um Musicals zu inszenieren, die eine Investition von 10 Millionen Dollar oder mehr erfordern. Im Jahr 2002 wurden im Abspann von Thoroughly Modern Millie zehn Produzenten aufgeführt, und unter diesen Namen befanden sich Unternehmen, die aus mehreren Einzelpersonen bestanden. Off-Broadway- und Regionaltheater produzieren in der Regel kleinere und daher weniger teure Musicals, und die Entwicklung neuer Musicals findet zunehmend außerhalb von New York und London oder an kleineren Spielstätten statt. So wurden beispielsweise Spring Awakening, Fun Home und Hamilton außerhalb des Broadway entwickelt, bevor sie am Broadway aufgeführt wurden. ⓘ
Mehrere Musicals kehrten zum Format des Spektakels zurück, das in den 1980er Jahren so erfolgreich war, und erinnerten an Extravaganzen, die im Laufe der Theatergeschichte immer wieder aufgeführt wurden, seit die alten Römer Scheinseeschlachten inszenierten. Beispiele hierfür sind die Musical-Adaptionen von Herr der Ringe (2007), Vom Winde verweht (2008) und Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). An diesen Musicals waren Songwriter mit wenig Theatererfahrung beteiligt, und die teuren Produktionen brachten in der Regel Verluste ein. Im Gegensatz dazu wurden unter anderem The Drowsy Chaperone, Avenue Q, The 25th Annual Putnam County Spelling Bee, Xanadu und Fun Home in kleineren Produktionen, meist ohne Unterbrechung durch eine Pause und mit kurzen Laufzeiten, aufgeführt und waren finanziell erfolgreich. Im Jahr 2013 berichtete das Time Magazine, dass ein Trend im Off-Broadway das "immersive" Theater ist, und nannte Shows wie Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) und Here Lies Love (2013), bei denen die Inszenierung um und im Publikum stattfindet. Die Shows haben einen gemeinsamen Rekord aufgestellt, indem sie jeweils 11 Nominierungen für den Lucille Lortel Award erhielten und zeitgenössische Partituren enthalten. ⓘ
2013 war Cyndi Lauper die "erste Komponistin, die den [Tony für] die beste Filmmusik ohne einen männlichen Mitstreiter gewann", weil sie die Musik und die Texte für Kinky Boots schrieb. Im Jahr 2015 gewann zum ersten Mal ein rein weibliches Autorenteam, Lisa Kron und Jeanine Tesori, den Tony Award für die beste Originalmusik (und das beste Buch für Kron) für Fun Home, obwohl weiterhin häufiger Werke von männlichen Songwritern produziert werden. ⓘ
Jukebox-Musicals
Ein weiterer Trend besteht darin, eine minimale Handlung zu entwickeln, die zu einer Sammlung von Songs passt, die bereits ein Hit waren. Nach dem früheren Erfolg von Buddy - The Buddy Holly Story sind dies Movin' Out (2002, basierend auf den Liedern von Billy Joel), Jersey Boys (2006, The Four Seasons), Rock of Ages (2009, mit Classic Rock der 1980er Jahre) und viele andere. Dieser Stil wird oft als "Jukebox-Musical" bezeichnet. Ähnliche, aber mehr auf die Handlung ausgerichtete Musicals wurden um den Kanon einer bestimmten Popgruppe herum aufgebaut, darunter Mamma Mia! (1999, basierend auf den Songs von ABBA), Our House (2002, basierend auf den Songs von Madness) und We Will Rock You (2002, basierend auf den Songs von Queen). ⓘ
Film- und TV-Musicals
In den 1980er und frühen 1990er Jahren waren Live-Action-Filmmusicals so gut wie tot, mit Ausnahme von Victor/Victoria, Little Shop of Horrors und der Evita-Verfilmung von 1996. Im neuen Jahrhundert leitete Baz Luhrmann mit Moulin Rouge! (2001) eine Wiederbelebung des Filmmusicals ein. Es folgten Chicago (2002); Phantom der Oper (2004); Rent (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray, Enchanted und Sweeney Todd (alle 2007); Mamma Mia! (2008); Nine (2009); Les Misérables und Pitch Perfect (beide 2012), Into The Woods, The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Born und Mary Poppins Returns (beide 2018), Rocketman (2019) sowie In the Heights und Steven Spielbergs Version von West Side Story (beide 2021), unter anderem. Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas! (2000) und Der gestiefelte Kater (2003) wurden Kinderbücher zu Live-Action-Filmmusicals. Nach dem immensen Erfolg von Disney und anderen Firmen mit animierten Filmmusicals, der 1989 mit Die kleine Meerjungfrau begann und sich über die gesamten 1990er Jahre hinzog (einschließlich einiger Filme mit eher erwachsenen Themen wie South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), wurden im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts weniger Animationsfilmmusicals veröffentlicht. Das Genre erlebte ab 2010 mit Tangled (2010), Rio (2011) und Frozen (2013) ein Comeback. In Asien produziert Indien weiterhin zahlreiche "Bollywood"-Filmmusicals, und Japan produziert "Anime"- und "Manga"-Filmmusicals. ⓘ
In den 1990er Jahren waren TV-Musicalfilme wie Gypsy (1993), Cinderella (1997) und Annie (1999) sehr beliebt. Mehrere TV-Musicals im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts waren Adaptionen der Bühnenversion, wie South Pacific (2001), The Music Man (2003) und Once Upon a Mattress (2005), sowie eine Fernsehversion des Bühnenmusicals Legally Blonde im Jahr 2007. Außerdem wurden mehrere Musicals auf der Bühne verfilmt und im öffentlich-rechtlichen Fernsehen ausgestrahlt, z. B. Contact im Jahr 2002 und Kiss Me, Kate und Oklahoma! im Jahr 2003. Das TV-Musical High School Musical (2006) und seine verschiedenen Fortsetzungen waren besonders erfolgreich und wurden für Bühnenmusicals und andere Medien adaptiert. ⓘ
Im Jahr 2013 begann NBC mit The Sound of Music Live! eine Reihe von Live-Übertragungen von Musicals im Fernsehen. Obwohl die Produktion gemischte Kritiken erhielt, war sie ein Quotenerfolg. Weitere Übertragungen waren Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), eine britische Übertragung, The Sound of Music Live (ITV 2015) Grease: Live (Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017) und Rent: Live (Fox 2019). ⓘ
Einige Fernsehsendungen haben Episoden als Musical vertont. Beispiele sind Episoden von Ally McBeal, Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" und "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych ("Psych: The Musical"), Buffy the Vampire Slayer ("Once More, with Feeling"), That's So Raven, Daria, Dexter's Laboratory, The Powerpuff Girls, The Flash, Once Upon a Time, Oz, Scrubs (eine Folge wurde von den Machern von Avenue Q geschrieben), Batman: The Brave and the Bold ("Mayhem of the Music Meister") und That '70s Show (die 100. Folge, "That '70s Musical"). In anderen Serien gab es Szenen, in denen die Figuren während einer Folge plötzlich im Musiktheater-Stil zu singen und zu tanzen begannen, wie z. B. in mehreren Episoden von The Simpsons, 30 Rock, Hannah Montana, South Park, Bob's Burgers und Family Guy. Zu den Fernsehserien, die das Musical-Format ausgiebig genutzt haben, gehören Cop Rock, Flight of the Conchords, Glee, Smash und Crazy Ex-Girlfriend. ⓘ
Es gibt auch Musicals, die für das Internet gemacht wurden, darunter Dr. Horrible's Sing-Along Blog, über einen billigen Superschurken, gespielt von Neil Patrick Harris. Es wurde während des WGA-Autorenstreiks geschrieben. Seit 2006 werden Reality-TV-Shows zur Vermarktung von Musical-Revivals eingesetzt, indem sie einen Talentwettbewerb für die Besetzung der (meist weiblichen) Hauptrollen veranstalten. Beispiele hierfür sind How Do You Solve a Problem like Maria?, Grease: You're the One That I Want, Any Dream Will Do, Legally Blonde: The Musical - The Search for Elle Woods, I'd Do Anything und Over the Rainbow. Im Jahr 2021 war Schmigadoon! eine Parodie auf und eine Hommage an die Musicals des Goldenen Zeitalters der 1940er und 1950er Jahre. ⓘ
Schließung des Theaters 2020-2021
Die COVID-19-Pandemie führte Anfang 2020 zur Schließung von Theatern und Theaterfestivals auf der ganzen Welt, einschließlich aller Broadway- und West End-Theater. Viele Einrichtungen der darstellenden Künste versuchten, sich anzupassen oder ihre Verluste zu verringern, indem sie neue (oder erweiterte) digitale Dienste anboten. Dies führte insbesondere zum Online-Streaming von zuvor aufgezeichneten Aufführungen vieler Unternehmen sowie zu maßgeschneiderten Crowdsourcing-Projekten. Die Sydney Theatre Company beauftragte beispielsweise Schauspieler damit, sich zu Hause zu filmen, wie sie einen Monolog einer der Figuren, die sie zuvor auf der Bühne gespielt hatten, besprechen und dann aufführen. Die Darsteller von Musicals wie Hamilton und Mamma Mia! schlossen sich in Zoom-Anrufen zusammen, um Einzelpersonen und das Publikum zu unterhalten. Einige Aufführungen wurden live gestreamt oder unter freiem Himmel oder auf andere "sozial distanzierte" Weise präsentiert, so dass die Zuschauer manchmal mit den Darstellern interagieren konnten. Radiotheaterfestivals wurden übertragen. Es wurden virtuelle und sogar crowd-sourced Musicals geschaffen, wie z. B. Ratatouille the Musical. Verfilmungen großer Musicals, wie Hamilton, wurden auf Streaming-Plattformen veröffentlicht. Andrew Lloyd Webber veröffentlichte Aufnahmen seiner Musicals auf YouTube. ⓘ
Durch die Schließungen und die Einbußen bei den Kartenverkäufen gerieten viele Theater in finanzielle Bedrängnis. Einige Regierungen boten Nothilfen für die Kunst an. Einige Musiktheatermärkte begannen Anfang 2021, nach und nach wieder zu öffnen, wobei die West End-Theater ihre Wiedereröffnung von Juni auf Juli verschoben und der Broadway im September begann. Im Laufe des Jahres 2021 kam es jedoch immer wieder zu Ausbrüchen der Pandemie, die zu Schließungen führten, selbst wenn die Märkte wieder geöffnet waren. ⓘ
Internationale Musicals
Die USA und Großbritannien waren vom 19. bis weit ins 20. Jahrhundert hinein die aktivsten Quellen für Buchmusicals (obwohl in Europa in dieser Zeit und auch schon früher verschiedene Formen der populären Unterhaltungsoper und Operette, z. B. die spanische Zarzuela, entstanden). Die Unterhaltungsmusikbühne in anderen Ländern ist jedoch in den letzten Jahrzehnten aktiver geworden. ⓘ
Musicals aus anderen englischsprachigen Ländern (vor allem aus Australien und Kanada) sind dort oft erfolgreich und erreichen gelegentlich sogar den Broadway oder das West End (z. B. The Boy from Oz und The Drowsy Chaperone). Südafrika hat eine aktive Musiktheaterszene mit Revuen wie African Footprint und Umoja sowie Buchmusicals wie Kat and the Kings und Sarafina!, die international touren. Auf lokaler Ebene wurden Musicals wie Vere, Love and Green Onions, Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza und Bangbroek Mountain und In Briefs - a queer little Musical erfolgreich produziert. ⓘ
Zu den erfolgreichen Musicals aus Kontinentaleuropa gehören unter anderem Shows aus Deutschland (Elixier und Ludwig II.), Österreich (Tanz der Vampire, Elisabeth, Mozart! und Rebecca), der Tschechischen Republik (Dracula), Frankreich (Starmania, Notre-Dame de Paris, Les Misérables, Roméo et Juliette und Mozart, l'opéra rock) und Spanien (Hoy no me puedo levantar und The Musical Sancho Panza). ⓘ
In Japan hat sich in letzter Zeit eine einheimische Form des Musiktheaters entwickelt, sowohl in Form von Zeichentrickfilmen als auch in Form von Live-Action, die meist auf Anime und Manga basieren, wie z. B. Kiki's Delivery Service und Tenimyu. In der beliebten Sailor Moon-Metaserie gab es neunundzwanzig Sailor Moon-Musicals, die sich über dreizehn Jahre erstreckten. Seit 1914 führt die Takarazuka Revue, die ausschließlich aus Frauen besteht, eine Reihe beliebter Revuen auf, die derzeit von fünf Truppen aufgeführt werden. Anderswo in Asien ist das indische Bollywood-Musical, meist in Form von Kinofilmen, enorm erfolgreich. ⓘ
Beginnend mit einer Tournee von Les Misérables im Jahr 2002 wurden verschiedene westliche Musicals auf das chinesische Festland importiert und in englischer Sprache aufgeführt. Versuche, westliche Produktionen in China zu lokalisieren, begannen 2008, als Fame in der Central Academy of Drama in Peking in Mandarin und mit chinesischer Vollbesetzung aufgeführt wurde. Seitdem wurden weitere westliche Produktionen in China in Mandarin und mit chinesischer Besetzung aufgeführt. Die erste chinesische Produktion im Stil des westlichen Musiktheaters war The Gold Sand im Jahr 2005. Darüber hinaus produzierte Li Dun, ein bekannter chinesischer Produzent, 2007 Butterflies, das auf einer klassischen chinesischen Liebestragödie basiert, sowie 2011 Love U Teresa. ⓘ
Amateur- und Schulproduktionen
Musicals werden häufig von Amateur- und Schulgruppen in Kirchen, Schulen und anderen Aufführungsorten aufgeführt. Obwohl es Amateurtheater schon seit Jahrhunderten gibt, sogar in der Neuen Welt, schrieben François Cellier und Cunningham Bridgeman 1914, dass Amateurschauspieler bis zum Ende des 19. Nach der Gründung von Gilbert- und Sullivan-Amateurtruppen, die eine Lizenz für die Aufführung der Savoy-Opern erhielten, erkannten die Profis, dass die Amateurgesellschaften "die Kultur der Musik und des Theaters fördern. Sie sind heute als nützliche Ausbildungsstätten für die legitime Bühne anerkannt, und aus den Reihen der Freiwilligen sind viele der heutigen Favoriten hervorgegangen." Die National Operatic and Dramatic Association wurde 1899 im Vereinigten Königreich gegründet. Sie berichtete 1914, dass in diesem Jahr fast 200 Amateurtheatervereine in Großbritannien Werke von Gilbert und Sullivan aufführten. In ähnlicher Weise wurden in den USA zu Beginn des 20. Jahrhunderts mehr als 100 Gemeinschaftstheater gegründet. Diese Zahl ist in den USA auf schätzungsweise 18.000 angewachsen. Die Educational Theater Association in den USA hat fast 5.000 Mitgliedsschulen. ⓘ
Relevanz
Die Broadway League gab bekannt, dass in der Saison 2007/08 12,27 Millionen Tickets für Broadway-Shows gekauft wurden, was einem Bruttoumsatz von fast einer Milliarde Dollar entspricht. Die Liga berichtete weiter, dass in der Spielzeit 2006-07 etwa 65 % der Broadway-Karten von Touristen gekauft wurden, und dass 16 % der Besucher ausländische Touristen waren. Die Society of London Theatre meldete, dass 2007 in London ein Besucherrekord aufgestellt wurde. In den großen kommerziellen und subventionierten Theatern im Zentrum Londons wurden insgesamt 13,6 Millionen Besucher gezählt, und die gesamten Karteneinnahmen beliefen sich auf 469,7 Millionen Pfund. Die internationale Musicalszene ist in den letzten Jahrzehnten immer aktiver geworden. Dennoch bemerkte Stephen Sondheim im Jahr 2000:
Es gibt zwei Arten von Shows am Broadway - Wiederaufnahmen und immer wieder dieselbe Art von Musicals, alles Spektakel. Man kauft seine Karten für den König der Löwen ein Jahr im Voraus, und im Grunde genommen gibt eine Familie ... ihren Kindern die Vorstellung weiter, dass das Theater das ist, was es ist - ein spektakuläres Musical, das man einmal im Jahr sieht, eine Bühnenversion eines Films. Das hat mit Theater überhaupt nichts zu tun. Es hat damit zu tun, das zu sehen, was man kennt. ... Ich glaube nicht, dass das Theater per se sterben wird, aber es wird nie mehr das sein, was es einmal war. ... Es ist eine Touristenattraktion." ⓘ
Der Theaterhistoriker John Kenrick verweist auf den Erfolg von Originalstoffen und kreativen Neuinterpretationen von Filmen, Theaterstücken und Literatur in den letzten Jahrzehnten:
Ist das Musical tot? ... Auf keinen Fall! Verändert es sich? Immer! Das Musical hat sich verändert, seit Offenbach es in den 1850er Jahren zum ersten Mal umgeschrieben hat. Und der Wandel ist das deutlichste Zeichen dafür, dass das Musical immer noch ein lebendiges, wachsendes Genre ist. Werden wir jemals zum so genannten "goldenen Zeitalter" zurückkehren, in dem das Musical im Mittelpunkt der Populärkultur stand? Wahrscheinlich nicht. Der Publikumsgeschmack hat sich grundlegend gewandelt, und die kommerziellen Künste können sich nur dort entfalten, wo es das zahlende Publikum zulässt. ⓘ
Werke
- Liste von Musicals ⓘ
Kindermusical
Der Begriff „Kindermusical“ erscheint zuerst Anfang der 1970er Jahre im Bereich des professionellen Kinder- und Jugendtheaters. Während zunächst nur Stücke gemeint waren, die sich zwar an ein jugendliches Publikum richten, jedoch von professionellen Theatern aufgeführt werden, kamen bereits im Lauf der 1970er Jahre auch Stücke hinzu, die auf eine Aufführung durch Kinder und Jugendliche ausgerichtet waren. Ende des Jahrzehnts ist der Begriff des „Kindermusical“ bereits etabliert. ⓘ
Musicals, die zur Aufführung durch Kinder bestimmt sind, gibt es etwa die Ritter-Rost-Serie von Jörg Hilbert und Felix Janosa, dann die Musicals des Ehepaars Veronika te Reh und Wolfgang König sowie die Musicals von Mechthild von Schoenebeck-Reis. Musicals von Peter Schindler (Geisterstunde auf Schloss Eulenstein, Weihnachten fällt aus, Max und die Käsebande, König Keks, Zirkus Furioso und Schockorange) zählen zu den meistgespielten Werken ihrer Art bei Kinder- und Jugendchören in Theatern und Schulen. Zum Mozartjahr 2006 erschien das Kindermusical Amadeus legt los von Thekla und Lutz Schäfer. Weitere Musicals für die Aufführung durch Jugendliche schreibt u. a. Claus Martin (Pinocchio, Heidi, Dracula, das Grusical). ⓘ
Im Vergleich zu Musicals, die sich an ein erwachsenes Publikum richten (wobei viele dieser Stücke auch für Kinder ab einem gewissen Alter geeignet sein können), ist bei Musicals, die zur Aufführung durch Kinder gedacht sind, häufig das Element Tanz sehr unterrepräsentiert. Meist findet eine Konzentration auf Sprechszenen und Gesang statt, wobei sich bei jüngeren Akteuren vor allem der einstimmige Chor findet. Bei älteren Kindern und Jugendlichen kommen häufig auch Soloparts hinzu. Satzgesang und andere kompliziertere Arrangements finden sich wenig bis gar nicht. Auch die musikalischen Gattungen sind im Vergleich sehr eingeschränkt. Typisch sind weiterhin eine große (aber flexible) Anzahl an Rollen, so dass alle Kinder mitspielen können. Dabei ist auch das Rollenspektrum breit gefächert: durch Rollen mit geringem Textanteil, stumme Rollen etc. können auch schüchternere Kinder mitwirken und an Theaterspiel und Musik herangeführt werden. ⓘ
Neben den für jugendliche Amateure bestimmten Kindermusicals gibt es weiterhin professionelle Produktionen für Kinder, meist nach Kinderbüchern und -filmen wie Pippi Langstrumpf, Das Sams, Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer, Tabaluga, Yakari – Freunde fürs Leben. Einer der meistgespielten Autoren in diesem Bereich ist Christian Berg. Autor und Komponist zahlreicher Kindermusicals, welche auf biblischen Geschichten basieren und somit prädestiniert für Aufführungen in Kirchen oder Gemeindehäusern sind, ist Helmut Jost. ⓘ