Hair

Musicaldaten ⓘ
Titel:	Hair
Musik:	Galt MacDermot
Buch:	Gerome Ragni, James Rado
Uraufführung:	29. April 1968
Ort der Uraufführung:	New York, Biltmore Theatre (Broadway)
Spieldauer:	ca. 1 ½ Stunden
Ort und Zeit der Handlung:	New York, 1965
Rollen/Personen
	Claude Bukowski; Dionne; Crissy; George Berger; Woof; Hud; Sheila Franklin; Jeanie; u. a.;

*Haar ⓘ*
Haar ⓘ
Das amerikanische Stammes-Liebes-Rock-Musical
	Original Broadway-Plakat
Musik	Galt MacDermot
Liedtexte	Gerome Ragni; James Rado;
Buch	Gerome Ragni; James Rado;
Aufführungen	1967 Off-Broadway; 1968 Broadway; 1968 West End; 1977 Wiederaufnahme am Broadway; 1993 Wiederaufnahme am West End; 2009 Wiederaufnahme am Broadway; 2010 Wiederaufnahme im West End; 2019 UK-Tournee;
Auszeichnungen	Tony Award für die beste Wiederaufführung eines Musicals

Hair: The American Tribal Love-Rock Musical ist ein Rockmusical mit Buch und Text von Gerome Ragni und James Rado und Musik von Galt MacDermot. Das Werk spiegelt die Beobachtungen der Schöpfer der Hippie-Gegenkultur und der sexuellen Revolution der späten 1960er Jahre wider, und mehrere seiner Songs wurden zu Hymnen der Friedensbewegung gegen den Vietnamkrieg. Die Profanität des Musicals, die Darstellung des Konsums illegaler Drogen, die Behandlung der Sexualität, die Respektlosigkeit gegenüber der amerikanischen Flagge und die Nacktszene sorgten für viele Kommentare und Kontroversen. Das Werk setzte neue Maßstäbe im Musiktheater, indem es das Genre des "Rockmusicals" definierte, eine rassisch integrierte Besetzung einsetzte und das Publikum zu einem "Be-In"-Finale auf die Bühne einlud. ⓘ

Hair erzählt die Geschichte des "Tribe", einer Gruppe politisch aktiver, langhaariger Hippies des "Age of Aquarius", die in New York City ein Bohème-Leben führen und gegen die Einberufung in den Vietnamkrieg kämpfen. Claude, sein guter Freund Berger, ihre Mitbewohnerin Sheila und ihre Freunde kämpfen darum, ihr junges Leben, ihre Liebe und die sexuelle Revolution mit ihrer Rebellion gegen den Krieg und ihre konservativen Eltern und die Gesellschaft in Einklang zu bringen. Schließlich muss Claude sich entscheiden, ob er sich wie seine Freunde der Einberufung entziehen oder in Vietnam dienen will, wobei er seine pazifistischen Prinzipien aufgibt und sein Leben riskiert. ⓘ

Nach einem Off-Broadway-Debüt am 17. Oktober 1967 im Public Theater von Joseph Papp und einer Aufführung im Nachtclub Cheetah von Dezember 1967 bis Januar 1968 wurde das Stück im April 1968 am Broadway uraufgeführt und erlebte 1.750 Vorstellungen. Kurz darauf folgten weitere Produktionen in Städten in den Vereinigten Staaten und Europa, darunter eine erfolgreiche Londoner Produktion mit 1 997 Vorstellungen. Seitdem wurden zahlreiche Produktionen auf der ganzen Welt aufgeführt, die Dutzende von Aufnahmen des Musicals hervorbrachten, darunter die 3 Millionen Mal verkaufte Originalaufnahme der Broadway-Besetzung. Einige der Songs aus der Partitur wurden zu Top-10-Hits, und 1979 wurde eine Spielfilmadaption veröffentlicht. Eine Wiederaufnahme am Broadway wurde 2009 eröffnet, erhielt gute Kritiken und wurde mit dem Tony Award und dem Drama Desk Award für die beste Wiederaufnahme eines Musicals ausgezeichnet. 2008 schrieb die Time: "Heute scheint Hair, wenn überhaupt, gewagter denn je". ⓘ

Umschlag der deutschen Programmhefte von Hair 1968–70 ⓘ

Hair gilt als eines der erfolgreichsten Musicals überhaupt und wurde in der Folge auch in zahlreichen anderen Ländern aufgeführt. Erstaufführung der für Deutschland in die deutsche Sprache adaptierten Fassung Haare war am 24. Oktober 1968 in München. Erst 1977, lange nach Ende der Hippie-Bewegung, wurde Hair durch Miloš Forman verfilmt. ⓘ

Geschichte

Hair wurde von den Schauspielern James Rado und Gerome Ragni erdacht. Die beiden lernten sich 1964 kennen, als sie gemeinsam in dem Off-Broadway-Flop Hang Down Your Head and Die auftraten, und begannen Ende 1964, Hair gemeinsam zu schreiben. Die Hauptfiguren waren autobiografisch, wobei Rados Claude ein nachdenklicher Romantiker und Ragnis Berger ein extrovertierter Mensch war. Die enge Beziehung der beiden, einschließlich ihrer Unbeständigkeit, spiegelt sich im Musical wider. Rado erklärt: "Wir waren gute Freunde. Es war eine leidenschaftliche Beziehung, die wir in die Kreativität, in das Schreiben, in die Erschaffung dieses Stücks gesteckt haben. Wir haben das Drama zwischen uns auf die Bühne gebracht." ⓘ

Rado beschrieb die Inspiration für Hair als "eine Kombination aus einigen Charakteren, die wir auf der Straße getroffen haben, Menschen, die wir kannten, und unserer eigenen Vorstellungskraft. Wir kannten eine Gruppe von Kindern im East Village, die die Schule verließen und sich vor der Einberufung drückten, und es gab auch viele Artikel in der Presse darüber, dass Kinder von der Schule geworfen wurden, weil sie sich die Haare lang wachsen ließen". Er erinnert sich: "In den Straßen, Parks und Hippievierteln herrschte so viel Aufregung, und wir dachten, wenn wir diese Aufregung auf die Bühne übertragen könnten, wäre das wunderbar. ... Wir hingen mit ihnen herum und gingen zu ihren Be-Ins [und] ließen uns die Haare wachsen." Viele der Darsteller (vor allem Shelley Plimpton) wurden direkt von der Straße rekrutiert. Rado sagte: "Es war historisch sehr wichtig, und wenn wir es nicht geschrieben hätten, gäbe es keine Beispiele. Man könnte darüber lesen und Filmausschnitte sehen, aber man würde es nie erleben. Wir dachten: 'Das passiert auf der Straße', und wir wollten es auf die Bühne bringen." Laut Rados Nachruf in der New York Times wurde der Titel durch "einen Museumsspaziergang Mitte 1965 inspiriert, [als er und Ragni] ein Gemälde mit einem Haarbüschel des Pop-Künstlers Jim Dine sahen. Sein Titel war 'Hair'." ⓘ

Rado und Ragni kamen aus unterschiedlichen künstlerischen Verhältnissen. Auf dem College schrieb Rado Musical-Revuen und strebte danach, ein Broadway-Komponist in der Tradition von Rodgers und Hammerstein zu werden. Später studierte er Schauspiel bei Lee Strasberg. Ragni hingegen war aktives Mitglied von The Open Theater, einer von mehreren Gruppen, die vor allem abseits des Broadways experimentelle Theatertechniken entwickelten. Er führte Rado in die modernen Theaterstile und -methoden ein, die am Open Theater entwickelt wurden. 1966, während die beiden das Stück Hair entwickelten, spielte Ragni in der Inszenierung von Megan Terrys Stück Viet Rock mit, einer Geschichte über junge Männer, die in den Vietnamkrieg geschickt wurden. Neben dem Kriegsthema wurden in Viet Rock auch Improvisationsübungen eingesetzt, die in der experimentellen Theaterszene üblich waren und später bei der Entwicklung von Hair verwendet wurden. ⓘ

Rado und Ragni legten ihre Entwürfe der Show dem Produzenten Eric Blau vor, der die beiden über den gemeinsamen Freund Nat Shapiro mit dem kanadischen Komponisten Galt MacDermot zusammenbrachte. MacDermot hatte 1961 einen Grammy Award für seine Komposition "African Waltz" (aufgenommen von Cannonball Adderley) gewonnen. Der Lebensstil des Komponisten stand in deutlichem Kontrast zu dem seiner Mitstreiter: "Ich hatte kurze Haare, eine Frau und zu diesem Zeitpunkt vier Kinder, und ich lebte auf Staten Island. "Als ich Rado und Ragni kennenlernte, hatte ich noch nie etwas von Hippies gehört." Aber er teilte ihre Begeisterung, eine Rock'n'Roll-Show zu machen. "Wir arbeiten unabhängig", erklärte MacDermot im Mai 1968. "Das ist mir lieber so. Sie geben mir das Material. Ich setze es in Musik." MacDermot schrieb die erste Partitur in drei Wochen, beginnend mit den Songs "I Got Life", "Ain't Got No", "Where Do I Go" und dem Titelsong. Aquarius" schrieb er zunächst als unkonventionelles Kunstwerk, schrieb es aber später zu einer erhebenden Hymne um. ⓘ

„Spitzenfinger, Sonnensoße, Silberpapier, ein Bettfedernsturm oder graublaue Uniformen. Zum Teufel, wir wollen nicht so weitermachen. Ich will mein Haar nicht vom Stahlhelm frisieren lassen.“

– Rado/Ragni: aus den deutschen Programmheften ⓘ

Ragni und Rado formulierten die Unruhe der jungen Generation: Protestschrei und provokative Aktion, mystische Wirklichkeitsflucht und philosophische Spekulation. Der Härte mancher Texte stehen Passagen zarter Poesie gegenüber. Der Widerspruch in der Form macht die Spannung des Inhaltes deutlich. So entstand ein Material, das den Leser oder Hörer beansprucht und zuweilen sogar erschreckt. So war es konsequent, diesen vitalen Text musikalisch und schauspielerisch zu überformen und in die Disziplin der Bühne zu spannen. ⓘ

1968 brachte Michael Butler, der sogenannte „Hippie-Millionär“, das Musical vom Off-Broadway an den Broadway. Bevor den etwa 100 Off-Broadway-Aufführungen weitere über 1800 Aufführungen im Biltmore Theatre am Broadway folgten, nahm Tom O’Horgan einige Änderungen vor. So enthielt beispielsweise die ursprüngliche Fassung nicht die Nacktszenen, die in der Broadway-Inszenierung für Aufsehen sorgten, dafür aber eine Szene, in der die Bühne von Polizisten erstürmt wird, die versuchen, die Aufführung zu verhindern. ⓘ

Der Erfolg dieses Stückes war nicht aufzuhalten: Nach Stockholm und London begann am 24. Oktober 1968 in München der Siegeszug durch Deutschland. Auch in den deutschen Aufführungen gab es Eingriffe durch den Staatsanwalt, als ein 15-Jähriger sich auf der Bühne entblößte. ⓘ

Bertrand Castelli, der als Anführer von Friedensmärschen mehrere Male ins Gefängnis musste, wurde als Regisseur bestellt. Er setzte die radikal pazifistische Philosophie des Musicals um und inszenierte in elf Ländern. ⓘ

Off-Broadway-Produktionen

Die Macher wandten sich mit der Show an Broadway-Produzenten und erhielten viele Absagen. Schließlich entschied Joe Papp, der das New York Shakespeare Festival leitete, dass er Hair zur Eröffnung des neuen Public Theater (das sich noch im Bau befand) im East Village von New York City aufführen wollte. Das Musical war das erste Werk von lebenden Autoren, das Papp produzierte. Der Regisseur Gerald Freedman, der stellvertretende künstlerische Leiter des Theaters, entschied, dass Rado mit seinen 35 Jahren zu alt für die Rolle des Claude sei, stimmte aber zu, den 32-jährigen Ragni als Berger zu besetzen. Die Produktion verlief nicht reibungslos: "Der Proben- und Besetzungsprozess war verworren, der Stoff selbst für viele Mitarbeiter des Theaters unverständlich. [Freedman] zog sich in der letzten Probenwoche frustriert zurück und bot seinen Rücktritt an. Papp nahm es an, und die Choreografin Anna Sokolow übernahm die Show. ... Nach einer katastrophalen letzten Generalprobe telegrafierte Papp Herrn Freedman nach Washington, wohin er geflohen war: 'Bitte kommen Sie zurück.' Mr. Freedman tat es." ⓘ

Hair wurde am 17. Oktober 1967 im Public Theater uraufgeführt und lief für eine begrenzte Zeit von sechs Wochen. Die Hauptrollen wurden gespielt von Walker Daniels als Claude, Ragni als Berger, Jill O'Hara als Sheila, Steve Dean als Woof, Arnold Wilkerson als Hud, Sally Eaton als Jeanie und Shelley Plimpton als Crissy. Das Bühnenbild stammt von Ming Cho Lee, die Kostüme von Theoni Aldredge, und obwohl Anna Sokolow die Proben als Choreografin begann, wurde Freedman als Choreografin anerkannt. Obwohl die Produktion von den Kritikern lauwarm aufgenommen wurde, war sie beim Publikum sehr beliebt. Ein Besetzungsalbum wurde 1967 veröffentlicht. ⓘ

Der Chicagoer Geschäftsmann Michael Butler wollte mit einer Antikriegskampagne für den US-Senat kandidieren. Nachdem er in der New York Times eine Anzeige für Hair gesehen hatte, die ihn glauben ließ, dass es in der Show um amerikanische Ureinwohner ging, sah er sich die Produktion des Public mehrmals an und schloss sich mit Joe Papp zusammen, um die Show nach dem Ende der Aufführung im Public an einem anderen New Yorker Theater zu wiederholen. Papp und Butler verlegten die Show zunächst ins The Cheetah, eine Diskothek an der Ecke 53rd Street und Broadway. Es wurde dort am 22. Dezember 1967 eröffnet und lief 45 Vorstellungen lang. Weder in der Public Theater- noch in der Cheetah-Produktion gab es Nacktheit. ⓘ

Überarbeitung für den Broadway

Zwischen der Schließung des Cheetah-Theaters im Januar 1968 und der Broadway-Eröffnung drei Monate später wurde Hair einer gründlichen Überarbeitung unterzogen. Das Off-Broadway-Buch, das bereits eine leichte Handlung enthielt, wurde noch weiter gelockert und realistischer gestaltet. Dreizehn neue Lieder wurden hinzugefügt, darunter "Let the Sun Shine In", um das Ende erbaulicher zu gestalten. ⓘ

Vor dem Umzug an den Broadway engagierte das Kreativteam den Regisseur Tom O'Horgan, der sich als Regisseur für experimentelles Theater am La MaMa Experimental Theatre Club einen Namen gemacht hatte. Er war die erste Wahl der Autoren für die Inszenierung am Public Theater gewesen, befand sich aber zu dieser Zeit in Europa. Newsweek beschrieb O'Horgan's Regiestil als "sinnlich, wild und durch und durch musikalisch ... [er] löst die verbale Struktur auf und bricht oft die Erzählung auf und verteilt sogar die Charaktere auf verschiedene Schauspieler. ... Er genießt das Bombardement der Sinne." Bei den Proben wandte O'Horgan Techniken an, die von Viola Spolin und Paul Sills weitergegeben wurden und die Rollenspiele und Improvisations-"Spiele" beinhalten. Viele der während dieses Prozesses erprobten Improvisationen wurden in das Broadway-Drehbuch aufgenommen. O'Horgan und die neue Choreografin Julie Arenal förderten die Freiheit und Spontaneität ihrer Schauspieler und führten einen organischen, expansiven Inszenierungsstil" ein, der am Broadway noch nie zuvor zu sehen war. Die Inspiration für die Nacktheit kam den Autoren, als sie eine Anti-Kriegs-Demonstration im Central Park sahen, bei der sich zwei Männer als Ausdruck des Trotzes und der Freiheit nackt auszogen, und sie beschlossen, diese Idee in die Show einzubauen. O'Horgan hatte in vielen seiner Theaterstücke Nacktheit verwendet und half dabei, die Idee in das Stück zu integrieren. ⓘ

Papp lehnte eine Broadway-Produktion ab, und so produzierte Butler die Show selbst. Eine Zeit lang sah es so aus, als ob Butler kein Broadway-Theater finden würde, da die Shuberts, Nederlanders und andere Theaterbesitzer den Stoff für zu kontrovers hielten. Butler hatte jedoch familiäre Verbindungen und kannte wichtige Leute; er überredete den Besitzer des Biltmore Theatre, David Cogan, seine Spielstätte zur Verfügung zu stellen. ⓘ

Inhaltsangabe

Erster Akt

Claude, der nominelle Anführer des "Stammes", sitzt in der Mitte der Bühne, während sich der Stamm unter das Publikum mischt. Die Stammesmitglieder Sheila, eine Studentin der New York University, die eine entschlossene politische Aktivistin ist, und Berger, ein respektloser Freigeist, schneiden eine Locke von Claudes Haar ab und verbrennen sie in einem Gefäß. Nachdem der Stamm in Zeitlupe durch das Publikum auf die Bühne gestürmt ist, beginnen sie ihre Feier als Kinder des Wassermannzeitalters ("Aquarius"). Berger zieht seine Hose aus und enthüllt einen Lendenschurz. Er interagiert mit dem Publikum, stellt sich als "psychedelischer Teddybär" vor und verrät, dass er "auf der Suche nach meiner Donna" ist ("Donna"). ⓘ

Der Stamm rezitiert eine Liste von legalen und illegalen Medikamenten ("Hashish"). Woof, eine sanfte Seele, preist verschiedene Sexualpraktiken an ("Sodomie") und sagt: "Ich baue Dinge an". Er liebt Pflanzen, seine Familie und das Publikum und sagt dem Publikum: "Wir sind alle eins. Hud, ein militanter Afroamerikaner, wird kopfüber an einer Stange hereingetragen. Er erklärt sich zum "Präsidenten der Vereinigten Staaten von Liebe" ("Colored Spade"). Mit einem falschen englischen Akzent sagt Claude, er sei "das schönste Tier im Wald" aus "Manchester, England". Ein Stammesmitglied erinnert ihn daran, dass er in Wirklichkeit aus Flushing, New York ("Manchester, England") stammt. Hud, Woof und Berger erklären, welche Farbe sie haben ("Ich bin schwarz"), während Claude sagt, er sei "unsichtbar". Der Stamm rezitiert eine Liste von Dingen, die ihm fehlen ("Ain't Got No"). Vier afroamerikanische Stammesmitglieder rezitieren in symbolischer Reihenfolge Straßenschilder ("Dead End"). ⓘ

Sheila wird auf die Bühne getragen ("I Believe in Love") und leitet den Stamm zu einem Protestgesang an. Jeanie, eine exzentrische junge Frau, erscheint mit einer Gasmaske und persifliert die Umweltverschmutzung ("Air"). Sie ist schwanger und in Claude verliebt. Obwohl sie sich wünscht, dass es Claudes Baby ist, wurde sie "von einem verrückten Speed-Freak geschwängert". Der Stamm verbindet LBJ (Präsident Lyndon B. Johnson), FBI (Federal Bureau of Investigation), CIA (Central Intelligence Agency) und LSD ("Initials") miteinander. Sechs Mitglieder des Stammes erscheinen als Claudes Eltern verkleidet und beschimpfen ihn für seine verschiedenen Verfehlungen - er hat keinen Job und sammelt "Berge von Papier", Ausschnitte und Notizen. Sie sagen ihm, dass sie ihm kein Geld mehr geben werden, und "die Armee wird einen Mann aus dir machen", indem sie ihm seinen Einberufungsbescheid vorlegen. Aus Trotz feiert Claude mit dem Stamm seine Vitalität ("I Got Life"). ⓘ

Nachdem er imaginäre Pillen an die Stammesmitglieder verteilt hat und sagt, die Pillen seien für bekannte Persönlichkeiten wie Richard Nixon, den Papst und "Alabama Wallace", erzählt Berger, wie er von der High School verwiesen wurde. Drei Stammesmitglieder verkleiden sich als Schuldirektoren mit Hitlerschnurrbärten und Hakenkreuzarmbinden und machen sich über das amerikanische Bildungssystem lustig. Berger und der Stamm widersetzen sich ihnen und singen "Going Down". Claude kommt von seiner Musterung zurück, die er bestanden hat. Er tut so, als wolle er seinen Wehrpass aus dem Vietnamkrieg verbrennen, was Berger als Bibliotheksausweis entlarvt. Claude quält sich mit der Frage, was er tun soll, wenn er eingezogen wird. ⓘ

Zwei als Touristen verkleidete Stammesmitglieder kommen den Gang entlang und fragen den Stamm, warum sie so lange Haare haben. Als Antwort erklären Claude und Berger dem Stamm die Bedeutung ihrer Locken ("Hair"). Die Frau erklärt, dass Kinder "frei sein sollten, ohne Schuldgefühle" und "tun sollten, was sie wollen, solange sie niemandem wehtun". Sie stellt fest, dass langes Haar natürlich ist, wie das "elegante Gefieder" der männlichen Vögel ("Meine Überzeugung"). Sie öffnet ihren Mantel und enthüllt, dass sie ein Mann in Frauenkleidern ist. Als das Paar geht, nennt der Stamm sie Margaret Mead. ⓘ

Sheila schenkt Berger ein gelbes Hemd. Er blödelt herum und reißt es schließlich entzwei. Sheila äußert ihre Verzweiflung darüber, dass Berger sich mehr um die "blutende Menge" zu kümmern scheint als um sie ("Easy to Be Hard"). Jeanie fasst die romantischen Verstrickungen aller zusammen: "Ich hänge an Claude, Sheila hängt an Berger, Berger hängt überall. Claude hängt an einem Kreuz über Sheila und Berger." Berger, Woof und ein anderes Stammesmitglied zollen der amerikanischen Flagge satirischen Tribut, indem sie sie falten ("Don't Put it Down"). Der Stamm läuft auf das Publikum zu und lädt es zu einem Be-In ein. Nachdem die junge und unschuldige Crissy "Frank Mills", einen Jungen, den sie sucht, beschrieben hat, nimmt der Stamm an dem "Be-In" teil. Die Männer des Stammes verbrennen ihre Einberufungskarten. Claude wirft seine Karte ins Feuer, überlegt es sich dann anders und holt sie wieder heraus. Er fragt: "Wo ist das Etwas, wo ist der Jemand, der mir sagt, warum ich lebe und sterbe?" ("Where Do I Go"). Der Stamm taucht nackt auf und intoniert "Perlen, Blumen, Freiheit, Glück". ⓘ

Zweiter Akt

Vier Stammesmitglieder haben den "Electric Blues". Nach einem Stromausfall betet der Stamm, um Claude zu beschwören ("Oh Great God of Power"). Claude kehrt aus dem Einberufungszentrum zurück, und die Stammesmitglieder spielen ein imaginäres Gespräch aus Claudes Einberufungsgespräch nach, in dem Hud sagt: "Die Einberufung bedeutet, dass die Weißen die Schwarzen in den Krieg gegen die Gelben schicken, um das Land zu verteidigen, das sie den Roten gestohlen haben". Claude schenkt Woof ein Mick Jagger-Poster, und Woof freut sich über das Geschenk, denn er hat gesagt, dass er auf Jagger abfährt. Drei weiße Frauen des Stammes erzählen, warum sie "Black Boys" mögen ("black boys are delicious ..."), und drei schwarze Frauen des Stammes, gekleidet wie The Supremes, erklären, warum sie "White Boys" mögen ("white boys are so pretty ..."). ⓘ

Berger gibt Claude einen Joint, der mit einem Halluzinogen versetzt ist. Claude beginnt zu trippeln, während der Stamm seine Visionen nachspielt ("Walking in Space"). Er halluziniert, dass er mit dem Fallschirm aus einem Flugzeug in den Dschungel von Vietnam springt. Berger erscheint als General George Washington und wird aufgefordert, sich wegen eines Indianerangriffs zurückzuziehen. Die Indianer erschießen alle von Washingtons Männern. General Ulysses S. Grant erscheint und beginnt mit einem Appell: Abraham Lincoln (gespielt von einem schwarzen weiblichen Stammesmitglied), John Wilkes Booth, Calvin Coolidge, Clark Gable, Scarlett O'Hara, Aretha Franklin, Colonel George Custer. Claude Bukowski wird zum Appell aufgerufen, aber Clark Gable sagt, dass er es nicht schafft". Sie alle tanzen ein Menuett, bis drei afrikanische Medizinmänner sie töten - alle außer Abraham Lincoln, der sagt: "Ich bin einer von euch". Nachdem die drei Afrikaner sein Loblied gesungen haben, rezitiert Lincoln eine alternative Version der Gettysburg Address ("Abie Baby"). Booth erschießt Lincoln, aber Lincoln sagt zu ihm: "Scheiße! Ich sterbe nicht für einen weißen Mann". ⓘ

Als die Visionen weitergehen, treten vier buddhistische Mönche ein. Ein Mönch übergießt einen anderen Mönch mit einem Benzinkanister, der daraufhin angezündet wird (in Anlehnung an die Selbstverbrennung von Thích Quảng Đức) und schreiend davonläuft. Drei katholische Nonnen erwürgen die drei verbliebenen buddhistischen Mönche. Drei Astronauten erschießen die Nonnen mit Strahlenpistolen. Drei Chinesen erstechen die Astronauten mit Messern. Drei amerikanische Ureinwohner töten die Chinesen mit Bögen und Tomahawks. Drei Green Berets töten die amerikanischen Ureinwohner mit Maschinengewehren und bringen sich dann gegenseitig um. Ein Sergeant und zwei Eltern erscheinen und halten einen Anzug auf einem Bügel hoch. Die Eltern sprechen mit dem Anzug, als ob es ihr Sohn wäre und sie sehr stolz auf ihn wären. Die Körper erheben sich und spielen wie Kinder. Das Spiel eskaliert zu Gewalt, bis sie alle wieder tot sind. Sie erheben sich wieder und äußern sich zu den Opfern in Vietnam: "Es ist ein schmutziger kleiner Krieg" ("Drei-Fünf-Null-Null"). Am Ende der Reisesequenz singen zwei Stammesmitglieder über den Leichen eine vertonte Shakespeare-Rede über den Adel des Menschen ("What A Piece of Work Is Man"). ⓘ

Nach der Reise sagt Claude: "Ich kann es nicht ertragen, von einem Moment zum anderen auf der Straße zu leben. ... Ich weiß, was ich sein will ... unsichtbar". Während sie "den Mond betrachten", genießen Sheila und die anderen einen lichten Moment ("Good Morning Starshine"). Der Stamm zollt einer alten Matratze Tribut ("Das Bett"). Claude wird mit seinen Zweifeln allein gelassen. Er geht, als der Stamm in Decken gehüllt inmitten eines Schneesturms eintritt. Sie stimmen einen Protestgesang an und fragen sich dann, wo Claude geblieben ist. Berger ruft "Claude! Claude!" Claude kommt in einer Militäruniform und mit kurzem Haar herein, aber sie sehen ihn nicht, weil er ein unsichtbarer Geist ist. Claude sagt: "Ob es ihnen gefällt oder nicht, sie haben mich." ⓘ

Claude und alle singen "Flesh Failures". Der Stamm bewegt sich vor Claude, während Sheila und Dionne den Text aufgreifen. Der ganze Stamm stimmt "Let the Sun Shine In" an, und als sie die Bühne verlassen, sehen sie Claude in der Mitte der Bühne auf einem schwarzen Tuch liegen. Während des Vorhangs wiederholt der Stamm "Let the Sun Shine In" und holt die Zuschauer zum Tanzen auf die Bühne. ⓘ

(Hinweis: Diese Zusammenfassung der Handlung basiert auf dem ursprünglichen Broadway-Drehbuch. Das Skript hat sich in späteren Produktionen geändert.) ⓘ

Hauptrollen; ursprüngliche Off-Broadway- und Broadway-Besetzungen

Claude Hooper Bukowski - Walker Daniels / James Rado
George Berger - Gerome Ragni
Sheila Franklin - Jill O'Hara / Lynn Kellogg
Jeanie - Sally Eaton
Neil "Wuff" Donovan - Steve Dean / Steve Curry
Hud - Arnold Wilkerson / Lamont Washington
Crissy - Shelley Plimpton

In der ursprünglichen Broadway-Produktion waren auch Melba Moore als Dionne, Ronnie Dyson, Paul Jabara und Diane Keaton zu sehen. ⓘ

Frühe Produktionen

Broadway

Die Premiere von Hair am Broadway fand am 29. April 1968 im Biltmore Theatre statt. Regie führte Tom O'Horgan, die Choreografie stammt von Julie Arenal, das Bühnenbild von Robin Wagner, die Kostüme von Nancy Potts und das Lichtdesign von Jules Fisher. Zum ursprünglichen Broadway-Stamm" (d. h. der Besetzung) gehörten die Autoren Rado und Ragni, die die Hauptrollen Claude bzw. Berger spielten, Kellogg als Sheila, Washington als Hud, Eaton und Plimpton, die ihre Off-Broadway-Rollen als Jeanie und Crissy wieder aufnahmen, Moore als Dionne, Curry als Woof, Dyson (der "Aquarius" und "What a Piece of Work is Man" sang), Jabara und Keaton (sowohl Moore als auch Keaton spielten später Sheila). Zu den Darstellern, die während der ursprünglichen Broadway-Aufführung in Hair auftraten, gehörten Ben Vereen, Keith Carradine, Barry McGuire, Ted Lange, Meat Loaf, La La Brooks, Mary Seymour (von Musique), Joe Butler, Peppy Castro (von den Blues Magoos), Robin McNamara, Heather MacRae (Tochter von Gordon MacRae und Sheila MacRae), Eddie Rambeau, Vicki Sue Robinson, Beverly Bremers, Dale Soules und Kim Milford. Es war die erste Broadway-Show mit einem regulären Kartenpreis von 50 $, wobei 12 der Plätze zu diesem Preis ab Juli 1968 an große Unternehmen verkauft wurden. Der Höchstpreis bei der Premiere betrug 11 $. ⓘ

Das Hair-Team wurde bald in einen Rechtsstreit mit den Organisatoren der Tony Awards verwickelt. Nachdem man dem Produzenten Michael Butler versichert hatte, dass der Beginn der Voraufführungen bis zum 3. April 1968 die Teilnahme an den Tonys 1968 sichern würde, erklärte die New York Theatre League Hair für nicht teilnahmeberechtigt und verschob den Stichtag auf den 19. März. Die Produzenten reichten Klage ein, konnten die Liga jedoch nicht dazu zwingen, ihre Entscheidung zu überdenken. Bei den Tonys 1969 wurde Hair für das beste Musical und die beste Regie nominiert, verlor aber in beiden Kategorien gegen 1776. Die Produktion lief vier Jahre und 1.750 Vorstellungen lang und wurde am 1. Juli 1972 eingestellt. ⓘ

Frühe regionale Produktionen

Die Version für die Westküste wurde im Aquarius Theater in Los Angeles aufgeführt, wo sie etwa sechs Monate nach der Broadway-Eröffnung begann und zwei Jahre lang lief. Zum Stamm in Los Angeles gehörten Rado, Ragni, Ben Vereen (der Ragni ersetzte), Willie Weatherly (der Berger und Claude spielte), Ted Neeley (der Rado ersetzte), Meat Loaf, Gloria Jones, Táta Vega, Jobriath, Jennifer Warnes und Dobie Gray. ⓘ

Bald gab es neun gleichzeitige Aufführungen in amerikanischen Städten, gefolgt von nationalen Tourneen. Zu den Darstellern gehörten Joe Mantegna, André DeShields und Alaina Reed (Chicago), David Lasley, David Patrick Kelly, Meat Loaf und Shaun Murphy (Detroit), Arnold McCuller (Tournee), Bob Bingham (Seattle) und Philip Michael Thomas (San Francisco). Das kreative Team vom Broadway arbeitete an Hair in Los Angeles, Chicago und San Francisco, da die Broadway-Inszenierung als grobe Vorlage für diese und andere frühe regionale Produktionen diente. Eine bemerkenswerte Ergänzung des Teams in Los Angeles war Tom Smothers, der als Koproduzent fungierte. Die regionalen Besetzungen bestanden zumeist aus lokalen Schauspielern, obwohl einige Broadway-Darsteller ihre Rollen in anderen Städten wieder aufnahmen. Manchmal griffen O'Horgan oder die Autoren neue Ideen und Improvisationen aus einer regionalen Show auf und brachten sie mit nach New York, wie zum Beispiel, als in Los Angeles lebende Hühner auf die Bühne geworfen wurden. ⓘ

Es war selten, dass so viele Produktionen gleichzeitig während einer ersten Broadway-Aufführung liefen. Der Produzent Michael Butler, der erklärt hatte, Hair sei "das stärkste Anti-Kriegs-Statement, das je geschrieben wurde", sagte, der Grund, warum er so viele Produktionen eröffnete, sei, die öffentliche Meinung gegen den Vietnamkrieg zu beeinflussen und ihn so schnell wie möglich zu beenden. ⓘ

West End

Hair wurde am 27. September 1968 im Shaftesbury Theatre in London eröffnet, unter der Leitung desselben kreativen Teams wie die Broadway-Produktion. Die Premiere verzögerte sich bis zur Abschaffung der Theaterzensur in England durch den Theatres Act 1968, so dass die Show Nacktheit und Obszönität enthalten konnte. Wie andere frühe Produktionen enthielt auch die Londoner Aufführung einige lokale Anspielungen und andere kleinere Abweichungen von der Broadway-Version. ⓘ

Zum Originalstamm in London gehörten Sonja Kristina, Peter Straker, Paul Nicholas, Melba Moore, Annabel Leventon, Elaine Paige, Paul Korda, Marsha Hunt, Floella Benjamin, Alex Harvey, Oliver Tobias, Richard O'Brien und Tim Curry. Dies war Currys erste Vollzeit-Theaterrolle, in der er seinen zukünftigen Rocky Horror Show-Kollegen O'Brien kennenlernte. Das Engagement von Hair in London übertraf die Broadway-Produktion und führte zu 1 997 Aufführungen, bis das Theater im Juli 1973 durch den Einsturz des Daches zur Schließung gezwungen wurde. ⓘ

Frühe internationale Produktionen

Mit der Leitung der fremdsprachigen Produktionen von Hair wurde Bertrand Castelli betraut, Butlers Partner und ausführender Produzent der Broadway-Show. Castelli war ein Schriftsteller und Produzent, der in Pariser Kunstkreisen verkehrte und mit Pablo Picasso und Jean Cocteau verkehrte. Butler beschrieb ihn als "verrückten Showman ... der Typ mit dem Business-Anzug und den Perlen". Castelli beschloss, die Show in der jeweiligen Landessprache zu inszenieren - zu einer Zeit, als Broadway-Shows immer auf Englisch aufgeführt wurden. Die Übersetzungen hielten sich eng an das Originaldrehbuch, und die Broadway-Inszenierungen wurden verwendet. Jedes Skript enthielt lokale Bezüge, wie Straßennamen und die Namen oder Darstellungen von lokalen Politikern und Berühmtheiten. Castelli produzierte mit Unternehmen in Frankreich, Deutschland, Mexiko und anderen Ländern und führte manchmal auch Regie. Die erste europäische Produktion wurde am 20. September 1968 in Stockholm, Schweden, mit Ulf Brunnberg und Bill Öhrström in der Hauptrolle, produziert und inszeniert von Pierre Fränckel und choreografiert von Julie Arenal, aufgeführt und erlebte 134 Vorstellungen bis März 1969. ⓘ

Eine deutsche Produktion unter der Regie von Castelli wurde einen Monat später in München aufgeführt; zum Stamm gehörten Donna Summer, Liz Mitchell und Donna Wyant. Eine erfolgreiche Pariser Produktion von Hair wurde am 1. Juni 1969 eröffnet. Die australische Originalproduktion wurde am 6. Juni 1969 in Sydney uraufgeführt, produziert von Harry M. Miller und unter der Regie von Jim Sharman, der auch die Inszenierung entwarf. Zum Stamm gehörten Keith Glass und später Reg Livermore als Berger, John Waters als Claude und Sharon Redd als The Magician. Redd war eine von sechs Afroamerikanern, die nach Australien gebracht wurden, um einen rassisch integrierten Stamm zu bilden. Die Inszenierung brach lokale Kassenrekorde und lief zwei Jahre lang, aber wegen einiger Ausdrücke in der Show wurde das Cast-Album in Queensland und Neuseeland verboten. Die Produktion wurde 1971 nach Melbourne übertragen und anschließend landesweit aufgeführt. Es war das Bühnendebüt der in Boston geborenen australischen Sängerin Marcia Hines. In Mexiko wurde die Produktion nach einer Nacht in Acapulco von der Regierung verboten. In der brasilianischen Produktion von 1969 trat die 18-jährige Sônia Braga auf. ⓘ

Eine weitere bemerkenswerte Produktion fand 1969 in Belgrad, im ehemaligen Jugoslawien, statt. Es war das erste Haar, das in einem kommunistischen Land produziert wurde. Das Stück, das ins Serbische übersetzt wurde, wurde von der Regisseurin Mira Trailović am Theater Atelje 212 inszeniert. In den Hauptrollen spielten Dragan Nikolić, Branko Milićević, Seka Sablić und Dušan Prelević. Im Laufe von vier Jahren wurde die Produktion 250 Mal aufgeführt und von Präsident Tito besucht. Zu den lokalen Bezügen im Drehbuch gehörten Sticheleien gegen Mao Zedong sowie gegen Albanien, den traditionellen Rivalen Jugoslawiens. ⓘ

Bis 1970 war Hair ein großer finanzieller Erfolg, und neunzehn Produktionen wurden außerhalb Nordamerikas aufgeführt. Neben den oben genannten waren dies Produktionen in Skandinavien, Südamerika, Italien, Israel, Japan, Kanada, den Niederlanden, der Schweiz und Österreich. Laut Billboard spielten die verschiedenen Produktionen der Show alle zehn Tage fast 1 Million Dollar ein, und es wurden Tantiemen für 300 verschiedene Aufnahmen der Songs der Show kassiert, was sie zur "erfolgreichsten Partitur in der Geschichte und zur meistgespielten Partitur, die je für die Broadway-Bühne geschrieben wurde", machte. ⓘ

Themen

Hair greift viele der Themen der Hippie-Bewegung der 1960er Jahre auf. Der Theaterautor Scott Miller beschrieb sie wie folgt:

[D]ie Jugend Amerikas, vor allem die an den Colleges, begann gegen all die Dinge zu protestieren, die ihrer Meinung nach mit Amerika nicht in Ordnung waren: Rassismus, Umweltzerstörung, Armut, Sexismus und sexuelle Unterdrückung, Gewalt zu Hause und der Krieg in Vietnam, Entpersönlichung durch neue Technologien und Korruption in der Politik. ... Entgegen der landläufigen Meinung hatten die Hippies großen Respekt vor Amerika und glaubten, dass sie die wahren Patrioten waren, die einzigen, die unser Land wirklich retten und es wieder zu dem machen wollten, was es sein konnte. ... [Langes Haar war die Flagge der Hippies - ihr ... Symbol nicht nur für Rebellion, sondern auch für neue Möglichkeiten, ein Symbol für die Ablehnung von Diskriminierung und restriktiven Geschlechterrollen (eine Philosophie, die in dem Lied "My Conviction" gefeiert wurde). Es symbolisierte die Gleichheit zwischen Männern und Frauen. ... [Auch die von den Hippies gewählte Kleidung setzte ein Zeichen. Die triste Arbeitskleidung (Jeans, Arbeitshemden, Erbsenmäntel) war eine Absage an den Materialismus. Kleidung aus anderen Kulturen, insbesondere aus der Dritten Welt und von amerikanischen Ureinwohnern, verdeutlichte ihr Bewusstsein für die globale Gemeinschaft und ihre Ablehnung von US-Imperialismus und Egoismus. Einfache Baumwollkleider und andere natürliche Stoffe waren eine Absage an synthetische Stoffe, eine Rückbesinnung auf natürliche Dinge und einfachere Zeiten. Einige Hippies trugen alte Jacken aus dem Zweiten Weltkrieg oder dem Bürgerkrieg, um die Symbole des Krieges in ihre neu entdeckte Philosophie der Gewaltlosigkeit zu integrieren. ⓘ

Rasse und Stammeszugehörigkeit

In Erweiterung der von Show Boat (1927) und Porgy and Bess (1935) geschaffenen Präzedenzfälle öffnete Hair das Broadway-Musical für die Rassenintegration; ein Drittel der Darsteller war Afroamerikaner. Außer in satirischen Sketchen wurden die schwarzen Mitglieder des Stammes in ihren Rollen als gleichberechtigt dargestellt, womit die traditionelle Rolle der Schwarzen in der Unterhaltungsbranche als Sklaven oder Bedienstete durchbrochen wurde. In einem Artikel des Magazins Ebony hieß es, die Show sei die größte Chance für schwarze Schauspieler in der Geschichte der US-Bühne. ⓘ

Mehrere Lieder und Szenen der Show behandeln rassistische Themen. "Colored Spade", in dem die Figur Hud, ein militanter schwarzer Mann, vorgestellt wird, besteht aus einer langen Liste rassistischer Schimpfwörter ("Dschungelhase ... kleiner schwarzer Sambo"), die mit der Erklärung gekrönt wird, Hud sei der "Präsident der Vereinigten Staaten von Liebe". Am Ende seines Liedes sagt er dem Stamm, dass der "Boogie Man" sie kriegen wird, während der Stamm vorgibt, Angst zu haben. "Dead End", gesungen von schwarzen Stammesmitgliedern, ist eine Liste von Straßenschildern, die schwarze Frustration und Entfremdung symbolisieren. Einer der Protestgesänge des Stammes lautet: "Was finden wir wirklich toll? Bombardieren, lynchen und segregieren!" "Black Boys/White Boys" ist ein überschwängliches Bekenntnis zur sexuellen Anziehung zwischen den Rassen; der Oberste Gerichtshof der USA hatte 1967 die Gesetze zum Verbot der Ehe zwischen Rassen aufgehoben. Ein weiterer Protestgesang des Stammes lautet "Schwarz, weiß, gelb, rot. Kopulieren in einem Kingsize-Bett". ⓘ

"Abie Baby" ist Teil der "Trip"-Sequenz im zweiten Akt: Vier afrikanische Medizinmänner, die gerade verschiedene historische, kulturelle und fiktive amerikanische Persönlichkeiten getötet haben, singen ein Loblied auf Abraham Lincoln, der von einem schwarzen weiblichen Stammesmitglied dargestellt wird, das sie nicht töten wollen. Der erste Teil des Liedes enthält stereotype Ausdrücke, die schwarze Figuren in alten Filmen verwendeten, wie "I's finished ... pluckin' y'all's chickens" und "I's free now thanks to y'all, Master Lincoln". Die Lincoln-Figur rezitiert dann eine modernisierte Version der Gettysburg Address, während ein weißes weibliches Stammesmitglied Lincolns Schuhe mit ihrem blonden Haar poliert. ⓘ

Die vielen Verweise auf die amerikanischen Ureinwohner im gesamten Drehbuch sind Teil der konsumfeindlichen, naturalistischen Ausrichtung der Hippie-Bewegung und von Hair. Die Figuren in der Show werden als "Stamm" bezeichnet, in Anlehnung an den Begriff für indianische Gemeinschaften. Die Darsteller jeder Produktion wählen einen Stammesnamen: "Die Praxis ist nicht nur kosmetisch ... die gesamte Besetzung muss zusammenarbeiten, muss sich mögen und muss oft innerhalb der Show als ein einziger Organismus funktionieren. Das ganze Gefühl von Familie, Zugehörigkeit, Verantwortung und Loyalität, das dem Wort 'Stamm' innewohnt, muss von den Darstellern gespürt werden." Um dieses Gefühl zu verstärken, führte O'Horgan mit den Darstellern Sensibilisierungsübungen durch, die auf Vertrauen, Berührung, Zuhören und intensiver Auseinandersetzung beruhten und die Barrieren zwischen den Darstellern und der Crew abbauten und den Zusammenhalt förderten. Diese Übungen basierten auf Techniken, die am Esalen-Institut und am Polish Lab Theater entwickelt wurden. Die Idee des Zusammenlebens von Claude, Berger und Sheila ist eine weitere Facette des Stammeskonzepts der 1960er Jahre. ⓘ

Nacktheit, sexuelle Freiheit und Drogenkonsum

Die kurze Nacktszene am Ende des ersten Aktes war Gegenstand von Kontroversen und Berühmtheit. Miller schreibt, dass "Nacktheit ein wichtiger Bestandteil der Hippiekultur war, sowohl als Ablehnung der sexuellen Unterdrückung durch die Eltern als auch als Ausdruck von Naturalismus, Spiritualität, Ehrlichkeit, Offenheit und Freiheit. Der nackte Körper war schön, etwas, das gefeiert und geschätzt werden sollte, nicht verachtet und versteckt. Sie sahen ihren Körper und ihre Sexualität als Geschenk und nicht als 'schmutzige' Dinge. ⓘ

Das Haar verherrlicht die sexuelle Freiheit in vielerlei Hinsicht. Neben der Akzeptanz interrassischer Anziehungskraft wirkt der Lebensstil der Figuren wie eine sexuell und politisch aufgeladene Aktualisierung von La bohème; wie Rado erklärt: "Das Liebeselement der Friedensbewegung war spürbar." In dem Lied "Sodomie" fordert Woof alle auf, "sich der heiligen Orgie Kama Sutra anzuschließen". Gegen Ende des zweiten Aktes offenbaren die Stammesmitglieder ihre Neigung zur freien Liebe, wenn sie sich darüber unterhalten, wer in dieser Nacht mit wem schlafen wird. Wuff ist in Mick Jagger verknallt, und eine Umarmung zu dritt zwischen Claude, Berger und Sheila wird zu einem Claude-Berger-Kuss. ⓘ

Verschiedene illegale Drogen werden von den Charakteren im Laufe der Show eingenommen, vor allem ein Halluzinogen während der Trip-Sequenz. Der Song "Walking in Space" leitet die Sequenz ein, und der Text feiert die Erfahrung, indem er erklärt: "Wie können sie es wagen, diese Schönheit zu beenden ... in diesem Tauchgang entdecken wir das Gefühl wieder ... unsere Augen sind offen, weit, weit, weit". In ähnlicher Weise singt Berger in dem Lied "Donna": "Ich entwickle mich durch die Drogen, die du mir gibst." An einer anderen Stelle raucht Jeanie Marihuana und weist die Kritiker von "Pot" zurück. Im Allgemeinen bevorzugt der Stamm halluzinogene oder "bewusstseinserweiternde" Drogen wie LSD und Marihuana, während er andere Drogen wie Speed und Depressiva ablehnt. So sagt Jeanie, nachdem sie enthüllt hat, dass sie von einem "Speed-Freak" schwanger ist, dass "Methedrin eine schlechte Szene ist". Der Song "Hashish" enthält eine Liste von illegalen und legalen Medikamenten, darunter Kokain, Alkohol, LSD, Opium und Thorazin, das als Antipsychotikum eingesetzt wird. ⓘ

Pazifismus und Umweltbewusstsein

Das Thema der Kriegsgegnerschaft, das sich durch die gesamte Show zieht, wird durch den Handlungsstrang, der sich durch das Buch zieht, vereint - Claudes moralisches Dilemma, ob er seinen Wehrpass verbrennen soll. Der Pazifismus wird in der ausgedehnten Reisesequenz im zweiten Akt erforscht. Der Text des Liedes "Three-Five-Zero-Zero", das während dieser Sequenz gesungen wird, beschwört die Schrecken des Krieges herauf ("ripped open by metal explosion"). Das Lied basiert auf Allen Ginsbergs Gedicht "Wichita Vortex Sutra" von 1966. In dem Gedicht gibt General Maxwell Taylor der Presse stolz die Zahl der in einem Monat getöteten feindlichen Soldaten bekannt, wobei er sie zur besseren Verständlichkeit Ziffer für Ziffer wiederholt: "Three-Five-Zero-Zero". Das Lied beginnt mit Bildern von Tod und Sterben und geht in eine manische Tanznummer über, die Maxwells Freude über die Meldung der feindlichen Verluste widerspiegelt, während der Stamm "Nehmt die Waffen hoch und fangt an zu töten" skandiert. Der Song enthält auch die wiederholte Phrase "Prisoners in niggertown/ It's a dirty little war". ⓘ

"Don't Put It Down" persifliert den ungeprüften Patriotismus von Leuten, die "verrückt nach der amerikanischen Flagge" sind. "Be In (Hare Krishna)" preist die Friedensbewegung und Ereignisse wie die Be-Ins in San Francisco und im Central Park. Während der gesamten Show skandiert der Stamm populäre Protestslogans wie "What do we want? Frieden! - When do we want it? Jetzt!" und "Betreten Sie nicht das Einweisungszentrum". Der beschwingte Song "Let the Sun Shine In" ist ein Aufruf zum Handeln, um die Dunkelheit des Krieges abzulehnen und die Welt zum Besseren zu verändern. ⓘ

Hair zielt mit seiner Satire auch auf die Umweltverschmutzung durch unsere Zivilisation. Jeanie erscheint mit einer Gasmaske aus einer Falltür auf der Bühne und singt dann den Song "Air": "Willkommen, Schwefeldioxid. Hallo Kohlenmonoxyd. Die Luft ... ist überall". Sie deutet an, dass die Umweltverschmutzung sie schließlich töten wird, "Dampf und Qualm am Stein meines Grabes, der wie ein mürrisches Parfüm atmet". Als Woof sich selbst vorstellt, erklärt er auf komische Weise, dass er "Dinge anbaut" wie "Rüben und Mais ... und Erbsen" und dass er "die Blumen und den Flaum und die Bäume liebt". ⓘ

Religion und Astrologie

Die Religion, insbesondere der Katholizismus, taucht in dem Stück sowohl offen als auch symbolisch auf und wird oft zum Gegenstand von Witzen gemacht. Berger singt von der Suche nach "meiner Donna" und gibt ihr damit die doppelte Bedeutung der Frau, die er sucht, und der Madonna. In "Sodomy", einem hymnischen Lobgesang auf alles "Schmutzige" am Sex, nimmt die Besetzung religiöse Positionen ein: die Pietà und Christus am Kreuz. Vor dem Lied rezitiert Woof einen abgewandelten Rosenkranz. Im zweiten Akt, als Berger verschiedenen berühmten Persönlichkeiten imaginäre Pillen gibt, bietet er "eine Pille für den Papst" an. In "Going Down" vergleicht sich Berger, nachdem er von der Schule geflogen ist, mit Luzifer: "Wie der gefallene Engel / Für immer in die Hölle verbannt / Bin ich heute aus dem Schulhimmel vertrieben worden." Claude wird an verschiedenen Stellen des Stücks zu einer klassischen Christusfigur. Im ersten Akt tritt Claude auf und sagt: "Ich bin der Sohn Gottes. Ich werde verschwinden und vergessen werden", dann spricht er den Segen für den Stamm und das Publikum. Claude leidet an Unentschlossenheit und fragt in seinem Gethsemane am Ende des ersten Aktes: "Wohin gehe ich?". Es gibt textliche Anspielungen darauf, dass Claude am Kreuz hängt, und am Ende ist er auserwählt, sein Leben für die anderen zu geben. Berger wird als Johannes der Täufer gesehen, der Claude den Weg bereitet. ⓘ

Auszug aus "Aquarius"

Harmonie und Verständnis
Sympathie und Vertrauen im Überfluss.
Keine Unwahrheiten oder Spötteleien mehr
Goldene Lebensträume von Visionen
Mystische Kristall-Offenbarung
Und die wahre Befreiung des Geistes.
Wassermann ⓘ

Lieder wie "Good Morning, Starshine" und "Aquarius" spiegeln das kulturelle Interesse der 1960er Jahre an astrologischen und kosmischen Konzepten wider. "Aquarius" war das Ergebnis von Rados Nachforschungen über sein eigenes Sternzeichen. Die Astrologin der Firma, Maria Crummere, wurde bei der Besetzung zu Rate gezogen: Sheila wurde normalerweise von einer Waage oder einem Steinbock gespielt und Berger von einem Löwen, obwohl Ragni, der ursprüngliche Berger, eine Jungfrau war. Crummere wurde auch zu Rate gezogen, als es darum ging, wann die Show am Broadway und in anderen Städten aufgeführt werden sollte. Der Broadway Playbill von 1971 berichtet, dass sie den 29. April 1968 für die Broadway-Premiere auswählte. "Der 29. April war günstig ... weil der Mond hoch stand, was darauf hindeutete, dass die Leute in Scharen kommen würden. Die Position der 'Geschichtsmacher' (Pluto, Uranus, Jupiter) im 10. Haus machte die Show einzigartig, kraftvoll und zu einem Geldbringer. Und die Tatsache, dass Neptun im Aszendenten stand, sagte voraus, dass Hair einen Ruf entwickeln würde, der mit Sex zu tun hatte." ⓘ

In Mexiko, wo Crummere das Eröffnungsdatum nicht ausgewählt hatte, wurde die Show nach einer Nacht von der Regierung geschlossen. Sie war mit dem Datum der Eröffnung in Boston (wo die Produzenten wegen des Inhalts der Show verklagt wurden) nicht zufrieden: "Jupiter wird in Opposition zum bösen Saturn stehen, und die Show wird genau am Tag der Sonnenfinsternis eröffnet. Schrecklich." Aber es gab keine astrologisch sichere Zeit in der nahen Zukunft. ⓘ

Literarische Themen und Symbolik

Hair enthält viele Anspielungen auf Shakespeares Stücke, insbesondere auf Romeo und Julia und Hamlet, und manchmal stammt das lyrische Material direkt von Shakespeare. So stammt beispielsweise der Text des Liedes "What a Piece of Work Is Man" aus Hamlet (II: Szene 2) und Teile von "Flesh Failures" ("the rest is silence") sind aus Hamlets letzten Zeilen. In "Flesh Failures/Let The Sun Shine In" lautet der Text "Eyes, look your last!/ Arms, take your last embrace! And lips, O you/ The doors of breath, seal with a righteous kiss" stammen aus Romeo and Juliet (V: iii, 111-14). Miller zufolge verdeutlicht die Romeo-Selbstmord-Symbolik, dass wir uns mit unserer Komplizenschaft im Krieg selbst umbringen. ⓘ

In symbolischer Hinsicht wurde die fortlaufende Handlung von Claudes Unentschlossenheit, insbesondere sein Widerstand gegen die Verbrennung seines Wehrpasses, der schließlich zu seinem Tod führt, als Parallele zu Hamlet gesehen: "der melancholische Hippie". Die Symbolik setzt sich in der letzten Szene fort, in der Claude als geisterhafter Geist unter seinen Freunden auftaucht und eine Armeeuniform trägt - ein ironisches Echo einer früheren Szene, in der er sagt: "Ich weiß, was ich sein will ... unsichtbar". Der künstlerische Leiter des Public Theater, Oskar Eustis, erklärt: "In beiden Stücken [Hair und Hamlet] geht es um idealistische, brillante Männer, die darum kämpfen, ihren Platz in einer von Krieg, Gewalt und käuflicher Politik geprägten Welt zu finden. Sie sehen sowohl die leuchtenden Möglichkeiten als auch die härtesten Realitäten des Menschseins. Da sie nicht in der Lage sind, das Böse um sie herum wirksam zu bekämpfen, erliegen sie am Ende auf tragische Weise. ⓘ

Weitere literarische Anspielungen sind der Song "Three-Five-Zero-Zero", der auf Ginsbergs Gedicht "Wichita Vortex Sutra" basiert, und in der psychedelischen Drogentrip-Sequenz die Darstellung von Scarlett O'Hara aus Vom Winde verweht und des aktivistischen afroamerikanischen Dichters LeRoi Jones. ⓘ

Dramaturgie

In seiner Einleitung zum veröffentlichten Drehbuch von Viet Rock sagt Richard Schechner: "Aufführung, Handlung und Ereignis sind die Schlüsselbegriffe unseres Theaters - und diese Begriffe sind nicht literarisch." In den 1950er Jahren begannen die Off-Off-Broadway-Theater mit nicht traditionellen Theaterrollen zu experimentieren und verwischten die Grenzen zwischen Dramatiker, Regisseur und Schauspieler. Die Aufgabe des Dramatikers bestand nicht nur darin, Worte auf eine Seite zu bringen, sondern ein Theatererlebnis zu schaffen, das auf einer zentralen Idee basiert. Bis 1967 entwickelten Theater wie The Living Theatre, La MaMa E.T.C. und The Open Theatre aktiv Stücke aus improvisierten Szenen, die im Proberaum entstanden, anstatt einem traditionellen Drehbuch zu folgen. ⓘ

Viet Rock und Haare

Das Stück Viet Rock von Megan Terry entstand in diesem improvisierten Prozess. Die Szenen in Viet Rock waren auf "prälogische Weise" miteinander verbunden: eine Szene konnte aus einer Tangente der vorangegangenen Szene entstehen, sie konnte psychologisch verbunden sein oder einen Kontrapunkt zur vorherigen Szene bilden. Die Schauspieler wurden aufgefordert, ihre Rollen in der Mitte einer Aufführung und häufig mitten in der Szene zu wechseln. In ihren Regieanweisungen für eine Szene einer Senatsanhörung in Viet Rock schrieb Terry: "Die Schauspieler sollten abwechselnd Senatoren und Zeugen sein; die Verwandlungen sollten abrupt und vollständig sein. Wenn der Schauspieler mit einer Figur fertig ist, wird er zu einer anderen oder nur zu einem Schauspieler." ⓘ

Hair wurde in ähnlicher Weise konzipiert. Tom O'Horgan, der Broadway-Regisseur der Show, war eng mit der experimentellen Theaterbewegung verbunden. Beim Übergang zum Broadway arrangierten O'Horgan und die Autoren die Szenen neu, um die experimentellen Aspekte der Show zu verstärken. In Hair schlüpfen die Schauspieler im Laufe des Stücks in verschiedene Rollen, manchmal sogar in ein und derselben Szene, wie bei Claudes psychedelischem Trip im zweiten Akt. Sowohl Hair als auch Viet Rock enthalten Rockmusik, die stark von den Massenmedien übernommen wurde, und durchbrechen häufig die unsichtbare "vierte Wand", um mit dem Publikum zu interagieren. So mischt sich zum Beispiel in der Eröffnungsnummer der Stamm unter das Publikum, und am Ende der Show wird das Publikum auf die Bühne gebeten. ⓘ

Produktionsdesign

Bei der ursprünglichen Broadway-Produktion war die Bühne völlig offen, ohne Vorhang, und der Fliegenbereich und das Gitter waren für das Publikum sichtbar. Der Proszeniumsbogen war mit einem kletterfähigen Gerüst umrandet. Wagners spärliches Bühnenbild war in Grautönen gestrichen und mit Straßengraffiti beschmiert. Die Bühne war geharkt, und ein Turm aus abstraktem Gerüst im hinteren Teil der Bühne vereinte einen indianischen Totempfahl und eine moderne Skulptur eines kreuzförmigen Baumes. Dieses Gerüst war mit Fundstücken geschmückt, die die Darsteller in den Straßen von New York gesammelt hatten. Dazu gehörten ein lebensgroßer Busfahrer aus Pappmaché, der Kopf von Jesus und eine Neonmarkise des Waverly-Kinos in Greenwich Village. Die Kostüme von Potts basierten auf der Straßenkleidung der Hippies, die durch verstärkte Farben und Texturen theatralischer gestaltet wurden. Dazu gehörten Teile von Militäruniformen, Röhrenjeans mit ukrainischen Stickereien, gefärbte T-Shirts und ein rot-weiß-blauer Fransenmantel. Frühe Produktionen waren hauptsächlich Reproduktionen dieses Grunddesigns. ⓘ

Nacktszene

"Über diese Szene ist viel geschrieben worden ... das meiste davon ist dumm", schrieb Gene Lees in High Fidelity. Die Szene wurde von zwei Männern inspiriert, die sich während einer informellen Anti-Kriegs-Versammlung auszogen, um die Polizei zu ärgern. Während "Where Do I Go?" war die Bühne mit einem riesigen Tuch bedeckt, unter dem sich die Teilnehmer der Szene entkleideten. Auf das musikalische Stichwort hin "standen sie nackt und regungslos da, ihre Körper in Fishers Lichtprojektion von Blumenmustern getaucht. Sie sangen von 'Perlen, Blumen, Freiheit und Glück'". Das Ganze dauerte nur zwanzig Sekunden. Die Szene spielte sich so schnell ab und war so schwach beleuchtet, dass Jack Benny in der Pause einer Londoner Vorpremiere witzelte: "Haben Sie zufällig gesehen, ob einer von ihnen Jude war?" Nichtsdestotrotz löste die Szene an einigen Orten Zensurandrohungen und sogar gewalttätige Reaktionen aus. Sie wurde auch zum Futter für popkulturelle Witze. Groucho Marx witzelte: "Ich wollte mir den Film ansehen, aber dann habe ich im Theater angerufen. ... Sie sagten, die Karten kosten $11 pro Stück. Ich sagte, ich würde zurückrufen, ging in mein Badezimmer, zog mich aus und betrachtete mich im Ganzkörperspiegel. Dann rief ich das Theater an und sagte: 'Vergessen Sie's.'" ⓘ

Die Nacktheit war für die Darsteller freiwillig. Die französische Besetzung war die "nackteste" der ausländischen Gruppen, während die Londoner Besetzung "die Nacktheit am schwierigsten zu erreichen fand". Die schwedischen Darsteller zögerten, sich zu entkleiden, aber in Kopenhagen fand der Stamm die Nacktheit zu zahm und beschloss, während des Vorspiels der Show nackt den Gang auf und ab zu gehen. Bei einigen frühen Aufführungen spielten die Deutschen ihre Szene hinter einem großen Laken mit der Aufschrift "ZENSIERT". Das ursprüngliche Broadway-Besetzungsmitglied Natalie Mosco sagte: "Zuerst war ich strikt gegen die Nacktszene, aber ich erinnerte mich daran, dass mein Schauspiellehrer gesagt hatte, dass ein Teil der Schauspielerei darin besteht, in der Öffentlichkeit privat zu sein. Also habe ich es gemacht." Melba Moore meint: "Es bedeutet nichts, außer das, was man will. Wir legen so viel Wert auf Kleidung... ... Es ist wie so vieles, worüber sich die Leute aufregen." Donna Summer, die in der deutschen Produktion mitspielte, sagte, dass "es nicht sexuell gemeint war... Wir standen nackt da, um die Tatsache zu kommentieren, dass die Gesellschaft aus Nacktheit mehr macht als aus dem Töten". Rado sagte, dass "wenn man nackt vor einem Publikum steht, entblößt man seine Seele. Nicht nur die Seele, sondern der ganze Körper wurde entblößt. Das war sehr treffend, sehr ehrlich und fast schon notwendig". ⓘ

Musik

In diesen beiden Takten von "What a Piece of Work Is Man" zeigen die roten Noten eine schwache Silbe auf einem starken Beat an. ⓘ

Nachdem er an der Universität Kapstadt die Musik der Bantu studiert hatte, integrierte MacDermot afrikanische Rhythmen in die Partitur von Hair. Er hörte sich an, "was [die Bantu] quaylas nannten ... [die einen] sehr charakteristischen Beat haben, der dem Rock sehr ähnlich ist. Allerdings viel tiefer. ... Hair ist sehr afrikanisch - eine Menge [der] Rhythmen, nicht so sehr die Melodien". Quaylas betonen Beats auf unerwarteten Silben, und dieser Einfluss ist in Songs wie "What a Piece of Work Is Man" und "Ain't Got No Grass" zu hören. MacDermot sagte: "Meine Idee war es, eine totale Funk-Show zu machen. Sie sagten, sie wollten Rock & Roll - aber für mich bedeutete das 'Funk'." Dieser Funk ist in der gesamten Partitur zu hören, vor allem in Songs wie "Colored Spade" und "Walking in Space". ⓘ

MacDermot hat behauptet, dass die Songs "nicht alle gleich sein können. Man muss verschiedene Stile haben. ... Ich mag den Gedanken, dass sie alle ein wenig anders sind." Die Musik auf Hair umfasst die ganze Bandbreite des Rock: von der Rockabilly-Sensibilität von "Don't Put it Down" bis zu den Folk-Rock-Rhythmen von "Frank Mills" und "What a Piece of Work is Man". "Easy to Be Hard" ist purer Rhythmus und Blues, und Protest-Rock-Hymnen gibt es zuhauf: "Ain't Got No" und "The Flesh Failures". Der Acid-Rock von "Walking in Space" und "Aquarius" wird durch den Mainstream-Pop von "Good Morning Starshine" ausgeglichen. Scott Miller stellt eine Verbindung zwischen der Musik von Hair und den politischen Themen der Hippies her: "Die Hippies ... waren entschlossen, eine Kunst des Volkes zu schaffen, und die von ihnen gewählte Kunstform, die Rock-/Folkmusik, war ihrer Definition nach populistisch. ... [Die Musik der Hippies war oft sehr wütend, ihre Wut richtete sich gegen diejenigen, die die Verfassung prostituierten, die Amerika verrieten, die das verrieten, wofür Amerika stand; mit anderen Worten, sie richtete sich gegen ihre Eltern und die Regierung." Der Theaterhistoriker John Kenrick erklärt die Anwendung der Rockmusik auf das Medium Bühne:

Der gleiche harte Rocksound, der die Welt der populären Musik erobert hatte, fand seinen Weg auf die Musicalbühne mit zwei gleichzeitigen Hits - Your Own Thing [und] Hair. ... Diese Explosion von revolutionären Ausrufen, Profanität und Hardrock erschütterte das Musiktheater in seinen Grundfesten. ... Die meisten Leute in der Theaterbranche waren nicht bereit, Hair als etwas anderes als einen lauten Unfall zu betrachten. Die Tony-Wähler versuchten, die Bedeutung von Hair zu ignorieren und schlossen es von allen Ehrungen aus. Doch einige bestanden nun darauf, dass es Zeit für einen Wechsel war. Der Kritiker der New York Times, Clive Barnes, schwärmte, Hair sei "das erste Broadway-Musical seit einiger Zeit, das die authentische Stimme von heute und nicht von vorgestern hat. ⓘ

Die Musik fand nicht bei allen Anklang. Leonard Bernstein bemerkte: "Die Songs sind nur Wäschelisten" und verließ die Produktion. Richard Rodgers konnte nur den Beat hören und bezeichnete es als "Ein-Drittel-Musik". John Fogerty sagte: "Hair ist eine so verwässerte Version dessen, was wirklich los ist, dass ich überhaupt nicht dahinterstehen kann." Gene Lees schrieb für High Fidelity, dass John Lennon es "langweilig" fand, und er schrieb: "Ich kenne keinen Musiker, der es gut findet." ⓘ

Lieder

Die Partitur enthielt viel mehr Lieder als für Broadway-Shows dieser Zeit typisch waren. Die meisten Broadway-Shows hatten etwa sechs bis zehn Lieder pro Akt; bei Hair waren es insgesamt etwa dreißig. Diese Liste spiegelt die übliche Broadway-Besetzung wider. ⓘ

Erster Akt

"Aquarius" - Tribe und Solist (oft Dionne)
"Donna" - Berger und Tribe
"Haschisch" - Tribe
"Sodomie" - Wuff und Tribe
"Colored Spade" - Hud, Woof, Berger, Claude und Tribe
"Manchester England" - Claude und Tribe
"I'm Black/Ain't Got No" - Woof, Hud, Dionne und Tribe
"I Believe in Love" - Sheila und Tribe-Trio
"Air" - Jeanie mit Crissy und Dionne
"Initials (L.B.J.)" - Tribe
"I Got Life" - Claude und Tribe
"Going Down" - Berger und Tribe
"Haare" - Claude, Berger und Tribe
"Meine Überzeugung" - Margaret Mead (Touristin)
"Leicht sein, hart sein" - Sheila
"Don't Put It Down" - Berger, Woof und männliches Mitglied des Tribe
"Frank Mills" - Crissy
"Be-In (Hare Krishna)" - Tribe
"Wohin soll ich gehen?" - Claude und Tribe

Zweiter Akt

"Electric Blues" - Tribe-Quartett
"Black Boys" - Tribe Sextett (drei Männer, drei Frauen)
"Weiße Jungs" - Tribe Supremes-Trio
"Walking in Space" - Tribe
"Yes, I's Finished/Abie Baby" - Abraham Lincoln und Tribe-Trio (Hud und zwei Männer)
"Drei-Fünf-Null-Null" - Tribe
"What a Piece of Work Is Man" - Tribe-Duo
"Guten Morgen Sternenschein" - Sheila und Tribe
"Das Bett" - Tribe
"Aquarius" (Wiederholung) - Tribe
"Manchester England" (Wiederholung) - Claude und Tribe
"Augen schauen dein Letztes" - Claude und Tribe
"The Flesh Failures (Let the Sunshine In)" - Claude, Sheila, Dionne und Tribe ⓘ

Die Show wurde fast ständig umgeschrieben. Dreizehn Songs wurden zwischen der Produktion am Public Theater und am Broadway hinzugefügt, darunter "I Believe in Love". "The Climax" und "Dead End" wurden zwischen den Produktionen gestrichen, und "Exanaplanetooch" und "You Are Standing on My Bed" waren in den Voraufführungen enthalten, wurden aber vor der Broadway-Produktion gestrichen. Die Shakespeare-Rede "What a piece of work is a man" wurde ursprünglich von Claude gesprochen und von MacDermot für den Broadway vertont, und "Hashish" wurde aus einer frühen Rede von Berger geformt. Spätere Produktionen enthielten "Hello There", "Dead End" und "Hippie Life" - ein ursprünglich für den Film geschriebener Song, den Rado in den 1990er Jahren in mehreren Produktionen in Europa aufführte. Die Wiederaufnahme am Broadway im Jahr 2009 enthielt die zehn Sekunden langen Songs "Sheila Franklin" und "O Great God of Power", die aus der ursprünglichen Produktion gestrichen wurden. ⓘ

Aufnahmen

Die erste Aufnahme von Hair wurde 1967 mit der Off-Broadway-Besetzung gemacht. Die Originalaufnahme der Broadway-Besetzung wurde 1969 mit einem Grammy Award für die beste Filmmusik eines Original Cast Show Albums ausgezeichnet und verkaufte sich bis Dezember 1969 in den USA fast 3 Millionen Mal. Es erreichte Platz 1 der Billboard 200 Charts, das letzte Broadway Cast Album, das dies schaffte (Stand 2016). Es hielt sich im Jahr 1969 13 Wochen lang auf Platz 1. Auch in Australien erreichte das Album 1970 Platz 2 der Hitparade. Die New York Times stellte 2007 fest, dass "das Besetzungsalbum von Hair ... ein Muss für die Mittelschicht war. Sein exotisches orange-grünes Cover prägte sich sofort und unauslöschlich in die Psyche ein. ... [Es] wurde zu einem Pop-Rock-Klassiker, der, wie jeder gute Pop, eine Anziehungskraft hat, die über bestimmte Geschmäcker von Genres oder Epochen hinausgeht." Im Jahr 2019 hat die Library of Congress das Original-Broadway-Cast-Album in das National Recording Registry aufgenommen. ⓘ

Das Besetzungsalbum der Londoner Wiederaufnahme von 1993 enthält neue Musik, die in die Standard-Verleihversion aufgenommen wurde. Ein Studioalbum von 1969, DisinHAIRited (RCA Victor LSO-1163), enthält die folgenden Songs, die für die Show geschrieben worden waren, aber unterschiedlich oft auf der Bühne gespielt wurden. Einige der Songs wurden zwischen der Publikums- und der Broadway-Produktion gekürzt, andere wurden aus Platzgründen auf dem Original-Cast-Album weggelassen, und einige wurden nie auf der Bühne aufgeführt. ⓘ

"Der tausendjährige Mann" (One Thousand-Year-Old Man)
"So sing the Children of the Avenue"
"Manhattan Beggar"
"Sheila Franklin/Leading the Writing"
"Waschen der Welt"
"Exanaplanetooch"
"Hallo dort"
"Mr. Berger"
"Ich hänge"
"Die Krönung"
"Elektrischer Blues"
"Ich grabe"
"Nach unten gehen"
"Du stehst auf meinem Bett"
"Das Bett"
"Mess O' Dirt"
"Sackgasse"
"Oh großer Gott der Macht"
"Eyes Look Your Last/Sentimental Ending" ⓘ

Songs aus Hair wurden von zahlreichen Künstlern aufgenommen, darunter Shirley Bassey, Barbra Streisand und Diana Ross. "Good Morning Starshine" wurde 1969 in einer Folge der Sesamstraße von Bob McGrath gesungen, und es wurden Versionen von Künstlern wie Sarah Brightman, Petula Clark und Strawberry Alarm Clock aufgenommen. So unterschiedliche Künstler wie Liza Minnelli und The Lemonheads haben "Frank Mills" aufgenommen, und Andrea McArdle, Jennifer Warnes und Sérgio Mendes haben jeweils Versionen von "Easy to Be Hard" beigesteuert. Hair verhalf u. a. den Künstlern Meat Loaf, Dobie Gray, Jennifer Warnes, Jobriath, Bert Sommer, Ronnie Dyson, Donna Summer und Melba Moore zu einer Plattenkarriere. ⓘ

Auch die Filmmusik von Hair war in den Charts erfolgreich. The 5th Dimension veröffentlichten 1969 "Aquarius/Let the Sunshine In", das 1970 zur Platte des Jahres gekürt wurde und sechs Wochen lang die Hitparade anführte. Die Aufnahme des Titelsongs "Hair" von The Cowsills kletterte auf Platz 2 der Billboard Hot 100, während Olivers Version von "Good Morning Starshine" Platz 3 erreichte. Three Dog Night's Version von "Easy to Be Hard" stieg auf Platz 4. Nina Simones Medley von "Ain't Got No / I Got Life" aus dem Jahr 1968 erreichte die Top 5 in den britischen Charts. 1970 gab die ASCAP bekannt, dass "Aquarius" in den USA häufiger im Radio und Fernsehen gespielt wurde als jeder andere Song in diesem Jahr. ⓘ

Produktionen in England, Deutschland, Frankreich, Schweden, Japan, Israel, den Niederlanden, Australien und anderswo brachten Casting-Alben heraus, und es wurden über 1.000 Gesangs- und/oder Instrumentalaufführungen einzelner Songs aus Hair aufgenommen. Die Aufnahmen von Hair fanden so große Beachtung, dass ABC Records nach einem beispiellosen Bieterkrieg bereit war, eine Rekordsumme für MacDermots nächste Broadway-Adaption Two Gentlemen of Verona zu zahlen. Die am 23. Juni 2009 erschienene Aufnahme des Revivals erreichte Platz 1 der Billboard Top Cast Album"-Charts und Platz 63 der Top 200, was es zum bestverkauften Album in der Geschichte von Ghostlight Records machte. ⓘ

Kritische Aufnahme

Die Resonanz auf Hair bei seiner Broadway-Premiere war, mit Ausnahmen, überwältigend positiv. Clive Barnes schrieb in der New York Times: "Was ist so sympathisch an Hair ... ? Ich glaube, es ist einfach, dass es so sympathisch ist. So neu, so frisch und so unaufdringlich, selbst in seinen Ansprüchen." John J. O'Connor vom Wall Street Journal sagte, die Show sei "überschwänglich trotzig und die Inszenierung explodiert in jeden Winkel des Biltmore Theaters". Richard Watts Jr. von der New York Post schrieb, dass "das Stück einen überraschenden, wenn auch vielleicht unbeabsichtigten Charme hat, dass seine gute Laune ansteckend ist und dass es schwierig ist, seiner jungen Lebensfreude zu widerstehen." ⓘ

Die Kritiken im Fernsehen waren sogar noch enthusiastischer. Allan Jeffreys von ABC sagte, die Schauspieler seien "die talentiertesten Hippies, die man je gesehen hat ... unter der wunderbar wilden Regie von Tom O'Horgan." Leonard Probst von NBC sagte: "Hair ist das einzige neue Konzept für Musicals am Broadway seit Jahren und es macht mehr Spaß als jedes andere in dieser Saison". John Wingate von WOR TV lobte MacDermots "dynamische Partitur", die "explodiert und aufsteigt", und Len Harris von CBS sagte: "Ich habe endlich das beste Musical der Broadway-Saison gefunden ... es ist das schlampige, vulgäre, grandiose Tribal-Love-Rock-Musical Hair." ⓘ

Ein Rezensent von Variety hingegen nannte die Show "verrückt" und "ohne Geschichte, Form, Musik, Tanz, Schönheit oder Kunstfertigkeit. ... Es ist unmöglich zu sagen, ob [die Darsteller] Talent haben. Vielleicht ist Talent in dieser neuen Art des Showbusiness irrelevant". Die Kritiken in den Wochenzeitschriften waren gemischt; Jack Kroll in Newsweek schrieb: "Der schiere kinetische Schwung dieses neuen Haars ist nicht zu leugnen ... O'Horgans Virtuosität hat etwas Hartes, Greifbares, leicht Verdorbenes, wie Busby Berkeley, der zickig geworden ist." Ein Rezensent der Time schrieb jedoch, dass die Show zwar "vor Vitalität strotzt, aber durch die Tatsache, dass es sich um ein Musical ohne Buch handelt, verkrüppelt ist und wie ein Fisch ohne Gräten abtreibt, wenn er schwimmen sollte". ⓘ

Als Hair in London Premiere hatte, waren die Kritiken gemischt. Irving Wardle in der Times schrieb: "Seine Ehrlichkeit und Leidenschaft geben ihm die Qualität eines wahren Theaterfestes - der freudige Klang einer Gruppe von Menschen, die der Welt genau sagen, was sie fühlen." In der Financial Times stimmte B. A. Young zu, dass Hair "nicht nur ein wahnsinnig unterhaltsamer, sondern auch ein durch und durch moralischer Abend" sei. In seiner letzten Kritik vor seiner Pensionierung nach 48 Jahren schrieb der 78-jährige W. A. Darlington vom Daily Telegraph, er habe sich "Mühe gegeben", fand den Abend aber "völlig langweilig - laut, hässlich und ziemlich verzweifelt komisch". ⓘ

Scott Miller, der die Kritiker der Show anerkannte, schrieb 2001, dass "einige Leute nicht über das scheinbare Chaos und die Zufälligkeit hinwegsehen können, um die brillante Konstruktion und die ausgefeilte Bildsprache dahinter zu erkennen". Miller merkt an: "Nicht nur, dass sich viele der Texte nicht reimten, viele der Lieder hatten auch kein wirkliches Ende, sondern nur ein Abbremsen und Anhalten, so dass das Publikum nicht wusste, wann es applaudieren sollte. ... Die Show verwarf jede Konvention des Broadway, des traditionellen Theaters im Allgemeinen und des amerikanischen Musicals im Besonderen. Und es war brillant." ⓘ

Auszeichnungen und Nominierungen

Original-Broadway-Produktion

Jahr	Preisverleihung	Kategorie	Nominierte	Ergebnis ⓘ
1969	Tony-Preise	Bestes Musical		Nominiert
	Tony-Preise	Beste Regie bei einem Musical	Tom O'Horgan	Nominiert
	Grammy-Auszeichnungen	Beste Filmmusik aus einer Original Cast Show Album	Galt MacDermot, Gerome Ragni & James Rado (Komponisten); Andy Wiswell (Produzent)	Gewonnen

2009 Wiederaufnahme am Broadway

Jahr	Preisverleihung	Kategorie	Nominierte	Ergebnis ⓘ
2009	Tony-Preise	Beste Wiederaufführung eines Musicals		Gewonnen
		Beste Leistung eines Hauptdarstellers in einem Musical	Gavin Creel	Nominiert
		Beste Leistung eines Hauptdarstellers in einem Musical	Will Swenson	Nominiert
		Bestes Kostümdesign eines Musicals	Michael McDonald	Nominiert
		Bestes Lichtdesign eines Musicals	Kevin Adams	Nominiert
		Bestes Sounddesign eines Musicals	Acme Sound Partner	Nominiert
		Beste Regie bei einem Musical	Diane Paulus	Nominiert
		Beste Choreographie	Karole Armitage	Nominiert
	Drama Desk Auszeichnungen	Herausragende Wiederaufnahme eines Musicals		Gewonnen
		Herausragender Darsteller in einem Musical	Will Swenson	Nominiert
		Herausragender Hauptdarsteller in einem Musical	Bryce Ryness	Nominiert
		Herausragende Regie eines Musicals	Diane Paulus	Nominiert
		Herausragende Choreographie	Karole Armitage	Nominiert
		Herausragendes Bühnenbild	Scott Pask	Nominiert
		Hervorragendes Kostümdesign	Michael McDonald	Nominiert
		Herausragendes Lichtdesign in einem Musical	Kevin Adams	Nominiert

Sozialer Wandel

Auszüge aus dem Titelsong, "Hair"

Ich lasse es in der Brise fliegen und mich in den Bäumen verfangen,
Gib den Flöhen in meinem Haar ein Zuhause.
Ein Heim für Flöhe, ein Bienenstock für Bienen
Ein Nest für Vögel, es gibt keine Worte
Für die Schönheit, die Pracht, das Wunder meines Haares. ...

Lass es fließen, zeig es, solange Gott es wachsen lassen kann, mein Haar. ...
Oh sag, kannst du meine Augen sehen? Wenn du sie siehst
Dann ist mein Haar zu kurz. ...

Sie werden ga ga im Go Go sein, wenn sie mich in meiner Toga sehen,
Meine Toga aus blondem, glänzendem, biblischem Haar.
Mein Haar, wie Jesus es trug,
Halleluja, ich bete es an. ... ⓘ

Hair stellte 1968 viele der Normen der westlichen Gesellschaft in Frage. Der Name selbst, inspiriert vom Namen eines Gemäldes von Jim Dine, auf dem ein Kamm und ein paar Haarsträhnen abgebildet sind, war eine Reaktion auf die Beschränkungen der Zivilisation und des Konsumdenkens und eine Vorliebe für den Naturalismus. Rado erinnert sich, dass langes Haar "eine sichtbare Form des Bewusstseins in der Bewusstseinserweiterung war. Je länger die Haare wurden, desto expansiver war der Geist. Lange Haare waren schockierend, und es war ein revolutionärer Akt, sich lange Haare wachsen zu lassen. Es war eine Art Fahne, wirklich". ⓘ

Das Musical löste bei seiner Erstaufführung eine Kontroverse aus. Das Finale des ersten Akts war das erste Mal, dass in einer Broadway-Show völlig nackte Schauspielerinnen und Schauspieler zu sehen waren, und die Show wurde wegen Schändung der amerikanischen Flagge und Verwendung obszöner Sprache angeklagt. Diese Kontroversen sowie das Thema des Vietnamkriegs zogen in den ersten Jahren der Show gelegentlich Drohungen und Gewalttaten nach sich und bildeten die Grundlage für gerichtliche Klagen, als die Show in anderen Städten und auf Tournee gezeigt wurde. Zwei Fälle erreichten schließlich den Obersten Gerichtshof der USA. ⓘ

Rechtliche Anfechtungen und gewalttätige Reaktionen

Die Tournee von Hair stieß überall in den Vereinigten Staaten auf Widerstand. In South Bend, Indiana, weigerte sich das Morris Civic Auditorium, das Stück zu buchen, und in Evansville, Indiana, wurde die Produktion von mehreren kirchlichen Gruppen mit Streikposten blockiert. In Indianapolis, Indiana, hatten die Produzenten Schwierigkeiten, ein Theater zu finden, und die Stadtverwaltung schlug vor, dass die Darsteller Strümpfe tragen sollten, um einen Kompromiss mit der städtischen Verordnung über das Verbot öffentlich zur Schau gestellter Nacktheit zu finden. Die Produktionen wurden häufig mit der Schließung von Theatern durch den Brandinspektor konfrontiert, wie in Gladewater, Texas. Die Weigerung von Chattanooga aus dem Jahr 1972, das Stück im stadteigenen Memorial Auditorium zu zeigen, wurde später vom Obersten Gerichtshof der Vereinigten Staaten als unrechtmäßige Beschränkung eingestuft. ⓘ

Gegen die Anfechtung der Bostoner Produktion wurde beim Obersten Gerichtshof der USA Berufung eingelegt. Der Leiter des Lizenzbüros nahm Anstoß an der Darstellung der amerikanischen Flagge in dem Stück und sagte: "Jeder, der die Flagge entweiht, sollte auf dem Boston Common ausgepeitscht werden". Obwohl die Szene noch vor der Premiere entfernt wurde, begann die Staatsanwaltschaft mit Plänen, die Show zu stoppen, da auf der Bühne "unzüchtige und laszive" Handlungen stattfanden. Das Anwaltsteam von Hair erwirkte beim Superior Court eine einstweilige Verfügung gegen die Strafverfolgung, und der Staatsanwalt legte beim Massachusetts Supreme Judicial Court Berufung ein. Auf Antrag beider Parteien sahen sich mehrere Richter die Inszenierung an und urteilten, dass "jedes Mitglied der Besetzung in angemessenem Umfang bekleidet sein muss". Die Darsteller spielten die Szene später an diesem Abend trotzig nackt und erklärten, dass die Entscheidung hinsichtlich des Zeitpunkts ihres Inkrafttretens unklar sei. Am nächsten Tag, dem 10. April 1970, wurde die Produktion eingestellt, und die Kinos begannen aus Angst vor dem Nacktheitsurteil, Szenen aus den Filmen herauszuschneiden, die sie zeigten. Nachdem das Bundesberufungsgericht die Entscheidung des Gerichts von Massachusetts aufgehoben hatte, legte die Staatsanwaltschaft Berufung beim Obersten Gerichtshof der USA ein. In einer 4:4-Entscheidung bestätigte das Gericht die Entscheidung der Vorinstanz und erlaubte die Wiedereröffnung von Hair am 22. Mai. ⓘ

Im April 1971 wurde eine Bombe auf die Außenfassade eines Theaters in Cleveland, Ohio, geworfen, die von der Markise abprallte und Fensterscheiben im Gebäude und in den umliegenden Geschäften zersplitterte. Im selben Monat starben die Familien des Schauspielers Jonathon Johnson und des Bühnenmanagers Rusty Carlson bei einem Brand in dem Hotel in Cleveland, in dem 33 Mitglieder der Showtruppe untergebracht waren. Die Premiere der Produktion in Sydney, Australien, wurde im Juni 1969 durch eine Bombendrohung unterbrochen. ⓘ

Weltweite Reaktionen

Die lokalen Reaktionen auf das kontroverse Material waren sehr unterschiedlich. Die große Hippie-Bevölkerung San Franciscos betrachtete die Show als eine Erweiterung der dortigen Straßenaktivitäten und verwischte oft die Grenze zwischen Kunst und Leben, indem sie mit den Darstellern meditierte und sich häufig während der Show auf der Bühne wiederfand. In London sah man eine 18-jährige Prinzessin Anne auf der Bühne tanzen, und in Washington DC war Henry Kissinger zugegen. In St. Paul, Minnesota, ließ ein protestierender Geistlicher 18 weiße Mäuse in der Lobby frei, um das Publikum zu erschrecken. Nachdem Kapitän Jim Lovell und Jack Swigert die Mondlandefähre von Apollo 13 nach dem Lied Aquarius" benannt hatten, verließen sie die Aufführung im Biltmore aus Protest gegen den vermeintlichen Antiamerikanismus und die Missachtung der Flagge. ⓘ

In Acapulco, Mexiko, wurde 1969 eine Inszenierung von Hair unter der Regie von Castelli für eine Nacht aufgeführt. Nach der Aufführung wurde das Theater, das sich gegenüber einem beliebten Bordell befand, von der Regierung mit einem Vorhängeschloss verschlossen, da die Aufführung "der Moral der Jugend schade". Die Darsteller wurden kurz nach der Aufführung verhaftet und zur Einwanderungsbehörde gebracht, wo sie sich bereit erklärten, das Land zu verlassen, aber wegen rechtlicher Komplikationen gezwungen waren, unterzutauchen. Tage später wurden sie aus Mexiko ausgewiesen. ⓘ

Hair markierte das Ende der Bühnenzensur im Vereinigten Königreich. Londons Bühnenzensor, der Lord Chamberlain, weigerte sich ursprünglich, das Musical zu lizenzieren, und die Premiere wurde verschoben, bis das Parlament ein Gesetz verabschiedete, das ihm die Lizenzierungsbefugnis entzog. In München drohten die Behörden mit der Schließung des Musicals, falls die Nacktszene beibehalten würde. Nachdem ein Sprecher von Hair erklärt hatte, dass seine Verwandten nackt nach Auschwitz marschiert waren, lenkten die Behörden jedoch ein. In Bergen, Norwegen, bildeten die Bürger eine menschliche Barrikade, um die Aufführung zu verhindern. ⓘ

Die Pariser Inszenierung war wenig umstritten, und die Darsteller zogen sich für die Nacktszene laut Castelli "fast religiös" aus, da Nacktheit auf der Bühne in Paris üblich war. Dennoch gab es auch in Paris gelegentlich Widerstand, etwa als ein Mitglied der örtlichen Heilsarmee das Publikum mit einem tragbaren Lautsprecher aufforderte, die Aufführung abzubrechen. ⓘ

Über die 1960er Jahre hinaus

1970s

Die Wiederaufnahme von Hair am Broadway wurde 1977 für 43 Vorstellungen aufgeführt. Es wurde von Butler produziert, von O'Horgan inszeniert und im Biltmore Theater aufgeführt, wo auch die ursprüngliche Broadway-Produktion gespielt hatte. Zur Besetzung gehörten Ellen Foley, Annie Golden, Loretta Devine, Cleavant Derricks und Kristen Vigard. Der Neuling Peter Gallagher verließ das Ensemble während der Voraufführungen, um die Rolle des Danny Zuko in einer Tournee von Grease zu übernehmen. Die Kritiken waren im Allgemeinen negativ, und die Kritiker warfen der Produktion vor, sie zeige "ihr Grau". Bis in die frühen 1990er Jahre folgten nur wenige große Wiederaufnahmen von Hair. ⓘ

1980er und 1990er Jahre

Im Mai 1988 fand im Rahmen der Generalversammlung der Vereinten Nationen ein Konzert zum 20-jährigen Jubiläum zugunsten von Kindern mit AIDS statt. Die Veranstaltung wurde von der First Lady Nancy Reagan gesponsert und Barbara Walters hielt die Eröffnungsrede des Abends. Rado, Ragni und MacDermot taten sich wieder zusammen, um neun neue Lieder für das Konzert zu schreiben. Zu den 163 Schauspielern gehörten ehemalige Stars aus verschiedenen Produktionen rund um den Globus: Moore, Vereen, Williams und Summer, sowie die Gastdarsteller Bea Arthur, Frank Stallone und Dr. Ruth Westheimer. Die Kartenpreise lagen zwischen 250 und 5.000 Dollar, und der Erlös ging an das United States Committee for UNICEF und den Creo Society's Fund for Children with AIDS. ⓘ

Eine 1985 in Montreal aufgeführte Produktion von Hair war Berichten zufolge die 70. professionelle Aufführung des Musicals. Im November 1988 inszenierte Michael Butler Hair am Vic Theater in Chicago, um das 20-jährige Bestehen der Show zu feiern. Die Produktion wurde gut aufgenommen und lief bis Februar 1989. Von 1990 bis 1991 führte Pink Lace Productions eine landesweite Tournee von Hair durch, die auch in South Carolina, Georgia, Tennessee und Kentucky Halt machte. Nach dem Tod von Ragni im Jahr 1991 schrieben MacDermot und Rado bis in die 1990er Jahre hinein neue Songs für Wiederaufnahmen. Hair Sarajevo, AD 1992 wurde während der Belagerung von Sarajevo als Appell für den Frieden inszeniert. Rado führte 1994 Regie bei einer 11 Städte umfassenden, 1 Million Dollar teuren nationalen Tournee, an der auch der Schauspieler Luther Creek teilnahm. Mit der Rückkehr von MacDermot, der für die Musik verantwortlich zeichnete, feierte Rados Tournee das 25-jährige Jubiläum der Show. Eine kleine "Bus- und Truck"-Produktion von Hair tourte 1990 über drei Jahre lang durch Europa, und Rado führte von 1995 bis 1999 bei verschiedenen europäischen Produktionen Regie. ⓘ

Eine Produktion wurde 1992 in Australien aufgeführt und eine kurzlebige Londoner Wiederaufnahme mit John Barrowman und Paul Hipp in den Hauptrollen wurde 1993 am Old Vic in London unter der Regie von Michael Bogdanov gezeigt. Die Londoner Inszenierung war zwar originalgetreu, aber ein Mitglied des Produktionsteams sagte, der Grund für den "Flop" sei gewesen, dass der Stamm aus "Thatchers Kindern bestand, die es nicht wirklich verstanden haben". Weitere Produktionen wurden in der ganzen Welt aufgeführt, auch in Südafrika, wo das Stück bis zur Abschaffung der Apartheid verboten war. 1996 brachte Butler eine einmonatige Produktion nach Chicago, für die er das Pacific Musical Theater engagierte, eine professionelle Truppe, die an der California State University, Fullerton, untergebracht war. Butler führte die Show zeitgleich mit der Democratic National Convention 1996 auf und erinnerte damit an das letzte Mal, als die DNC in Chicago stattfand: 1968. Eine Off-Off-Broadway-Produktion zum 30-jährigen Jubiläum wurde am Third Eye Repertory aufgeführt. Regie führte Shawn Rozsa. ⓘ

2000er und 2010er Jahre

Im Jahr 2001 führte die Theatergruppe Reprise! in Los Angeles Hair im Wadsworth Theatre auf, mit Steven Weber als Berger, Sam Harris als Claude und Jennifer Leigh Warren als Sheila in den Hauptrollen. Im selben Jahr beendete Encores! Great American Musicals in Concert seine Saison 2001 im City Center mit einer Produktion von Hair mit Luther Creek, Idina Menzel und Tom Plotkin in den Hauptrollen und dem Hair-Komponisten Galt MacDermot an den Keyboards. Eine Benefizvorstellung der Show für den Actors' Fund wurde 2004 für eine Nacht im New Amsterdam Theater in New York City aufgeführt. Zum Stamm gehörten Shoshana Bean, Raúl Esparza, Jim J. Bullock, Liz Callaway, Gavin Creel, Eden Espinosa, Harvey Fierstein, Ana Gasteyer, Annie Golden, Jennifer Hudson, Julia Murney, Jai Rodriguez, RuPaul, Michael McKean, Laura Benanti und Adam Pascal. ⓘ

Im Jahr 2005 wurde eine Londoner Produktion unter der Regie von Daniel Kramer am Gate Theatre eröffnet. James Rado genehmigte eine Aktualisierung des Drehbuchs des Musicals, um es in den Kontext des Irakkriegs statt des Vietnamkriegs zu stellen. Kramers modernisierte Interpretation beinhaltete "Aquarius", das über ein Megaphon am Times Square gesungen wurde, und Nacktheit, die an Bilder aus Abu Ghraib erinnerte. Im März 2006 arbeitete Rado mit dem Regisseur Robert Prior für eine CanStage-Produktion von Hair in Toronto zusammen, und eine Wiederaufnahme, die von Pieter Toerien produziert wurde, tourte 2007 durch Südafrika. Unter der Regie von Paul Warwick Griffin und mit einer Choreografie von Timothy Le Roux wurde das Stück im Montecasino Theatre in Johannesburg und im Theatre on the Bay in Kapstadt aufgeführt. Eine zweiwöchige Aufführung fand im März 2010 im Teatro Tapia in Old San Juan, Puerto Rico, unter der Regie von Yinoelle Colón statt. ⓘ

Michael Butler produzierte Hair am MET Theatre in Los Angeles vom 14. September bis 30. Dezember 2007. Die Show wurde von Bo Crowell inszeniert und choreografiert, die musikalische Leitung hatte Christian Nesmith (Sohn von Michael Nesmith). Butlers Produktion von Hair wurde mit dem LA Weekly Theater Award für das Musical des Jahres ausgezeichnet. ⓘ

Als wir es aufführten, war es eine Show über das Jetzt. Jetzt ist es eine Show über damals - aber es geht immer noch um jetzt.

James Rado, 2008 ⓘ

An drei Abenden im September 2007 präsentierten Joe's Pub und das Public Theater im Delacorte Theater im Central Park eine Produktion zum 40-jährigen Jubiläum von Hair. In dieser Konzertversion unter der Regie von Diane Paulus spielten Jonathan Groff als Claude und Galt MacDermot an den Keyboards. Zur Besetzung gehörten auch Karen Olivo als Sheila und Will Swenson als Berger. Bei der Zugabe "Let the Sun Shine In" gesellten sich Schauspieler aus der ursprünglichen Broadway-Produktion auf die Bühne. Die Nachfrage nach der Show war überwältigend, denn die langen Schlangen und die nächtlichen Wartezeiten für Karten übertrafen bei weitem die für andere Delacorte-Produktionen wie Mutter Courage und ihre Kinder mit Meryl Streep und Kevin Kline in den Hauptrollen. ⓘ

Neun Monate später präsentierte das Public Theater vom 22. Juli 2008 bis zum 14. September 2008 eine vollständig inszenierte Produktion von Hair im Delacorte. Paulus führte erneut Regie, die Choreografie stammt von Karole Armitage. Groff und Swenson kehrten als Claude und Berger zurück, zusammen mit anderen aus der Konzertbesetzung. Caren Lyn Manuel spielte Sheila, und Christopher J. Hanke ersetzte Groff am 17. August als Claude. Die Kritiken waren im Allgemeinen positiv, und Ben Brantley von der New York Times schrieb, dass "diese Produktion die Show als mehr als ein lebhaftes zeitgenössisches Stück etabliert. Hair, so scheint es, hat tiefere Wurzeln, als man sich erinnern kann". Das Time Magazine schrieb: "Hair ... wurde neu belebt und als einer der großen Meilensteine in der Geschichte des Musiktheaters wiederentdeckt. ... Heute erscheint Hair, wenn überhaupt, gewagter denn je." ⓘ

Wiederaufnahme am Broadway 2009 und nationale Tournee in den USA 2010

Die Produktion des Public Theater wurde an den Broadway ins Al Hirschfeld Theatre verlegt, wo die Voraufführungen am 6. März 2009 begannen und die offizielle Premiere am 31. März 2009 stattfand. Paulus und Armitage führten erneut Regie und choreographierten, und die meisten der Darsteller kehrten von der Produktion im Park zurück. Vor der Aufführung wurde jeden Abend eine Verlosung von Eintrittskarten für 25 $ für Logenplätze durchgeführt. Zur Eröffnungsbesetzung gehörten Gavin Creel als Claude, Will Swenson als Berger, Caissie Levy als Sheila, Megan Lawrence als Mutter und Sasha Allen als Dionne. Zu den Designern gehörten Scott Pask (Bühnenbild), Michael McDonald (Kostüme) und Kevin Adams (Beleuchtung). ⓘ

Die Reaktionen der Kritiker waren fast durchweg positiv. Die Schlagzeile der New York Daily News lautete "Hair Revival's High Fun". Die Kritik lobte die gewagte Regie, die "farbenfrohe, kinetische" Choreografie und die technischen Leistungen der Show, insbesondere die Beleuchtung, und kommentierte, dass "Hair als eine zum Lächeln anregende Feier des Lebens und der Freiheit höchst ansteckend ist", warnte aber auch: "Wenn Sie im Gang sitzen, müssen Sie damit rechnen, dass [die Darsteller] Ihnen ins Gesicht oder auf den Schoß fallen oder ... Ihre Locken flechten." Die New York Post schrieb, dass die Produktion "triumphierend hervorgegangen ist. ... In diesen Tagen ist die Nation weniger auf den Krieg und mehr auf die Wirtschaft fixiert. Daher sind die Szenen, die am meisten nachhallen, diejenigen, in denen die Kinder das Rattenrennen jubelnd ablehnen." Variety schwärmte: "Regisseurin Diane Paulus und ihre außerordentlich talentierte Besetzung verbinden sich mit dem Material auf eine Art und Weise, die das Herz des Rock-Musicals von 1967 trifft, und erzeugen eine enorme Energie, die bis in die Zuschauerränge strahlt. ... Was bloße Nostalgie hätte sein können, wird stattdessen zu einem Ereignis, in das man voll eintauchen kann. ... Wenn diese explosive Produktion nichts in Ihnen auslöst, ist es vielleicht an der Zeit, Ihren Puls zu überprüfen." Der Boston Globe war anderer Meinung: Die Inszenierung wirke "wie aus der Konserve" und "aufgeblasen", und das Revival sei "unerträglich naiv und unverzeihlich oberflächlich". Ben Brantley, der für die New York Times schrieb, schloss sich jedoch der Mehrheit an und gab eine begeisterte Kritik ab:

Nachdem sie vom Delacorte Theater an den Broadway umgezogen sind ... zeigen die jungen Darsteller ... keine Anzeichen von Domestizierung. Im Gegenteil, sie reißen das Haus ab. ... Diese emotionsgeladene Wiederaufnahme ... liefert, was der Broadway in dieser Saison sonst nicht zu spüren bekommt: die intensive, unverfälschte Freude und die Qualen dieses bipolaren Zustands namens Jugend. ... Die fröhliche Hippie-Choreografie von Karole Armitage mit ihren Gruppenfummeleien und Massenverrenkungen sieht aus, als wäre sie an Ort und Stelle erfunden worden. Aber in der scheinbaren Formlosigkeit steckt eine intelligente Form. ... [Paulus findet] Tiefen des Charakters und der Gefühle in [der Show von 1968 über Kinder], die Angst davor haben, wie die Zukunft sie verändern wird und nicht wissen, was als nächstes kommt. ... Jedes einzelne Ensemblemitglied tritt als Individuum hervor. ... Nach der Vorstellung konnte ich nicht aufhören, darüber nachzudenken, was mit [den Figuren] passieren würde. Die Musik von Herrn MacDermot, die schon immer mehr Pop als Acid war, hält sich wunderbar und wird von der Band auf der Bühne und den geschmackvoll gemischten Stimmen der Darsteller mit ansteckendem Leben erfüllt. ⓘ

Das Public Theater hatte aufgrund der schweren wirtschaftlichen Rezession Ende 2008 Schwierigkeiten, die für den Broadway-Transfer veranschlagten 5,5 Millionen Dollar aufzubringen, erreichte sein Ziel aber durch die Aufnahme neuer Produktionspartner. Die Regisseurin Diane Paulus konnte die Kosten durch den Einsatz eines preiswerten Bühnenbilds niedrig halten. Die Show spielte in ihrer zweiten Woche satte 822.889 Dollar ein. Am 30. April 2009 stellten die Darsteller in der Late Show mit David Letterman einen Auftritt des Originalstammes auf der gleichen Bühne des Ed Sullivan Theaters nach. Die Produktion wurde mit dem Tony Award für die beste Wiederaufnahme eines Musicals, dem Drama Desk Award für die herausragende Wiederaufnahme eines Musicals und dem Drama League Award für die herausragende Wiederaufnahme eines Musicals ausgezeichnet. Im August 2009 hatte das Revival seine gesamten Investitionen in Höhe von 5.760.000 Dollar wieder hereingeholt und war damit eines der sich am schnellsten wieder einspielenden Musicals in der Geschichte des Broadway. Das Album der Besetzung wurde 2010 für den Grammy Award in der Kategorie Best Musical Show Album nominiert. ⓘ

Als die Broadway-Besetzung für das West-End-Revival 2010 nach London transferiert wurde, übernahm am 9. März 2010 ein größtenteils neuer Stamm die Rolle am Broadway, darunter die ehemaligen American Idol-Finalisten Ace Young als Berger und Diana DeGarmo als Sheila. Kyle Riabko übernahm die Rolle des Claude, Annaleigh Ashford spielte Jeanie, und Vanessa Ray war Chrissie. Rachel Bay Jones spielte später die Mutter und andere Rollen. Die Verkaufszahlen gingen zurück, nachdem die Originalbesetzung nach London verlegt wurde, und die Wiederaufnahme wurde am 27. Juni 2010 nach 29 Vorpremieren und 519 regulären Vorstellungen eingestellt. ⓘ

Eine nationale US-Tournee der Produktion begann am 21. Oktober 2010. Zu den Hauptdarstellern gehörten Steel Burkhardt als Berger, Paris Remillard als Claude und Caren Lyn Tackett als Sheila. Die Tournee erhielt überwiegend positive Kritiken. Die Show kehrte an den Broadway zurück und wurde vom 5. Juli bis zum 10. September 2011 im St. James Theatre aufgeführt. Nach dieser Station wurde die Tournee fortgesetzt. Die Tournee endete am 29. Januar 2012. ⓘ

2010 Wiederaufnahme im West End

Die Broadway-Produktion von 2009 wurde am Gielgud Theatre im Londoner West End wiederholt. Die Voraufführungen begannen am 1. April 2010, die offizielle Premiere fand am 14. April statt. Die Produzenten waren das Public Theater, Cameron Mackintosh und Broadway Across America. Fast die gesamte New Yorker Besetzung zog nach London um, nur Luther Creek spielte den Wuff. Die Londoner Wiederaufnahme schloss am 4. September 2010. ⓘ

Die Inszenierung erhielt überwiegend begeisterte Kritiken. Michael Billington von The Guardian beschrieb es als "ein lebendiges, fröhliches Stück lebendigen Theaters" und schrieb: "Es feiert eine Zeit, in der die Freude am Leben gegen die Kräfte der Intoleranz und die todbringende Macht des militärisch-industriellen Komplexes antrat. Wie Shakespeare einst sagte: 'Da ist noch Saft drin.'" Charles Spencer in The Daily Telegraph stimmte zu: "Dies ist eine zeitgemäße und unwiderstehlich vitale Wiederbelebung des größten aller Rockmusicals. ... Der Elan und die Energie des Ensembles ... sind unwiderstehlich." Michael Coveney von The Independent schrieb, Hair sei "eines der größten Musicals aller Zeiten und ein Phänomen, das, wie ich mit Erleichterung feststelle, auch als historisches Stück Bestand hat". In der Times kommentierte Benedict Nightingale: "Es ist sowohl berauschend als auch seltsam ergreifend, wenn eine vielfarbige Besetzung, gekleidet in alles von wogenden Kaftanen bis hin zu ruritanischen Armeejacken, die Bühne hinunterrennt, während sie diesen melodischen Gruß an ein Wassermann-Zeitalter abliefert, das sich immer noch weigert, zu dämmern." ⓘ

2014 Hollywood Bowl

Im August 2014 kehrte die Broadway-Version von 2009 für ein dreitägiges Engagement in die Hollywood Bowl zurück. Unter der Regie von Adam Shankman spielten Kristen Bell als Sheila, Hunter Parrish als Claude, Benjamin Walker als Berger, Amber Riley als Dionne, Jenna Ushkowitz als Jeanie, Sarah Hyland als Crissy, Mario als Hud sowie Beverly D'Angelo und Kevin Chamberlin als Claudes Eltern. ⓘ

Produktion zum 50. Jahrestag in Großbritannien und nationale Tournee 2019

Eine 2016 in Manchester, England, am Hope Mill Theatre unter der Regie von Jonathan O'Boyle und der Choreografie von William Whelton aufgeführte Produktion mit Robert Metson als Claude, Laura Johnson als Sheila und Ryan Anderson als Berger erhielt positive Kritiken. Im Jahr 2017, dem 50. Jahrestag des Musicals, wurde die Inszenierung Off West-End im The Vaults Theatre in London wiederholt, wobei Metson und Johnson ihre Rollen wiederholten und Andy Coxon die Rolle des Berger übernahm. Die Produktion gewann den WhatsOnStage Award für die beste Off-West-End-Produktion. Eine nationale Tournee der Produktion begann im März 2019 in Großbritannien mit Jake Quickenden als Berger, Daisy Wood-Davis als Sheila, Paul Wilkins als Claude und Marcus Collins als Hud. ⓘ

Internationaler Erfolg

Bill Öhrström und die schwedischen Darsteller von 1968 singen Lieder aus Hair (Stockholm 2015). ⓘ

Hair wurde in fast allen Ländern der Welt aufgeführt. Nach dem Fall der Berliner Mauer reiste die Show zum ersten Mal nach Polen, in den Libanon, in die Tschechische Republik und nach Sarajewo (in der ABC-Sendung Nightline mit Ted Koppel wurde darüber berichtet, als Phil Alden Robinson 1996 diese Stadt besuchte und dort mitten im Krieg eine Produktion von Hair entdeckte). 1999 halfen Michael Butler und Regisseur Bo Crowell bei der Produktion von Hair in Russland am Stas-Namin-Theater im Moskauer Gorki-Park. Die Moskauer Inszenierung löste eine ähnliche Reaktion aus wie das Original 30 Jahre zuvor, da russische Soldaten zu dieser Zeit in Tschetschenien kämpften. ⓘ

Rado schrieb 2003, dass die einzigen Orte, an denen das Stück nicht aufgeführt wurde, "China, Indien, Vietnam, die arktischen und antarktischen Kontinente sowie die meisten afrikanischen Länder" waren. Seitdem wurde eine indische Produktion aufgeführt. ⓘ

Verfilmungen

Film

Eine gleichnamige Musicalverfilmung wurde 1979 veröffentlicht. Unter der Regie von Miloš Forman, mit einer Choreografie von Twyla Tharp und einem Drehbuch von Michael Weller, spielen John Savage, Treat Williams und Beverly D'Angelo, Golden, Melba Moore, Dyson, Foley, Dorsey Wright, Don Dacus, Nell Carter und Cheryl Barnes in dem Film mit. Er wurde für zwei Golden Globes nominiert: Bester Film - Musical oder Komödie und Neuer Star des Jahres in einem Film (für Williams), und Forman wurde für einen César Award nominiert. ⓘ

Mehrere Lieder wurden gestrichen, und die Handlung des Films weicht erheblich vom Musical ab. Die Figur des Claude wird zu einem unschuldigen Wehrpflichtigen aus Oklahoma umgeschrieben, der gerade in New York angekommen ist, um dem Militär beizutreten, und Sheila ist eine Debütantin der High Society, die seine Aufmerksamkeit erregt. Die vielleicht größte Abwechslung besteht darin, dass Berger aufgrund eines Fehlers an Claudes Stelle nach Vietnam geht, wo er getötet wird. Obwohl der Film im Allgemeinen positive Kritiken erhielt, meinten Ragni und Rado, dass er die Essenz von Hair nicht einfing, da er die Hippies als "Spinner" ohne jegliche Verbindung zur Friedensbewegung darstellte. ⓘ

Kulturelle Auswirkungen

Populäre Kultur

Die New York Times stellte 2007 fest, dass "Hair eines der letzten Broadway-Musicals war, das die Kultur so durchdrungen hat, wie es die Shows aus dem goldenen Zeitalter einst regelmäßig taten." Songs aus der Show werden weiterhin von großen Künstlern aufgenommen. In den 1990er Jahren nahm Evan Dandos Gruppe The Lemonheads "Frank Mills" für ihr 1992er Album It's a Shame About Ray auf, und Run DMC sampelten "Where Do I Go" für ihre 1993er Single "Down With the King", die auf Platz 1 der Billboard-Rap-Charts landete und die Top 25 der Billboard-Hot-100-Charts erreichte. Im Jahr 2004 wurde "Aquarius" aus der Filmversion von 1979 auf Platz 33 von AFI's 100 Years ... 100 Songs geehrt. ⓘ

Butler (vorne) und Rado (hinter Butler, in schwarzem T-Shirt und Mütze) mit einer Besetzung von Hair 2006 in Red Bank, New Jersey ⓘ

Songs aus dem Musical wurden auch in Filmen und Fernsehserien verwendet. Im Film Charlie und die Schokoladenfabrik aus dem Jahr 2005 beispielsweise begrüßte die Figur Willy Wonka die Kinder mit dem Text von Good Morning Starshine". "Aquarius" wurde 1983 in der letzten Folge von Laverne und Shirley gespielt, in der die Figur Carmine nach New York City zieht, um Schauspieler zu werden, und für Hair vorspricht. "Aquarius/Let the Sunshine In" wurde auch in der Schlussszene des Films The 40-Year-Old Virgin gespielt, und Three Dog Night's Aufnahme von Easy to Be Hard" war im ersten Teil von David Finchers Film Zodiac zu hören. In der Simpsons-Folge "The Springfield Files" singen die Bewohner der Stadt, Leonard Nimoy, Chewbacca, Dana Scully und Fox Mulder alle "Good Morning Starshine". Die Folge "Hairography" der Serie Glee enthält ein viel kritisiertes Mash-up der Songs "Hair" und "Crazy in Love" von Beyoncé. Darüber hinaus gab es 1990 eine zweiteilige Folge von Head of the Class, in der der Leiter der Englischabteilung die Aufführung von Hair in der Schule stören will. Die anhaltende Popularität von Hair zeigt sich darin, dass es 2006 in einer BBC Radio 2-Hörerumfrage zu den "[United Kingdom]'s Number One Essential Musicals" auf Platz zehn landete. ⓘ

Aufgrund der Allgemeingültigkeit des pazifistischen Themas ist Hair nach wie vor eine beliebte Wahl für Schul- und Universitätsproduktionen. Auch Amateurproduktionen von Hair sind weltweit beliebt. Im Jahr 2002 stellte Peter Jennings in seiner ABC-Dokumentationsserie In Search of America eine Highschool-Produktion von Hair in Boulder, Colorado, vor. Eine im September 2006 im 2.000 Zuschauer fassenden Count Basie Theater in Red Bank, New Jersey, aufgeführte Produktion des Gemeinschaftstheaters wurde vom ursprünglichen Produzenten Michael Butler gelobt, der sagte, es sei "eine der besten Hairs, die ich seit langem gesehen habe". Ein weiteres Beispiel für eine groß angelegte Amateurproduktion aus jüngerer Zeit ist die Aufführung von Mountain Play im 4.000 Zuschauer fassenden Cushing Memorial Amphitheatre im Mount Tamalpais State Park in Mill Valley, Kalifornien, im Frühjahr 2007. ⓘ

Vermächtnis

Hair war das erste vollständig realisierte" Konzeptmusical am Broadway, eine Form, die das Musiktheater der siebziger Jahre beherrschte, darunter Shows wie Company, Follies, Pacific Overtures und A Chorus Line. Während die Entwicklung des Konzeptmusicals eine unerwartete Folge der Zeit von Hair am Broadway war, fiel die erwartete Rockmusik-Revolution am Broadway nicht ganz so vollständig aus. ⓘ

MacDermot folgte Hair mit drei aufeinanderfolgenden Rockmusikstücken: Two Gentlemen of Verona (1971); Dude (1972), eine zweite Zusammenarbeit mit Ragni; und Via Galactica (1972). Während Two Gentlemen of Verona ein begeistertes Publikum fand und einen Tony für das beste Musical erhielt, scheiterte Dude nach nur sechzehn Aufführungen, und Via Galactica floppte nach einem Monat. Horn zufolge könnten diese und andere Misserfolge darauf zurückzuführen sein, dass sich die Produzenten einfach auf das Etikett 'Rockmusical' verließen, um das Publikum anzuziehen, ohne die Qualität des dargebotenen Materials zu berücksichtigen". Jesus Christ Superstar (1970) und Godspell (1971) waren zwei Erfolge des Genres mit religiösem Thema. Grease (1971) kehrte zu den Rockklängen der 1950er Jahre zurück, und Musicals mit schwarzem Thema wie The Wiz (1975) waren stark von Gospel, R&B und Soulmusik beeinflusst. In den späten 1970er Jahren hatte sich das Genre selbst ausgespielt. Abgesehen von einigen wenigen Vorposten des Rock, wie Dreamgirls (1981) und Little Shop of Horrors (1982), wandte sich der Publikumsgeschmack in den 1980er Jahren den Megamusicals mit Popmusik zu, wie Les Misérables (1985) und Das Phantom der Oper (1986). Einige spätere Rockmusicals wie Rent (1996) und Spring Awakening (2006) sowie Jukebox-Musicals mit Rockmusik wie We Will Rock You (2002) und Rock of Ages (2009) hatten Erfolg. Doch das Rockmusical hat sich nach Hair nicht so schnell auf der Musiktheaterbühne durchgesetzt. Der Kritiker Clive Barnes kommentierte: "Es gab eigentlich gar keine Rockmusicals. Kein großer Rockmusiker hat jemals eine Rockmusik für den Broadway geschrieben. ... Man könnte an das Musical Tommy denken, aber das wurde nie als Broadway-Show konzipiert. ... Und man kann verstehen, warum. Mit Platten und Rockkonzerten lässt sich so viel mehr Geld verdienen. Ich meine, warum sollte man sich die Mühe machen, ein Musical aufzuführen, das vielleicht in Philadelphia geschlossen wird?" ⓘ

Andererseits hatte Hair nicht nur einen tiefgreifenden Einfluss auf das, was am Broadway akzeptabel war, sondern auch auf die sozialen Bewegungen, die es feierte. So trugen Butler, Castelli und die verschiedenen Darsteller von Hair 1970 dazu bei, Spenden für die Weltjugendversammlung zu sammeln, eine von den Vereinten Nationen geförderte Organisation, die im Zusammenhang mit den Feierlichkeiten zum 25-jährigen Bestehen der Vereinten Nationen gegründet wurde. Jahrestages der Vereinten Nationen gegründet wurde. Die Versammlung ermöglichte es 750 jungen Vertretern aus der ganzen Welt, im Juli 1970 in New York zusammenzukommen und über soziale Fragen zu diskutieren. Etwa eine Woche lang sammelten die Darsteller weltweit bei jeder Vorstellung Spenden für den Fonds. Hair sammelte rund 250.000 Dollar und war damit der Hauptfinanzier der Versammlung. Darsteller und Crewmitglieder spendeten außerdem einen Tageslohn, und Butler steuerte einen Tagesgewinn aus diesen Produktionen bei. Wie Ellen Stewart, die Gründerin von La MaMa, feststellte:

Das Haar kam mit Blue Jeans, bequemer Kleidung, Farben, schönen Farben, Klängen, Bewegung. ... Und Sie können heute zu AT&T gehen und eine Sekretärin sehen, und sie trägt Blue Jeans. ... Man kann hingehen, wohin man will, und was Hair getan hat, tut es auch zwanzig Jahre später noch. ... Eine Art Emanzipation, eine geistige Emanzipation, die von [O'Horgans] Inszenierung ausging. ... Hair hat bis heute jedes einzelne Stück beeinflusst, das man am Broadway, Off-Broadway, Off-Off-Broadway sieht, überall auf der Welt wird man Elemente der experimentellen Techniken sehen, die Hair nicht nur an den Broadway, sondern in die ganze Welt gebracht hat. ⓘ

Zeitgeschichtlicher Hintergrund

Hair entstand und spielt in den späten 1960er Jahren. Die USA führten den Vietnamkrieg und etwa 500.000 junge Amerikaner waren zu diesem Zeitpunkt dort eingesetzt. Beim Großteil der Soldaten handelte es sich um Wehrpflichtige, die allgemeine Wehrpflicht in den USA wurde erst 1973 abgeschafft. Als Reaktion auf die Brutalität und die Opfer des Krieges entwickelte sich eine große Protestbewegung. Es kam zu zahlreichen Demonstrationen und symbolischen Aktionen, beispielsweise dem Verbrennen von Einberufungsbefehlen oder den in Vietnam erhaltenen Auszeichnungen. Etwa 50.000 amerikanische Kriegsdienstverweigerer entzogen sich der Einberufung und flohen nach Kanada. ⓘ

Der Protest gegen den Krieg fiel zeitlich zusammen mit Forderungen auf Veränderung der als „autoritär“ angesehenen Gesellschaftsstrukturen sowie mit dem Aufkommen der afroamerikanischen Bürgerrechtsbewegung. Im April 1967 demonstrierten in New York 400.000 Menschen, im August 1963 fand der „Marsch auf Washington“ statt, an dem 100.000 Menschen teilnahmen, allen voran u. a. auch der Regisseur von Hair, Bertrand Castelli, der dafür ins Gefängnis gehen musste. Vor dem Lincoln Memorial forderte Martin Luther King, Symbolfigur der Bürgerrechtsbewegung und Gegner des Krieges, eine von Rassismus und Gewalt befreite Gesellschaft. ⓘ

Die Proteste blieben nicht auf die USA beschränkt; in vielen Industrienationen der westlichen Welt kam es zu Studentenunruhen. Die sogenannten Mai-Unruhen, die nach Studentenprotesten im Mai 1968 zunächst durch die Räumung einer Fakultät der Pariser Universität Sorbonne ausgelöst wurden, führten zu einem wochenlangen Generalstreik, der ganz Frankreich lahmlegte. Die deutsche Studentenbewegung der 1960er Jahre war eine vielschichtige politische Bewegung, die die „herrschenden Verhältnisse“ in der Bundesrepublik kritisierte und bekämpfte. ⓘ

„Überall auf der Welt war die Jugend unruhig geworden. Demonstrationen, Go-in, Hippie-Bewegung, Provokation – Protest-Symptome einer unruhigen Übergangszeit. HAIR bietet in künstlerisch verdichteter Form konkrete Ansätze zur Analyse – Musik, Text und Bewegung verschmelzen, lassen Widersprüche deutlich werden. HAIR gibt eine künstlerische Antwort auf die Frage nach dem Sinn der Unruhe der Jugend.“

– Ron Williams ⓘ

Lange Haare junger Männer sowie „verschmuddelte“ Kleidung, wie zerrissene Bluejeans und „Opa-Mode“ mit Weste, waren damals beliebte Symbole für eine Protesthaltung gegenüber dem „Establishment“. Die Antwort von Teilen der Gesellschaft bestand darin, „Langhaarige“ als Nichtstuer und Gammler zu beschimpfen. Hair beschreibt die Gefühle vieler junger Leute in dieser Zeit, insbesondere aber die der so genannten „Hippie-Kultur“. Die „Hippies“ – im deutschen Programmheft „Blumenkinder“ genannt – waren nicht herumstreunende Kinder, sondern von den Studentenrevolten beeinflusste Jugendliche vorwiegend der bürgerlichen Klasse: Studenten, Schüler, aber auch „Ausgeflippte“. ⓘ

Im späteren Film ist es eine „Straßengang“ in New York ohne Bezug auf die weltweiten Studentenrevolten. Der Protest gegen die Gesellschaft als Ganzes ist dabei nicht immer von der jugendlich-ambivalenten Haltung bei der Abnabelung vom Elternhaus zu trennen: “My hair like Jesus wore it, Hallelujah, I adore it. Hallelujah; Mary loved her son. Why! Don’t my mother love me?” (deutsch: „Mein Haar, wie Jesus es trug, Hallelujah, Ich verehre es. Hallelujah; Maria liebte Ihren Sohn. Warum(!) liebt meine Mutter mich nicht?“), in der deutschen Originalfassung: „Ging vor rund zweitausend Jahren Jesus nicht mit langen Haaren, und Maria liebte ihren Sohn – nur meine Mutter hasst mich“. ⓘ

Handlung

Hair erzählt die Geschichte einer Gruppe gegen das Establishment eingestellter langhaariger (daher der Name des Musicals) Hippies, die in der Stadt New York leben und lieben und sich gegen die Einberufung als Soldaten für den Vietnamkrieg auflehnen. Der frisch vom Land hinzugestoßene Claude Hooper Bukowski, die junge Frau Sheila und ihr charismatischer Zimmergenosse Berger leben in einer Dreiecksbeziehung lustvoll, aber ziellos in den Tag hinein. ⓘ

Claude gerät, hin und her gerissen zwischen den patriotischen Impulsen seiner bürgerlichen Herkunft und den im Kreise seiner neuen Freunde erstarkten pazifistischen Idealen, in einen inneren Konflikt, denn mit Eintreffen der Einberufung muss er sich entscheiden, ob er – wie die anderen – den Kriegsdienst verweigern (und damit eine drohende Gefängnisstrafe und gesellschaftliche Ächtung in Kauf nehmen) oder seine pazifistischen Ideale missachtend sich der militärischen Autorität unterwerfen, Menschen töten und sein Leben in Vietnam riskieren soll. ⓘ

Vergleich Bühneninterpretationen – Filmversion

Die Inhalte der verschiedenen Bühnen-Darstellungen und der Verfilmung unterscheiden sich erheblich. ⓘ

In Texten, Songs, Tanzszenen und Sketchen werden das Lebensgefühl der Hippies und ihr Widerstand gegen die herrschenden Verhältnisse dargestellt, wie sie z. B. auf Krieg, Gewalt und gesellschaftliche Hierarchien reagieren. Im Anfangssong findet sich die romantische Erwartung und Hoffnung auf ein neues Zeitalter, das sogenannte Wassermannzeitalter. Außerdem behandelt das Musical die Frage nach dem Sinn des Lebens, den Konflikt zur Elterngeneration, den Rassismus, die weltweite Studentenrevolution und auch die Flucht in Träume durch Drogen. ⓘ

Die positiven Visionen enden letztlich in einem Albtraum, in dem die Schrecken des Krieges verdeutlicht werden. In aneinandergereihten Songs, Sketchen, Tänzen und fast kabarettistischen Halluzinationsszenen wird ein radikaler Pazifismus deutlich, alle verbrennen öffentlich ihre Wehrpässe. Ebenso deutlich wird die Forderung nach einem neuen Lebensgefühl, der Protest gegen die althergebrachten Hierarchien und der Generationenkonflikt. ⓘ

Im Film werden Darstellungen von Kriegsopfern auf einer Videoleinwand gezeigt (1966/67 gab es noch keine Videoleinwand). Der Film zeigt auch die Verwandlung der bunt gekleideten Hippies in uniformierte Soldaten und wie sie auf Zuruf oder aus eigenem Antrieb töten. Im Musical ist dies ein Sketch („Tötungsszene“). Im Film wurden umweltkritische Lieder herausgenommen, Claude war nicht mehr bisexuell. Am Ende des Filmes reist Kriegsgegner Berger zur militärischen Dienststelle seines Freundes Claude. Auf Grund einer Verwechslung nimmt Berger Claudes Platz ein. Er wird per Flugzeug nach Vietnam verlegt und stirbt dort im Krieg. ⓘ

Nach Beendigung des Vietnamkrieges wurden in den USA wie in Deutschland Szenen und Lieder ausgetauscht mit vorher nicht veröffentlichten Liedern und Texten aus Galt MacDermots „Disin-HAIR-ited“. Der Schwerpunkt lag nun auf der Gesellschaftskritik, dem amerikanischen und weltweiten Rassismus (schwarz-weiß), der sexuellen Befreiung, einem neuen Lebensgefühl und immer noch einem radikalen Pazifismus. ⓘ

Hair in Deutschland

Eintrittskarte zur Aufführung in Hamburg ⓘ

Hair wurde in den USA von 1967 Off-Broadway und von 1968 bis 1972 am Broadway ohne Unterbrechung aufgeführt. Das Musical war aber auch weltweit erfolgreich. ⓘ

In Deutschland (wie auch in Großbritannien) war Hair vor Jesus Christ Superstar das erfolgreichste Musical seiner Zeit. Die deutsche Version „Haare“ lief 2½ Jahre, sie war in allen deutschsprachigen Ländern ein Erfolg. Es gab Aufführungen in München, Düsseldorf, Berlin, Hamburg, Böblingen, Frankfurt, Nürnberg, Köln, Essen, Duisburg, Wien, Zürich usw. und zuletzt Ulm. ⓘ

Darsteller der Hamburger Inszenierung bei einer Präsentation in der Kieler Holstenstraße, 1969 ⓘ

In den deutschen Aufführungen wurde die Rolle der Sheila von Su Kramer bzw. Freya Weghofer gespielt, die später die Rolle der Jeanie übernahm. Weiter traten Reiner Schöne als Berger, Ron Williams als Hud, Bernd Raedicke als Claude, später von Jürgen Marcus gespielt, sowie Donna Summer und Liz Mitchell als Donna auf. ⓘ

Die Liedertexte wurden größtenteils wörtlich übersetzt von Ulf von Mechow, Karlheinz Freynik und Walter Brandin, dabei teilweise jedoch an die europäischen (wie z. B. in Amsterdam, London und in Stockholm) bzw. deutschen Gegebenheiten und Mentalitäten und die deutsche Sprache angepasst. Die deutschen Szenen und Traumbilder sind nicht in allen Teilen direkte Übersetzungen, orientieren sich aber inhaltlich an den englischen Vorbildern. Sie wurden teilweise in fast kabarettistischer Art und Weise sogar spontan tagesaktuell gebracht, wie z. B. die Generalsszene (Peter Kern), welche die hierarchischen Strukturen der Gesellschaft verspottet. In der Väter-Mütter-Szene, Anerkennung der Jugend („Ich hab’ kein Geld …“), kritische Anspielungen auf Medien und Reklame („HB-Männchen“, „Mainzelmännchen“ „Touristenlady“ u. a.), „vaterlandslose Gesellen“ (die CDU hat die SPD als „vaterlandslose Gesellen“ bezeichnet). Daneben gab es lokale Anspielungen wie „Komm, wir gehen auf den Ku’damm Wessis erschrecken …“ und viele andere. Insofern war Hair weniger ein Musical mit fortlaufender Handlung (wie im Film) als mehr ein Rock-Kabarett mit aufeinanderfolgenden Songs und Szenen ohne besondere Örtlichkeit. Auch daher rührte der Erfolg der drei deutschsprachigen Ensembles. ⓘ

Haar ⓘ
Das amerikanische Stammes-Liebes-Rock-Musical
Original Broadway-Plakat
Musik	Galt MacDermot
Liedtexte	Gerome Ragni James Rado
Buch	Gerome Ragni James Rado
Aufführungen	1967 Off-Broadway 1968 Broadway 1968 West End 1977 Wiederaufnahme am Broadway 1993 Wiederaufnahme am West End 2009 Wiederaufnahme am Broadway 2010 Wiederaufnahme im West End 2019 UK-Tournee
Auszeichnungen	Tony Award für die beste Wiederaufführung eines Musicals

Musicaldaten ⓘ
Titel:	Hair
Musik:	Galt MacDermot
Buch:	Gerome Ragni, James Rado
Uraufführung:	29. April 1968
Ort der Uraufführung:	New York, Biltmore Theatre (Broadway)
Spieldauer:	ca. 1 ½ Stunden
Ort und Zeit der Handlung:	New York, 1965
Rollen/Personen
Claude Bukowski Dionne Crissy George Berger Woof Hud Sheila Franklin Jeanie u. a.