Filmgeschichte

Ein Werbeplakat von 1896 mit einem Bild aus Lumières L'Arroseur arrosé ⓘ

Die Geschichte des Films als künstlerisches Medium beschreibt die Entwicklung einer visuellen Kunstform, die mit Hilfe von Filmtechnologien geschaffen wurde und Ende des 19. Jahrhunderts begann. ⓘ

Obwohl der Beginn des Films als künstlerisches Medium nicht eindeutig definiert ist, kann die kommerzielle, öffentliche Vorführung von zehn Kurzfilmen der Gebrüder Lumière am 28. Dezember 1895 in Paris als Durchbruch des projizierten kinematografischen Kinofilms angesehen werden. Zwar gab es schon früher kinematografische Ergebnisse und Vorführungen von anderen wie den Gebrüdern Skladanowsky, die am 1. November 1895 in Berlin mit ihrem selbstgebauten Bioscop die erste bewegte Filmvorführung vor zahlendem Publikum zeigten, doch fehlte ihnen entweder die Qualität, die finanzielle Unterstützung, das Durchhaltevermögen oder das Glück, um den Schwung zu finden, der den cinématographe Lumière zu einem weltweiten Erfolg machte. ⓘ

Bald entstanden überall auf der Welt Filmproduktionsgesellschaften und Studios. Im ersten Jahrzehnt des Kinofilms entwickelte sich der Film von einer Neuheit zu einer etablierten Massenunterhaltungsindustrie. Die ersten Filme waren schwarz-weiß, weniger als eine Minute lang, ohne Tonaufnahme und bestanden aus einer einzigen Aufnahme mit einer feststehenden Kamera. ⓘ

Im Laufe der Jahre entwickelten sich Konventionen für eine allgemeine Filmsprache, wobei Schnitt, Kamerabewegungen und andere Filmtechniken eine besondere Rolle in der Erzählung des Films spielten. ⓘ

Spezialeffekte wurden seit den späten 1890er Jahren in Filmen eingesetzt, die durch die Fantasiefilme von Georges Méliès populär wurden. Viele Effekte waren im Theater unmöglich oder unpraktisch und verliehen dem Kinoerlebnis mehr Magie. ⓘ

Technische Verbesserungen führten zu einer längeren Filmdauer (1906 erreichte ein Spielfilm 60 Minuten), synchronisierten Tonaufnahmen (seit Ende der 1920er Jahre allgemein üblich), Farbe (seit den 1930er Jahren allgemein üblich) und 3D (in den frühen 1950er Jahren vorübergehend populär und seit den 2000er Jahren allgemein üblich). Der Ton beendete die Notwendigkeit von Unterbrechungen durch Titelkarten, revolutionierte die narrativen Möglichkeiten für Filmemacher und wurde zu einem integralen Bestandteil des Filmschaffens. ⓘ

Populäre neue Medien wie das Fernsehen (Mainstream seit den 1950er Jahren), Heimvideos (Mainstream seit den 1980er Jahren) und das Internet (Mainstream seit den 1990er Jahren) beeinflussten die Verbreitung und den Konsum von Filmen. Die Filmproduktion reagierte in der Regel mit Inhalten, die sich an die neuen Medien anpassten, und mit technischen Innovationen (u. a. Breitbild (seit den 1950er Jahren Mainstream), 3D- und 4D-Film) und spektakuläreren Filmen, um die Attraktivität der Kinovorführungen zu erhalten. ⓘ

Dank billigerer und einfacher zu handhabender Systeme (wie 8-mm-Film, Video- und Smartphone-Kameras) konnten immer mehr Menschen Filme unterschiedlicher Qualität für jeden Zweck (einschließlich Heimkino und Videokunst) erstellen. Die technische Qualität war in der Regel geringer als bei professionellen Filmen, verbesserte sich aber mit digitalem Video und erschwinglichen, hochwertigen Digitalkameras. ⓘ

Mit der Zeit verbesserten sich die digitalen Produktionsmethoden und wurden in den 1990er Jahren immer beliebter, was zu immer realistischeren visuellen Effekten und beliebten Computeranimationen in Spielfilmlänge führte. ⓘ

Im Laufe der Zeit haben sich verschiedene Filmgenres herausgebildet und waren unterschiedlich erfolgreich, mit großen Unterschieden zwischen Horrorfilmen (seit den 1890er Jahren Mainstream), Wochenschauen (in den US-Kinos zwischen den 1910er und den späten 1960er Jahren weit verbreitet), Musicals (Mainstream seit den späten 1920er Jahren) und pornografischen Filmen (die in den 1970er Jahren ein goldenes Zeitalter erlebten). ⓘ

Die Filmgeschichte zeichnet die Entwicklung des Films nach, der neben der Musik, der Literatur und der bildenden Kunst eine eigenständige Kunstform darstellt. Die Filmgeschichte erstreckt sich von den frühesten technischen Errungenschaften über die ständige stilistische Weiterentwicklung bis hin zum jetzigen Stand des Films. Dabei wird versucht, die komplizierten Zusammenhänge zwischen Wirtschaft, Politik und Ästhetik aufzulösen. ⓘ

Vorläufer

Die Verwendung von Film als Kunstform geht auf mehrere frühere Traditionen in der Kunst zurück, wie (mündliche) Erzählungen, Literatur, Theater und bildende Kunst. Cantastoria und ähnliche antike Traditionen verbanden das Erzählen von Geschichten mit einer Reihe von Bildern, die nacheinander gezeigt oder angedeutet wurden. Zu den Vorläufern des Films, die bereits vor dem Aufkommen der modernen Filmtechnik Licht und Schatten zur Schaffung von Kunst nutzten, gehören die Schattengrafie, das Schattenpuppenspiel, die Camera obscura und die Laterna Magica. ⓘ

Schattengrafie und Schattenpuppenspiel sind frühe Beispiele für die Absicht, bewegte Bilder zur Unterhaltung und zum Erzählen von Geschichten zu nutzen. Man nimmt an, dass diese Kunstform ihren Ursprung im Fernen Osten hat, und nutzt Schatten, die von Händen oder Gegenständen geworfen werden, um Erzählungen zu unterstützen. Das Schattenspiel erfreute sich jahrhundertelang in ganz Asien, vor allem auf Java, großer Beliebtheit und verbreitete sich schließlich im Zeitalter der Aufklärung auch in Europa. ⓘ

Im 16. Jahrhundert beschworen Unterhaltungskünstler oft Bilder von Geistererscheinungen herauf, wobei sie Techniken wie die Camera Obscura und andere Formen der Projektion einsetzten, um ihre Darbietungen zu verbessern. Die in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts entwickelten Laterna Magica-Shows scheinen diese Tradition mit Bildern von Tod, Monstern und anderen schaurigen Gestalten fortgesetzt zu haben. Um 1790 wurde diese Praxis zu einer Art multimedialer Geistershow weiterentwickelt, die als Phantasmagorie bekannt wurde. Diese populären Shows unterhielten das Publikum mit mechanischen Dias, Rückprojektionen, mobilen Projektoren, Überlagerungen, Überblendungen, lebenden Schauspielern, Rauch (auf den die Projektionen geworfen wurden), Gerüchen, Geräuschen und sogar Elektroschocks. Während viele der ersten Laterna Magica-Shows darauf abzielten, die Zuschauer zu erschrecken, ermöglichten die Fortschritte der Filmemacher kreative und sogar lehrreiche Geschichten, die ein breiteres Familienpublikum ansprechen konnten. Neuartige Techniken wie die Verwendung von Auflösungsbildern und des Chromatrops ermöglichten sanftere Übergänge zwischen zwei projizierten Bildern und trugen zu einer stärkeren Erzählung bei. ⓘ

1833 führte die wissenschaftliche Untersuchung einer stroboskopischen Illusion in Speichenrädern durch Joseph Plateau, Michael Faraday und Simon Stampfer zur Erfindung des Fantaskops, auch bekannt als stroboskopische Scheibe oder Phenakistiskop, das in mehreren europäischen Ländern eine Zeit lang populär war. Plateau war der Meinung, dass es für die Verwendung in der Phantasmagorie weiterentwickelt werden könnte, und Stampfer stellte sich ein System für längere Szenen mit Streifen auf Rollen sowie eine transparente Version (wahrscheinlich für die Projektion) vor. Plateau, Charles Wheatstone, Antoine Claudet und andere versuchten, die Technik mit dem Stereoskop (eingeführt 1838) und der Fotografie (eingeführt 1839) zu kombinieren, um eine vollständigere Illusion der Realität zu erreichen, aber jahrzehntelang wurden solche Experimente meist durch die Notwendigkeit langer Belichtungszeiten behindert, mit Bewegungsunschärfe um Objekte, die sich bewegten, während das reflektierte Licht auf die lichtempfindlichen Chemikalien fiel. Einigen wenigen gelang es, mit Stop-Motion-Techniken annehmbare Ergebnisse zu erzielen, aber diese wurden nur sehr selten vermarktet, und keine Form der Animationsfotografie hatte vor dem Aufkommen der Chronofotografie großen kulturellen Einfluss. ⓘ

1878-1890s: Chronofotografie, animierte Aufnahmen und frühe Kinematografie

"Abe Edgington", im Besitz von Leland Stanford, gefahren von C. Marvin, trabt im 2:24-Tempo über die Rennbahn von Palo Alto, 15. Juni 1878 ⓘ

Die meisten frühen fotografischen Sequenzen, die so genannte Chronofotografie, waren ursprünglich nicht dazu gedacht, in Bewegung betrachtet zu werden, und wurden in der Regel als ernsthafte, sogar wissenschaftliche Methode zur Untersuchung der Fortbewegung präsentiert. Die Sequenzen zeigten fast ausschließlich Menschen oder Tiere, die vor der Kamera eine einfache Bewegung ausführten. Ab 1878, mit der Veröffentlichung der Kabinettkarten The Horse in Motion, begann der Fotograf Eadweard Muybridge, Hunderte von chronophotographischen Studien über die Bewegung von Tieren und Menschen in Echtzeit zu machen. Ihm folgten bald andere Chronophotographen wie Étienne-Jules Marey, Georges Demenÿ, Albert Londe und Ottomar Anschütz. 1879 begann Muybridge, Vorträge über die Fortbewegung von Tieren zu halten, und nutzte sein Zoopraxiscope, um Animationen der Konturen seiner Aufnahmen auf Glasscheiben zu projizieren. ⓘ

1887 begann der deutsche Erfinder und Fotograf Ottomar Anschütz, seine chronophotographischen Aufnahmen in Bewegung zu präsentieren, und zwar mit einem Gerät, das er Elektrischen Schnellseher (auch bekannt als Elektrotachyskop) nannte und das kurze Schleifen auf einem kleinen Milchglasschirm anzeigte. 1891 begann er mit der Massenproduktion eines kostengünstigeren, münzbetriebenen Guckkastengeräts gleichen Namens, das auf internationalen Ausstellungen und Messen gezeigt wurde. Einige Geräte wurden über einen längeren Zeitraum hinweg aufgestellt, unter anderem im Crystal Palace in London und in mehreren amerikanischen Geschäften. Er verlagerte den Schwerpunkt des Mediums von technischem und wissenschaftlichem Interesse an Bewegung auf Unterhaltung für die Massen und nahm Ringer, Tänzer, Akrobaten und Szenen aus dem Alltagsleben auf. Obwohl es für die meisten dieser Aufnahmen nur wenige Belege gibt, stellten einige Szenen wahrscheinlich inszenierte komische Szenen dar. Die vorhandenen Aufzeichnungen lassen vermuten, dass einige seiner Produktionen spätere Werke der Edison Company direkt beeinflusst haben, wie z. B. der Film Fred Ott's Sneeze von 1894. ⓘ

Ein Kinetoskop-Salon in San Francisco, ca. 1894-95 ⓘ

Im Juni 1889 beauftragte der amerikanische Erfinder Thomas Edison seinen Laborassistenten William Kennedy Dickson mit der Entwicklung eines Geräts, das die vom Phonographen erzeugten Töne mit Bildern untermalen sollte. Auf der Grundlage früherer Geräte von Muybridge, Marey, Anschütz und anderen schufen Dickson und sein Team das Kinetoscope, ein Guckkastengerät mit Zelluloidschleifen, die etwa eine halbe Minute Filmunterhaltung enthielten. Nach einer ersten Vorführung am 20. Mai 1891 stellte Edison das Gerät 1893 vor. Viele der Filme, die auf dem Kinetoskop gezeigt wurden, zeigten bekannte Varieténummern, die in Edisons Black-Maria-Studio auftraten. Das Kinetoskop wurde schnell zu einer weltweiten Sensation, und bis 1895 gab es zahlreiche Kinosäle in allen größeren Städten. Als die anfängliche Neuheit der Bilder nachließ, zögerte die Edison Company, ihr Filmrepertoire zu diversifizieren, und das nachlassende Interesse der Öffentlichkeit führte im Frühjahr 1895 zu einem Rückgang der Geschäfte. Um die sinkenden Gewinne auszugleichen, wurden Experimente wie der Dickson Experimental Sound Film durchgeführt, um das ursprüngliche Ziel des Geräts, nämlich die visuelle Untermalung von Tonaufnahmen, zu erreichen. Einschränkungen bei der Synchronisierung von Ton und Bild verhinderten jedoch eine breite Anwendung. Im gleichen Zeitraum begannen Erfinder mit der Entwicklung von Technologien zur Filmprojektion, die Edisons Guckkastenformat schließlich ablösen sollten. ⓘ

Wordsworth Donisthorpe, Louis Le Prince, William Friese-Greene und andere Ingenieure, Forscher und Erfinder entwickelten ebenfalls Laufbildsysteme. Einigen von ihnen gelang es zwar, einige Szenen aufzuzeichnen - in der Regel mit der Familie, Freunden oder dem vorbeifahrenden Verkehr als offensichtlichen Motiven -, aber sie kamen nie über das Versuchsstadium hinaus, und ihre Bemühungen fanden in der Öffentlichkeit erst Beachtung, nachdem das Kino sehr erfolgreich geworden war. ⓘ

Die Filme des späten 19. Jahrhunderts waren zum Teil durch die technischen Möglichkeiten der damaligen Zeit begrenzt und hatten oft eine kurze Länge und eine wenig ausgefeilte narrative Form. Stattdessen konzentrierten sich die Filmemacher weitgehend darauf, die objektive Rolle der Kamera als "blinzelndes menschliches Auge" zu demonstrieren, mit dem sie die Realität durch die Produktion von Realitätsfilmen aufzeichneten. ⓘ

Die Ära der Neuheiten (1890er-1910er Jahre)

Die Fortschritte in der Filmprojektionstechnik basierten auf der Popularität von Laterna magica, chronophotographischen Vorführungen und anderen, eng verwandten Formen der projizierten Unterhaltung, wie etwa illustrierten Liedern. Von Oktober 1892 bis März 1900 stellte der Erfinder Émile Reynaud sein Théâtre Optique ("Optisches Theater") im Musée Grévin in Paris aus. Reynauds Gerät, das eine Reihe von Zeichentrickgeschichten wie Pauvre Pierrot und Autour d'une cabine projizierte, wurde im Laufe von 12 800 Vorführungen mehr als 500 000 Besuchern vorgeführt. Am 25., 29. und 30. November 1894 projizierte Ottomar Anschütz bewegte Bilder von Elektrotachyskop-Scheiben auf eine große Leinwand im verdunkelten Großen Saal eines Postgebäudes in Berlin. Vom 22. Februar bis zum 30. März 1895 wurde ein 1,5-stündiges kommerzielles Programm mit 40 verschiedenen Szenen vor 300 Zuschauern im Alten Reichstag gezeigt, das von etwa 4.000 Besuchern besucht wurde. ⓘ

Illustrierte Lieder waren ein Trend, der 1894 in Varietés begann und sich bis in die späten 1930er Jahre in Filmtheatern fortsetzte. Live-Aufführungen oder Tonaufnahmen wurden mit handkolorierten Glasdias kombiniert, die durch Stereoptiken und ähnliche Geräte projiziert wurden. Auf diese Weise wurde die Erzählung eines Liedes durch eine Reihe von Dias illustriert, deren Veränderungen gleichzeitig mit der Entwicklung der Erzählung stattfanden. Später, als die Filmindustrie die Oberhand gewann, wurden illustrierte Lieder als Füllmaterial vor den Filmen und während des Rollenwechsels verwendet.

Ein Ausschnitt aus der von den Brüdern Lumière inszenierten Filmkomödie L'Arroseur Arrosé (1895).

Im Berliner Wintergarten-Theater fand im November 1895 eine frühe Filmvorführung der Brüder Skladanowsky statt. Ihre etwa 15-minütige Filmvorführung war Teil eines über dreistündigen Abendprogramms, zu dem auch eine Reihe von Varieténummern gehörte. Die Skladanowskys zeigten acht Kurzfilme (ca. 6 bis 11 Sekunden bei 16 Bildern pro Sekunde), die in einer Schleife wiederholt wurden, während eine eigens komponierte Musik besonders laut gespielt wurde, um den Lärm der Maschinen zu übertönen. ⓘ

In der zweiten Hälfte des Jahres 1895 drehten die Brüder Auguste und Louis Lumière mit ihrer Erfindung, dem Cinématographe, eine Reihe von kurzen Szenen. Am 28. Dezember 1895 gaben die Brüder ihre erste kommerzielle Vorführung in Paris (es gibt jedoch Belege für Vorführungen des Geräts vor kleinem Publikum bereits im Oktober 1895). Die Vorführung bestand aus zehn Filmen und dauerte etwa 20 Minuten. Der Cinématographe, die bis dahin fortschrittlichste Demonstration der Filmprojektion, war ein sofortiger Erfolg und spielte bis Ende Januar 1896 täglich durchschnittlich 2.500 bis 3.000 Francs ein. Nach der ersten Vorführung wurden die Reihenfolge und die Auswahl der Filme häufig geändert. Die Brüder bevorzugen Realfilme wie Arbeiter verlassen die Lumière-Fabrik als wahrheitsgetreue Dokumente der Welt, in der sie leben, aber auch die Bühnenkomödie L'Arroseur Arrosé wird gezeigt. ⓘ

Billige Unterhaltung und Entwicklung der frühen Erzählungen

Nach der erfolgreichen Ausstellung des Cinématographe beschleunigte sich die Entwicklung einer Filmindustrie. Diese Ära des Filmemachens, die der Filmhistoriker Tom Gunning als "Kino der Attraktionen" bezeichnet, bot eine relativ billige und einfache Möglichkeit, die Massen zu unterhalten. Anstatt sich auf Geschichten zu konzentrieren, so Gunning, verließen sich die Filmemacher vor allem auf die Fähigkeit, das Publikum durch die "illusorische Kraft" des Sehens von Sequenzen in Bewegung zu begeistern. Filme wurden meist in provisorischen Ladenlokalen, in Zelten von Wanderausstellern auf Jahrmärkten oder als "dumme" Nummern in Varietéprogrammen vorgeführt. In dieser Zeit, als der Prozess der Postproduktion noch nicht klar definiert war, konnten die Aussteller ihre kreative Freiheit bei der Vorführung ausleben. Um das Erlebnis für die Zuschauer zu verbessern, wurden einige Vorführungen von Live-Musikern in einem Orchester, einer Theaterorgel, Live-Soundeffekten und Kommentaren des Schaustellers oder Vorführers begleitet. ⓘ

Die Mehrzahl der Filme der frühen Industrie bestand aus Actualities und Vaudeville-Nummern, die in der Regel keine Erzählungen enthielten. Trotzdem wurde schon früh mit narrativen Filmen experimentiert. Sowohl in den Edison- als auch in den Lumiere-Studios wurden in losen Erzählungen wie dem Edison-Film Washday Troubles von 1895 kurze Beziehungsdynamiken und einfache Handlungsstränge eingeführt. 1896 wurde La Fée aux Choux (Die Fee der Kohlköpfe) erstmals veröffentlicht. Der Film, bei dem Alice Guy Regie führte und den Schnitt übernahm, ist wohl der früheste erzählende Film der Geschichte und der erste Film, bei dem eine Frau Regie führte. Im selben Jahr veröffentlichte die Edison Manufacturing Company den Film The May Irwin Kiss in May mit großem finanziellen Erfolg. Der Film, in dem der erste Kuss der Kinogeschichte gezeigt wurde, führte zu den ersten bekannten Forderungen nach einer Filmzensur. ⓘ

Verbreitung von Aktualitäten und Wochenschauen

In seinen Anfängen wurde der Film weder von den Veranstaltern noch von den Zuschauern als Kunstform anerkannt. Von der Oberschicht als "vulgäre" und "unkultivierte" Form der billigen Unterhaltung angesehen, waren Filme oft für die Arbeiterklasse bestimmt und oft zu kurz, um ein erzählerisches Potenzial zu besitzen. Dementsprechend warb die Werbung anfangs eher für die Technik, mit der Filme vorgeführt wurden, als für die Filme selbst. Als die Geräte dem Publikum immer vertrauter wurden, wurde ihr Potenzial, Ereignisse einzufangen und wiederzugeben, vor allem in Form von Wochenschauen und Reportagen genutzt. Bei der Herstellung dieser Filme griffen die Kameraleute häufig auf ästhetische Werte zurück, die sich in früheren Kunstformen herausgebildet hatten, wie z. B. den Bildausschnitt und die absichtliche Platzierung der Kamera in der Bildkomposition. In einem Artikel für die Zeitschrift The Quarterly of Film Radio and Television aus dem Jahr 1955 behauptete der Filmproduzent und Historiker Kenneth Macgowan, dass die bewusste Inszenierung und Nachstellung von Ereignissen in Wochenschauen "das Geschichtenerzählen auf die Leinwand brachte". ⓘ

Mit der Werbung für Filmtechnologien über den Inhalt begannen die Aktualitäten zunächst als eine "Reihe von Ansichten", die malerische, lebendige oder anderweitig interessante Aufnahmen enthielten. Nach dem Erfolg ihrer Vorführung von 1895 gründeten die Gebrüder Lumière ein Unternehmen und schickten Kameraleute in die ganze Welt, um neue Motive für die Präsentation einzufangen. Nachdem die Kameramänner Szenen gedreht hatten, stellten sie ihre Aufnahmen oft vor Ort aus und schickten sie dann zurück in die Fabrik der Firma nach Lyon, um Duplikatkopien herzustellen und an die Interessenten zu verkaufen. Die bewusste Inszenierung von Tatsachen geht möglicherweise auf einen Mitarbeiter der Firma Lumiere zurück, der aus seinen Aufnahmen eine Erzählung über einen verfolgten General namens Dreyfus zusammenstellte. Aufgrund der kurzen Länge (oft nur eine Einstellung) vieler Aktualitäten deuten die Katalogunterlagen darauf hin, dass die Produktionsfirmen bei den Ausstellern für mehrere Aktualitäten mit verwandten Themen warben, die zur gegenseitigen Ergänzung erworben werden konnten. Die Aussteller, die die Filme kauften, präsentierten sie oft in einem Programm und erklärten dem Publikum die Handlung auf der Leinwand mit gesprochener Begleitung. ⓘ

Am 20. Mai 1895 versammelte sich das erste zahlende Kinopublikum im Madison Square Garden, um einen inszenierten Film zu sehen, der sich als Boxkampf ausgab und von Woodville Latham mit einem Gerät namens Eidoloskop gefilmt wurde. Im Auftrag von Latham entwickelte der französische Erfinder Eugene Augustin Lauste das Gerät mit zusätzlicher Expertise von William Kennedy Dickson und stellte einen Mechanismus her, der als Latham-Schleife bekannt wurde und längere Laufzeiten ermöglichte und den Zelluloidfilm weniger stark strapazierte. ⓘ

Ab 1910 wurden regelmäßig Wochenschauen gezeigt, die sich bald zu einem beliebten Mittel zur Information entwickelten - die britische Antarktis-Expedition zum Südpol wurde für die Wochenschauen gefilmt, ebenso wie die zur gleichen Zeit stattfindenden Suffragetten-Demonstrationen. F. Percy Smith war ein früher Pionier der Naturdokumentation und arbeitete für Charles Urban. In seinem Dokumentarfilm über das Wachstum von Blumen aus dem Jahr 1910 leistete er Pionierarbeit bei der Verwendung von Zeitraffer- und Mikrokamerabildern. ⓘ

Fortschritte bei der Filmbearbeitung

Der Film The Execution of Mary Stuart (Die Hinrichtung von Maria Stuart) der Edison Company aus dem Jahr 1895 enthält den frühesten bekannten Einsatz des Stopptricks. ⓘ

Die Entwicklung von Schnitttechniken und Spezialeffekten sowie die durch die Latham-Schleife ermöglichten längeren Laufzeiten führten dazu, dass sich die Erzählungen weiterentwickelten, da sich das Publikum an die Neuheit gewöhnte, Bewegung auf der Leinwand zu sehen, und konkurrierende Erfinder nach neuem Material suchten. ⓘ

Die Hinrichtung von Maria Stuart, die 1895 von der Edison Company für das Kinetoskop produziert wurde, zeigte die Hinrichtung von Maria, Königin der Schotten, vor den Augen der Kamera. Der Effekt, der als Stopptrick bekannt ist, wurde dadurch erzielt, dass der Schauspieler in der letzten Einstellung durch eine Puppe ersetzt wurde. Die in diesem Film verwendete Technik gilt als eine der ersten bekannten Anwendungen von Spezialeffekten im Film. ⓘ

Die andere grundlegende Technik der Trickkinematografie war die Doppelbelichtung des Films in der Kamera. Dieser Effekt wurde von dem englischen Filmemacher George Albert Smith in dem Film Photographing a Ghost aus dem Jahr 1898 erstmals eingesetzt. Laut Smiths Katalogunterlagen beschreibt der (heute verschollene) Film den Kampf eines Fotografen, der ein Gespenst mit der Kamera einfängt. Smith nutzte die Doppelbelichtung des Films, um eine durchsichtige Geisterfigur auf komische Weise über den Hintergrund zu legen und den Fotografen zu verspotten. Smiths The Corsican Brothers wurde im Katalog der Warwick Trading Company im Jahr 1900 wie folgt beschrieben: "Durch äußerst sorgfältige Fotografie erscheint der Geist *völlig transparent*. Nachdem er angedeutet hat, dass er durch einen Schwertstich getötet wurde, und zur Rache aufruft, verschwindet er. Dann erscheint eine 'Vision', die das tödliche Duell im Schnee zeigt." Smith führte auch die Spezialeffekttechnik der Rückwärtsbewegung ein. Dazu wiederholte er die Handlung ein zweites Mal, während er sie mit einer umgekehrten Kamera filmte, und fügte dann das Ende des zweiten Negativs mit dem des ersten zusammen. Die ersten Filme, die mit diesem Verfahren gedreht wurden, waren Tipsy, Topsy, Turvy und The Awkward Sign Painter. Das früheste erhaltene Beispiel für diese Technik ist Smiths The House That Jack Built, der vor September 1900 entstand. ⓘ

Cecil Hepworth entwickelte diese Technik weiter, indem er die Negative der Vorwärtsbewegung Bild für Bild rückwärts abdruckte und so einen Abzug herstellte, bei dem die ursprüngliche Handlung genau umgekehrt war. Zu diesem Zweck baute er einen speziellen Drucker, in dem das durch einen Projektor laufende Negativ durch ein spezielles Objektiv in das Tor einer Kamera projiziert wurde, wodurch ein Bild in gleicher Größe entstand. Diese Anordnung wurde als "Projektionsdrucker" und schließlich als "optischer Drucker" bezeichnet. ⓘ

Sowohl Cecil Hepworth als auch der englische Filmemacher Robert W. Paul experimentierten in ihren Filmen mit dem Einsatz verschiedener Kameratechniken. Pauls "Cinematograph Camera No. 1" von 1895 war die erste Kamera mit Rückwärtsgang, mit der dasselbe Filmmaterial mehrmals belichtet werden konnte, wodurch Mehrfachbelichtungen möglich waren. Diese Technik wurde erstmals 1901 in seinem Film Scrooge, or, Marley's Ghost verwendet. Paul und Hepworth experimentierten beide mit den Geschwindigkeiten der Kamera, um neue Effekte zu erzielen. Paul drehte Szenen aus On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899), indem er den Kameraapparat sehr langsam ankurbelte. Wenn der Film mit den üblichen 16 Bildern pro Sekunde projiziert wurde, schien die Szenerie mit großer Geschwindigkeit vorbeizuziehen. In The Indian Chief and the Seidlitz Powder (1901) setzte Hepworth den gegenteiligen Effekt ein. Die Bewegungen des Häuptlings werden beschleunigt, indem die Kamera viel schneller als mit 16 Bildern pro Sekunde gedreht wird, wodurch ein Effekt entsteht, den das moderne Publikum als "Zeitlupe" bezeichnen würde. ⓘ

Entwicklung einer fortlaufenden Erzählung

Die beiden Szenen von Come Along, Do! ⓘ

Die ersten Filme, die von Einzelbildern zu aufeinander folgenden Szenen übergingen, entstanden um die Jahrhundertwende zum 20. Da viele frühe Filme verloren gegangen sind, lässt sich ein eindeutiger Übergang von statischen Einzelaufnahmen zu einer Reihe von Szenen nur schwer feststellen. Trotz dieser Einschränkungen wird eine echte Filmkontinuität, bei der die Handlung von einer Sequenz in eine andere übergeht, dem britischen Filmpionier Robert W. Pauls Come Along, Do! aus dem Jahr 1898 zugeschrieben. Der Film war einer der ersten, der mehr als eine Einstellung enthielt, obwohl heute nur noch ein Standbild der zweiten Einstellung erhalten ist. ⓘ

Der am häufigsten zitierte Vorläufer des narrativen Films ist der französische Filmemacher Georges Méliès. Méliès, ein Illusionist, der zuvor Laterna Magica-Projektionen zur Verbesserung seiner Zauberkunststücke verwendet hatte, erkannte, dass der Film ihm die Möglichkeit bot, "visuelle Spektakel zu produzieren, die im Theater nicht möglich waren". Auf der Suche nach einer Kamera versuchte Méliès 1895, ein Gerät von den Brüdern Lumiere zu kaufen, doch diese lehnten ab. Monate später kaufte er eine Kamera von Robert W. Paul und begann mit Pauls Gerät zu experimentieren, während er Realitäten schuf. Während dieser Zeit des Experimentierens entdeckte Méliès verschiedene Spezialeffekte und setzte sie zur Verbesserung seiner Filme ein, darunter den Stopptrick, die Mehrfachbelichtung und die Verwendung von Überblendungen.

Georges Méliès (links) malt eine Kulisse in seinem Atelier

Ende 1896 gründete Georges Méliès die Star Film Company und begann mit der Produktion, der Regie und dem Vertrieb eines Oeuvres, das schließlich über 500 Kurzfilme umfassen sollte. Méliès erkannte das erzählerische Potenzial, das sich aus der Kombination seiner Theatererfahrung mit den neu entdeckten Effekten für die Kamera ergab, und entwarf eine aufwendige Bühne mit Falltüren und einem Fliegensystem. Die Bühnenkonstruktion und die Schnitttechniken ermöglichten die Entwicklung komplexerer Geschichten, wie z. B. den Film Le Manoir du Diable (Das Haus des Teufels) von 1896, der als erstes Werk des Horrorfilmgenres gilt, und den Film Cendrillon (Aschenputtel) von 1899. In Méliès' Filmen hatte die Kamera eine ähnliche Funktion wie die eines Theaterbesuchers: Sie fungierte als statischer Beobachter und verharrte in derselben festen Position, während sich die Szenen vor dem Blickfeld abspielten und nicht in Einzelaufnahmen. Méliès ist heute vor allem für seinen Film Le Voyage Dans La Lune (Die Reise zum Mond) aus dem Jahr 1902 bekannt, in dem er seine Erfahrung mit Effekten und narrativen Konstruktionen nutzte, um den ersten Science-Fiction-Film zu schaffen. ⓘ

Die Brightoner Schule

Die Entwicklung einer kontinuierlichen Handlung in mehreren Einstellungen wurde in England von einer lose verbundenen Gruppe von Filmpionieren vorangetrieben, die als "Brighton School" bezeichnet wurde. Zu diesen Filmemachern gehörten u. a. George Albert Smith und James Williamson. Smith und Williamson experimentierten mit der Kontinuität der Handlung und waren wahrscheinlich die ersten, die Einschübe und Nahaufnahmen zwischen den Einstellungen verwendeten.

Die ersten beiden Aufnahmen von As Seen Through a Telescope (1900), bei denen der Blickwinkel des Teleskops durch eine kreisförmige Maske simuliert wird

1898 experimentierte George Albert Smith mit Nahaufnahmen, indem er einen Mann beim Biertrinken und eine Frau beim Schnupftabakschnupfen filmte. Im folgenden Jahr drehte Smith The Kiss in the Tunnel. Der Film beginnt mit einer Aufnahme von einer "Phantomfahrt" an der Stelle, an der der Zug in einen Tunnel einfährt, und setzt die Handlung auf einer Kulisse fort, die das Innere eines Eisenbahnwaggons darstellt, wo ein Mann einer Frau einen Kuss stiehlt, und schneidet dann auf die Aufnahme der Phantomfahrt zurück, wenn der Zug aus dem Tunnel kommt. Die einzelnen Aufnahmen bildeten, wenn sie zusammengeschnitten wurden, eine eindeutige Abfolge von Ereignissen und stellten eine Kausalität von einer Aufnahme zur nächsten her. Nach The Kiss in the Tunnel experimentierte Smith intensiver mit der Kontinuität der Handlung in aufeinanderfolgenden Aufnahmen und begann, Einschübe in seine Filme einzubauen, wie z. B. in Grandma's Reading Glass und Mary Jane's Mishap. Im Jahr 1900 drehte Smith As Seen Through a Telescope. Die Haupteinstellung zeigt eine Straßenszene mit einem jungen Mann, der seiner Freundin die Schnürsenkel bindet und dann ihren Fuß streichelt, während ein alter Mann dies durch ein Teleskop beobachtet. Es folgt ein Schnitt auf eine Nahaufnahme der Hände am Fuß des Mädchens, die in einer schwarzen, runden Maske zu sehen sind, und dann ein Schnitt zurück auf die Fortsetzung der ursprünglichen Szene. ⓘ

James Williamson perfektionierte die Technik des narrativen Aufbaus in seinem Film Attack on a China Mission von 1900. Der Film, den der Filmhistoriker John Barnes später als "die am vollständigsten entwickelte Erzählung aller bis dahin in England gedrehten Filme" bezeichnete, beginnt damit, dass die erste Einstellung chinesische Boxer-Rebellen am Tor zeigt; dann wird auf die Missionarsfamilie im Garten geschnitten, wo es zu einem Kampf kommt. Die Frau gibt vom Balkon aus britischen Matrosen ein Zeichen, die kommen und sie retten. In diesem Film wurde auch der erste "Rückwärtsschnitt" der Filmgeschichte verwendet. Im folgenden Jahr schuf Williamson The Big Swallow. In diesem Film wird ein Mann durch die Anwesenheit des Filmemachers irritiert und "verschluckt" die Kamera und ihren Bediener durch den Einsatz von interpolierten Nahaufnahmen. Er kombinierte diese Effekte mit Überlagerungen, der Verwendung von Wischübergängen, um einen Szenenwechsel zu kennzeichnen, und anderen Techniken, um eine Filmsprache oder "Filmgrammatik" zu schaffen. James Williamsons Einsatz einer kontinuierlichen Handlung in seinem Film Haltet den Dieb! aus dem Jahr 1901 begründete ein Filmgenre, das als "Verfolgungsfilm" bekannt wurde. In dem Film stiehlt ein Landstreicher in der ersten Einstellung eine Hammelkeule von einem Metzgerjungen, wird in der folgenden Einstellung von dem Metzgerjungen und verschiedenen Hunden verfolgt und schließlich in der dritten Einstellung von den Hunden gefangen. ⓘ

Edwin S. Porter

Standbild aus The Great Train Robbery, produziert von Edwin S. Porter

Der amerikanische Filmemacher Edwin S. Porter begann 1901, Filme für die Edison Company zu drehen. Als ehemaliger Filmvorführer, der von Thomas Edison eingestellt wurde, um sein neues Projektionsmodell, das Vitascope, zu entwickeln, ließ sich Porter zum Teil von den Arbeiten von Méliès, Smith und Williamson inspirieren und nutzte deren neu entwickelte Techniken, um die Entwicklung einer kontinuierlichen Erzählung durch den Schnitt voranzutreiben. Als er 1902 begann, längere Filme zu drehen, setzte er zwischen jede Einstellung eine Überblendung, so wie es bereits Georges Méliès getan hatte, und er ließ häufig dieselbe Handlung in den Überblendungen wiederholen. ⓘ

Im Jahr 1902 drehte Porter für die Edison Manufacturing Company den Film Life of an American Fireman, der im darauf folgenden Jahr in den Vertrieb ging. In dem Film kombinierte Porter Archivmaterial aus früheren Edison-Filmen mit neu gedrehtem Material und fügte es zu einer dramatischen Geschichte über die Rettung einer Frau und ihres Kindes durch heldenhafte Feuerwehrleute zusammen. ⓘ

Porters Film The Great Train Robbery (1903) hatte eine Laufzeit von zwölf Minuten, mit zwanzig Einzelaufnahmen und zehn verschiedenen Schauplätzen im Innen- und Außenbereich. Der Film gilt als ein Novum im Genre des Westernfilms. Porter verwendete eine Schnittmethode, die als Cross-Cutting bekannt ist, um die Handlung gleichzeitig an verschiedenen Orten zu zeigen, und etablierte damit die Idee des Films als eine Reihe von kontinuierlichen Aufnahmen, anstatt eine Einstellung auf eine einzige Szene zu beschränken, die von Anfang bis Ende gespielt wird, wie es in der Tradition des Theaters üblich war. Die zeitliche Kontinuität in The Great Train Robbery war zwar verwirrender als in den Filmen, die ihm als Vorbild dienten, aber dennoch war er aufgrund seiner Wildwest-Gewalt ein größerer Erfolg als diese. The Great Train Robbery diente als eines der Vehikel, die das Medium Film zu großer Popularität führen sollten.

1902 brachte die französische Filmgesellschaft Pathé Ali Baba und die vierzig Räuber heraus. Der Film gilt als einer der ersten, in dem Zwischentitel verwendet wurden, um die Handlungen und Dialoge auf der Leinwand zu erklären. Einige Monate zuvor hatte Williamson in A Reservist Before and After the War zwei Zwischentitel verwendet. In den meisten Ländern wurden die Zwischentitel allmählich zur Erläuterung der Dialoge und der Erzählung des Films verwendet, so dass die Kinobetreiber nicht mehr auf eine Erzählung angewiesen waren. Die Auswirkung war nicht unmittelbar, und Kinobetreiber und Zwischentitel koexistierten noch einige Jahre nach der weit verbreiteten Verwendung von Zwischentiteln, aber in den meisten Fällen nutzten die Produktionsfirmen die Gelegenheit, um mehr Kontrolle über ihr Produkt zu erhalten. Im japanischen Kino blieben jedoch menschliche Erzähler, die so genannten Benshi, während der gesamten Stummfilmzeit beliebt.

Ein früher Film, der eine Nachstellung der Schlacht von Chemulpo Bay zeigt (Film produziert 1904 von Edison Studios) ⓘ

Frühe Animation

El Apóstol, der erste animierte Spielfilm der Welt, und Peludópolis, der erste animierte Spielfilm mit Ton, wurden von dem italienisch-argentinischen Cartoonisten Quirino Cristiani in Cutout-Animation produziert. ⓘ

Ein Einzelbild aus dem Zeichentrickfilm Humorous Phases of Funny Faces, das die Verwendung der Ausschneidetechnik zeigt ⓘ

Als die Kinematographie eingeführt wurde, kannte man die Animation von verschiedenen optischen Spielzeugen (in stroboskopischer Form), von Laterna Magica (in mechanischer Form) und von den Pantomimen Lumineuses von Emile Reynaud. Es dauerte mehr als ein Jahrzehnt, bis die Animation in den Kinos eine Rolle zu spielen begann, und zwar mit Stop-Motion-Kurzfilmen wie Le théâtre de Bob (1906) von Segundo de Chomón und The Haunted Hotel (1907) von J. Stuart Blackton sowie mit handgezeichneten kurzen Animationsfilmen wie Blacktons Film Humorous Phases of Funny Faces (1906) (mit einigen Cut-Out-Animationen) und Fantasmagorie (1908) von Émile Cohl. ⓘ

Der erste animierte Spielfilm der Welt war El Apóstol (1917) des italienisch-argentinischen Zeichners Quirino Cristiani, der sich der Cutout-Animation bediente. Cristiani führte auch Regie beim ersten Zeichentrickfilm mit Ton, Peludópolis, der mit einer Tonspur des Vitaphone-Synchronisationssystems auf Schallplatte veröffentlicht wurde. Leider wurden bei einem Brand, der das Filmstudio des Produzenten Federico Valle zerstörte, die einzigen bekannten Kopien der Filme verbrannt, so dass sie heute als verloren gelten. ⓘ

Spielfilm

Hollywood-Zeichen ⓘ

Eine Zeit lang waren Filme nicht länger als eine Rolle, obwohl in den ersten Jahren des Kinos einige mehrspurige Filme über das Leben Christi gedreht worden waren. Der weltweit erste abendfüllende Film mit mehreren Rollen war die australische Produktion The Story of the Kelly Gang aus dem Jahr 1906. Er zeichnete das Leben des legendären, berüchtigten Outlaws und Bushrangers Ned Kelly (1855-1880) nach und lief über eine Stunde lang mit einer Rollenlänge von etwa 1.200 m (4.000 Fuß). Er wurde erstmals am 26. Dezember 1906 in der Athenaeum Hall in der Collins Street in Melbourne, Australien, und im Januar 1908 im Vereinigten Königreich gezeigt. ⓘ

1910s

Neue Filmproduktionsländer

Italienisches Filmepos Cabiria ⓘ

Im Zuge des weltweiten Filmbooms traten neben Großbritannien, Frankreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten nun weitere Länder in die Filmproduktion ein. In Italien verteilte sich die Produktion auf mehrere Zentren, wobei Turin das erste und größte Zentrum der Filmproduktion darstellte. Dort war Ambrosio 1905 das erste Unternehmen in diesem Bereich und blieb während dieser Zeit das größte des Landes. Ihr wichtigster Konkurrent war Cines in Rom, das 1906 mit der Produktion begann. Die große Stärke der italienischen Filmindustrie waren historische Epen mit großen Darstellern und gewaltigen Kulissen. Bereits 1911 sorgte Giovanni Pastrones Zwei-Rollen-Film La Caduta di Troia (Der Fall von Troja) für weltweites Aufsehen, und es folgten noch größere Produktionen wie Quo Vadis? (1912) mit einer Laufzeit von 90 Minuten und Pastrones Cabiria von 1914 mit einer Laufzeit von zweieinhalb Stunden. ⓘ

Italienische Firmen hatten auch eine starke Linie in der Slapstick-Komödie, mit Schauspielern wie André Deed, lokal bekannt als "Cretinetti" und anderswo als "Foolshead" und "Gribouille", der mit seinen fast surrealistischen Gags Weltruhm erlangte. ⓘ

Das wichtigste Filmproduktionsland in Nordeuropa war bis zum Ersten Weltkrieg Dänemark. Dort wurde 1906 von Ole Olsen, einem Schausteller, die Firma Nordisk gegründet. Nach einer kurzen Phase, in der er die Erfolge französischer und britischer Filmemacher nachahmte, produzierte er 1907 67 Filme, die meisten unter der Regie von Viggo Larsen, mit aufsehenerregenden Themen wie Den hvide Slavinde (Der weiße Sklave), Isbjørnejagt (Eisbärenjagd) und Løvejagten (Die Löwenjagd). Ab 1910 stiegen neue, kleinere dänische Firmen in das Geschäft ein, die nicht nur weitere Filme über den weißen Sklavenhandel drehten, sondern auch andere neue Themen beisteuerten. Die wichtigste dieser Entdeckungen war Asta Nielsen in Afgrunden (Der Abgrund), bei dem Urban Gad für Kosmorama Regie führte. Dieser Film kombinierte Zirkus, Sex, Eifersucht und Mord, alles mit großer Überzeugung inszeniert, und trieb die anderen dänischen Filmemacher weiter in diese Richtung. Bis 1912 vervielfältigten sich die dänischen Filmgesellschaften rasant. ⓘ

Die schwedische Filmindustrie war kleiner und kam langsamer in Gang als die dänische Industrie. Hier begann Charles Magnusson, ein Wochenschau-Kameramann der Kinokette Svenskabiografteatern, 1909 mit der Produktion von Spielfilmen, wobei er bei einigen Filmen selbst Regie führte. Die Produktion wurde 1912 ausgeweitet, als die Firma Victor Sjöström und Mauritz Stiller als Regisseure einstellte. Anfangs ahmten sie die von der dänischen Filmindustrie bevorzugten Themen nach, aber 1913 produzierten sie ihre eigenen, auffallend originellen Werke, die sich sehr gut verkauften. ⓘ

In Russland begann die Filmindustrie 1908, als Pathé dort einige Spielfilme drehte und Aleksandr Drankov und Aleksandr Khanzhonkov echte russische Filmgesellschaften gründeten. Die Firma Chanzhonkow wurde schnell zur größten russischen Filmgesellschaft und blieb dies bis 1918. ⓘ

In Deutschland war Oskar Messter bereits seit 1896 in der Filmproduktion tätig, produzierte aber erst ab 1910 eine größere Anzahl von Filmen pro Jahr. Als der weltweite Filmboom einsetzte, verkauften er und die wenigen anderen deutschen Filmschaffenden die Kopien ihrer eigenen Filme weiterhin direkt, was ihnen zum Nachteil gereichte. Erst als Paul Davidson, der Besitzer einer Kinokette, 1911 Asta Nielsen und Urban Gad aus Dänemark nach Deutschland holte und eine Produktionsgesellschaft, die Projektions-AG "Union" (PAGU), gründete, begann die Umstellung auf den Verleih von Kopien. Messter antwortete mit einer Reihe von längeren Filmen mit Henny Porten in der Hauptrolle, die zwar im deutschsprachigen Raum gut liefen, aber im Gegensatz zu den Asta-Nielsen-Filmen international nicht besonders erfolgreich waren. Ein weiterer deutscher Filmproduzent, der kurz vor dem Ersten Weltkrieg im Aufwind war, war der deutsche Zweig der französischen Éclair-Gesellschaft, die Deutsche Éclair. Diese wurde von der deutschen Regierung enteignet und bei Kriegsbeginn in die DECLA umgewandelt. Doch insgesamt hatten die deutschen Produzenten 1914 nur einen geringen Anteil am deutschen Markt. ⓘ

Insgesamt hatten amerikanische Filme ab etwa 1910 in allen europäischen Ländern mit Ausnahme Frankreichs den größten Marktanteil, und selbst in Frankreich hatten die amerikanischen Filme am Vorabend des Ersten Weltkriegs die einheimische Produktion gerade vom ersten Platz verdrängt. Während der Krieg die europäischen Produzenten behinderte, machten die technischen Qualitäten der amerikanischen Filme sie für das Publikum überall zunehmend attraktiv. ⓘ

Die Filmtechnik

A.E. Smith bei den Dreharbeiten zu The Bargain Fiend in den Vitagraph Studios im Jahr 1907. Über dem Kopf hängen Bogenscheinwerfer. ⓘ

Zu den neuen Filmtechniken, die in dieser Zeit eingeführt wurden, gehören der Einsatz von künstlichem Licht, Feuereffekten und Low-Key-Beleuchtung (d. h. eine Beleuchtung, bei der der größte Teil des Bildes dunkel ist), um die Atmosphäre in unheimlichen Szenen zu verstärken. ⓘ

Auch die Kontinuität der Handlung von Einstellung zu Einstellung wurde verfeinert, wie in Pathés Le Cheval emballé (Das entlaufene Pferd) (1907), in dem Querschnitte zwischen parallelen Handlungen verwendet werden. Auch D. W. Griffith verwendet in seinem im Juli 1908 gedrehten Film The Fatal Hour erstmals Überblendungen. Eine weitere Entwicklung war die Verwendung der Point-of-View-Aufnahme, die erstmals 1910 in Back to Nature von Vitagraph verwendet wurde. Der italienische Film La mala planta (Die böse Pflanze) unter der Regie von Mario Caserini zeigte eine Schlange, die sich über die "böse Pflanze" schleicht. ⓘ

Mit zunehmender Länge der Filme wurden spezialisierte Autoren eingesetzt, um komplexere Geschichten aus Romanen oder Theaterstücken in eine Form zu bringen, die auf einer Filmrolle Platz fand. Man begann, Genres als Kategorien zu verwenden; die Hauptunterteilung war in Komödie und Drama, aber diese Kategorien wurden weiter unterteilt. ⓘ

Zwischentitel mit Dialogzeilen wurden ab 1908 durchgängig verwendet, wie etwa in Vitagraphs An Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won. Der Dialog wurde schließlich in der Mitte der Szene eingefügt und war ab 1912 alltäglich. Die Einführung von Dialogtiteln veränderte das Wesen der Filmerzählung. Als die Dialogtitel immer in eine Szene geschnitten wurden, kurz nachdem eine Figur zu sprechen begann, und dann mit einem Schnitt auf die Figur, kurz bevor sie zu Ende sprach, hatte man etwas, das praktisch einem heutigen Tonfilm entsprach. ⓘ

Während des Ersten Weltkriegs und der Industrie

Der visuelle Stil von Das Kabinett des Dr. Caligari umfasste absichtlich verzerrte Formen, komplexe Farbgebung und direkt auf die Kulissen gemalte Lichtschlieren. Der Film verwendet Mise-en-scène. ⓘ

Die Jahre des Ersten Weltkriegs waren für die Filmindustrie eine komplexe Übergangszeit. Die Vorführung von Filmen wandelte sich von kurzen Ein-Rollen-Programmen zu Spielfilmen. Die Ausstellungsorte wurden größer und verlangten höhere Preise. ⓘ

In den Vereinigten Staaten bedeuteten diese Veränderungen für viele Filmgesellschaften das Aus, wobei die Firma Vitagraph eine Ausnahme bildete. Während des Ersten Weltkriegs begann sich die Filmproduktion nach Los Angeles zu verlagern. 1912 wurde die Universal Film Manufacturing Company als Dachgesellschaft gegründet. Zu den neuen Marktteilnehmern gehörten die Jesse Lasky Feature Play Company und Famous Players, die beide 1913 gegründet wurden und sich später zu Famous Players-Lasky zusammenschlossen. Der größte Erfolg in diesen Jahren war David Wark Griffiths The Birth of a Nation (1915). Griffith ließ den noch größeren Film Intolerance (1916) folgen, aber aufgrund der hohen Qualität der in den USA produzierten Filme war der Markt für ihre Filme groß. ⓘ

In Frankreich kam die Filmproduktion aufgrund der allgemeinen militärischen Mobilisierung des Landes zu Beginn des Krieges zum Erliegen. Zwar wurde die Filmproduktion 1915 wieder aufgenommen, aber in geringerem Umfang, und die größten Unternehmen zogen sich nach und nach aus der Produktion zurück. Die italienische Filmproduktion hielt sich besser, obwohl die so genannten "Divenfilme" mit gequälten weiblichen Hauptdarstellern ein kommerzieller Misserfolg waren. In Dänemark steigerte die Nordisk-Gesellschaft ihre Produktion in den Jahren 1915 und 1916 so stark, dass sie nicht mehr alle Filme verkaufen konnte, was zu einem starken Rückgang der dänischen Produktion und dem Ende der Bedeutung Dänemarks auf der internationalen Filmszene führte. ⓘ

Die deutsche Filmindustrie war durch den Krieg stark geschwächt. Der wichtigste der neuen Filmproduzenten dieser Zeit war Joe May, der in den Kriegsjahren eine Reihe von Thrillern und Abenteuerfilmen drehte, aber auch Ernst Lubitsch wurde mit einer Reihe von sehr erfolgreichen Komödien und Dramen bekannt. ⓘ

Neue Techniken

Aufwändige Vignettenaufnahme in Die Austernprinzessin ⓘ

Zu dieser Zeit wurden die Studios verdunkelt, damit die Dreharbeiten nicht durch das wechselnde Sonnenlicht beeinträchtigt werden konnten. Dies wurde durch Flutlicht und Scheinwerfer ersetzt. In dieser Zeit setzte sich auch die weit verbreitete Verwendung von Blenden für den Anfang und das Ende von Szenen durch. Dabei handelt es sich um die Enthüllung eines Films, der in einer kreisförmigen Maske aufgenommen wird, die sich allmählich vergrößert, bis sie über das Bild hinausgeht. Es wurden auch andere Schlitzformen verwendet, darunter vertikale und diagonale Blenden. ⓘ

Eine neue Idee, die von der Standfotografie übernommen wurde, war der "Weichzeichner". Dies begann 1915, als einige Aufnahmen absichtlich unscharf gemacht wurden, um eine ausdrucksstarke Wirkung zu erzielen, wie in Mary Pickfords Film Fanchon the Cricket. ⓘ

In dieser Zeit begannen sich auch Kameraeffekte zu etablieren, die die subjektiven Gefühle der Filmfiguren vermitteln sollten. Diese konnten nun als Point-of-View-Aufnahmen (POV) ausgeführt werden, wie in Sidney Drews The Story of the Glove (1915), wo eine wackelige Handkameraaufnahme einer Tür und ihres Schlüssellochs die POV eines betrunkenen Mannes darstellt. Die Verwendung anamorpher (im allgemeinen Sinne verzerrter) Bilder taucht in diesen Jahren zum ersten Mal in Abel Gances Film La Folie du Docteur Tube (The Madness of Dr. Tube) auf. In diesem Film wurde die Wirkung einer Droge, die einer Gruppe von Menschen verabreicht wurde, durch die Aufnahme der Szenen in einem Zerrspiegel wie auf einem Jahrmarkt suggeriert. ⓘ

Symbolische Effekte, die aus der konventionellen literarischen und künstlerischen Tradition übernommen wurden, tauchten in diesen Jahren weiterhin in einigen Filmen auf. In D. W. Griffiths The Avenging Conscience (1914) geht der Titel "The birth of the evil thought" einer Serie von drei Einstellungen voraus, in denen der Protagonist eine Spinne betrachtet und Ameisen ein Insekt fressen. Die symbolistische Kunst und Literatur der Jahrhundertwende wirkte sich auch allgemeiner auf eine kleine Anzahl von Filmen aus, die in Italien und Russland entstanden. Die unbeteiligte Hinnahme des Todes als Folge von Leidenschaft und verbotenen Sehnsüchten war ein Hauptmerkmal dieser Kunst, und auch ausführlich dargestellte Delirien waren von Bedeutung. ⓘ

Insert Shot in Old Wives for New (Cecil B. DeMille, 1918) ⓘ

Die Verwendung von Insert Shots, d. h. Nahaufnahmen von anderen Objekten als Gesichtern, war bereits von der Brightoner Schule etabliert worden, wurde aber vor 1914 nur selten eingesetzt. Erst mit Griffiths The Avenging Conscience beginnt eine neue Phase des Einsatzes von Insert Shots. Neben den bereits erwähnten symbolischen Einschüben wurden in diesem Film auch zahlreiche Big Close Up-Aufnahmen von umklammernden Händen und wippenden Füßen verwendet, um diese Körperteile als Indikatoren für psychologische Spannungen zu betonen. ⓘ

Atmosphärische Einschübe wurden in den späten 1910er Jahren in Europa entwickelt. Dabei handelt es sich um eine Einstellung in einer Szene, in der weder eine der Figuren der Geschichte vorkommt, noch eine Einstellung aus der Sicht einer der Figuren. Ein frühes Beispiel ist der Film The Pride of the Clan (1917) von Maurice Tourneur, in dem es eine Reihe von Aufnahmen von Wellen gibt, die an eine felsige Küste schlagen, um das harte Leben der Fischer zu zeigen. Maurice Elveys Nelson; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) hat eine symbolische Sequenz, die von einem Bild Kaiser Wilhelms II. zu einem Pfau und dann zu einem Schlachtschiff übergeht. ⓘ

1914 war das Kontinuitätskino die gängige Methode des kommerziellen Kinos. Zu den fortschrittlichen Kontinuitätstechniken gehörte der präzise und fließende Übergang von einer Einstellung zur nächsten. Auch das Schneiden zu verschiedenen Blickwinkeln innerhalb einer Szene hat sich in amerikanischen Filmen als Technik zur Zerlegung einer Szene in Einstellungen durchgesetzt. Ändert sich die Richtung der Einstellung um mehr als neunzig Grad, spricht man von einem Umkehrschnitt. Die führende Figur in der vollen Entwicklung des Rückwärtsschnitts war Ralph Ince in seinen Filmen wie The Right Girl und His Phantom Sweetheart. ⓘ

Die Verwendung von Rückblenden entwickelte sich in dieser Zeit weiter, wobei die übliche Art, eine Rückblende zu beginnen und zu beenden, eine Überblendung war. Der Film The Man That Might Have Been (William J. Humphrey, 1914) der Firma Vitagraph ist sogar noch komplexer und besteht aus einer Reihe von Rückblicken und Rückblenden, die den realen Lebensweg des Protagonisten mit dem kontrastieren, was hätte sein können, wenn sein Sohn nicht gestorben wäre. ⓘ

Nach 1914 wurden Überschneidungen zwischen parallelen Handlungen immer häufiger eingesetzt - in amerikanischen Filmen mehr als in europäischen. Der Schnitt wurde oft verwendet, um neue Kontrasteffekte zu erzielen, wie die Schnittfolge in Cecil B. DeMilles The Whispering Chorus (1918), in der ein vermeintlich toter Ehemann in einer Opiumhöhle eine Liaison mit einer chinesischen Prostituierten hat, während gleichzeitig seine unwissende Frau in der Kirche wieder verheiratet wird. ⓘ

Auch die Abtönung von Stummfilmen gewann in dieser Zeit an Popularität. Bernsteinfarbene Tönung stand für den Tag oder die hell erleuchtete Nacht, blaue Tönung für die Morgendämmerung oder die schwach beleuchtete Nacht, rote Tönung für Feuerszenen, grüne Tönung für eine geheimnisvolle Atmosphäre und braune Tönung (auch Sepia-Tönung genannt) wurde in der Regel für abendfüllende Filme und nicht für einzelne Szenen verwendet. D.W. Griffiths' bahnbrechendes Epos Die Geburt einer Nation, der berühmte Film Dr. Jekyll und Mr. Hyde aus dem Jahr 1920 und das Robert Wiene-Epos Das Kabinett des Dr. Caligari aus demselben Jahr sind einige bemerkenswerte Beispiele für getönte Stummfilme. ⓘ

Das Fotodrama der Schöpfung, das 1914 uraufgeführt wurde, war das erste große Drehbuch, das synchronisierten Ton, bewegten Film und Farbdias enthielt. Bis 1927 wurden die meisten Spielfilme ohne Ton produziert. Dieser Zeitraum wird gemeinhin als die Stummfilmzeit des Films bezeichnet. ⓘ

Filmkunst

Der allgemeine Trend in der Entwicklung des Kinos, der von den Vereinigten Staaten ausging, ging dahin, die neu entwickelten, spezifisch filmischen Mittel für den Ausdruck des narrativen Inhalts von Filmgeschichten zu verwenden und diese mit den bereits im kommerziellen Theater verwendeten dramatischen Standardstrukturen zu kombinieren. D. W. Griffith hatte unter den amerikanischen Regisseuren den höchsten Stellenwert in der Branche, weil er dem Publikum mit seinen Filmen dramatische Spannung vermittelte. Cecil B. DeMilles The Cheat (1915) brachte die moralischen Dilemmata seiner Figuren auf subtilere Weise zum Ausdruck als Griffith. DeMille war auch näher an der Realität des zeitgenössischen amerikanischen Lebens dran. Maurice Tourneur wurde ebenfalls für die malerische Schönheit seiner Filme und die Subtilität seines Umgangs mit der Fantasie geschätzt, während er gleichzeitig in der Lage war, seinen Schauspielern in geeigneten Momenten einen größeren Naturalismus zu entlocken, wie in A Girl's Folly (1917). ⓘ

Sidney Drew war der führende Kopf bei der Entwicklung der "höflichen Komödie", während der Slapstick von Fatty Arbuckle und Charles Chaplin verfeinert wurde, die beide bei Mack Sennetts Keystone Company angefangen hatten. Sie reduzierten das übliche hektische Tempo von Sennetts Filmen, um dem Publikum die Möglichkeit zu geben, die Subtilität und Finesse ihrer Bewegungen und die Raffinesse ihrer Gags zu schätzen. Ab 1917 führte Chaplin auch eine dramatischere Handlung in seine Filme ein und mischte die Komödie mit Gefühlen. ⓘ

In Russland brachte Jewgeni Bauer auf einzigartige Weise eine langsame Intensität des Schauspiels in Verbindung mit symbolistischen Untertönen auf den Film. ⓘ

In Schweden drehte Victor Sjöström eine Reihe von Filmen, die auf eindrucksvolle Weise die Lebenswirklichkeit der Menschen mit ihrer Umgebung verbanden, während Mauritz Stiller die anspruchsvolle Komödie auf ein neues Niveau brachte. ⓘ

In Deutschland ließ sich Ernst Lubitsch von der Bühnenarbeit Max Reinhardts inspirieren, sowohl in der bürgerlichen Komödie als auch im Spektakel, und wandte dies auf seine Filme an, die in Die Puppe, Die Austernprinzessin und Madame DuBarry gipfelten. ⓘ

1920s

Goldene Jahre des deutschen Films, Hollywood triumphiert

Charlie Chaplin ⓘ

Zu Beginn des Ersten Weltkriegs waren das französische und das italienische Kino weltweit am beliebtesten. Der Krieg brachte eine verheerende Unterbrechung für die europäische Filmindustrie mit sich. ⓘ

Das deutsche Kino, geprägt von dieser Zeit, erlebte die Ära des deutschen Expressionismus. Berlin war ihr Zentrum mit dem Filmstudio Babelsberg, dem ältesten Großfilmstudio der Welt. Die ersten Filme des Expressionismus kompensierten den Mangel an üppigen Budgets durch die Verwendung von Bühnenbildern mit wild unrealistischen, geometrisch absurden Winkeln sowie durch auf Wände und Böden gemalte Muster, die Licht, Schatten und Gegenstände darstellen sollten. Die Handlungen und Geschichten der expressionistischen Filme handelten oft von Wahnsinn, Irrsinn, Verrat und anderen "intellektuellen" Themen, die durch die Erfahrungen des Ersten Weltkriegs ausgelöst wurden. Filme wie Das Cabinet des Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) und M (1931) hatten, ähnlich wie die Bewegung, der sie angehörten, einen historischen Einfluss auf den Film selbst. Filme wie Metropolis (1927) und Frau im Mond (1929) begründeten teilweise das Genre des Science-Fiction-Films. ⓘ

Als die Nazis an die Macht kamen, emigrierten viele deutsche und in Deutschland ansässige Regisseure, Schauspieler, Autoren und andere in die USA und verschafften Hollywood und der amerikanischen Filmindustrie den letzten Vorteil im Wettbewerb mit anderen Filmproduktionsländern. ⓘ

Die amerikanische Industrie, oder "Hollywood", wie sie nach ihrem neuen geografischen Zentrum in Kalifornien genannt wurde, erlangte die Position, die sie seither mehr oder weniger innehat: eine Filmfabrik für die ganze Welt, die ihr Produkt in die meisten Länder der Erde exportiert. ⓘ

In den 1920er Jahren erreichten die Vereinigten Staaten mit durchschnittlich 800 Spielfilmen pro Jahr, d. h. 82 % der weltweiten Gesamtproduktion, ihre bis heute größte Zeit (Eyman, 1997). Die Komödien von Charlie Chaplin und Buster Keaton, die verwegenen Abenteuer von Douglas Fairbanks und die Romanzen von Clara Bow, um nur einige Beispiele zu nennen, machten die Gesichter dieser Künstler auf allen Kontinenten bekannt. Die westliche visuelle Norm, die zum klassischen Continuity Editing werden sollte, wurde entwickelt und exportiert - auch wenn ihre Übernahme in einigen nicht-westlichen Ländern ohne starke realistische Traditionen in Kunst und Theater, wie etwa Japan, langsamer verlief. ⓘ

Diese Entwicklung war zeitgleich mit dem Wachstum des Studiosystems und seiner wichtigsten Werbemethode, dem Star-System, das den amerikanischen Film über Jahrzehnte hinweg prägte und anderen Filmindustrien als Vorbild diente. Die effiziente, von oben nach unten gerichtete Kontrolle der Studios über alle Phasen ihres Produkts ermöglichte ein neues und ständig wachsendes Niveau an aufwändiger Produktion und technischer Raffinesse. Gleichzeitig verhinderten die kommerzielle Reglementierung und die Konzentration auf glamourösen Eskapismus bis zu einem gewissen Grad Wagemut und Ehrgeiz. Ein Paradebeispiel dafür ist die kurze, aber dennoch legendäre Regiekarriere des ikonoklastischen Erich von Stroheim in den späten Teenagerjahren und in den 1920er Jahren. ⓘ

1930s

Das Tonzeitalter

Don Juan ist der erste abendfüllende Film, der mit dem Vitaphone-Tonsystem mit synchronisierter Musik und Soundeffekten gedreht wurde, obwohl er keine gesprochenen Dialoge enthält. ⓘ

Ende 1927 brachte Warners den Film The Jazz Singer heraus, der größtenteils stumm war, aber das enthielt, was allgemein als der erste synchronisierte Dialog (und Gesang) in einem Spielfilm angesehen wird; tatsächlich wurde dieses Verfahren jedoch zuerst von Charles Taze Russell im Jahr 1914 mit dem langen Film The Photo-Drama of Creation realisiert. Dieses Drama bestand aus Dias und bewegten Bildern, die mit Tonaufnahmen von Gesprächen und Musik synchronisiert wurden. Die frühen Ton-Disk-Verfahren wie Vitaphone wurden bald von Ton-Film-Verfahren wie Fox Movietone, DeForest Phonofilm und RCA Photophone verdrängt. Der Trend überzeugte die weitgehend zurückhaltenden Industriellen, dass "sprechende Bilder" oder "Tonfilme" die Zukunft waren. Vor dem Erfolg von The Jazz Singer wurden viele Versuche unternommen, was sich in der Liste der Filmtonanlagen widerspiegelt. ⓘ

Der Wandel vollzog sich bemerkenswert schnell. Ende 1929 gab es in Hollywood fast nur noch Tonfilme, mit mehreren konkurrierenden Tonsystemen (die bald vereinheitlicht wurden). Im Rest der Welt verlief die Umstellung etwas langsamer, hauptsächlich aus wirtschaftlichen Gründen. Kulturelle Gründe spielten auch in Ländern wie China und Japan eine Rolle, wo der Stummfilm bis weit in die 1930er Jahre hinein erfolgreich mit dem Tonfilm koexistierte und einige der in diesen Ländern am meisten verehrten Klassiker hervorbrachte, wie z. B. Wu Yonggangs The Goddess (China, 1934) und Yasujirō Ozus I Was Born, But... (Japan, 1932). Aber auch in Japan fand eine Figur wie der benshi, der lebende Erzähler, der ein wichtiger Bestandteil des japanischen Stummfilms war, das Ende seiner Schauspielkarriere. ⓘ

Der Ton machte den großen Studios in zahlreichen Ländern das Leben schwer: Die enormen Kosten der Umstellung erdrückten kleinere Konkurrenten, während die Neuheit des Tons für die verbliebenen Produzenten ein weitaus größeres Publikum anlockte. Im Falle der USA schreiben einige Historiker dem Ton zu, dass er das Hollywood-Studio-System angesichts der Großen Depression gerettet hat (Parkinson, 1995). So begann das, was heute oft als "Goldenes Zeitalter Hollywoods" bezeichnet wird, was sich grob auf den Zeitraum von der Einführung des Tons bis in die späten 1940er Jahre bezieht. In dieser Zeit erreichte das amerikanische Kino seinen Höhepunkt an effizient hergestelltem Glamour und weltweiter Anziehungskraft. Die Top-Schauspieler dieser Ära gelten heute als die klassischen Filmstars, wie Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo und der größte Kassenmagnet der 1930er Jahre, die Kinderdarstellerin Shirley Temple. ⓘ

Kreative Auswirkungen des Tons

Der Zauberer von Oz ⓘ

In kreativer Hinsicht war der rasche Übergang jedoch schwierig, und in gewisser Weise kehrte der Film kurzzeitig zu den Bedingungen seiner Anfangszeit zurück. Die späten 20er Jahre waren voll von statischen, bühnenhaften Tonfilmen, da die Künstler vor und hinter der Kamera mit den strengen Beschränkungen der frühen Tontechnik und ihrer eigenen Unsicherheit hinsichtlich der Nutzung des neuen Mediums kämpften. Viele Bühnendarsteller, Regisseure und Autoren kamen zum Kino, da die Produzenten Personal suchten, das Erfahrung im dialogischen Erzählen hatte. Viele bedeutende Stummfilmemacher und Schauspieler konnten sich nicht anpassen und mussten feststellen, dass ihre Karriere stark eingeschränkt oder sogar beendet wurde. ⓘ

Diese unangenehme Zeit war nur von kurzer Dauer. Das Jahr 1929 war ein Wendepunkt: William Wellman mit "Chinatown Nights" und "The Man I Love", Rouben Mamoulian mit "Applause" und Alfred Hitchcock mit "Blackmail" (dem ersten britischen Tonfilm) gehörten zu den Regisseuren, die den Tonfilm flüssiger gestalteten und mit dem ausdrucksstarken Einsatz von Ton experimentierten (Eyman, 1997). Dabei profitierten sie sowohl von den technischen Fortschritten bei Mikrofonen und Kameras als auch von den Möglichkeiten zur Bearbeitung und Nachsynchronisation des Tons (anstatt den Ton direkt bei den Dreharbeiten aufzunehmen) und trieben diese weiter voran. ⓘ

Walt Disney stellt jeden der sieben Zwerge in einer Szene aus dem Original-Kinotrailer zu Schneewittchen von 1937 vor. ⓘ

Tonfilme betonten die schwarze Geschichte und kamen verschiedenen Genres stärker zugute als die Stummfilme. Das erste klassische Hollywood-Musical war The Broadway Melody (1929), und mit dem Choreographen/Regisseur Busby Berkeley (42nd Street, 1933, Dames, 1934) fand diese Form ihren ersten großen Schöpfer. In Frankreich setzte der avantgardistische Regisseur René Clair in Komödien wie Unter den Dächern von Paris (1930) und Le Million (1931) surreale Gesangs- und Tanzeinlagen ein. Universal Pictures begann mit der Veröffentlichung von Gothic-Horrorfilmen wie Dracula und Frankenstein (beide 1931). RKO Pictures brachte 1933 Merian C. Coopers Klassiker King Kong in die Kinos, ein "Riesenmonster". Am besten gedieh der Trend in Indien, wo der Einfluss des traditionellen Sing- und Tanzdramas des Landes das Musical zur Grundform der meisten Tonfilme machte (Cook, 1990); jahrzehntelang von der westlichen Welt praktisch unbemerkt, wurde dieses indische Populärkino dennoch zum produktivsten der Welt. (Siehe auch Bollywood.) ⓘ

Zu dieser Zeit wurden auch amerikanische Gangsterfilme wie Little Caesar und Wellmans The Public Enemy (beide 1931) populär. In den Hollywood-Komödien hatte nun der Dialog Vorrang vor dem "Slapstick": das rasante, geistreiche Geplänkel von The Front Page (1931) oder It Happened One Night (1934), die sexuellen Doppelgänger von Mae West (She Done Him Wrong, 1933) oder der oft subversiv-anarchische Nonsens der Marx Brothers (Duck Soup, 1933). Walt Disney, der zuvor im Bereich der kurzen Zeichentrickfilme tätig gewesen war, wagte mit dem ersten englischsprachigen Zeichentrickfilm Schneewittchen und die sieben Zwerge, der 1937 von RKO Pictures veröffentlicht wurde, den Schritt zum Spielfilm. 1939, ein wichtiges Jahr für das amerikanische Kino, brachte Filme wie Der Zauberer von Oz und Vom Winde verweht. ⓘ

Farbe im Kino

Früher glaubte man, dass Farbfilme erstmals 1909 im Palace Theatre in London projiziert wurden (das Hauptproblem mit der Farbe war, dass die von George Smith entwickelte Technik (Kinemacolor) nur zwei Farben verwendete: Grün und Rot, die additiv gemischt wurden). Tatsächlich aber wurde 1901 der erste Farbfilm der Geschichte gedreht. Dieser Film ohne Titel wurde von dem Fotografen Edward Raymond Turner und seinem Förderer Frederick Marshall Lee gedreht. Sie verwendeten dazu Schwarzweißfilmrollen, ließen aber während der Aufnahme Grün-, Rot- und Blaufilter über die Kamera laufen. Um den Film fertigzustellen, fügten sie das Originalmaterial und die Filter auf einem speziellen Projektor zusammen. Sowohl bei den Dreharbeiten als auch bei der Projektion des Films traten jedoch größere, nicht miteinander zusammenhängende Probleme auf, so dass die Idee schließlich scheiterte. ⓘ

Später, im Jahr 1916, kam die Technicolor-Technik auf (trichromatisches Verfahren (grün, rot, blau). Ihre Anwendung erforderte einen dreifachen fotografischen Abdruck, den Einsatz von Farbfiltern und Kameras mit enormen Abmessungen). Das erste audiovisuelle Werk, das vollständig mit dieser Technik realisiert wurde, war der Kurzfilm "Flowers and Trees" von Walt Disney unter der Regie von Burt Gillett im Jahr 1932. Der erste Film, der in dieser Technik gedreht wurde, war jedoch "The Vanities Fair" (1935) von Rouben Mamoulian. Später wurde Technicolor vor allem im Musicalbereich wie "Der Zauberer von Oz" oder "Singin' in the Rain", in Filmen wie "Die Abenteuer des Robin Hood" oder dem Animationsfilm "Schneewittchen und die sieben Zwerge" eingesetzt. ⓘ

1940s

Der Zweite Weltkrieg und seine Folgen

Der Wunsch nach Kriegspropaganda gegen die Opposition führte in Großbritannien zu einer Renaissance der Filmindustrie mit realistischen Kriegsdramen wie 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) und dem gefeierten Marinefilm In Which We Serve von Noël Coward und David Lean aus dem Jahr 1942, der mit einem Sonder-Oscar ausgezeichnet wurde. Diese Filme standen neben so extravaganten Filmen wie The Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) und A Matter of Life and Death (1946) von Michael Powell und Emeric Pressburger sowie dem Film Henry V von Laurence Olivier aus dem Jahr 1944, der auf der Shakespeare-Geschichte Henry V. basiert. Der Erfolg von Schneewittchen und die sieben Zwerge ermöglichte es Disney, weitere Zeichentrickfilme wie Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) und Bambi (1942) zu drehen. ⓘ

Mit dem Beginn der Beteiligung der USA am Zweiten Weltkrieg wuchs auch die Zahl der Filme, die sowohl patriotische als auch propagandistische Zwecke verfolgten. Zu den amerikanischen Propagandafilmen gehören Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) und Objective, Burma! (1945). Zu den bemerkenswerten amerikanischen Filmen der Kriegsjahre gehören der Anti-Nazi-Film Watch on the Rhine (1943), dessen Drehbuch von Dashiell Hammett verfasst wurde; Shadow of a Doubt (1943), Hitchcocks Regiearbeit nach einem Drehbuch von Thornton Wilder; das George-M.-Cohan-Biopic Yankee Doodle Dandy (1942) mit James Cagney in der Hauptrolle und der äußerst populäre Casablanca mit Humphrey Bogart. Bogart spielte zwischen 1934 und 1942 in 36 Filmen mit, darunter John Hustons The Maltese Falcon (1941), einer der ersten Filme, die heute als klassischer Film noir gelten. 1941 brachte RKO Pictures den von Orson Welles gedrehten Film Citizen Kane heraus. Er wird oft als der beste Film aller Zeiten angesehen. Er war wegweisend für den modernen Kinofilm, da er das Erzählen von Filmgeschichten revolutionierte. ⓘ

Die Zwänge der Kriegszeit brachten auch ein Interesse an fantastischeren Themen mit sich. Dazu gehörten die britischen Gainsborough-Melodramen (darunter The Man in Grey und The Wicked Lady) und Filme wie Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch und Blithe Spirit. Val Lewton produzierte auch eine Reihe atmosphärischer und einflussreicher Small-Budget-Horrorfilme, zu den berühmtesten Beispielen gehören Cat People, Isle of the Dead und The Body Snatcher. In diesem Jahrzehnt erlebten wahrscheinlich auch die so genannten "Frauenfilme" wie Now, Voyager, Random Harvest und Mildred Pierce den Höhepunkt ihrer Popularität. ⓘ

1946 brachte RKO Radio It's a Wonderful Life unter der Regie des in Italien geborenen Filmemachers Frank Capra heraus. Soldaten, die aus dem Krieg zurückkehrten, lieferten die Inspiration für Filme wie The Best Years of Our Lives, und viele in der Filmindustrie hatten in irgendeiner Funktion im Krieg gedient. Samuel Fullers Erfahrungen im Zweiten Weltkrieg beeinflussten seine weitgehend autobiografischen Filme der späteren Jahrzehnte wie The Big Red One. Das Actors Studio wurde im Oktober 1947 von Elia Kazan, Robert Lewis und Cheryl Crawford gegründet, und im selben Jahr drehte Oskar Fischinger Motion Painting No. 1. ⓘ

Im Jahr 1943 wurde Ossessione in Italien gezeigt und markierte den Beginn des italienischen Neorealismus. Zu den wichtigsten Filmen dieser Art in den 1940er Jahren gehören Fahrraddiebe, Rom, Offene Stadt und La Terra Trema. 1952 kam Umberto D. in die Kinos, der gemeinhin als der letzte Film dieser Art gilt. ⓘ

In den späten 1940er Jahren begannen die Ealing Studios in Großbritannien mit einer Reihe berühmter Komödien, darunter Whisky Galore, Passport to Pimlico, Kind Hearts and Coronets und The Man in the White Suit, und Carol Reed führte Regie bei seinen einflussreichen Thrillern Odd Man Out, The Fallen Idol und The Third Man. Auch David Lean wurde mit Brief Encounter und seinen Dickens-Verfilmungen Great Expectations und Oliver Twist schnell zu einer festen Größe im Weltkino, und Michael Powell und Emeric Pressburger erlebten mit Filmen wie Black Narcissus und The Red Shoes die beste Zeit ihrer kreativen Partnerschaft. ⓘ

1950s

Eine Szene aus dem 1950 gedrehten Hollywood-Film Julius Caesar mit Charlton Heston in der Hauptrolle ⓘ

In den frühen 1950er Jahren untersuchte das House Un-American Activities Committee Hollywood. Die Anhörungen, gegen die die Hollywood Ten vor dem Ausschuss protestierten, führten dazu, dass viele Schauspieler, Autoren und Regisseure, darunter Chayefsky, Charlie Chaplin und Dalton Trumbo, auf die schwarze Liste gesetzt wurden, und viele von ihnen flohen nach Europa, insbesondere ins Vereinigte Königreich. ⓘ

Der Zeitgeist der Ära des Kalten Krieges schlug sich in einer Art Beinahe-Paranoia nieder, die sich in Themen wie Invasionsarmeen böser Außerirdischer (Invasion der Körperfresser, Der Krieg der Welten) und kommunistischen Fünften Kolonnen (Der Manchurian Kandidat) manifestierte. ⓘ

In den unmittelbaren Nachkriegsjahren wurde die Filmindustrie auch durch das Fernsehen bedroht, und die zunehmende Popularität des Mediums führte dazu, dass einige Filmtheater in Konkurs gingen und schließen mussten. Der Niedergang des "Studiosystems" war der Auslöser für den Selbstkommentar von Filmen wie Sunset Boulevard (1950) und The Bad and the Beautiful (1952). ⓘ

Plakat für den ägyptischen Film Wakeful Eyes von 1956 mit Salah Zulfikar in der Hauptrolle ⓘ

1950 sorgten die Avantgardisten der Lettristen bei den Filmfestspielen von Cannes für Unruhen, als Isidore Isous Abhandlung über Schleim und Ewigkeit vorgeführt wurde. Nach ihrer Kritik an Charlie Chaplin und der Spaltung der Bewegung sorgten die Ultra-Lettristen weiterhin für Unruhen, als sie ihre neuen hypergrafischen Techniken vorführten. Der berüchtigtste Film ist Guy Debords Heulen für Sade von 1952. Verärgert über die zunehmende Zahl geschlossener Kinos fanden die Studios und Unternehmen neue und innovative Wege, um das Publikum zurückzuholen. Sie versuchten unter anderem, ihre Attraktivität durch neue Leinwandformate zu erhöhen. Cinemascope, das bis 1967 ein Markenzeichen von 20th Century Fox bleiben sollte, wurde 1953 mit dem Film The Robe eingeführt. VistaVision, Cinerama und Todd-AO rühmten sich eines "größer ist besser"-Ansatzes bei der Vermarktung von Filmen an ein schwindendes US-Publikum. Dies führte zu einer Wiederbelebung epischer Filme, um die Vorteile der neuen Großbildformate zu nutzen. Zu den erfolgreichsten Beispielen für diese biblischen und historischen Spektakel gehören Die zehn Gebote (1956), Die Wikinger (1958), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960) und El Cid (1961). In dieser Zeit wurden auch eine Reihe anderer bedeutender Filme in Todd-AO produziert, die Mike Todd kurz vor seinem Tod entwickelte, darunter Oklahoma! (1955), In 80 Tagen um die Welt (1956), South Pacific (1958) und Cleopatra (1963) sowie viele andere. ⓘ

Auch Gimmicks wurden immer häufiger eingesetzt, um das Publikum anzulocken. Die Begeisterung für 3-D-Filme hielt nur zwei Jahre an (1952-1954) und trug zum Erfolg von House of Wax und Creature from the Black Lagoon bei. Der Produzent William Castle warb für Filme mit "Emergo" und "Percepto", dem ersten einer Reihe von Gimmicks, die in den 1960er Jahren ein beliebtes Marketinginstrument für Castle und andere bleiben sollten. ⓘ

In den USA spiegelte sich die Tendenz der Nachkriegszeit, das Establishment und gesellschaftliche Normen in Frage zu stellen, sowie der frühe Aktivismus der Bürgerrechtsbewegung in Hollywood-Filmen wie Blackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954), Marty von Paddy Chayefsky und 12 Angry Men (1957) von Reginald Rose wider. Disney drehte weiterhin Animationsfilme, insbesondere Cinderella (1950), Peter Pan (1953), Lady and the Tramp (1955) und Dornröschen (1959). Er begann jedoch, sich mehr für Live-Action-Filme zu engagieren und produzierte Klassiker wie 20.000 Meilen unter dem Meer (1954) und Old Yeller (1957). Das Fernsehen begann, den Kinofilmen ernsthaft Konkurrenz zu machen, aber überraschenderweise förderte es den Kinobesuch eher, als dass es ihn einschränkte. ⓘ

Limelight ist wahrscheinlich in mindestens einer Hinsicht ein einzigartiger Film. Seine beiden Hauptdarsteller, Charlie Chaplin und Claire Bloom, waren in nicht weniger als drei verschiedenen Jahrhunderten in der Branche tätig. Im 19. Jahrhundert gab Chaplin sein Theaterdebüt im Alter von acht Jahren, 1897, in einer Holzschuhtanzgruppe, den Eight Lancaster Lads. Im 21. Jahrhundert erfreut sich Bloom immer noch einer vollen und produktiven Karriere und hat in Dutzenden von Filmen und Fernsehserien mitgewirkt, die bis einschließlich 2019 produziert werden. Besonderen Beifall erhielt sie für ihre Rolle in The King's Speech (2010). ⓘ

Goldenes Zeitalter des asiatischen Kinos

Satyajit Ray, indisch-bengalischer Filmregisseur ⓘ

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs in den 1940er Jahren markierte das folgende Jahrzehnt, die 1950er Jahre, ein "goldenes Zeitalter" für das nicht englischsprachige Kino, insbesondere für das asiatische Kino. Viele der von der Kritik am meisten gefeierten asiatischen Filme aller Zeiten wurden in diesem Jahrzehnt produziert, darunter Yasujirō Ozus Tokyo Story (1953), Satyajit Rays The Apu Trilogy (1955-1959) und Jalsaghar (1958), Kenji Mizoguchis Ugetsu (1954) und Sansho the Bailiff (1954), Raj Kapoors Awaara (1951), Mikio Naruses Floating Clouds (1955), Guru Dutts Pyaasa (1957) und Kaagaz Ke Phool (1959) sowie die Filme Rashomon (1950), Ikiru (1952), Sieben Samurai (1954) und Throne of Blood (1957) von Akira Kurosawa. ⓘ

Während des "Goldenen Zeitalters" des japanischen Kinos in den 1950er Jahren waren erfolgreiche Filme wie Rashomon (1950), Sieben Samurai (1954) und Die verborgene Festung (1958) von Akira Kurosawa sowie Tokyo Story (1953) von Yasujirō Ozu und Godzilla (1954) von Ishirō Honda. Diese Filme haben das Weltkino nachhaltig beeinflusst. Insbesondere Kurosawas Die sieben Samurai wurde mehrfach als westliche Filme neu verfilmt, so z. B. Die glorreichen Sieben (1960) und Kampf jenseits der Sterne (1980), und hat auch mehrere Bollywood-Filme inspiriert, wie Sholay (1975) und China Gate (1998). Rashomon wurde auch als The Outrage (1964) neu verfilmt und inspirierte Filme mit "Rashomon-Effekt"-Erzählmethoden wie Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) und Hero (2002). Die verborgene Festung war auch die Inspiration für George Lucas' Star Wars (1977). Weitere berühmte japanische Filmemacher aus dieser Zeit sind Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Hiroshi Inagaki und Nagisa Oshima. Das japanische Kino wurde später zu einer der wichtigsten Inspirationen für die New-Hollywood-Bewegung der 1960er bis 1980er Jahre. ⓘ

Während des "Goldenen Zeitalters" des indischen Kinos in den 1950er Jahren wurden jährlich 200 Filme produziert, und der indische Independent-Film erlangte durch internationale Filmfestivals größere Anerkennung. Einer der berühmtesten Filme war die Apu-Trilogie (1955-1959) des von der Kritik gefeierten bengalischen Regisseurs Satyajit Ray, dessen Filme einen tiefgreifenden Einfluss auf das Weltkino hatten, mit Regisseuren wie Akira Kurosawa, Martin Scorsese, James Ivory, Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut, Steven Spielberg, Carlos Saura, Jean-Luc Godard, Isao Takahata, Gregory Nava, Ira Sachs, Wes Anderson und Danny Boyle wurden durch seinen Filmstil beeinflusst. Michael Sragow von The Atlantic Monthly zufolge verdanken die "jugendlichen Coming-of-Age-Dramen, die seit Mitte der fünfziger Jahre die Kinosäle überschwemmen, der Apu-Trilogie viel". Auch Subrata Mitras kinematografische Technik des Bounce Lighting stammt aus der Apu-Trilogie. Andere berühmte indische Filmemacher aus dieser Zeit sind Guru Dutt, Ritwik Ghatak, Mrinal Sen, Raj Kapoor, Bimal Roy, K. Asif und Mehboob Khan. ⓘ

Auch das südkoreanische Kino erlebte in den 1950er Jahren ein "Goldenes Zeitalter", beginnend mit dem überaus erfolgreichen Remake von Chunhyang-jon (1955) des Regisseurs Lee Kyu-hwan. In jenem Jahr kam auch der Film Yangsan Province des bekannten Regisseurs Kim Ki-Young in die Kinos, der den Beginn seiner produktiven Karriere markierte. Ende der 1950er Jahre nahmen sowohl die Qualität als auch die Quantität des Filmschaffens rapide zu. Südkoreanische Filme wie die Komödie Sijibganeun nal (Der Hochzeitstag) von Lee Byeong-il aus dem Jahr 1956 hatten begonnen, internationale Preise zu gewinnen. Im Gegensatz zum Beginn der 1950er Jahre, als nur 5 Filme pro Jahr gedreht wurden, wurden 1959 in Südkorea 111 Filme produziert. ⓘ

Die 1950er Jahre waren auch ein "Goldenes Zeitalter" für das philippinische Kino, in dem künstlerischere und ausgereiftere Filme entstanden und die Filmemacher ihre Filmtechniken erheblich verbesserten. Das Studiosystem führte zu einer frenetischen Aktivität in der lokalen Filmindustrie, da jährlich viele Filme gedreht wurden und mehrere einheimische Talente begannen, im Ausland Anerkennung zu finden. Zu den ersten philippinischen Regisseuren dieser Zeit gehörten Gerardo de Leon, Gregorio Fernández, Eddie Romero, Lamberto Avellana und Cirio Santiago. ⓘ

1960s

In den 1960er Jahren ging das Studiosystem in Hollywood zurück, da viele Filme nun an Drehorten in anderen Ländern oder in ausländischen Studios wie Pinewood in Großbritannien und Cinecittà in Rom gedreht wurden. "Hollywood"-Filme richteten sich immer noch weitgehend an ein Familienpublikum, und oft waren es die eher altmodischen Filme, die den Studios die größten Erfolge bescherten. Produktionen wie Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) und The Sound of Music (1965) gehörten zu den größten Kassenschlagern des Jahrzehnts. Die Zunahme unabhängiger Produzenten und Produktionsfirmen sowie die wachsende Macht einzelner Schauspieler trugen ebenfalls zum Niedergang der traditionellen Hollywood-Studioproduktion bei. ⓘ

In dieser Zeit wuchs auch das Bewusstsein für das fremdsprachige Kino in Amerika. In den späten 1950er und 1960er Jahren produzierten die französischen Regisseure der Neuen Welle wie François Truffaut und Jean-Luc Godard Filme wie Les quatre cents coups, Breathless und Jules et Jim, die die Regeln der Erzählstruktur des Hollywood-Kinos durchbrachen. Auch italienische Filme wie Federico Fellinis La Dolce Vita (1960), 8½ (1963) und die harten Dramen des Schweden Ingmar Bergman wurden dem Publikum immer bewusster. ⓘ

In Großbritannien führte das "Free Cinema" von Lindsay Anderson, Tony Richardson und anderen zu einer Reihe von realistischen und innovativen Dramen wie Saturday Night and Sunday Morning, A Kind of Loving und This Sporting Life. Andere britische Filme wie Repulsion, Darling, Alfie, Blowup und Georgy Girl (alle 1965-1966) trugen dazu bei, das Verbot von Sex und Nacktheit auf der Leinwand zu lockern, während der beiläufige Sex und die Gewalt der James-Bond-Filme, beginnend mit Dr. No im Jahr 1962, die Serie weltweit populär machen sollten. ⓘ

In den 1960er Jahren produzierte Ousmane Sembène mehrere französisch- und wolofsprachige Filme und wurde zum "Vater" des afrikanischen Films. In Lateinamerika wurde die Dominanz des "Hollywood"-Modells von vielen Filmemachern in Frage gestellt. Fernando Solanas und Octavio Getino forderten ein politisch engagiertes Drittes Kino im Gegensatz zu Hollywood und dem europäischen Autorenkino. ⓘ

In Ägypten wurde das goldene Zeitalter des ägyptischen Kinos in den 1960er Jahren von vielen Regisseuren fortgesetzt, und das ägyptische Kino schätzte zu dieser Zeit Frauen wie Soad Hosny sehr. Die Brüder Zulfikar, Ezz El-Dine Zulfikar, Salah Zulfikar und Mahmoud Zulfikar, waren mit zahlreichen Produktionen vertreten, darunter Der Fluss der Liebe (1960) von Ezz El Dine Zulfikar, Soft Hands (1964) von Mahmoud Zulfikar und Dearer Than My Life (1965) mit Salah Zulfikar in der Hauptrolle und Salah Zulfikars Produktion; Meine Frau, der Generaldirektor (1966) sowie Saladin (1963) von Youssef Chahine. ⓘ

Auch die nukleare Paranoia der damaligen Zeit und die Bedrohung durch einen apokalyptischen Atomkrieg (wie der Beinahezusammenstoß mit der UdSSR während der Kubakrise 1962) löste eine Reaktion in der Filmwelt aus. Filme wie Stanley Kubricks Dr. Strangelove und Fail Safe mit Henry Fonda wurden in einem Hollywood produziert, das einst für seinen offenen Patriotismus und seine Kriegspropaganda bekannt war. ⓘ

Im Dokumentarfilm blühte in den sechziger Jahren das Direct Cinema auf, ein beobachtender Filmstil, und es entstanden offen parteiische Filme wie In the Year of the Pig über den Vietnamkrieg von Emile de Antonio. Ende der 1960er Jahre begannen die Hollywood-Filmemacher jedoch, innovativere und bahnbrechende Filme zu schaffen, die die soziale Revolution widerspiegelten, die einen Großteil der westlichen Welt erfasst hatte, wie Bonnie and Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: A Space Odyssey (1968), Rosemary's Baby (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) und The Wild Bunch (1969). Bonnie und Clyde wird oft als der Beginn des so genannten New Hollywood angesehen. ⓘ

Im japanischen Kino produzierte der Oscar-prämierte Regisseur Akira Kurosawa den Film Yojimbo (1961), der wie seine vorangegangenen Filme ebenfalls einen großen Einfluss auf die ganze Welt hatte. Der Einfluss dieses Films ist am deutlichsten in Sergio Leones Eine Handvoll Dollar (1964) und Walter Hills Last Man Standing (1996) zu erkennen. Yojimbo war auch der Ursprung des Trends zum "Mann ohne Namen". ⓘ

1970s

Das neue Hollywood war die Zeit nach dem Niedergang des Studiosystems in den 1950er und 1960er Jahren und dem Ende des Produktionscodes (der 1968 durch das MPAA-Film-Rating-System ersetzt wurde). In den 1970er Jahren zeigten die Filmemacher zunehmend explizite sexuelle Inhalte sowie Schießereien und Schlachtszenen, in denen blutige Todesfälle dargestellt wurden - ein gutes Beispiel dafür ist Wes Cravens The Last House on the Left (1972). ⓘ

Das postklassische Kino steht für die veränderten Erzählmethoden der New Hollywood-Produzenten. Die neuen Methoden des Dramas und der Charakterisierung spielten mit den Erwartungen des Publikums aus der Zeit des klassischen/goldenen Zeitalters: Die Chronologie der Geschichte kann durcheinander gebracht werden, die Handlungsstränge können beunruhigende "Twist-Ends" aufweisen, die Hauptfiguren können sich moralisch zweideutig verhalten, und die Grenzen zwischen Antagonist und Protagonist können verschwimmen. Die Anfänge des postklassischen Erzählens finden sich in den Film Noir-Filmen der 1940er und 1950er Jahre, in Filmen wie Rebel Without a Cause (1955) und in Hitchcocks Psycho. 1971 wurden kontroverse Filme wie Straw Dogs, A Clockwork Orange, The French Connection und Dirty Harry veröffentlicht. Dies löste eine heftige Kontroverse über die wahrgenommene Eskalation der Gewalt im Kino aus. ⓘ

In den 1970er Jahren tauchte eine neue Gruppe amerikanischer Filmemacher auf, wie Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas, Woody Allen, Terrence Malick und Robert Altman. Dies fiel mit der zunehmenden Popularität der Autorentheorie in der Filmliteratur und in den Medien zusammen, die besagt, dass die Filme eines Regisseurs seine persönliche Vision und seine kreativen Einsichten zum Ausdruck bringen. Die Entwicklung des Autorenfilms verhalf diesen Regisseuren zu einer weitaus größeren Kontrolle über ihre Projekte, als dies in früheren Epochen möglich gewesen wäre. Dies führte zu einigen großen kritischen und kommerziellen Erfolgen, wie z. B. Scorseses Taxi Driver, Coppolas Der Pate, William Friedkins Der Exorzist, Altmans Nashville, Allens Annie Hall und Manhattan, Malicks Badlands und Days of Heaven sowie Chinatown des polnischen Einwanderers Roman Polanski. Sie führte jedoch auch zu einigen Misserfolgen, darunter Peter Bogdanovichs At Long Last Love und Michael Ciminos enorm teures Western-Epos Heaven's Gate, das zum Niedergang seines Geldgebers, United Artists, beitrug. ⓘ

Das finanzielle Desaster von Heaven's Gate läutete das Ende der visionären Autorenfilmer des "New Hollywood" ein, die bei der Entwicklung von Filmen über uneingeschränkte kreative und finanzielle Freiheit verfügten. Der phänomenale Erfolg von Spielbergs Der weiße Hai in den 1970er Jahren begründete das Konzept des modernen "Blockbusters". Der enorme Erfolg von George Lucas' Film Star Wars aus dem Jahr 1977 führte jedoch zu viel mehr als nur zur Popularisierung des Blockbuster-Films. Der revolutionäre Einsatz von Spezialeffekten, Tonbearbeitung und Musik führte dazu, dass der Film weithin als einer der wichtigsten Filme in der Geschichte des Mediums und als der einflussreichste Film der 1970er Jahre angesehen wurde. Die Hollywood-Studios konzentrierten sich zunehmend auf die Produktion einer kleineren Anzahl von Filmen mit sehr hohen Budgets und massiven Marketing- und Werbekampagnen. Dieser Trend hatte sich bereits durch den kommerziellen Erfolg von Katastrophenfilmen wie The Poseidon Adventure und The Towering Inferno angedeutet. ⓘ

Mitte der 1970er Jahre wurden mehr Pornokinos, euphemistisch "Adult Cinemas" genannt, gegründet, und die legale Produktion von Hardcore-Pornofilmen begann. Pornofilme wie Deep Throat und seine Hauptdarstellerin Linda Lovelace wurden zu einem Phänomen der Populärkultur und zogen eine Flut ähnlicher Sexfilme nach sich. Die Pornokinos starben schließlich in den 1980er Jahren aus, als die Verbreitung von Videorekordern und Pornokassetten es dem Publikum ermöglichte, Sexfilme zu Hause anzusehen. In den frühen 1970er Jahren wurde das englischsprachige Publikum auf das neue westdeutsche Kino aufmerksam, zu dessen führenden Vertretern Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder und Wim Wenders gehörten. ⓘ

Im Weltkino erlebten die 1970er Jahre einen dramatischen Anstieg der Popularität von Martial-Arts-Filmen, was vor allem auf die Neuerfindung durch Bruce Lee zurückzuführen war, der sich vom künstlerischen Stil der traditionellen chinesischen Martial-Arts-Filme abwandte und ihnen mit seinem Jeet-Kune-Do-Stil einen viel stärkeren Sinn für Realismus verlieh. Dies begann mit The Big Boss (1971), der in ganz Asien ein großer Erfolg war. In der westlichen Welt wurde er jedoch erst kurz nach seinem Tod im Jahr 1973 mit Enter the Dragon berühmt. Der Film wurde zum erfolgreichsten Martial-Arts-Film der Kinogeschichte, machte das Genre des Martial-Arts-Films weltweit populär und festigte Bruce Lees Status als kulturelle Ikone. Das Hongkonger Actionkino befand sich jedoch aufgrund einer Welle von "Bruceploitation"-Filmen im Niedergang. Dieser Trend endete schließlich 1978 mit den Martial-Arts-Komödien Snake in the Eagle's Shadow und Drunken Master unter der Regie von Yuen Woo-ping und mit Jackie Chan in der Hauptrolle, die den Grundstein für den Aufstieg des Hongkong-Actionkinos in den 1980er Jahren legten. ⓘ

Während das Genre des Musical-Films in Hollywood zu dieser Zeit an Bedeutung verlor, gewannen Musical-Filme im indischen Kino schnell an Popularität. Hier wurde der Begriff "Bollywood" für die wachsende Hindi-Filmindustrie in Bombay (heute Mumbai) geprägt, die schließlich das südasiatische Kino dominierte und die von der Kritik mehr gelobte bengalische Filmindustrie in ihrer Popularität überholte. Hindi-Filmemacher kombinierten die Hollywood-Musicalformel mit den Konventionen des alten indischen Theaters, um ein neues Filmgenre namens "Masala" zu schaffen, das das indische Kino während des späten 20. Jahrhunderts dominierte. Diese "Masala"-Filme zeigten Action, Komödie, Drama, Romantik und Melodrama auf einmal, mit "filmischen" Gesangs- und Tanzeinlagen. Dieser Trend begann mit Filmen unter der Regie von Manmohan Desai und mit Amitabh Bachchan in der Hauptrolle, der nach wie vor einer der beliebtesten Filmstars in Südasien ist. Der beliebteste indische Film aller Zeiten war Sholay (1975), ein "Masala"-Film, der von einem realen Dacoit inspiriert war, sowie Kurosawas Sieben Samurai und die Spaghetti-Western. ⓘ

Das Ende des Jahrzehnts brachte die erste große internationale Vermarktung des australischen Kinos, als Peter Weirs Filme Picnic at Hanging Rock und The Last Wave und Fred Schepisis The Chant of Jimmie Blacksmith von der Kritik gefeiert wurden. 1979 erlangte auch der australische Filmemacher George Miller mit seinem gewalttätigen Low-Budget-Actionfilm Mad Max internationale Aufmerksamkeit. ⓘ

1980s

In den 1980er Jahren sahen sich die Zuschauer zunehmend Filme auf ihren Videorekordern zu Hause an. Zu Beginn dieses Jahrzehnts versuchten die Filmstudios, den Besitz von Videorekordern in Privathaushalten als Verstoß gegen das Urheberrecht gerichtlich zu verbieten, was jedoch keinen Erfolg hatte. Schließlich wurde der Verkauf und Verleih von Filmen auf Heimvideos zu einem bedeutenden "zweiten Schauplatz" für die Vorführung von Filmen und zu einer zusätzlichen Einnahmequelle für die Filmindustrie. Direct-to-Video-Märkte (Nischenmärkte) boten in der Regel qualitativ minderwertige, billige Produktionen an, die für das allgemeine Fernseh- und Kinopublikum als nicht besonders geeignet angesehen wurden. ⓘ

Das Duo Lucas-Spielberg dominierte das "Hollywood"-Kino für einen Großteil der 1980er Jahre und führte zu zahlreichen Nachahmungen. Zwei Fortsetzungen von Star Wars, drei von Der weiße Hai und drei Indiana-Jones-Filme trugen dazu bei, dass Fortsetzungen von erfolgreichen Filmen mehr als je zuvor erwartet wurden. Lucas gründete 1982 auch THX Ltd, eine Abteilung von Lucasfilm, während Spielberg im selben Jahr mit E.T. the Extra-Terrestrial einen der größten Erfolge des Jahrzehnts feierte. 1982 kam auch Disneys Tron in die Kinos, einer der ersten Filme eines großen Studios, in dem Computergrafiken in großem Umfang eingesetzt wurden. Das amerikanische Independent-Kino hatte in diesem Jahrzehnt mehr zu kämpfen, obwohl Martin Scorseses Raging Bull (1980), After Hours (1985) und The King of Comedy (1983) dazu beitrugen, ihn als einen der von der Kritik am meisten gefeierten amerikanischen Filmemacher dieser Zeit zu etablieren. Ebenfalls 1983 kam Scarface in die Kinos, der sehr profitabel war und seinem Hauptdarsteller Al Pacino zu noch größerem Ruhm verhalf. Der kommerziell wohl erfolgreichste Film war Tim Burtons 1989 erschienene Version von Bob Kanes Schöpfung Batman, die an den Kinokassen Rekorde brach. Jack Nicholsons Darstellung des verrückten Jokers brachte ihm insgesamt 60.000.000 $ ein, wenn man seinen Anteil am Bruttoergebnis mit einrechnet. ⓘ

In den frühen 1980er Jahren erhielt das britische Kino durch David Puttnams Firma Goldcrest Films einen Aufschwung. Die Filme Chariots of Fire, Gandhi, The Killing Fields und A Room with a View sprachen ein anspruchsvolles Publikum an, das von den großen Hollywood-Studios zunehmend ignoriert wurde. Während die Filme der 1970er Jahre dazu beigetragen hatten, den modernen Blockbuster-Film zu definieren, sollte sich die Art und Weise, wie "Hollywood" seine Filme veröffentlichte, nun ändern. In den meisten Fällen wurden die Filme in einer größeren Anzahl von Kinos uraufgeführt, obwohl einige Filme auch heute noch im Rahmen des Systems der begrenzten Aufführung/Roadshow uraufgeführt werden. Entgegen mancher Erwartung hat das Aufkommen der Multiplex-Kinos nicht dazu geführt, dass weniger Mainstream-Filme gezeigt werden konnten, sondern lediglich dazu, dass die großen Blockbuster eine noch größere Anzahl von Vorführungen erhielten. Filme, die in den Kinos übersehen worden waren, erhielten jedoch zunehmend eine zweite Chance auf dem Heimvideo. ⓘ

In den 1980er Jahren erlebte das japanische Kino einen Aufschwung, der vor allem auf den Erfolg der Anime-Filme zurückzuführen war. Zu Beginn der 1980er Jahre wurden Space Battleship Yamato (1973) und Mobile Suit Gundam (1979), die beide als Fernsehserien erfolglos waren, als Filme neu verfilmt und wurden in Japan zu einem großen Erfolg. Insbesondere Mobile Suit Gundam löste die Gundam-Franchise der Real-Robot-Mecha-Anime aus. Der Erfolg von Macross: Do You Remember Love? löste ebenfalls eine Macross-Reihe von Mecha-Animes aus. In diesem Jahrzehnt wurde auch das Studio Ghibli gegründet. Das Studio produzierte Hayao Miyazakis erste Fantasy-Filme, Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) und Castle in the Sky (1986), sowie Isao Takahatas Grave of the Fireflies (1988), die alle in Japan sehr erfolgreich waren und von der Kritik weltweit gelobt wurden. In diesem Jahrzehnt entstanden auch Original-Video-Animationsfilme (OVA); der einflussreichste dieser frühen OVA-Filme war Noboru Ishiguros Cyberpunk-Film Megazone 23 (1985). Der berühmteste Anime-Film dieses Jahrzehnts war Katsuhiro Otomos Cyberpunk-Film Akira (1988), der zwar zunächst in den japanischen Kinos nicht erfolgreich war, dann aber zu einem internationalen Erfolg wurde. ⓘ

Auch das Hongkonger Actionkino, das nach dem Tod von Bruce Lee durch die unzähligen Bruceploitation-Filme im Niedergang begriffen war, erlebte in den 1980er Jahren einen Aufschwung, vor allem durch die Neuerfindung des Actionfilm-Genres durch Jackie Chan. Zuvor hatte er 1978 in den Filmen Schlange im Schatten des Adlers und Betrunkener Meister die Genres Komödie und Kampfsport erfolgreich miteinander kombiniert. Der nächste Schritt, den er unternahm, bestand darin, dieses komödiantische Kampfsportgenre mit einem neuen Schwerpunkt auf aufwendigen und hochgefährlichen Stunts zu kombinieren, die an die Stummfilmzeit erinnern. Der erste Film in diesem neuen Stil des Actionkinos war Project A (1983), für den das Jackie Chan Stunt Team und die "Drei Brüder" (Chan, Sammo Hung und Yuen Biao) gegründet wurden. Der Film fügte den Kämpfen und dem Slapstick-Humor ausgeklügelte, gefährliche Stunts hinzu und wurde im gesamten Fernen Osten ein großer Erfolg. In der Folge setzte Chan diesen Trend mit Kampfsport-Actionfilmen fort, die noch aufwändigere und gefährlichere Stunts enthielten, darunter Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armour of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) und Dragons Forever (1988). Weitere neue Trends, die in den 1980er Jahren aufkamen, waren das Subgenre "Mädchen mit Waffen", für das Michelle Yeoh berühmt wurde, und vor allem das Genre des "heldenhaften Blutvergießens", das sich um die Triaden drehte und für das John Woo Pionierarbeit leistete und Chow Yun-fat berühmt wurde. Diese Hongkong-Actiontrends wurden später von vielen Hollywood-Actionfilmen der 1990er und 2000er Jahre übernommen. ⓘ

Im indischen Kino spielte ein anderer Starschauspieler, der von vielen als der natürlichste Schauspieler des indischen Kinos angesehen wird, Mohanlal, in seinem ersten Film mit. In den 80er Jahren stieg er zum Superstar des indischen Kinos auf. Das indische Kino als Ganzes veränderte sich durch eine neue Welle von Filmen und Regisseuren. ⓘ

Größte Kinospielfilm-Produktionsländer
des Jahres 1985 ⓘ

Rang	Land	Anzahl
1.	Indien	905
2.	USA	356
3.	Japan	319
4.	Türkei	185
5.	Philippinen	158
…	Deutschland	64
…	Schweiz	44
…	Österreich	12
Weltproduktion		4.202

Nachdem die Verbreitung von Videorekordern ab Mitte der 70er zunahm und von der Filmindustrie anfangs stark misstrauisch begegnet wurde, zeigten sich später ihre Vorteile. Über die Vermarktung von Videokassetten konnten sich Produktionen rechnen, denen im Kino der Erfolg fehlte. Andererseits versuchte man an die Erfolge von Blockbustern wie Der weiße Hai (1975) und Krieg der Sterne (1977) anzuknüpfen. Im Musikbereich wurde das Musikvideo ein wichtiges Vermarktungsinstrument und gleichzeitig kreativer Impulsgeber für Kinoproduktionen und beeinflusste Produzenten wie Don Simpson mit Filmen wie Flashdance (1983), Beverly Hills Cop oder Top Gun (1986). Vor allem die Produzenten und Regisseure George Lucas und Steven Spielberg prägten das Jahrzehnt mit Filmreihen wie Indiana Jones und Star Wars. In England konnte der Produzent David Puttnam mit den Filmen Die Stunde des Siegers (1981), Gandhi (1982), The Killing Fields (1984) und Zimmer mit Aussicht (1985) Erfolge verbuchen. ⓘ

Erfolgreiche Filme der 80er: Amadeus – Blade Runner – Brazil – Pretty Woman – Der Name der Rose – Paris, Texas – Subway – Diva – ET der Außerirdische – Shining – Full Metal Jacket – Good Morning, Vietnam – Der Club der toten Dichter – Zurück in die Zukunft – Harry und Sally – Terminator – Dirty Dancing. ⓘ

In den neunziger Jahren stiegen die Budgets der Hollywood-Produktionen zum Teil in schwindelnde Höhen. Zudem erweiterten sich die technischen Möglichkeiten, computergenerierte Spezialeffekte wurden zum Standard in vielen Mainstreamfilmen, besonders in den Genres Action und Fantasy. Besonders teure Produktionen wie Titanic, Armageddon und Jurassic Park wurden zu den Kassenschlagern des Jahrzehnts. Im Zuge dieser Entwicklung wurde der Begriff des Blockbusters populär. ⓘ

Auf der anderen Seite lässt sich das Erstarken des Independentfilms beobachten (parallel zur Alternative in der Unterhaltungsmusik). Waren Produktionen mit niedrigerem Budget und höherem künstlerischen Anspruch in den achtziger Jahren noch seltener und schwerer am Markt zu positionieren, gelang es in dem darauf folgenden Jahrzehnt unabhängigen Regisseuren wie Quentin Tarantino, Terry Gilliam, Jim Jarmusch und den Coen-Brothers, beachtliche Erfolge zu erzielen. Viele Independentfilme waren zwar keine Markterfolge, wurden aber im Laufe der Zeit zu Kultfilmen. ⓘ

Ebenso konnte der deutsche Film neue Besucherrekorde verzeichnen. Besonders Komödien wie Männer, Schtonk, Kleine Haie, Der bewegte Mann und Knockin’ on Heaven’s Door, aber auch die Produktion Das Boot oder experimentelle Filme wie Lola rennt waren große Erfolge und stießen zum Teil sogar im Ausland auf Beachtung. Eine stärkere Genredifferenzierung und bessere Finanzierungsmöglichkeiten kennzeichnen den deutschen Kinomarkt in den Folgejahren. ⓘ

Erfolgreiche Filme der 90er: Kevin – Allein zu Haus – Das Schweigen der Lämmer – Mrs. Doubtfire – Basic Instinct – Jurassic Park – Der König der Löwen – Pulp Fiction – Forrest Gump – Schindlers Liste – Independence Day – Godzilla – Star Wars: Episode I – Men in Black – Matrix – American Beauty – Titanic – Der Soldat James Ryan – Ghost – Nachricht von Sam – Good Will Hunting. ⓘ

Größte Kinospielfilm-Produktionsländer
des Jahres 1995 ⓘ

Rang	Land	Anzahl
1.	Indien	795
2.	USA	631
3.	Japan	289
4.	Philippinen	175
5.	Hongkong	154
…	Deutschland	63
…	Schweiz	38
…	Österreich	19
Weltproduktion 1)		3.329
1) zu einigen größeren Produktions- ländern wie Türkei, Iran und Pakistan waren keine Zahlen verfügbar

Ethan Coen (links) und Joel Coen (rechts) bei den Filmfestspielen in Cannes, 2001 ⓘ

Im neuen Jahrtausend setzte sich der Trend zu High-Budget-Produktionen fort. Zu Beginn der 2000er lässt sich ein neues Aufblühen des Genres Fantasy beobachten. Filmreihen wie Der Herr der Ringe, Harry Potter und Star Wars erfreuten sich weltweiter Beliebtheit. Jedoch lässt sich gleichzeitig ein wachsendes Interesse an ausländischen Produktionen und Independent-Filmen wie Donnie Darko erkennen. Die Popularisierung des Filmemachens mit neuen technischen Möglichkeiten durch Computer und Internet lässt auf neue Strömungen und Innovationen hoffen. Gleichzeitig sieht sich die Filmindustrie durch das Aufkommen des Internets und speziell von P2P-Netzwerken, die eine massenhafte, unautorisierte Distribution von Filmen ermöglichen, gefährdet. ⓘ

1990s

In den frühen 1990er Jahren entwickelte sich in den Vereinigten Staaten ein kommerziell erfolgreiches unabhängiges Kino. Obwohl das Kino zunehmend von Special-Effects-Filmen wie Terminator 2: Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993) und Titanic (1997) dominiert wurde, wobei letzterer bis zum ebenfalls von James Cameron inszenierten Avatar (2009) zum umsatzstärksten Film aller Zeiten avancierte, hatten unabhängige Filme wie Sex, Lies, and Videotape (1989) von Steven Soderbergh und Reservoir Dogs (1992) von Quentin Tarantino sowohl im Kino als auch auf Video einen großen kommerziellen Erfolg. ⓘ

Filmemacher, die mit der dänischen Filmbewegung Dogme 95 verbunden sind, stellten ein Manifest vor, das auf die Reinigung des Filmemachens abzielte. Die ersten Filme wurden von der Kritik weltweit gelobt, danach verschwand die Bewegung langsam wieder. ⓘ

Scorseses Goodfellas wurde 1990 veröffentlicht. Er wird von vielen als einer der besten Filme angesehen, die je gedreht wurden, insbesondere im Gangstergenre. Er gilt als der Höhepunkt in Scorseses Karriere. ⓘ

Kinobesucherzahlen im Jahr 1995 ⓘ

Die großen amerikanischen Filmstudios begannen, ihre eigenen "unabhängigen" Produktionsfirmen zu gründen, um nicht dem Mainstream entsprechende Filme zu finanzieren und zu produzieren. Eines der erfolgreichsten unabhängigen Unternehmen der 1990er Jahre, Miramax Films, wurde 1994, ein Jahr vor der Veröffentlichung von Tarantinos Kassenschlager Pulp Fiction, von Disney aufgekauft. Im selben Jahr begann der Online-Vertrieb von Filmen und Videos. Mit Disneys Die Schöne und das Biest (1991), Aladdin (1992) und Der König der Löwen (1994) wurden auch Animationsfilme, die sich an ein Familienpublikum richten, wieder populär. Im Jahr 1995 wurde der erste abendfüllende computeranimierte Spielfilm Toy Story von den Pixar Animation Studios produziert und von Disney veröffentlicht. Nach dem Erfolg von Toy Story entwickelte sich die Computeranimation zur vorherrschenden Technik für abendfüllende Animationsfilme, was es konkurrierenden Filmfirmen wie DreamWorks, 20th Century Fox und Warner Bros. ermöglichte, Disney mit eigenen erfolgreichen Filmen wirksam Konkurrenz zu machen. In den späten 1990er Jahren begann eine weitere Umstellung des Kinos, nämlich vom physischen Filmmaterial auf die digitale Kinotechnik. In der Zwischenzeit wurde die DVD zum neuen Standard für Verbrauchervideos und löste die VHS-Kassetten ab. ⓘ

2000s

Seit den späten 2000er Jahren ermöglichen Streaming-Plattformen wie YouTube jedem, der Zugang zum Internet und zu einer Kamera hat (ein Standardmerkmal von Smartphones), die Veröffentlichung von Videos in der ganzen Welt. Im Wettbewerb mit der zunehmenden Beliebtheit von Videospielen und anderen Formen der Heimunterhaltung begann die Branche, Kinofilme wieder attraktiver zu machen, wobei neue 3D-Technologien und epische Filme (Fantasy- und Superheldenfilme) zu einem festen Bestandteil der Kinos wurden. ⓘ

Mit dem Erfolg von Filmen wie Der Marsch der Pinguine und Michael Moores Bowling for Columbine und Fahrenheit 9/11 wurde auch der Dokumentarfilm zum ersten Mal zu einem kommerziellen Genre. Ein neues Genre wurde mit Martin Kunerts und Eric Manes' Voices of Iraq geschaffen, als 150 preiswerte DV-Kameras im Irak verteilt wurden und gewöhnliche Menschen zu kollaborativen Filmemachern wurden. Der Erfolg von Gladiator führte zu einer Wiederbelebung des Interesses am epischen Kino, und Moulin Rouge! erneuerte das Interesse am Musical-Kino. Die Heimkinosysteme wurden immer ausgefeilter, ebenso wie einige der Sonderausgaben von DVDs, die für die Wiedergabe auf diesen Geräten konzipiert waren. Die "Herr der Ringe"-Trilogie wurde auf DVD sowohl in der Kinofassung als auch in einer speziellen, nur für das Heimkino bestimmten erweiterten Fassung veröffentlicht. ⓘ

Im Jahr 2001 begann die Harry-Potter-Filmreihe, die bis zu ihrem Ende im Jahr 2011 zum umsatzstärksten Filmfranchise aller Zeiten wurde, bis sie 2015 vom Marvel Cinematic Universe überholt wurde. ⓘ

Weitere Filme wurden gleichzeitig im IMAX-Kino veröffentlicht, der erste war 2002 der Disney-Animationsfilm Treasure Planet, und der erste Live-Action-Film war 2003 The Matrix Revolutions und eine Neuauflage von The Matrix Reloaded. Später in diesem Jahrzehnt war The Dark Knight der erste große Spielfilm, der zumindest teilweise in IMAX-Technologie gedreht wurde. ⓘ

In diesem Jahrzehnt fand eine zunehmende Globalisierung des Kinos statt, wobei fremdsprachige Filme auf den englischsprachigen Märkten an Popularität gewannen. Beispiele für solche Filme sind Crouching Tiger, Hidden Dragon (Mandarin), Amélie (Französisch), Lagaan (Hindi), Spirited Away (Japanisch), City of God (Brasilianisches Portugiesisch), The Passion of the Christ (Aramäisch), Apocalypto (Maya) und Inglourious Basterds (mehrere europäische Sprachen). Italien ist mit 14 gewonnenen Preisen, 3 Sonderpreisen und 31 Nominierungen das Land mit den meisten Auszeichnungen bei der Oscar-Verleihung für den besten fremdsprachigen Film. ⓘ

Im Jahr 2003 erlebte der 3D-Film einen neuen Aufschwung. Der erste Film war James Camerons Ghosts of the Abyss, der als erster abendfüllender 3D-IMAX-Film mit dem Reality Camera System gedreht wurde. Dieses Kamerasystem verwendete die neuesten HD-Videokameras, keinen Film, und wurde für Cameron von dem für den Emmy nominierten Kameramann Vince Pace nach dessen Vorgaben gebaut. Dasselbe Kamerasystem wurde auch für die Filme Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) und The Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005) verwendet. ⓘ

Nachdem James Camerons 3D-Film Avatar zum umsatzstärksten Film aller Zeiten wurde, gewannen 3D-Filme kurzzeitig an Popularität, da viele andere Filme in 3D veröffentlicht wurden, wobei die größten kritischen und finanziellen Erfolge im Bereich der Animationsfilme wie Despicable Me von Universal Pictures/Illumination Entertainment und How To Train Your Dragon, Shrek Forever After und Megamind von DreamWorks Animation zu verzeichnen waren. Avatar ist auch deshalb erwähnenswert, weil er den hochentwickelten Einsatz der Motion-Capture-Technologie bahnte und mehrere andere Filme wie Rise of the Planet of the Apes beeinflusst hat. ⓘ

2010s

Im Jahr 2011 waren die größten Filmindustrien, gemessen an der Zahl der produzierten Spielfilme, die von Indien, den Vereinigten Staaten, China, Nigeria und Japan. ⓘ

In Hollywood haben Superheldenfilme stark an Popularität und finanziellem Erfolg gewonnen, und bis heute werden jedes Jahr Filme auf der Grundlage von Marvel- und DC-Comics veröffentlicht. Im Jahr 2019 ist das Superhelden-Genre das dominierende Genre, was die Einnahmen an den amerikanischen Kinokassen anbelangt. Der 2019 erschienene Superheldenfilm Avengers: Endgame, war der erfolgreichste Film aller Zeiten an den Kinokassen. ⓘ

2020s

COVID-19-Pandemie

Die COVID-19-Pandemie führte zu Schließungen von Filmtheatern auf der ganzen Welt als Reaktion auf regionale und nationale Sperrungen. Bei vielen Filmen, die Anfang der 2020er Jahre in die Kinos kommen sollten, kam es zu Verzögerungen bei der Entwicklung, der Produktion und dem Vertrieb, während andere auf Streaming-Diensten veröffentlicht wurden, ohne dass sie in die Kinos kamen. ⓘ

Zugang zur Filmgeschichte

Das Bild, das wir uns von der Filmgeschichte machen, hängt ab von den Filmen, die wir gesehen haben bzw. überhaupt sehen konnten. Wer nicht gerade an einer Filmhochschule ist oder Filmwissenschaft studiert, hat nur einen eingeschränkten Zugang zur Filmgeschichte. Was ins Kino bzw. ins Fernsehen kommt, entscheiden andere. Außer von den bekannten wirtschaftlichen Strukturen ist der Filminteressent von dem Geschmack der Programmmacher bzw. von dem, was diese für den Geschmack des Publikums halten, abhängig. Teilweise kann diese Vorauswahl durch Eigeninitiative (z. B. Besuch von Filmfestivals) korrigiert werden. ⓘ

Seit der Erfindung der Videokassette, mehr noch der DVD, geraten diese Einschränkungen mehr und mehr aus dem Blick, die Illusion der völligen technischen Verfügbarkeit der Filmgeschichte herrscht vor. DVD-Editionen wie z. B. die Cinemathek der Süddeutschen Zeitung, die seit März 2005 erscheint, verheißen einen leichten und billigen Zugang. Tatsächlich aber, so meinen Kritiker, verstärkt diese Edition nur den üblichen, extrem verkürzten Blick auf die Filmgeschichte. Sie enthält z. B. keinen einzigen experimentellen Film, keinen Dokumentarfilm, keinen einzigen afrikanischen Film. Stattdessen wird eher auf die ökonomisch sichere Bank gesetzt. Die mittlerweile erhältliche Fortsetzung der SZ-Cinemathek behebt diesen Missstand zumindest teilweise. Sofia Coppola wurde als erste Regisseurin gewürdigt (Lost in Translation). Die der SZ-Cinemathek nachempfundene Filmkollektion Der österreichische Film, die dem Namen entsprechend ausschließlich österreichische Filme der letzten Jahrzehnte beinhaltet, berücksichtigte bereits in der ersten, 50-teiligen Ausgabe auch das Experimental- und Avantgardefilmschaffen des Landes. Mittlerweile sind über 100 österreichische Filme auf DVD erhältlich. ⓘ

In den englischsprachigen Ländern gibt es ein sehr vielfältiges Angebot von Filmen auf DVD. ⓘ

Stark erweitert hat sich der Zugang zur Filmgeschichte durch das Internet. Hier sind umfangreiche Angebote entstanden, die teilweise kostenlos (z. B. Experimentalfilme bei UBU Web), teilweise kostenpflichtig (wie die klassischen Spielfilme in der Online Cinematheque der Criterion Collection) sind. ⓘ