Sinfonie
Eine Sinfonie ist eine ausgedehnte musikalische Komposition in der westlichen klassischen Musik, meist für Orchester. Obwohl der Begriff seit seinen Ursprüngen in der griechischen Antike viele Bedeutungen hatte, hat er im späten 18. Jahrhundert die heute übliche Bedeutung angenommen: ein Werk, das in der Regel aus mehreren verschiedenen Abschnitten oder Sätzen besteht, oft vier, wobei der erste Satz die Form einer Sonate hat. Sinfonien sind fast immer für ein Orchester geschrieben, das aus Streichern (Violine, Viola, Cello und Kontrabass), Blechbläsern, Holzbläsern und Schlagzeugern besteht, die zusammen etwa 30 bis 100 Musiker umfassen. Sinfonien werden in einer Partitur notiert, die alle Instrumentenstimmen enthält. Die Orchestermusiker spielen aus Stimmen, die nur die notierten Noten für ihr eigenes Instrument enthalten. Einige Sinfonien enthalten auch Gesangsstimmen (z. B. Beethovens Neunte Sinfonie). ⓘ
Etymologie und Ursprünge
Das Wort Sinfonie leitet sich vom griechischen Wort συμφωνία (symphonia) ab, das "Übereinstimmung oder Übereinstimmung des Klangs", "Konzert der Vokal- oder Instrumentalmusik" bedeutet, von σύμφωνος (symphōnos), "harmonisch". Das Wort bezog sich auf eine Vielzahl unterschiedlicher Konzepte, bevor es sich schließlich auf seine heutige Bedeutung als Bezeichnung einer musikalischen Form festlegte. ⓘ
In der spätgriechischen und mittelalterlichen Theorie wurde das Wort für Konsonanz verwendet, im Gegensatz zu διαφωνία (diaphōnia), dem Wort für "Dissonanz". Im Mittelalter und später wurde die lateinische Form symphonia verwendet, um verschiedene Instrumente zu beschreiben, insbesondere solche, die mehr als einen Ton gleichzeitig erzeugen können. Isidor von Sevilla war der erste, der das Wort symphonia als Bezeichnung für eine zweiköpfige Trommel verwendete, und von ca. 1155 bis 1377 war die französische Form symphonie die Bezeichnung für das Organistrum oder die Drehleier. Im spätmittelalterlichen England wurde Symphonie in beiden Bedeutungen verwendet, während es im 16. Jahrhundert mit dem Hackbrett gleichgesetzt wurde. Im Deutschen war Symphonie vom späten 16. bis zum 18. Jahrhundert ein Oberbegriff für Spinette und Virginale. ⓘ
Im Sinne von "zusammen klingen" taucht das Wort in den Titeln einiger Werke von Komponisten des 16. und 17. Jahrhunderts auf, darunter Giovanni Gabrielis Sacrae symphoniae und Symphoniae sacrae, liber secundus, veröffentlicht 1597 bzw. 1615; Adriano Banchieris Eclesiastiche sinfonie, dette canzoni in aria francese, per sonare, et cantare, Op. 16, veröffentlicht 1607; Lodovico Grossi da Viadana's Sinfonie musicali, Op. 18, veröffentlicht 1610; und Heinrich Schütz's Symphoniae sacrae, Op. 6, und Symphoniarum sacrarum secunda pars, Op. 10, veröffentlicht 1629 bzw. 1647. Mit Ausnahme von Viadanas Sammlung, die rein instrumentale und weltliche Musik enthielt, handelte es sich bei diesen Werken um Sammlungen von geistlichen Vokalwerken, teilweise mit Instrumentalbegleitung. ⓘ
Barockzeit
Im 17. Jahrhundert, also während des größten Teils der Barockzeit, wurden die Begriffe Sinfonie und Sinfonia für eine Reihe unterschiedlicher Kompositionen verwendet, darunter Instrumentalstücke, die in Opern, Sonaten und Konzerten verwendet wurden - in der Regel als Teil eines größeren Werks. Die Opernsinfonie oder italienische Ouvertüre hatte im 18. Jahrhundert eine Standardstruktur mit drei kontrastierenden Sätzen: schnell, langsam, schnell und tanzartig. Diese Form wird oft als direkter Vorläufer der Orchestersinfonie angesehen. Die Begriffe "Ouvertüre", "Sinfonie" und "Sinfonia" wurden während eines Großteils des 18. ⓘ
Im 17. Jahrhundert wurde in Stücken, die für ein großes Instrumentalensemble geschrieben wurden, nicht genau festgelegt, welche Instrumente welche Parts spielen sollten, wie es vom 19. bis heute üblich ist. Wenn Komponisten im 17. Jahrhundert Stücke schrieben, gingen sie davon aus, dass diese Werke von jeder verfügbaren Gruppe von Musikern aufgeführt werden würden. Ein Beispiel: Während die Basslinie in einem Werk des 19. Jahrhunderts für Celli, Kontrabässe und andere spezifische Instrumente notiert ist, wird in einem Werk des 17. Jahrhunderts in einer Basso-Continuo-Stimme für eine Sinfonia nicht angegeben, welche Instrumente den Part übernehmen. Eine Aufführung des Werks könnte mit einer Basso-Continuo-Besetzung von nur einem Cello und einem Cembalo durchgeführt werden. Wenn jedoch ein größeres Budget für eine Aufführung zur Verfügung stand und ein größerer Klang erforderlich war, konnte eine Basso-Continuo-Gruppe mehrere akkordspielende Instrumente (Cembalo, Laute usw.) und eine Reihe von Bassinstrumenten umfassen, darunter Cello, Kontrabass, Bassgambe oder sogar ein Serpent, ein frühes Bassblasinstrument. ⓘ
Johann Sebastian Bach gebrauchte den Terminus Sinfonia nicht nur für instrumentale Eröffnungssätze in einigen seiner Kantaten, sondern auch für den Eröffnungssatz der zweiten Partita seiner Clavierübung und für seine 15 dreistimmigen Sinfonien für Klavier. ⓘ
Galante und klassische Epochen
LaRue, Bonds, Walsh und Wilson schreiben in der zweiten Ausgabe des New Grove Dictionary of Music and Musicians, dass "die Symphonie im 18. Jahrhundert mit außerordentlicher Intensität gepflegt wurde". Jahrhundert außerordentlich intensiv gepflegt wurde. Sie spielte in vielen Bereichen des öffentlichen Lebens eine Rolle, darunter auch in den Gottesdiensten, aber ein besonders starker Förderkreis für symphonische Aufführungen war die Aristokratie. In Wien, dem vielleicht wichtigsten Ort in Europa für die Komposition von Symphonien, "unterstützten buchstäblich Hunderte von Adelsfamilien musikalische Einrichtungen, wobei sie im Allgemeinen ihre Zeit zwischen Wien und ihrem angestammten Besitz [anderswo im Reich] aufteilten". Da die normale Größe eines Orchesters zu dieser Zeit recht klein war, waren viele dieser höfischen Einrichtungen in der Lage, Sinfonien aufzuführen. Als der junge Joseph Haydn 1757 seine erste Stelle als Musikdirektor bei der Familie Morzin antrat, stellte er fest, dass sein eigenes Orchester nur Teil einer lebhaften und konkurrenzbetonten Musikszene war, in der zahlreiche Adelige Konzerte mit ihren eigenen Ensembles veranstalteten. ⓘ
Der Artikel von LaRue, Bonds, Walsh und Wilson zeichnet die allmähliche Ausbreitung des Symphonieorchesters im Laufe des 18. Zunächst waren die Symphonien Streichersymphonien, die in nur vier Stimmen geschrieben wurden: erste Violine, zweite Violine, Bratsche und Bass (die Basslinie wurde von Cello(s), Kontrabass(en), die den Part eine Oktave tiefer spielten, und vielleicht auch einem Fagott übernommen). Gelegentlich verzichteten die frühen Sinfoniker sogar auf die Bratschenstimme und schufen so dreistimmige Sinfonien. Auch eine Basso-Continuo-Stimme, die ein Fagott zusammen mit einem Cembalo oder einem anderen Akkordinstrument umfasste, war möglich. ⓘ
Die ersten Ergänzungen zu diesem einfachen Ensemble waren ein Paar Hörner, gelegentlich ein Paar Oboen und dann beide Hörner und Oboen zusammen. Im Laufe des Jahrhunderts wurden dem klassischen Orchester weitere Instrumente hinzugefügt: Flöten (manchmal anstelle der Oboen), separate Stimmen für Fagotte, Klarinetten, Trompeten und Pauken. Die Werke variierten in ihrer Besetzung, was das Auftreten dieser zusätzlichen Instrumente betraf. Das klassische Orchester in voller Besetzung, das gegen Ende des Jahrhunderts für die größten Sinfonien eingesetzt wurde, besteht aus dem oben erwähnten Standard-Streicherensemble, Bläserpaaren (Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte), einem Hörnerpaar und Pauken. Ein Continuo-Instrument für Tasteninstrumente (Cembalo oder Klavier) blieb eine Option. ⓘ
Die "italienische" Sinfonie, die in den Opernhäusern häufig als Ouvertüre und Entr'acte verwendet wurde, entwickelte sich zu einer dreisätzigen Standardform: ein schneller Satz, ein langsamer Satz und ein weiterer schneller Satz. Im Laufe des 18. Jahrhunderts wurde es üblich, viersätzige Sinfonien zu schreiben, wie sie im nächsten Absatz beschrieben werden. Die dreisätzige Sinfonie starb langsam aus; etwa die Hälfte von Haydns ersten dreißig Sinfonien ist dreisätzig; und für den jungen Mozart war die dreisätzige Sinfonie die Norm, vielleicht unter dem Einfluss seines Freundes Johann Christian Bach. Ein herausragendes spätes Beispiel für die dreisätzige klassische Sinfonie ist Mozarts Prager Sinfonie aus dem Jahr 1786. ⓘ
Die viersätzige Form, die aus dieser Entwicklung hervorging, sah wie folgt aus:
- eine einleitende Sonate oder ein Allegro
- ein langsamer Satz, z. B. ein Andante
- ein Menuett oder Scherzo mit Trio
- ein Allegro, Rondo oder eine Sonate ⓘ
Variationen dieses Schemas, wie die Änderung der Reihenfolge der Mittelsätze oder das Hinzufügen einer langsamen Einleitung zum ersten Satz, waren üblich. Haydn, Mozart und ihre Zeitgenossen beschränkten ihre Verwendung der viersätzigen Form auf Orchestermusik oder Kammermusik mit mehreren Instrumenten, wie z. B. Quartette, obwohl seit Beethoven Solosonaten ebenso häufig in vier wie in drei Sätzen geschrieben werden. ⓘ
Die Komposition der frühen Sinfonien konzentrierte sich auf Mailand, Wien und Mannheim. Die Mailänder Schule um Giovanni Battista Sammartini umfasste Antonio Brioschi, Ferdinando Galimberti und Giovanni Battista Lampugnani. Zu den frühen Vertretern dieser Form in Wien gehörten Georg Christoph Wagenseil, Wenzel Raimund Birck und Georg Matthias Monn, während zu den späteren bedeutenden Wiener Komponisten von Symphonien Johann Baptist Wanhal, Carl Ditters von Dittersdorf und Leopold Hofmann gehörten. Zur Mannheimer Schule gehörte Johann Stamitz. ⓘ
Die bedeutendsten Symphoniker der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts sind Haydn, der im Laufe von 36 Jahren mindestens 106 Symphonien schrieb, und Mozart, der in 24 Jahren mindestens 47 Symphonien komponierte. ⓘ
Ab 1740 verfestigte sich die dreiteilige Form (schnell – langsam – schnell) der Sinfonia und emanzipierte sich als eine eigenständige Satzform von der Neapolitanischen Oper, wo sie zuvor nur eine eröffnende und intermittierende Funktion hatte, indem sie meist auch zentrale Gedanken aus den vorkommenden Arien und Ensembles vorausnehmend exponierte. Im Gegensatz zur bisherigen Bindung an den Generalbass wird der sogenannte Oberstimmensatz stark, womit z. B. die Streicher eine (neue) zentrale Stellung in der Instrumentation einnehmen. Blasinstrumente wurden eher „begleitend“ eingesetzt. ⓘ
Romantische Ära
Zu Beginn des 19. Jahrhunderts erhob Beethoven die Sinfonie von einer alltäglichen Gattung, die in großen Mengen produziert wurde, zu einer höchsten Form, in der die Komponisten danach strebten, das höchste Potenzial der Musik in nur wenigen Werken zu erreichen. Beethoven begann mit zwei Werken, die direkt seinen Vorbildern Mozart und Haydn nachempfunden waren, dann folgten sieben weitere Sinfonien, beginnend mit der dritten Sinfonie ("Eroica"), die den Umfang und die Ambitionen der Gattung erweiterte. Seine 5. Sinfonie ist vielleicht die berühmteste Sinfonie, die je geschrieben wurde; ihr Übergang vom emotional stürmischen c-Moll-Eröffnungssatz zu einem triumphalen Dur-Finale diente späteren Sinfonikern wie Brahms und Mahler als Vorbild. Seine Sinfonie Nr. 6 ist ein programmatisches Werk mit instrumentalen Imitationen von Vogelstimmen und eines Sturms sowie - unkonventionell - einem fünften Satz (Sinfonien hatten gewöhnlich höchstens vier Sätze). Seine Sinfonie Nr. 9 enthält im letzten Satz Teile für Vokalsolisten und Chor, was sie zu einer Chorsinfonie macht. ⓘ
Von den Sinfonien Schuberts gehören zwei zum Kernrepertoire und werden häufig aufgeführt. Von der Achten Sinfonie (1822) vollendete Schubert nur die ersten beiden Sätze; dieses hochromantische Werk trägt gewöhnlich den Beinamen "Die Unvollendete". Seine letzte vollendete Sinfonie, die Neunte (1826), ist ein gewaltiges Werk im klassischen Idiom. ⓘ
Von den Frühromantikern schrieben Felix Mendelssohn (fünf Sinfonien und dreizehn Streichersinfonien) und Robert Schumann (vier) weiterhin Sinfonien im klassischen Stil, wenn auch in ihrer eigenen musikalischen Sprache. Berlioz hingegen bevorzugte programmatische Werke, darunter seine "dramatische Sinfonie" Roméo et Juliette, die Bratschensinfonie Harold en Italie und die höchst originelle Symphonie fantastique. Letztere ist ebenfalls ein Programmwerk und hat sowohl einen Marsch als auch einen Walzer und fünf statt der üblichen vier Sätze. Seine vierte und letzte Symphonie, die Grande symphonie funèbre et triomphale (ursprünglich als Symphonie militaire betitelt), wurde 1840 für eine 200-köpfige Militärkapelle komponiert, die sie im Freien aufführen sollte, und ist ein frühes Beispiel für eine Bandsymphonie. Später fügte Berlioz optionale Streicherstimmen und ein Chorfinale hinzu. Richard Wagner erklärte 1851, dass alle diese Symphonien nach Beethoven nicht mehr als ein Epilog seien und nichts wesentlich Neues böten. Tatsächlich schien nach Schumanns letzter Sinfonie, der 1850 komponierten "Rheinischen", zwei Jahrzehnte lang die Lisztsche Sinfonische Dichtung die Sinfonie als führende Form der groß angelegten Instrumentalmusik abgelöst zu haben. Allerdings komponierte Liszt in dieser Zeit auch zwei programmatische Chorsinfonien, Faust und Dante. War die Sinfonie ansonsten verdrängt worden, so dauerte es nicht lange, bis sie in den 1870er und 1880er Jahren in einem "zweiten Zeitalter" wieder auftauchte, und zwar mit den Sinfonien von Bruckner, Brahms, Tschaikowsky, Saint-Saëns, Borodin, Dvořák und Franck - Werke, die die programmatischen Elemente von Berlioz und Liszt weitgehend vermieden und das Konzertrepertoire für mindestens ein Jahrhundert dominierten. ⓘ
Im Laufe des 19. Jahrhunderts vergrößerten die Komponisten den Umfang des Sinfonieorchesters immer weiter. Zu Beginn des Jahrhunderts bestand ein vollwertiges Orchester aus den Streichern sowie Flötenpaaren, Oboen, Klarinetten, Fagotten, Hörnern, Trompeten und schließlich Pauken. Dies ist beispielsweise die Besetzung von Beethovens Sinfonien Nr. 1, 2, 4, 7 und 8. Die Posaunen, die bis dahin nur in der Kirchen- und Theatermusik eingesetzt wurden, kamen nun auch im Sinfonieorchester zum Einsatz, vor allem in Beethovens 5. Die Kombination aus großer Trommel, Triangel und Becken (manchmal auch: Piccolo), die Komponisten des 18. Jahrhunderts als koloristischen Effekt in der so genannten "türkischen Musik" einsetzten, wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zunehmend auch ohne diese Gattungszugehörigkeit verwendet. Zur Zeit Mahlers (siehe unten) war es für einen Komponisten möglich, eine Sinfonie für ein "wahres Kompendium von Orchesterinstrumenten" zu schreiben. Neben der zunehmenden Vielfalt an Instrumenten wurden die Sinfonien des 19. Jahrhunderts nach und nach mit mehr Streichern und Bläsern besetzt, so dass die Zahl der Orchester erheblich zunahm und die Konzertsäle ebenfalls wuchsen. ⓘ
Spätromantische, modernistische und postmoderne Epochen
Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begann Gustav Mahler, lange, groß angelegte Sinfonien zu schreiben, die er bis ins frühe 20. Seine 1896 vollendete Dritte Sinfonie ist mit einer Dauer von rund 100 Minuten bei den meisten Aufführungen eine der längsten regelmäßig aufgeführten Sinfonien. Die Achte Sinfonie wurde 1906 komponiert und trägt den Spitznamen "Sinfonie der Tausend" wegen der großen Anzahl von Stimmen, die für die Aufführung des Werks erforderlich sind. ⓘ
Im 20. Jahrhundert kam es zu einer weiteren Diversifizierung von Stil und Inhalt der Werke, die die Komponisten als Symphonien bezeichneten. Einige Komponisten, darunter Dmitri Schostakowitsch, Sergej Rachmaninow und Carl Nielsen, schrieben weiterhin in der traditionellen viersätzigen Form, während andere Komponisten andere Ansätze wählten: Jean Sibelius' Sinfonie Nr. 7, seine letzte, ist einsätzig, Richard Strauss' Alpensinfonie ist einsätzig, in zweiundzwanzig Teile geteilt und beschreibt eine elfstündige Wanderung durch die Berge, und Alan Hovhaness' Sinfonie Nr. 9, Saint Vartan - ursprünglich op. 80, geändert in op. 180 - wurde 1949-50 komponiert und ist vierundzwanzigsätzig. ⓘ
Das Bestreben, die traditionelle viersätzige Sinfonie zu einer einzigen, zusammenfassenden formalen Konzeption zu vereinheitlichen, kam im späten 19. Jahrhunderts. Dies wurde als "zweidimensionale symphonische Form" bezeichnet und fand seinen entscheidenden Wendepunkt in Arnold Schönbergs Kammersymphonie Nr. 1, op. 9 (1909), der in den 1920er Jahren weitere bemerkenswerte einsätzige deutsche Symphonien folgten, darunter Kurt Weills Erste Symphonie (1921), Max Buttings Kammersymphonie, op. 25 (1923) und Paul Dessaus Symphonie von 1926. ⓘ
Neben diesen Experimenten versuchten andere Symphonien des 20. Jahrhunderts bewusst, die Ursprünge der Gattung aus dem 18. Jahrhundert in Bezug auf Form und sogar musikalischen Stil wieder aufleben zu lassen; prominente Beispiele sind Sergej Prokofjews Symphonie Nr. 1 "Klassik" von 1916-17 und die Symphonie in C von Igor Strawinsky von 1938-40. ⓘ
Bestimmte Tendenzen blieben jedoch bestehen. Die Bezeichnung "Sinfonie" implizierte immer noch ein gewisses Maß an Raffinesse und Ernsthaftigkeit der Zielsetzung. Der Begriff Sinfonietta kam auf, um ein Werk zu bezeichnen, das kürzer ist, bescheidenere Ziele verfolgt oder "leichter" ist als eine Sinfonie, wie zum Beispiel die Sinfonietta für Orchester von Sergej Prokofjew. ⓘ
In der ersten Hälfte des Jahrhunderts komponierten Komponisten wie Edward Elgar, Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Strawinsky, Bohuslav Martinů, Roger Sessions, Sergej Prokofjew, Rued Langgaard und Dmitri Schostakowitsch Sinfonien "von außergewöhnlichem Umfang, Reichtum, Originalität und Dringlichkeit des Ausdrucks". Die Bedeutung einer Symphonie lässt sich unter anderem daran messen, inwieweit sie die zeitlichen Formvorstellungen der Epoche, in der sie entstanden ist, widerspiegelt. Fünf Komponisten aus dem gesamten 20. Jahrhundert erfüllen diesen Maßstab: Jean Sibelius, Igor Strawinsky, Luciano Berio (in seiner Sinfonia, 1968-69), Elliott Carter (in seiner Symphony of Three Orchestras, 1976) und Pelle Gudmundsen-Holmgreen (in Symphony/Antiphony, 1980). ⓘ
Von der Mitte des 20. bis ins 21. Jahrhundert hinein ist das Interesse an der Sinfonie mit vielen postmodernen Komponisten, die den Kanon wesentlich bereichern, wieder aufgelebt, nicht zuletzt im Vereinigten Königreich: Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (4), Peter Seabourne (4) und Philip Sawyers (3). ⓘ
Sinfonien für Blasorchester
Hector Berlioz schrieb die Grande symphonie funèbre et triomphale 1840 ursprünglich für eine Militärkapelle. Anton Reicha hatte seine viersätzige "Gedenk"-Sinfonie (auch bekannt als Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française) für großes Blasorchester sogar noch früher komponiert, nämlich 1815 für die Feierlichkeiten im Zusammenhang mit der Wiederbestattung von Ludwig XVI. und Marie Antoinette. Zwar gibt es bereits Beispiele aus dem Jahr 1932, doch die erste Symphonie dieser Art von Bedeutung ist Nikolai Myaskovskys Symphonie Nr. 19, op. 46, die 1939 komponiert wurde. Weitere Beispiele sind Paul Hindemiths 1951 komponierte Sinfonie in B für Band, Morton Goulds 1952 komponierte Sinfonie Nr. 4 "West Point", Vincent Persichettis Sinfonie Nr. 6, op. 69, komponiert 1956; Vittorio Gianninis Symphonie Nr. 3, komponiert 1958; Alan Hovhaness' Symphonien Nr. 4, Op. 165, Nr. 7, "Nanga Parvat", Op. 175, Nr. 14, "Ararat", Op. 194, und Nr. 23, "Ani", Op. 249, komponiert 1958, 1959, 1961 bzw. 1972; John Barnes Chance's Symphonie Nr. 2, komponiert 1972; Alfred Reed's 2., 3., 4. und 5. Symphonie, komponiert 1979, 1988, 1992 bzw. 1994; acht der zehn nummerierten Symphonien von David Maslanka; bisher fünf Symphonien von Julie Giroux (obwohl sie derzeit an einer sechsten arbeitet); Johan de Meij's Symphonie Nr. 1 "The Lord of the Rings", komponiert 1988, und seine Sinfonie Nr. 2 "The Big Apple", komponiert 1993; Yasuhide Itos Sinfonie in drei Szenen "La Vita", komponiert 1998, die seine dritte Sinfonie für Blasorchester ist; John Coriglianos Sinfonie Nr. 3 "Circus Maximus", komponiert 2004; Denis Levaillants "PachaMama Symphony", komponiert 2014 und 2015, und James M. Stephensons Symphonie Nr. 2, die von der United States Marine Band ("The President's Own") uraufgeführt wurde und sowohl von der National Band Association mit dem William D. Revelli (2017) als auch von der American Bandmasters Association mit dem Sousa/Ostwald (2018) Award ausgezeichnet wurde. ⓘ
Andere moderne Verwendungen von "Sinfonie"
In einigen Formen des Englischen wird das Wort "symphony" auch als Bezeichnung für das Orchester verwendet, das große Ensemble, das diese Werke oft aufführt. Das Wort "symphony" taucht im Namen vieler Orchester auf, z. B. des London Symphony Orchestra, des Boston Symphony Orchestra, des St. Louis Symphony, des Houston Symphony oder des New World Symphony in Miami. Bei einigen Orchestern bietet "(Stadtname) Symphony" eine kürzere Version des vollständigen Namens; das OED gibt beispielsweise "Vancouver Symphony" als mögliche Kurzform von Vancouver Symphony Orchestra an. Außerdem kann man im allgemeinen Sprachgebrauch sagen, dass man zu einem Symphoniekonzert geht, was sich auf das Orchester bezieht und nicht auf die auf dem Programm stehenden Werke. Diese Verwendungen sind im britischen Englisch nicht üblich. ⓘ
Entwicklung der Sinfonie
Musik des 20. und 21. Jahrhunderts
Seit Beginn des 20. Jahrhunderts gibt es kaum mehr einen einheitlichen Sinfoniebegriff. Es entstanden zwar – wenn auch in immer geringerer Zahl – weiterhin Sinfonien, diese sind allerdings hinsichtlich Stilistik, Spieldauer und Orchesterbesetzung äußerst variabel. Eine Extremposition nehmen die kammermusikalisch besetzten Sinfonien von Darius Milhaud ein, die jeweils nur wenige Minuten dauern. Außerdem wurden Sinfonien geschrieben von Komponisten wie Sergei Prokofjew, Dmitri Schostakowitsch, Bohuslav Martinů, Nikolai Mjaskowski, Karl Amadeus Hartmann, Roger Sessions, Anton Webern, Hanns Eisler, Richard Mohaupt, Martin Scherber, Alan Hovhaness, Fritz Geißler, Friedrich Goldmann, Max Butting, Siegfried Matthus, Günter Kochan, Friedrich Schenker, Giselher Klebe, Hans Werner Henze, Wilhelm Kaiser-Lindemann, Peter Maxwell Davies, Philip Glass, Krzysztof Meyer, Wilhelm Petersen, Krzysztof Penderecki, Allan Pettersson, Alfred Schnittke, Heinrich Sthamer, Mieczysław Weinberg oder Robert Simpson. ⓘ