Tragödie

Die Tragödie (aus dem Griechischen: τραγῳδία, tragōidia) ist eine Gattung des Dramas, die sich mit dem menschlichen Leid und vor allem mit den schrecklichen oder traurigen Ereignissen befasst, die einer Hauptfigur widerfahren. Traditionell zielt die Tragödie darauf ab, eine Katharsis oder einen "Schmerz, der Freude weckt", beim Publikum hervorzurufen. Während viele Kulturen Formen entwickelt haben, die diese paradoxe Reaktion hervorrufen, bezieht sich der Begriff Tragödie oft auf eine bestimmte Tradition des Dramas, die historisch eine einzigartige und wichtige Rolle bei der Selbstdefinition der westlichen Zivilisation gespielt hat. Diese Tradition war vielfältig und diskontinuierlich, und doch wurde der Begriff oft verwendet, um eine starke Wirkung kultureller Identität und historischer Kontinuität hervorzurufen - "die Griechen und die Elisabethaner, in einer kulturellen Form; Hellenen und Christen, in einer gemeinsamen Aktivität", wie Raymond Williams es ausdrückt. ⓘ

Von seinen Ursprüngen im Theater des antiken Griechenlands vor 2500 Jahren, von dem nur ein Bruchteil der Werke von Aischylos, Sophokles und Euripides sowie viele Fragmente anderer Dichter und die späteren römischen Tragödien von Seneca erhalten sind; Über ihre einzigartigen Artikulationen in den Werken von Shakespeare, Lope de Vega, Jean Racine und Friedrich Schiller bis hin zur neueren naturalistischen Tragödie von Henrik Ibsen und August Strindberg, Samuel Becketts modernistischen Meditationen über Tod, Verlust und Leiden und Heiner Müllers postmodernen Überarbeitungen des tragischen Kanons ist die Tragödie ein wichtiger Ort des kulturellen Experiments, der Verhandlung, des Kampfes und der Veränderung geblieben. Eine lange Reihe von Philosophen - darunter Platon, Aristoteles, Augustinus, Voltaire, Hume, Diderot, Hegel, Schopenhauer, Kierkegaard, Nietzsche, Freud, Benjamin, Camus, Lacan und Deleuze - haben das Genre analysiert, spekuliert und kritisiert. ⓘ

Seit Aristoteles' Poetik (335 v. Chr.) wird die Tragödie zur Unterscheidung von Gattungen herangezogen, sei es auf der Ebene der Poesie im Allgemeinen (wo die Tragödie gegen Epik und Lyrik abgegrenzt wird) oder auf der Ebene des Dramas (wo die Tragödie der Komödie gegenübergestellt wird). In der Neuzeit wurde die Tragödie auch gegen das Drama, das Melodrama, das tragikomische und das epische Theater abgegrenzt. Das Drama im engeren Sinne durchbricht die traditionelle Trennung zwischen Komödie und Tragödie in einer anti- oder a-generischen Deterritorialisierung seit der Mitte des 19. Jahrhunderts. Sowohl Bertolt Brecht als auch Augusto Boal definieren ihre epischen Theaterprojekte (nicht-aristotelisches Drama bzw. Theater der Unterdrückten) gegen Modelle der Tragödie. Taxidou hingegen versteht das epische Theater als eine Übernahme tragischer Funktionen und seiner Behandlung von Trauer und Spekulation. ⓘ

„Tragisches“ Ende von König Ödipus in der Tragödie von Sophokles: Ödipus wird sich seiner Schuld bewusst und sticht sich die Augen aus ⓘ

Die Tragödie ist eine Form des Dramas und neben der Komödie die bedeutsamste Vertreterin dieser Gattung. Sie lässt sich bis in das antike Griechenland zurückführen. ⓘ

Kennzeichnend für die Tragödie ist der schicksalhafte Konflikt der Hauptfigur. Ihre Situation verschlechtert sich ab dem Punkt, an dem die Katastrophe eintritt. In diesem Fall bedeutet das Wort Katastrophe nur die unausweichliche Verschlechterung für den tragischen Helden. Allerdings bedeutet diese Verschlechterung nicht zwangsläufig den Tod des Protagonisten. ⓘ

Das Scheitern des Helden ist in der Tragödie unausweichlich; die Ursache liegt in der Konstellation und dem Charakter der Figur. Der Keim der Tragödie ist, dass der Mensch der Hybris verfällt und dem ihm vorbestimmten Schicksal durch sein Handeln entgehen will. ⓘ

Der Verfasser einer Tragödie wird als Tragiker bezeichnet. ⓘ

Etymologie

Aristoteles' Struktur der tragischen Handlung ⓘ

Das Wort "Tragödie" wurde anscheinend zu verschiedenen Zeiten zur Beschreibung unterschiedlicher Phänomene verwendet. Es stammt aus dem Altgriechischen τραγῳδία, abgeleitet von trag(o)-aoidiā = "Ziegengesang", was sich von tragos = "Ziege" und aeidein = "singen" ableitet (vgl. "Ode"). Gelehrte vermuten, dass dies auf eine Zeit zurückgeht, in der eine Ziege entweder der Preis in einem Chortanzwettbewerb war oder von einem Chor vor der rituellen Opferung des Tieres umtanzt wurde. Eine andere Ansicht zur Etymologie vertritt Athenaeus von Naucratis (2.-3. Jahrhundert n. Chr.), wonach die ursprüngliche Form des Wortes trygodia von trygos (Weinlese) und ode (Gesang) abgeleitet wurde, weil diese Ereignisse zuerst während der Weinlese eingeführt wurden. ⓘ

Aristoteles, der 335 v. Chr. schrieb (lange nach dem Goldenen Zeitalter der athenischen Tragödie im 5. Jahrhundert), liefert in seiner Poetik die früheste überlieferte Erklärung für den Ursprung der dramatischen Kunstform, in der er argumentiert, dass sich die Tragödie aus den Improvisationen des Leiters der chorischen Dithyramben (gesungene und getanzte Hymnen zu Ehren von Dionysos, dem Gott des Weins und der Fruchtbarkeit) entwickelte:

Jedenfalls entstand die Tragödie aus einem improvisierten Anfang (sowohl die Tragödie als auch die Komödie - die Tragödie von den Anführern der Dithyramben und die Komödie von den Anführern der phallischen Prozessionen, die auch heute noch in vielen unserer Städte als Brauch fortbestehen), und die Tragödie wuchs allmählich, während die Dichter das entwickelten, was von ihr auftauchte; und nachdem sie viele Veränderungen durchlaufen hatte, kam die Tragödie zum Stillstand, da sie ihre eigene Natur erlangt hatte.
- Poetik IV, 1449a 10-15 ⓘ

Im selben Werk versucht Aristoteles, eine scholastische Definition der Tragödie zu geben:

Die Tragödie ist also die Darstellung einer wichtigen und vollständigen Tat von [gewissem] Ausmaß mittels einer [mit Verzierungen] angereicherten Sprache, die in den verschiedenen Teilen [des Stücks] jeweils gesondert verwendet wird: Sie wird dargestellt, nicht [nur] rezitiert, und durch Mitleid und Furcht bewirkt sie die Linderung (Katharsis) solcher [und ähnlicher] Gefühle.
- Poetik, VI 1449b 2-3 ⓘ

Es gibt einen gewissen Dissens über die dithyrambischen Ursprünge der Tragödie, der hauptsächlich auf den Unterschieden zwischen den Formen ihrer Chöre und Tanzstile beruht. Es wurde eine gemeinsame Abstammung von vorhellenischen Fruchtbarkeits- und Bestattungsriten vorgeschlagen. Friedrich Nietzsche diskutierte die Ursprünge der griechischen Tragödie in seinem frühen Buch Die Geburt der Tragödie (1872). Hier schlägt er vor, dass der Name auf die Verwendung eines Chors von ziegenähnlichen Satyrn in den ursprünglichen Dithyramben zurückgeht, aus denen sich das tragische Genre entwickelte. ⓘ

Scott Scullion schreibt:

Es gibt zahlreiche Belege für tragoidia, verstanden als "Lied für die Preisziege". Der bekannteste Beleg ist Horaz, Ars poetica 220-24 ("derjenige, der mit einem tragischen Lied um eine bloße Ziege wetteiferte"); der früheste Beleg ist der Parianische Marmor, eine um 264/63 v. Chr. geschriebene Chronik, die unter einem Datum zwischen 538 und 528 v. Chr. vermerkt "Thespis ist der Dichter ..., der als erster produziert wurde ... und als Preis wurde der Ziegenbock festgelegt" (FrGHist 239A, Epoche 43); am deutlichsten ist Eustathius 1769.45: "Sie nannten diese konkurrierenden Tragödianten, eindeutig wegen des Liedes über den Ziegenbock"... ⓘ

Griechisch

Maske des Dionysos. Griechisch, Myrina, 2. Jahrhundert v. Chr. ⓘ

Die athenische Tragödie - die älteste erhaltene Form der Tragödie - ist eine Art Tanzdrama, das einen wichtigen Teil der Theaterkultur des Stadtstaates bildete. Sie entstand irgendwann im 6. Jahrhundert v. Chr., erlebte ihre Blütezeit im 5. Jahrhundert v. Chr. (von dessen Ende an sie sich in der gesamten griechischen Welt ausbreitete) und blieb bis zum Beginn der hellenistischen Periode populär. Aus dem 6. Jahrhundert sind keine Tragödien erhalten, und von den mehr als tausend Tragödien, die im 5. Vollständig erhalten sind die Texte von Aischylos, Sophokles und Euripides. ⓘ

Die athenischen Tragödien wurden Ende März/Anfang April bei einem jährlichen religiösen Staatsfest zu Ehren des Dionysos aufgeführt. Die Aufführungen fanden in Form eines Wettbewerbs zwischen drei Dramatikern statt, die ihre Werke an drei aufeinander folgenden Tagen vorstellten. Jeder Dramatiker bot eine Tetralogie an, die aus drei Tragödien und einem abschließenden komischen Stück, dem Satyrspiel, bestand. Die vier Stücke enthielten manchmal miteinander verbundene Geschichten. Nur eine einzige vollständige Tragödientrilogie ist erhalten geblieben, die Orestie des Aischylos. Das griechische Theater befand sich unter freiem Himmel am Rande eines Hügels, und die Aufführungen einer Trilogie und eines Satyrspiels dauerten wahrscheinlich fast den ganzen Tag. Die Aufführungen waren anscheinend für alle Bürger, auch für Frauen, zugänglich, aber es gibt kaum Belege dafür. Das Dionysos-Theater in Athen fasste wahrscheinlich etwa 12.000 Zuschauer. ⓘ

Alle Chorpartien wurden gesungen (begleitet von einem Aulos), und einige Antworten der Schauspieler auf den Chor wurden ebenfalls gesungen. Das gesamte Stück wurde in verschiedenen Versmaßen verfasst. Alle Schauspieler waren männlich und trugen Masken. Ein griechischer Chor tanzte und sang, obwohl niemand genau weiß, welche Art von Schritten der Chor beim Singen ausführte. Chorgesänge in der Tragödie sind oft in drei Abschnitte unterteilt: Strophe ("Drehung, Kreisen"), Antistrophe ("Gegendrehung, Gegenkreisen") und Epode ("Nachgesang"). ⓘ

Viele antike griechische Tragödienschreiber setzten das ekkyklêma als theatralisches Mittel ein. Dabei handelte es sich um eine hinter der Szene verborgene Plattform, die ausgerollt werden konnte, um die Folgen eines Ereignisses zu zeigen, das sich außerhalb der Sichtweite des Publikums abgespielt hatte. Bei diesem Ereignis handelte es sich häufig um einen brutalen Mord, eine Gewalttat, die visuell nicht wirksam dargestellt werden konnte, deren Auswirkungen die anderen Figuren aber sehen mussten, um Bedeutung und emotionale Resonanz zu erhalten. Ein Paradebeispiel für die Verwendung des Ekkyklêma ist die Ermordung Agamemnons im ersten Stück der Orestie von Aischylos, als der abgeschlachtete Körper des Königs in einer großen Ausstellung für alle sichtbar herausgerollt wird. Variationen des ekkyklêma werden bis heute in Tragödien und anderen Formen verwendet, da die Schriftsteller es immer noch für ein nützliches und oft wirkungsvolles Mittel halten, um die Folgen extremer menschlicher Handlungen zu zeigen. Ein weiteres solches Gerät war ein Kran, der Mechane, der dazu diente, einen Gott oder eine Göttin auf die Bühne zu hieven, wenn sie fliegend ankommen sollten. Auf diese Vorrichtung geht der Ausdruck "deus ex machina" ("Gott aus der Maschine") zurück, d. h. das überraschende Eingreifen eines unvorhergesehenen externen Faktors, der den Ausgang eines Ereignisses verändert. ⓘ

Römisch

Szene aus der Tragödie Iphigenie auf Tauris von Euripides. Römisches Fresko in Pompeji. ⓘ

Nach der Expansion der Römischen Republik (509-27 v. Chr.) in mehrere griechische Gebiete zwischen 270 und 240 v. Chr. begegnete Rom der griechischen Tragödie. In den späteren Jahren der Republik und durch das Römische Reich (27 v. Chr. - 476 n. Chr.) verbreitete sich das Theater nach Westen über Europa und den Mittelmeerraum und erreichte sogar Britannien. Während die griechische Tragödie während der gesamten römischen Periode weiterhin aufgeführt wurde, markiert das Jahr 240 v. Chr. den Beginn des regulären römischen Dramas. Livius Andronicus begann, römische Tragödien zu schreiben, und schuf damit einige der ersten wichtigen Werke der römischen Literatur. Fünf Jahre später begann auch Gnaeus Naevius mit dem Schreiben von Tragödien (obwohl er eher für seine Komödien geschätzt wurde). Es ist keine vollständige frühe römische Tragödie erhalten, obwohl sie zu ihrer Zeit hoch angesehen war; Historiker kennen drei weitere frühe tragische Dramatiker - Quintus Ennius, Marcus Pacuvius und Lucius Accius. ⓘ

Aus der Kaiserzeit sind die Tragödien zweier Dramatiker überliefert, von denen einer ein unbekannter Autor ist, der andere der stoische Philosoph Seneca. Von Seneca sind neun Tragödien überliefert, die alle fabula crepidata (Tragödien nach griechischen Vorlagen) sind; seine Phaedra zum Beispiel basiert auf Euripides' Hippolytos. Die Historiker wissen nicht, wer das einzige erhaltene Beispiel einer fabula praetexta (Tragödien, die auf römischen Themen basieren), Octavia, geschrieben hat, aber früher wurde es fälschlicherweise Seneca zugeschrieben, weil er als Figur in der Tragödie auftritt. ⓘ

Senecas Tragödien überarbeiten die Tragödien aller drei athenischen Tragödienschreiber, deren Werke erhalten geblieben sind. Wahrscheinlich waren sie dazu bestimmt, bei elitären Versammlungen vorgetragen zu werden, und unterscheiden sich von den griechischen Fassungen durch ihre langen deklamatorischen, erzählenden Schilderungen der Handlung, ihre aufdringliche Moralisierung und ihre bombastische Rhetorik. Sie enthalten detaillierte Schilderungen schrecklicher Taten und lange, nachdenkliche Selbstgespräche. Obwohl die Götter in diesen Stücken nur selten auftauchen, sind Geister und Hexen allgegenwärtig. Senekische Tragödien erforschen Ideen von Rache, Okkultismus, Übernatürlichem, Selbstmord, Blut und Blutvergießen. Der Renaissance-Gelehrte Julius Caesar Scaliger (1484-1558), der sowohl Latein als auch Griechisch beherrschte, bevorzugte Seneca gegenüber Euripides. ⓘ

Renaissance

Einfluss der griechischen und römischen Literatur

Das klassische griechische Drama war in Westeuropa vom Mittelalter bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts weitgehend vergessen. Jahrhunderts weitgehend in Vergessenheit geraten. Das mittelalterliche Theater wurde von Mysterienspielen, Moritaten, Farcen und Wunderspielen beherrscht. In Italien waren die Vorbilder für die Tragödie im Spätmittelalter römisch, insbesondere die Werke Senecas, deren Interesse durch den Paduaner Lovato de' Lovati (1241-1309) wieder geweckt wurde. Sein Schüler Albertino Mussato (1261-1329), der ebenfalls aus Padua stammte, schrieb 1315 die lateinische Tragödie Eccerinis in Versen, die die Geschichte des Tyrannen Ezzelino III. da Romano aufgreift, um die Gefahr für Padua durch Cangrande della Scala aus Verona zu verdeutlichen. Es war die erste weltliche Tragödie, die seit der Römerzeit geschrieben wurde, und kann als die erste italienische Tragödie angesehen werden, die als Werk der Renaissance identifiziert werden kann. Die frühesten Tragödien mit rein klassischer Thematik sind die vor 1390 von Antonio Loschi aus Vicenza (ca. 1365-1441) verfasste Achilles und die Progne des Venezianers Gregorio Correr (1409-1464), die aus den Jahren 1428 bis 1429 stammt. ⓘ

1515 schrieb Gian Giorgio Trissino (1478-1550) aus Vicenza seine Tragödie Sophonisba in der Volkssprache, die später als Italienisch bezeichnet wurde. Sie basiert auf dem Bericht von Livius über Sophonisba, die karthagische Prinzessin, die Gift trank, um nicht von den Römern gefangen genommen zu werden, und hält sich eng an die klassischen Regeln. Bald darauf folgten die Werke Oreste und Rosmunda von Trissinos Freund, dem Florentiner Giovanni di Bernardo Rucellai (1475-1525). Beide wurden Anfang 1516 fertiggestellt und basieren auf klassischen griechischen Vorbildern, Rosmunda auf der Hekuba des Euripides und Oreste auf der Iphigenie in Tauris desselben Autors; wie Sophonisba sind sie in italienischer Sprache und in leeren (ungereimten) Hendezasilben verfasst. Eine weitere der ersten modernen Tragödien ist A Castro des portugiesischen Dichters und Dramatikers António Ferreira, die um 1550 geschrieben (aber erst 1587 veröffentlicht) wurde und in polymetrischen Versen (größtenteils in leeren Hendezasilben) den Mord an Inês de Castro behandelt, eine der dramatischsten Episoden der portugiesischen Geschichte. Obwohl diese drei italienischen Dramen - einzeln oder zusammen - oft als die ersten regulären Tragödien der Neuzeit sowie als die ersten substantiellen Werke, die in Hendezasyllabeln geschrieben wurden, angeführt werden, gingen ihnen offenbar zwei andere Werke in der Volkssprache voraus: Pamfila oder Filostrato e Panfila, geschrieben 1498 oder 1508 von Antonio Cammelli (Antonio da Pistoia); und eine Sophonisba von Galeotto del Carretto aus dem Jahr 1502. ⓘ

Ab etwa 1500 gab es in Europa gedruckte Exemplare der Werke von Sophokles, Seneca und Euripides sowie von Komödienschreibern wie Aristophanes, Terenz und Plautus in den Originalsprachen, und in den folgenden vierzig Jahren übersetzten und adaptierten Humanisten und Dichter deren Tragödien. In den 1540er Jahren entwickelte sich an den europäischen Universitäten (und insbesondere ab 1553 an den Jesuitenkollegs) ein neulateinisches Theater (in lateinischer Sprache), das von Gelehrten verfasst wurde. Der Einfluss von Seneca war in der humanistischen Tragödie besonders stark. Seine Stücke mit ihren Gespenstern, lyrischen Passagen und rhetorischen Reden brachten eine Konzentration auf Rhetorik und Sprache gegenüber der dramatischen Handlung in viele humanistische Tragödien ein. ⓘ

Die wichtigsten Quellen für das französische Tragödientheater der Renaissance waren das Beispiel Senecas und die Vorschriften von Horaz und Aristoteles (und die zeitgenössischen Kommentare von Julius Caesar Scaliger und Lodovico Castelvetro), auch wenn die Handlungen aus klassischen Autoren wie Plutarch, Sueton usw., aus der Bibel, aus zeitgenössischen Ereignissen und aus Erzählsammlungen (italienisch, französisch und spanisch) übernommen wurden. Die griechischen Autoren der Tragödie (Sophokles und Euripides) wurden ab Mitte des 17. Jahrhunderts immer wichtiger. Wichtige Vorlagen lieferten auch die spanischen Dramatiker des Goldenen Zeitalters Pedro Calderón de la Barca, Tirso de Molina und Lope de Vega, von denen viele Werke übersetzt und für die französische Bühne adaptiert wurden. ⓘ

Großbritannien

Edwin Austin Abbey (1852-1911) König Lear, Cordelia's Farewell ⓘ

Die häufigsten Formen sind die:

Tragödie der Umstände: Die Menschen werden in ihre Situation hineingeboren und suchen sie sich nicht aus; solche Tragödien untersuchen die Folgen des Geburtsrechts, insbesondere für Monarchen
Tragödie der Fehleinschätzung: Die Fehleinschätzung des Protagonisten hat tragische Folgen
Rachestück ⓘ

In der englischen Sprache sind die berühmtesten und erfolgreichsten Tragödien die von William Shakespeare und seinen elisabethanischen Zeitgenossen. Zu den Tragödien von Shakespeare gehören:

Antonius und Kleopatra
Coriolanus
Hamlet
Julius Cäsar
König Lear
Macbeth
Othello
Romeo und Julia
Timon von Athen
Titus Andronicus
Troilus und Cressida ⓘ

Ein Zeitgenosse von Shakespeare, Christopher Marlowe, schrieb ebenfalls Beispiele für Tragödien in englischer Sprache, insbesondere:

Die tragische Geschichte des Doktor Faustus
Tamburlaine der Große ⓘ

John Webster (1580?-1635?) schrieb ebenfalls berühmte Stücke dieses Genres:

Die Herzogin von Malfi
Der weiße Teufel ⓘ

Häusliche Tragödie

Häusliche Tragödien sind Tragödien, in denen die tragischen Protagonisten gewöhnliche Menschen aus dem Bürgertum oder der Arbeiterklasse sind. Diese Untergattung steht im Gegensatz zur klassischen und neoklassischen Tragödie, in der die Protagonisten von königlichem oder aristokratischem Rang sind und ihr Untergang sowohl eine Staatsangelegenheit als auch eine persönliche Angelegenheit ist. ⓘ

Der altgriechische Theoretiker Aristoteles vertrat die Ansicht, dass die Tragödie nur große Persönlichkeiten mit einem großen Geist und einer großen Seele zum Gegenstand haben sollte, da ihr katastrophaler Untergang das Publikum emotional stärker berühren würde; nur die Komödie sollte Menschen aus der Mittelschicht darstellen. Die häusliche Tragödie bricht mit Aristoteles' Vorgaben, indem sie Kaufleute oder Bürger zum Gegenstand hat, deren Leben in der Welt weniger Bedeutung hat. ⓘ

Das Aufkommen der häuslichen Tragödie läutete die erste Phasenverschiebung der Gattung ein, die sich weniger auf die aristotelische Definition der Gattung als vielmehr auf die Definition der Tragödie auf der Ebene des Dramas konzentrierte, wo die Tragödie der Komödie, d. h. den melancholischen Geschichten, gegenübersteht. Obwohl die Verwendung von Schlüsselelementen wie Leiden, Hamartia, Moral und Spektakel diese Variante der Tragödie letztlich mit allen anderen verbindet. Diese Variante der Tragödie hat zur Evolution und Entwicklung der Tragödien der Neuzeit geführt, insbesondere derjenigen, die nach der Mitte des 18. Jahrhunderts entstanden sind, wie die Werke von Arthur Miller, Eugene O'Neill und Henrik Ibsen. Zu den neu behandelten Themen, die aus der Bewegung der häuslichen Tragödie hervorgingen, gehören: ungerechtfertigte Verurteilungen und Hinrichtungen, Armut, Hunger, Sucht, Alkoholismus, Schulden, struktureller Missbrauch, Kindesmissbrauch, Kriminalität, häusliche Gewalt, soziale Ächtung, Depression und Einsamkeit. ⓘ

Zu den klassischen häuslichen Tragödien gehören:

Arden von Faversham (1592)
Eine Frau, die aus Güte getötet wurde (1607)
Eine Tragödie aus Yorkshire (1608)
Die Hexe von Edmonton (1621) ⓘ

Oper

Zeitgleich mit Shakespeare wurde in Italien ein ganz anderer Ansatz verfolgt, um die Wiedergeburt der Tragödie zu ermöglichen. Jacopo Peri verweist im Vorwort zu seiner Euridice auf "die alten Griechen und Römer (die nach Meinung vieler ihre inszenierten Tragödien durchgehend gesungen haben, wenn sie sie auf der Bühne darstellten)". Aus den Versuchen von Peri und seinen Zeitgenossen, die antike Tragödie nachzuspielen, entstand die neue italienische Musikgattung der Oper. In Frankreich wurden tragische Opernwerke von der Zeit Lullys bis etwa zur Zeit Glucks nicht als Oper, sondern als tragédie en musique ("Tragödie in Musik") oder ähnlich bezeichnet; die tragédie en musique gilt als eigene Musikgattung. Auch einige spätere Opernkomponisten haben die Ziele von Peri geteilt: Richard Wagners Konzept des Gesamtkunstwerks zum Beispiel war als Rückkehr zum Ideal der griechischen Tragödie gedacht, in der alle Künste im Dienste des Dramas verschmolzen waren. Nietzsche unterstützte Wagner in seinem Werk Die Geburt der Tragödie (1872) in seinem Anspruch, ein Nachfolger der antiken Dramatiker zu sein. ⓘ

Neoklassisch

Der französische Schauspieler Talma als Nero in Racines Britannicus. ⓘ

Im 17. Jahrhundert war Pierre Corneille, der mit Stücken wie Medée (1635) und Le Cid (1636) die Welt der Tragödie prägte, der erfolgreichste französische Tragödienautor. Corneilles Tragödien waren merkwürdigerweise nicht tragisch (seine erste Fassung von Le Cid wurde sogar als Tragikomödie eingestuft), denn sie hatten ein Happy End. In seinen theoretischen Arbeiten über das Theater definierte Corneille sowohl die Komödie als auch die Tragödie auf der Grundlage der folgenden Annahmen neu:

Auf der Bühne - sowohl in der Komödie als auch in der Tragödie - sollten edle Charaktere auftreten (damit würden viele niedere Charaktere, die für die Farce typisch sind, aus Corneilles Komödien verschwinden). Adlige Charaktere sollten nicht als niederträchtig dargestellt werden (verwerfliche Handlungen sind in Corneilles Stücken im Allgemeinen auf nicht-adlige Charaktere zurückzuführen).
In der Tragödie geht es um Staatsangelegenheiten (Kriege, dynastische Ehen), in der Komödie um die Liebe. Damit ein Werk tragisch ist, muss es nicht unbedingt ein tragisches Ende haben.
Auch wenn Aristoteles sagt, dass das Ziel der Tragödie die Katharsis (Läuterung der Gefühle) sein sollte, ist dies nur ein Ideal. In Übereinstimmung mit den Moralvorstellungen der damaligen Zeit sollten die Stücke nicht zeigen, dass das Böse belohnt oder der Adel erniedrigt wird. ⓘ

Corneille schreibt bis 1674 weiter Stücke (vor allem Tragödien, aber auch so genannte "heroische Komödien"), von denen viele weiterhin erfolgreich sind, obwohl die "Unregelmäßigkeiten" seiner Theatermethoden zunehmend kritisiert werden (vor allem von François Hédelin, Abbé d'Aubignac) und der Erfolg von Jean Racine ab Ende der 1660er Jahre das Ende seiner Vormachtstellung bedeutet. ⓘ

Die Tragödien von Jean Racine - inspiriert von griechischen Mythen, Euripides, Sophokles und Seneca - verdichteten ihre Handlung zu einer engen Reihe von leidenschaftlichen und pflichtbewussten Konflikten zwischen einer kleinen Gruppe von adligen Charakteren und konzentrierten sich auf die Doppelbindungen dieser Figuren und die Geometrie ihrer unerfüllten Wünsche und ihres Hasses. Racines poetisches Geschick lag in der Darstellung von Pathos und amouröser Leidenschaft (wie Phèdres Liebe zu ihrem Stiefsohn), und seine Wirkung war so groß, dass die emotionale Krise bis zum Ende des Jahrhunderts die vorherrschende Form der Tragödie sein sollte. Die beiden späten Stücke von Racine ("Esther" und "Athalie") eröffneten neue Zugänge zu biblischen Themen und zum Einsatz des Theaters bei der Erziehung junger Frauen. Racine wurde auch für seine Unregelmäßigkeiten kritisiert: Als sein Stück "Bérénice" kritisiert wurde, weil es keine Todesfälle enthielt, widersprach Racine der konventionellen Auffassung von Tragödie. ⓘ

Weitere Informationen über die französische Tragödie des 16. und 17. Jahrhunderts finden Sie unter Französische Literatur der Renaissance und Französische Literatur des 17. ⓘ

Eine sehr große Rolle spielte die Gattung Tragödie in der Literatur der französischen Klassik des 17. und frühen 18. Jahrhunderts. Ihre bedeutendsten Autoren waren Pierre Corneille, Jean Racine und Voltaire. Nach der von ihnen etablierten Praxis hatte eine Tragödie in fürstlichen Kreisen zu spielen und die drei Einheiten der Zeit, des Ortes und der Handlung einzuhalten. Die Stoffe stammten ganz überwiegend aus der antiken griechischen und römischen Geschichte sowie aus der Mythologie. Versmaß war in aller Regel der paarweise reimende Alexandriner mit „alternance“ d. h. regelmäßigem Wechsel männlicher und weiblicher Reime. ⓘ

Spätere Entwicklung

Jahrhunderts wollte Joanna Baillie, die ihre Vorgänger studiert hatte, das Theater revolutionieren, weil sie glaubte, dass es das Leben der Menschen besser beeinflussen könne. Zu diesem Zweck gab sie der Tragödie eine neue Richtung, die sie als "die Enthüllung des menschlichen Geistes unter der Herrschaft jener starken und festen Leidenschaften, die, scheinbar unprovoziert durch äußere Umstände, von klein auf in der Brust brüten, bis alle besseren Veranlagungen, alle schönen Gaben der Natur vor ihnen niedergedrückt werden" definierte. Diese Theorie setzte sie in ihrer dreibändigen "Reihe von Stücken über die Leidenschaften" (ab 1798) und in anderen dramatischen Werken in die Praxis um. Ihre Methode bestand darin, eine Reihe von Szenen und Ereignissen zu kreieren, die die Neugier des Publikums wecken sollten, und "den Verlauf der Leidenschaft nachzuzeichnen, indem sie die Stadien der Annäherung des Feindes aufzeigt, in denen er am erfolgreichsten hätte bekämpft werden können; und in denen das Erleiden seines Vorbeigehens als Ursache für das ganze darauf folgende Elend angesehen werden kann. ⓘ

Bürgerliche

Die bürgerliche Tragödie (deutsch: Bürgerliches Trauerspiel) ist eine Form, die sich im Europa des 18. Jahrhunderts entwickelte. Es war eine Frucht der Aufklärung und der Entstehung der bürgerlichen Klasse und ihrer Ideale. Es zeichnet sich dadurch aus, dass seine Protagonisten einfache Bürger sind. Die erste echte bürgerliche Tragödie war ein englisches Stück, George Lillos The London Merchant; or, the History of George Barnwell, das 1731 uraufgeführt wurde. In der Regel wird Gotthold Ephraim Lessings Stück Miss Sara Sampson, das 1755 uraufgeführt wurde, als das früheste bürgerliche Trauerspiel in Deutschland angesehen. ⓘ

Moderne Entwicklung

In der Literatur der Moderne ist die Definition der Tragödie unschärfer geworden. Die grundlegendste Veränderung war die Abkehr von Aristoteles' Diktum, dass die wahre Tragödie nur Menschen mit Macht und hohem Status darstellen kann. Arthur Miller argumentiert in seinem Essay "Tragedy and the Common Man" (1949), dass die Tragödie auch gewöhnliche Menschen in häuslicher Umgebung darstellen kann, und definiert damit die häuslichen Tragödien. Der britische Dramatiker Howard Barker hat sich vehement für die Wiedergeburt der Tragödie im zeitgenössischen Theater eingesetzt, vor allem in seinem Band Arguments for a Theatre. "Aus der Tragödie kommt man gerüstet gegen die Lüge hervor. Nach dem Musical ist man ein Narr", betont er. ⓘ

Kritiker wie George Steiner waren sogar bereit zu argumentieren, dass die Tragödie im Vergleich zu ihren früheren Erscheinungsformen in der klassischen Antike möglicherweise nicht mehr existiert. In The Death of Tragedy (1961) skizzierte George Steiner die Merkmale der griechischen Tragödie und die Traditionen, die sich aus dieser Zeit entwickelten. Im Vorwort (1980) zu einer Neuauflage seines Buches kommt Steiner zu dem Schluss, dass "die Dramen von Shakespeare keine Wiedergeburt oder humanistische Variante des absoluten tragischen Modells sind. Sie sind vielmehr eine Ablehnung dieses Modells im Lichte tragikomischer und 'realistischer' Kriterien". Diese Eigenschaft Shakespeares erklärt sich zum Teil aus seiner Geisteshaltung oder Vorstellungskraft, die "so umfassend, so empfänglich für die Pluralität der verschiedenen Erfahrungsordnungen" war. Im Vergleich zum Drama der griechischen Antike und des französischen Klassizismus sind Shakespeares Formen "reicher, aber hybrider". ⓘ

Bis heute werden zahlreiche Bücher und Theaterstücke in der Tradition der Tragödie geschrieben, darunter Froth on the Daydream, The Road, The Fault in Our Stars, Fat City, Rabbit Hole, Requiem for a Dream, The Handmaid's Tale. ⓘ

Theorien

Die Definition der Tragödie ist keine einfache Angelegenheit, und es gibt viele Definitionen, von denen einige miteinander unvereinbar sind. Oscar Mandel hat in A Definition of Tragedy (1961) zwei grundsätzlich verschiedene Definitionsansätze gegenübergestellt. Die erste ist die so genannte derivative Definition, bei der die Tragödie als Ausdruck einer Weltordnung betrachtet wird; "anstatt zu fragen, was die Tragödie ausdrückt, neigt die derivative Definition dazu zu fragen, was sich durch die Tragödie ausdrückt". Die zweite ist die substanzielle Definition der Tragödie, die vom Kunstwerk ausgeht, von dem angenommen wird, dass es die Ordnung der Welt enthält. Substanzielle Kritiker "interessieren sich eher für die konstituierenden Elemente der Kunst als für ihre ontologischen Quellen". Er erkennt vier Unterklassen: a. "Definition durch formale Elemente" (z.B. die angeblichen "drei Einheiten"); b. "Definition durch die Situation" (wo man die Tragödie z.B. als "Darstellung des Falles eines guten Menschen" definiert); c. "Definition durch die ethische Richtung" (wo es dem Kritiker um den Sinn, um die "intellektuelle und moralische Wirkung" geht); und d. "Definition durch die emotionale Wirkung" (und er zitiert Aristoteles' "Erfordernis von Mitleid und Furcht"). ⓘ

Aristoteles

Aristoteles schrieb in seinem Werk Poetik, dass Die Tragödie zeichnet sich durch Ernsthaftigkeit aus und handelt von einer großen Person, die eine Schicksalswende erlebt (Peripeteia). Aristoteles' Definition kann auch eine Änderung des Schicksals vom Schlechten zum Guten einschließen, wie in den Eumeniden, aber er sagt, dass die Änderung vom Guten zum Schlechten wie in Oedipus Rex vorzuziehen ist, weil dies Mitleid und Furcht bei den Zuschauern hervorruft. Die Tragödie führt zu einer Katharsis (emotionale Reinigung) oder Heilung des Publikums durch das Erleben dieser Gefühle als Reaktion auf das Leiden der Figuren im Drama. ⓘ

Nach Aristoteles "sollte die Struktur der besten Tragödie nicht einfach, sondern komplex sein und Ereignisse darstellen, die Furcht und Mitleid erregen - denn das ist die Besonderheit dieser Kunstform". Diese Umkehrung des Schicksals muss durch die hamartia des tragischen Helden verursacht werden, was oft entweder als Charakterfehler oder als Irrtum übersetzt wird (da die ursprüngliche griechische Etymologie auf hamartanein zurückgeht, ein sportlicher Begriff, der sich auf einen Bogenschützen oder Speerwerfer bezieht, der sein Ziel verfehlt). Aristoteles zufolge wird das Unglück nicht durch ein [allgemeines] Laster oder eine Verderbtheit, sondern durch einen [besonderen] Fehler oder eine Schwäche herbeigeführt". Die Umkehrung ist die unvermeidliche, aber unvorhergesehene Folge einer Handlung des Helden. Es ist auch ein Missverständnis, dass diese Umkehrung durch eine höhere Macht (z. B. das Gesetz, die Götter, das Schicksal oder die Gesellschaft) herbeigeführt werden kann; wenn jedoch der Untergang einer Figur durch eine äußere Ursache herbeigeführt wird, bezeichnet Aristoteles dies als Missgeschick und nicht als Tragödie. ⓘ

Darüber hinaus kann der tragische Held eine gewisse Offenbarung oder Erkenntnis (anagnorisis - "wieder wissen" oder "zurück wissen" oder "durch und durch wissen") über das menschliche Schicksal, die Bestimmung und den Willen der Götter erlangen. Aristoteles bezeichnet diese Art der Erkenntnis als "Wechsel von der Unwissenheit zum Bewusstsein eines Bandes der Liebe oder des Hasses". ⓘ

In der Poetik gab Aristoteles in Altgriechisch die folgende Definition des Wortes "Tragödie" (τραγῳδία):

Die Tragödie ist die Nachahmung einer Handlung, die bewundernswert, vollständig (bestehend aus einer Einleitung, einem Mittelteil und einem Schluss) und von großer Tragweite ist; in der Sprache vergnüglich gemacht, wobei jede ihrer Arten in verschiedene Teile gegliedert ist; von Schauspielern aufgeführt, nicht durch Erzählung; durch Mitleid und Furcht die Läuterung dieser Gefühle bewirkend. ⓘ

Im allgemeinen Sprachgebrauch bezieht sich der Begriff Tragödie auf jede Geschichte mit einem traurigen Ende, während die Geschichte, um eine aristotelische Tragödie zu sein, die in der Poetik festgelegten Anforderungen erfüllen muss. Nach dieser Definition kann ein soziales Drama nicht tragisch sein, weil der Held darin ein Opfer von Umständen und Ereignissen ist, die von der Gesellschaft abhängen, in der er lebt, und nicht von den inneren Zwängen - psychologischen oder religiösen -, die seinen Weg zur Selbsterkenntnis und zum Tod bestimmen. Was genau eine "Tragödie" ausmacht, ist jedoch umstritten. ⓘ

Nach Aristoteles gibt es vier Arten von Tragödien: 1. Komplexe Tragödie, die Peripetie und Entdeckung beinhaltet ⓘ

2. Leiden, Tragödien dieser Art finden sich in den Geschichten der griechischen Mythologie von Ajax und Ixion ⓘ

3. Charakter, eine Tragödie mit moralischem oder ethischem Charakter. Tragödien dieser Art finden sich bei Phthiotides und Peleus ⓘ

4. Spektakel, d. h. eine Tragödie mit einem schauerlichen Thema. Beispiele für diese Art sind Phorcides und Prometheus ⓘ

Hegel

G.W.F. Hegel, der deutsche Philosoph, der für seine dialektische Herangehensweise an die Erkenntnistheorie und die Geschichte am berühmtesten ist, wandte eine solche Methodik auch auf seine Theorie der Tragödie an. In seinem Aufsatz "Hegels Theorie der Tragödie" machte A.C. Bradley die englischsprachige Welt erstmals mit Hegels Theorie bekannt, die Bradley als "tragische Kollision" bezeichnete und in späteren Analysen der Orestie-Trilogie des Aischylos und der Antigone des Sophokles den aristotelischen Vorstellungen vom "tragischen Helden" und seiner oder ihrer "hamartia" gegenüberstellte. Hegel selbst plädiert jedoch in seiner bahnbrechenden "Phänomenologie des Geistes" für eine kompliziertere Theorie der Tragödie mit zwei komplementären Zweigen, die, obwohl sie von einem einzigen dialektischen Prinzip angetrieben werden, die griechische Tragödie von derjenigen unterscheiden, die auf Shakespeare folgt. In seinen späteren Vorlesungen formuliert er eine solche Theorie der Tragödie als einen Konflikt zwischen ethischen Kräften, die in der antiken griechischen Tragödie durch Charaktere repräsentiert werden, während in der Shakespeare-Tragödie der Konflikt als ein Konflikt zwischen Subjekt und Objekt dargestellt wird, einer individuellen Persönlichkeit, die selbstzerstörerische Leidenschaften zeigen muss, weil nur solche Leidenschaften stark genug sind, um das Individuum vor einer feindlichen und kapriziösen äußeren Welt zu schützen:

Die Helden der antiken klassischen Tragödie geraten in Situationen, in denen sie, wenn sie sich fest für das eine ethische Pathos entscheiden, das allein ihrem fertigen Charakter entspricht, zwangsläufig mit der ihnen gegenüberstehenden gleichberechtigten ethischen Macht in Konflikt geraten müssen. Die modernen Charaktere dagegen stehen in einer Fülle von eher zufälligen Umständen, innerhalb derer man so oder so handeln kann, so dass der Konflikt zwar durch äußere Voraussetzungen bedingt, aber doch wesentlich im Charakter begründet ist. Die neuen Individuen gehorchen in ihren Leidenschaften ihrer eigenen Natur... einfach weil sie sind, was sie sind. Auch die griechischen Helden handeln gemäß ihrer Individualität, aber in der antiken Tragödie ist diese Individualität notwendigerweise... ein in sich geschlossenes ethisches Pathos... In der modernen Tragödie hingegen entscheidet der Charakter in seiner Eigenart nach subjektiven Wünschen..., so dass die Übereinstimmung des Charakters mit dem äußeren ethischen Ziel keine wesentliche Grundlage der tragischen Schönheit mehr darstellt... ⓘ

Hegels Bemerkungen zu einem bestimmten Stück mögen seine Theorie besser verdeutlichen: "Äußerlich betrachtet mag Hamlets Tod als zufällig herbeigeführt erscheinen... aber in Hamlets Seele begreifen wir, dass der Tod von Anfang an gelauert hat: die Sandbank der Endlichkeit kann seinem Kummer und seiner Zärtlichkeit, seiner Trauer und seinem Ekel vor allen Bedingungen des Lebens nicht genügen... wir fühlen, dass er ein Mann ist, den der innere Ekel fast verzehrt hat, lange bevor der Tod von außen über ihn kommt." ⓘ

Der Begriff „Tragödie“

Das Wort „Tragödie“ entstammt dem Theater der griechischen Antike und bezeichnet einen „Bocksgesang“ bzw. „Gesang um den Bockspreis“ (griech. τραγωδία, tragodía). Beim Dionysoskult wurde ein „Komos“ (altgriechisch κῶμος kōmos) veranstaltet, ein festlicher Straßenumzug oder eine Prozession mit Gesang, verkleidet mit Maske und Bocksfell (griech. τράγος/tragos), zur Darstellung des Gottes selbst oder der ihn begleitenden Satyrn. So entwickelte sich die Form der Tragödie aus einem im Chor gesungenen Mythos, der Dichtung einer meist heldischen Vergangenheit. Die Chorpartien der erhaltenen Dramen sind Rudimente dieser Urform, der Dialog und die dargestellte Handlung spätere Entwicklungen, in historischer Sicht sekundär. Träger der Handlung im Drama war ursprünglich ein einziger Schauspieler, ein Sprecher, der mehrere Figuren repräsentieren konnte, indem er ihre Reden übernahm. Erst Aischylos führte einen zweiten Schauspieler ein. Das Chorlied entwickelte seine eigene Chorlyrik, es entstanden Spezialformen mit eigenen Bezeichnungen, Hymne, Paian, Dithyrambus, Epinikion, Epithalamium, und andere mehr. ⓘ

Im Kontext der Tragödie bedeutet „tragisch“ im Gegensatz zur Alltagssprache aber nicht, dass etwas sehr traurig ist, sondern dass jemand aus einer hohen Stellung „schuldlos schuldig“ wird und damit den Sturz über eine große „Fallhöhe“ (→Ständeklausel) erlebt, wie zum Beispiel Ödipus, Orestes, Hamlet oder Maria Stuart. ⓘ

Für Hegel steht nicht der tragische Held, sondern die tragische Kollision im Mittelpunkt der Tragödie. Der Konflikt besteht für ihn „nicht zwischen Gut und Böse, sondern zwischen einseitigen Positionen, von denen jede etwas Gutes enthält“. ⓘ

Walter Benjamin unterscheidet mit Rückgriffen auf Franz Rosenzweig und Georg Lukács die Tradition des christlichen Trauerspiels von der griechischen Tragödie und kritisiert damit die Idee einer historischen Kontinuität des Sagenstoffes bei Wagner und Nietzsche. ⓘ

Wichtig ist, dass Walter Benjamin die Tragödie nicht mit dem Trauerspiel gleichsetzt. Nach Aristoteles ist die Tragödie die „Nachahmung einer guten, in sich geschlossenen Handlung mit guter Sprache und Abwechslungsreichtum in der Geschichte“. Hierbei bedient sie sich mythologischer Figuren. Das Trauerspiel jedoch bedient sich geschichtlicher Figuren. ⓘ

Geschichte

Bürgerliches Trauerspiel

Im Zuge der Emanzipationsbewegung des 18. Jahrhunderts entstand das Bürgerliche Trauerspiel, das sich vom Zwang nach adeligen Hauptpersonen entfernte und die Tragödie für das Bürgertum erschloss. Als man den Gedanken verwarf, dass nur der Adel die Fähigkeit zum tragischen Erleben habe, eröffneten sich auch neue Thematiken wie der Konflikt zwischen Adel und Bürgertum (Friedrich Schiller, Kabale und Liebe) oder Konflikte innerhalb des Standes (Friedrich Hebbel, Maria Magdalena oder Goethes Faust. Eine Tragödie). ⓘ