Cosplay

Cosplayer auf der Yukicon 2014, einer Fan-Convention in Finnland ⓘ

Drei Cosplayer auf der Comic Con in Long Beach 2014, die eine Star Trek-Figur, die Superheldin Wonder Woman (DC-Comic-Universum) und den Superschurken Loki (Marvel-Comic-Universum) darstellen ⓘ

Cosplay, ein Portmanteau von "costume play", ist eine Aktivität und Performance-Kunst, bei der die Teilnehmer, Cosplayer genannt, Kostüme und modische Accessoires tragen, um eine bestimmte Figur darzustellen. Cosplayer interagieren oft, um eine Subkultur zu schaffen, und eine breitere Verwendung des Begriffs "Cosplay" bezieht sich auf alle kostümierten Rollenspiele an anderen Orten als der Bühne. Jedes Wesen, das sich für eine dramatische Interpretation eignet, kann als Thema aufgegriffen werden. Beliebte Quellen sind Anime, Cartoons, Comics, Mangas, Fernsehserien und Videospiele. Der Begriff setzt sich aus den beiden vorgenannten Gegenstücken - Kostüm und Rollenspiel - zusammen. ⓘ

Cosplay entwickelte sich aus der Praxis der Fankostümierung auf Science-Fiction-Kongressen, beginnend mit Morojos "futuristischen Kostümen", die für die erste World Science Fiction Convention in New York City im Jahr 1939 entworfen wurden. Der japanische Begriff "Cosplay" (コスプレ, kosupure) wurde 1984 geprägt. Seit den 1990er Jahren hat die Zahl der Menschen, die Cosplay als Hobby betreiben, rapide zugenommen und das Phänomen zu einem bedeutenden Aspekt der Populärkultur in Japan, aber auch in anderen Teilen Ostasiens und in der westlichen Welt gemacht. Cosplay-Veranstaltungen sind häufig Bestandteil von Fan-Conventions, und heute gibt es viele spezielle Conventions und Wettbewerbe sowie soziale Netzwerke, Websites und andere Medien, die sich mit Cosplay-Aktivitäten befassen. Cosplay ist bei allen Geschlechtern sehr beliebt, und es ist nicht ungewöhnlich, Crossplay zu sehen, das auch als Gender-Bending bezeichnet wird. ⓘ

Cosplay zu Lollipop Chainsaw durch Jessica Nigri bei der E3 2012 ⓘ

Etymologie

Der Begriff "Cosplay" ist ein japanisches Portmanteau aus den englischen Begriffen costume und play. Der Begriff wurde von Nobuyuki Takahashi vom Studio Hard geprägt, nachdem er 1984 die World Science Fiction Convention (Worldcon) in Los Angeles besucht und kostümierte Fans gesehen hatte, über die er später in einem Artikel für die japanische Zeitschrift My Anime schrieb. Takahashi beschloss, ein neues Wort zu prägen, anstatt die bestehende Übersetzung des englischen Begriffs "masquerade" zu verwenden, da dieser im Japanischen mit "aristokratisches Kostüm" übersetzt wird, was nicht zu seinen Erfahrungen auf dem Worldcon passte. Die Prägung spiegelt eine gängige japanische Methode der Abkürzung wider, bei der die ersten beiden Moras eines Wortpaares verwendet werden, um eine unabhängige Verbindung zu bilden: "Kostüm" wird zu kosu (コス) und "Spiel" zu pure (プレ). ⓘ

Japanische Cosplayer (Comiket 2005, Tokio) ⓘ

Geschichte

Vor dem 20. Jahrhundert

Maskenbälle waren ein Merkmal der Karnevalszeit im 15. Jahrhundert und umfassten zunehmend aufwendige allegorische königliche Auftritte, Festumzüge und Triumphzüge zur Feier von Hochzeiten und anderen dynastischen Ereignissen des spätmittelalterlichen Hoflebens. In der Renaissance des 16. Jahrhunderts wurden sie in Italien zu öffentlichen Kostümfesten ausgeweitet, bei denen in der Regel aufwendige Tänze für Mitglieder der Oberschicht veranstaltet wurden, die besonders in Venedig beliebt waren. ⓘ

Kostümfeste (amerikanisches Englisch) oder Fancy-Dress-Partys (britisches Englisch) waren ab dem 19. Jahrhundert beliebt. Kostümführer dieser Zeit wie Samuel Miller's Male Character Costumes (1884) oder Ardern Holt's Fancy Dresses Described (1887) enthalten meist allgemeine Kostüme, seien es historische Kostüme, Nationaltrachten, Gegenstände oder abstrakte Begriffe wie "Herbst" oder "Nacht". Die meisten der darin beschriebenen Kostüme sind für historische Figuren bestimmt, einige stammen jedoch aus der Fiktion, wie die Drei Musketiere oder Shakespeare-Figuren. ⓘ

Im März 1891 rief ein gewisser Herbert Tibbits wortwörtlich zu einer Veranstaltung auf, die vom 5. bis 10. März desselben Jahres in der Royal Albert Hall in London stattfand, und zwar für den so genannten Vril-Ya Bazaar and Fete, der auf einem zwei Jahrzehnte zuvor veröffentlichten Science-Fiction-Roman und seinen Figuren basierte. ⓘ

Fan-Kostüme

Ein Mr. Skygack - ein frühmodernes Kostüm oder Cosplay-Outfit, Washington state, 1912 ⓘ

A.D. Condos Science-Fiction-Comicfigur Mr. Skygack vom Mars (ein marsianischer Ethnograf, der viele irdische Angelegenheiten auf komische Weise missversteht) ist wohl die erste fiktive Figur, die von den Menschen durch das Tragen von Kostümen nachgeahmt wurde. 1908 sollen Mr. und Mrs. William Fell aus Cincinnati, Ohio, in Kostümen von Mr. Skygack und Miss Dillpickles an einem Maskenball in einer Eislaufhalle teilgenommen haben. Später, im Jahr 1910, gewann eine ungenannte Frau in einem anderen Skygack-Kostüm den ersten Preis bei einem Maskenball in Tacoma, Washington. ⓘ

Die ersten Menschen, die in Kostümen an einem Kongress teilnahmen, waren die Science-Fiction-Fans Forrest J. Ackerman und Myrtle R. Douglas, im Fandom als Morojo bekannt. Sie nahmen 1939 an der 1. World Science Fiction Convention (Nycon oder 1. Worldcon) in der Caravan Hall in New York, USA, teil und trugen "futuristische Kostüme", darunter einen grünen Umhang und eine Hose, die auf den Illustrationen von Frank R. Paul aus den Pulp-Magazinen und dem Film Things to Come von 1936 basierten und von Douglas entworfen und gestaltet wurden. ⓘ

Forrest J. Ackerman und Morojo auf der 1. World Science Fiction Convention in den von Morojo entworfenen und genähten "Futurikostümen" ⓘ

Ackerman erklärte später, er habe gedacht, dass jeder auf einer Science-Fiction-Convention ein Kostüm tragen müsse, obwohl nur er und Douglas dies taten. ⓘ

Die Kostümierung der Fans setzte sich jedoch durch, und auf dem 2. Weltkongress (1940) gab es sowohl eine inoffizielle Maskerade in Douglas' Zimmer als auch eine offizielle Maskerade als Teil des Programms. David Kyle gewann die Maskerade mit einem von Leslie Perri entworfenen Kostüm von Ming dem Unbarmherzigen, während Robert A. W. Lowndes mit einem Kostüm von Bar Senestro (aus dem Roman The Blind Spot von Austin Hall und Homer Eon Flint) den zweiten Platz belegte. Weitere kostümierte Teilnehmer waren der Ehrengast E. E. Smith als Northwest Smith (aus der Kurzgeschichtenreihe von C. L. Moore) und sowohl Ackerman als auch Douglas trugen wieder ihre futuristischen Kostüme. Maskeraden und Kostümbälle gehörten auch in der Folgezeit zur Tradition der World Science Fiction Convention. Zu den frühen Worldcon-Maskenbällen gehörten eine Band, Tanz, Essen und Getränke. Die Teilnehmer liefen entweder über eine Bühne oder über eine freie Fläche auf der Tanzfläche. ⓘ

Worldcon (1941) trug Ackerman ein "Glöckner von Notre Dame"-Kostüm, zu dem auch eine von Ray Harryhausen entworfene und hergestellte Maske gehörte, aber er hörte bald auf, Kostüme auf Conventions zu tragen. Worldcon (1941) trug Douglas ein Akka-Kostüm (aus A. Merritts Roman The Moon Pool), dessen Maske wiederum von Harryhausen entworfen wurde, und auf dem 4. Worldcon (1946) ein Snake Mother-Kostüm (ein weiteres Merritt-Kostüm aus The Snake Mother). Die Terminologie war noch nicht geklärt; in der Ausgabe von Jack Speers Fancyclopedia von 1944 wurde der Begriff Kostümparty verwendet. ⓘ

Kostümierung auf dem San Diego Comic-Con 1982. ⓘ

Als Reaktion auf bestimmte Kostüme und Kostümtrends wurden Kostümregeln aufgestellt. Die erste nackte Teilnehmerin bei einer Worldcon-Maskerade war 1952; der Höhepunkt dieses Trends war jedoch in den 1970er und frühen 1980er Jahren, als es jedes Jahr einige gab. Dies führte schließlich zur "Kein Kostüm ist kein Kostüm"-Regel, die vollständige Nacktheit verbot, obwohl Teilnacktheit immer noch erlaubt war, solange es sich um eine legitime Darstellung der Figur handelte. Mike Resnick beschreibt das beste der Nacktkostüme als Kris Lundi, die auf dem 32. Weltkongress (1974) ein Harpyienkostüm trug (sie erhielt eine ehrenvolle Erwähnung im Wettbewerb). Ein weiteres Kostüm, das zu einer Regeländerung führte, war das eines Teilnehmers am 20. Worldcon (1962), dessen Blasterrequisite einen echten Flammenstrahl abfeuerte, was dazu führte, dass Feuer verboten wurde. Auf dem 30. WorldCon (1972) trug der Künstler Scott Shaw ein Kostüm, das größtenteils aus Erdnussbutter bestand, um seine eigene Underground-Comix-Figur namens "The Turd" darzustellen. Die Erdnussbutter rieb ab, beschädigte weiche Einrichtungsgegenstände und die Kostüme anderer Leute und begann dann unter der Hitze der Beleuchtung ranzig zu werden. Lebensmittel, widerliche und schmutzige Substanzen wurden nach diesem Ereignis als Kostümelemente verboten. ⓘ

Die Kostümierung verbreitete sich mit den Science-Fiction-Kongressen und der Interaktion der Fangemeinde. Das früheste bekannte Beispiel für eine Kostümierung auf einem Kongress im Vereinigten Königreich war der Londoner Science-Fiction-Kongress (1953), allerdings nur als Teil eines Theaterstücks. Die Mitglieder der Liverpool Science Fantasy Society nahmen jedoch am 1. Cytricon (1955) in Kettering in Kostümen teil und taten dies auch in den folgenden Jahren. Der 15. Worldcon (1957) brachte die erste offizielle Convention-Maskerade in das Vereinigte Königreich. Der Eastercon 1960 in London war möglicherweise der erste britische Kongress, der eine offizielle Kostümparty als Teil seines Programms veranstaltete. Die gemeinsamen Gewinner waren Ethel Lindsay und Ina Shorrock als zwei der titelgebenden Hexen aus dem Roman The Witches of Karres von James H. Schmitz. ⓘ

Die ersten Star Trek Conventions fanden 1969 statt, die ersten großen Conventions 1972, und sie waren durchweg mit Cosplay verbunden. ⓘ

In Japan war die Kostümierung auf Kongressen mindestens seit den 1970er Jahren eine Fan-Aktivität, insbesondere nach der Einführung des Comiket-Kongresses im Dezember 1975. Kostümierung war zu dieser Zeit als kasō (仮装) bekannt. Der erste dokumentierte Fall von Kostümierung bei einer Fan-Veranstaltung in Japan war die Ashinocon (1978) in Hakone, bei der die spätere Science-Fiction-Kritikerin Mari Kotani ein Kostüm trug, das auf dem Titelbild von Edgar Rice Burroughs' Roman A Fighting Man of Mars basierte. In einem Interview gab Kotani an, dass etwa zwanzig kostümierte Teilnehmer an der Kostümparty der Convention teilnahmen - Mitglieder ihres Triton of the Sea-Fanclubs und der Kansai Entertainers (関西芸人, Kansai Geinin), des Vorläufers des Anime-Studios Gainax -, wobei die meisten Teilnehmer in normaler Kleidung erschienen. Einer aus der Kansai-Gruppe, ein ungenannter Freund von Yasuhiro Takeda, trug ein improvisiertes Tusken-Raider-Kostüm (aus dem Film Star Wars), das er aus einer Klopapierrolle des Gastgeberhotels hergestellt hatte. Kostümwettbewerbe wurden ab der Tokon VII im Jahr 1980 zu einem festen Bestandteil der Nihon SF Taikai-Kongresse. ⓘ

Der erste Kostümwettbewerb, der auf einer Comic-Convention stattfand, war wahrscheinlich die 1. Academy Con im Broadway Central Hotel, New York, im August 1965. Roy Thomas, der spätere Chefredakteur von Marvel Comics, der damals gerade von einem Fanzine-Redakteur zu einem professionellen Comic-Autor wurde, nahm in einem Plastic-Man-Kostüm teil. ⓘ

Der erste Maskenball auf der San Diego Comic-Con fand 1974 während der sechsten Veranstaltung statt. Die Synchronsprecherin June Foray war die Zeremonienmeisterin. Die zukünftige Schrei-Königin Brinke Stevens gewann den ersten Platz in einem Vampirella-Kostüm. Forrest J. Ackerman, der Schöpfer von Vampirella, war ebenfalls anwesend und posierte mit Stevens für Fotos. Sie wurden Freunde und, so Stevens, "Forry und seine Frau Wendayne wurden bald wie meine Pateneltern." Der Fotograf Dan Golden sah bei einem Besuch in Ackermans Haus ein Foto von Stevens im Vampirella-Kostüm, was dazu führte, dass er sie für eine nicht-sprechende Rolle in ihrem ersten Studentenfilm, Zyzak is King (1980), engagierte und sie später für das Cover der ersten Ausgabe von Femme Fatales (1992) fotografierte. Stevens führt diese Ereignisse als Startschuss für ihre Schauspielkarriere an. ⓘ

Bereits ein Jahr nach der Veröffentlichung von The Rocky Horror Picture Show (1975) begannen die Zuschauer, sich als Figuren aus dem Film zu verkleiden und Rollenspiele zu veranstalten (obwohl der anfängliche Anreiz, sich zu verkleiden, der freie Eintritt war), und zwar in oft sehr genauen Kostümen. ⓘ

Die Costume-Con, eine Konferenz zum Thema Kostüme, fand erstmals im Januar 1983 statt. Die International Costumers Guild, Inc. die ursprünglich als Greater Columbia Fantasy Costumer's Guild bekannt war, wurde nach der 3. Costume-Con (1985) als Dachorganisation und zur Unterstützung der Kostümierung gegründet. ⓘ

Cosplay

Madoka Kaname und Kyubey aus Puella Magi Madoka Magica während der Veranstaltung Tracon 2013 in der Tampere-Halle in Tampere, Finnland ⓘ

Kostümierung war in Japan bereits seit den 1970er Jahren eine Fanaktivität, die nach Takahashis Bericht noch viel populärer wurde. Der neue Begriff setzte sich jedoch nicht sofort durch. Es dauerte ein oder zwei Jahre nach der Veröffentlichung des Artikels, bis er unter den Fans auf Kongressen gebräuchlich wurde. Erst in den 1990er Jahren, nachdem der Begriff im Fernsehen und in Zeitschriften aufgetaucht war, wurden der Begriff und die Praxis des Cosplaying in Japan allgemein bekannt. ⓘ

Die ersten Cosplay-Cafés entstanden in den späten 1990er Jahren im Akihabara-Viertel von Tokio. Ein temporäres Maid-Café wurde auf der Tokyo Character Collection im August 1998 eingerichtet, um das Videospiel Welcome to Pia Carrot 2 (1997) zu bewerben. In den Jahren bis 2000 gab es gelegentlich ein Pia Carrot Restaurant im Laden Gamers in Akihabara. Die Verbindung zu bestimmten geistigen Eigentumsrechten schränkte die Lebensdauer dieser Cafés ein, was durch den Einsatz allgemeiner Dienstmädchen gelöst wurde, was zur ersten ständigen Einrichtung, dem Cure Maid Café, führte, das im März 2001 eröffnet wurde. ⓘ

Der erste World Cosplay Summit fand am 12. Oktober 2003 im Rose Court Hotel in Nagoya, Japan, statt, zu dem fünf Cosplayer aus Deutschland, Frankreich und Italien eingeladen wurden. Bis 2005, als die World Cosplay Championship ins Leben gerufen wurde, gab es keinen Wettbewerb. Die ersten Gewinner waren das italienische Team von Giorgia Vecchini, Francesca Dani und Emilia Fata Livia. ⓘ

Die Besucherzahlen der Worldcon-Maskeraden erreichten in den 1980er Jahren ihren Höhepunkt und begannen danach zu sinken. Dieser Trend kehrte sich um, als das Konzept des Cosplay aus Japan wieder eingeführt wurde. ⓘ

Praxis des Cosplay

Cosplay-Kostüme sind sehr unterschiedlich und können von einfacher thematischer Kleidung bis hin zu sehr detaillierten Kostümen reichen. Es unterscheidet sich im Allgemeinen von Halloween- und Faschingskostümen, da die Absicht darin besteht, eine bestimmte Figur nachzubilden, anstatt die Kultur und Symbolik eines Feiertags zu reflektieren. Daher versuchen manche Cosplayer, in ihren Kostümen den Affekt, die Manierismen und die Körpersprache der von ihnen dargestellten Figuren zu übernehmen (mit "Out of Character"-Pausen). Die Charaktere, die für das Cosplaying ausgewählt werden, können aus einem Film, einer Fernsehserie, einem Buch, einem Comic, einem Videospiel, einer Musikgruppe, einem Anime oder einem Manga entstammen. Einige Cosplayer entscheiden sich sogar dafür, eine selbst entworfene Figur oder eine Mischung aus verschiedenen Genres zu spielen (z. B. eine Steampunk-Version einer Figur), und es gehört zum Ethos des Cosplay, dass jeder alles sein kann, wie z. B. Genderbending, Crossplay oder Drag, ein Cosplayer, der eine Figur einer anderen Ethnie spielt, oder eine Hijabi, die Captain America darstellt. ⓘ

Kostüme

Ein Modell, das Ciri, eine der Hauptfiguren aus The Witcher 3: Wild Hunt, nachspielt ⓘ

Cosplayer der Serie Monogatari auf dem Nippombashi Street Festa 2014 ⓘ

Cosplayer erhalten ihre Kleidung auf viele verschiedene Arten. Hersteller produzieren und verkaufen verpackte Kostüme für Cosplay, die von unterschiedlicher Qualität sind. Diese Kostüme werden häufig online verkauft, können aber auch von Händlern auf Conventions erworben werden. Die japanischen Hersteller von Cosplay-Kostümen meldeten für 2008 einen Gewinn von 35 Milliarden Yen. Eine Reihe von Einzelpersonen arbeitet auch auf Bestellung und fertigt maßgeschneiderte Kostüme, Requisiten oder Perücken an, die für die jeweilige Person entworfen und angepasst werden. Andere Cosplayer, die es vorziehen, ihre Kostüme selbst zu kreieren, bieten nach wie vor einen Markt für einzelne Elemente und verschiedene Rohmaterialien wie ungestylte Perücken, Haarfärbemittel, Stoffe und Nähzubehör, Flüssiglatex, Körperbemalung, Modeschmuck und Waffenrequisiten. ⓘ

Cosplay ist ein Akt der Verkörperung. Cosplay ist eng mit der Selbstdarstellung verknüpft, doch die Fähigkeit der Cosplayer, sich zu präsentieren, ist durch ihre körperlichen Merkmale begrenzt. Die Genauigkeit eines Cosplays wird auf der Grundlage der Fähigkeit beurteilt, einen Charakter durch den Körper genau darzustellen, und die einzelnen Cosplayer sind häufig mit ihren eigenen "körperlichen Grenzen" konfrontiert, wie z. B. dem Grad der Attraktivität, der Körpergröße und einer Behinderung, die oft die Genauigkeit des Cosplays einschränken. Die Authentizität wird an der individuellen Fähigkeit eines Cosplayers gemessen, die Darstellung auf dem Bildschirm auf das Cosplay selbst zu übertragen. Einige haben argumentiert, dass ein Cosplay niemals eine echte Darstellung der Figur sein kann; stattdessen kann es nur durch den Körper gelesen werden, und die wahre Verkörperung einer Figur wird anhand der Nähe zur ursprünglichen Form der Figur beurteilt. Cosplaying kann auch einigen Menschen mit Selbstwertproblemen helfen. ⓘ

Viele Cosplayer kreieren ihre eigenen Kostüme und beziehen sich dabei auf Bilder der Figuren. Bei der Erstellung der Kostüme wird viel Zeit auf Details und Qualitäten verwendet, so dass das Können eines Cosplayers daran gemessen werden kann, wie schwierig die Details des Kostüms sind und wie gut sie nachgebildet wurden. Aufgrund der Schwierigkeit, einige Details und Materialien nachzubilden, bilden sich Cosplayer oft in handwerklichen Spezialgebieten wie Textilien, Bildhauerei, Gesichtsbemalung, Fiberglas, Modedesign, Holzbearbeitung und anderen Materialien weiter, um das Aussehen und die Beschaffenheit eines Kostüms genau wiederzugeben. Cosplayer tragen oft Perücken in Verbindung mit ihrem Outfit, um die Ähnlichkeit mit der Figur noch zu verbessern. Dies ist besonders bei Anime- und Manga- oder Videospielfiguren notwendig, die oft unnatürlich gefärbtes und einzigartig gestyltes Haar haben. Bei einfacheren Kostümen kann die fehlende Komplexität durch eine sorgfältige Materialauswahl und eine insgesamt hohe Qualität ausgeglichen werden. ⓘ

Um den Figuren, die sie darstellen, ähnlicher zu werden, können Cosplayer auch verschiedene Formen der Körperveränderung vornehmen. Cosplayer können sich dafür entscheiden, ihre Hautfarbe mithilfe von Make-up zu verändern, um die Rasse der Figur, die sie verkörpern, besser zu simulieren. Kontaktlinsen, die der Augenfarbe des Charakters entsprechen, sind eine gängige Methode, insbesondere bei Charakteren mit besonders einzigartigen Augen als Teil ihres Markenzeichens. Auch Kontaktlinsen, die die Pupille vergrößern, um die großen Augen von Anime- und Manga-Figuren visuell nachzubilden, werden verwendet. Eine weitere Form der Körpermodifikation, mit der sich Cosplayer beschäftigen, ist das Kopieren von Tätowierungen oder speziellen Markierungen, die ihre Figur haben könnte. Vorübergehende Tätowierungen, permanente Marker, Körperbemalung und in seltenen Fällen auch permanente Tätowierungen sind alles Methoden, die von Cosplayern verwendet werden, um das gewünschte Aussehen zu erreichen. Dauerhafte und temporäre Haarfärbemittel, Haarfärbesprays und spezielle extreme Stylingprodukte werden von einigen Cosplayern verwendet, deren natürliches Haar die gewünschte Frisur erreichen kann. Es ist auch üblich, dass sie ihre Augenbrauen abrasieren, um ein akkurateres Aussehen zu erzielen. ⓘ

Einige Anime- und Videospielcharaktere haben Waffen oder andere Accessoires, die schwer nachzubilden sind, und auf Conventions gibt es strenge Regeln für diese Waffen. Die meisten Cosplayer wenden jedoch eine Kombination von Methoden an, um alle für ihre Kostüme erforderlichen Gegenstände zu beschaffen; so können sie beispielsweise eine Requisitenwaffe in Auftrag geben, ihre eigene Kleidung nähen, Charakterschmuck von einem Hersteller von Cosplay-Zubehör kaufen oder ein Paar Schuhe von der Stange kaufen und sie so abändern, dass sie dem gewünschten Aussehen entsprechen. ⓘ

Darstellung

Die vier Synchronsprecherinnen der japanischen Manga-/Medienserie Milky Holmes stellen das berühmte Cover des Beatles-Albums Abbey Road (1969) während ihres London-Besuchs im Jahr 2010 nach ⓘ

2011 stellen vier Cosplayer die oben genannte Szene (ein Meme) während der Manga-Messe Paris Manga 2012 an einem Zebrastreifen in Paris nach ⓘ

Cosplay kann auf verschiedene Weise und an verschiedenen Orten präsentiert werden. Ein Teil der Cosplay-Kultur konzentriert sich auf den Sex-Appeal, wobei Cosplayer gezielt Figuren wählen, die für ihre Attraktivität oder freizügige Kostüme bekannt sind. Das Tragen eines freizügigen Kostüms kann jedoch ein heikles Thema sein, wenn man in der Öffentlichkeit auftritt. In den 1970er Jahren waren nackte Menschen auf amerikanischen Science-Fiction-Fandom-Conventions so häufig anzutreffen, dass eine "Kein Kostüm ist kein Kostüm"-Regel eingeführt wurde. Einige Kongresse in den Vereinigten Staaten, wie z. B. Phoenix Comicon (jetzt bekannt als Phoenix Fan Fusion) und Penny Arcade Expo, haben ebenfalls Regeln aufgestellt, nach denen sie sich das Recht vorbehalten, die Teilnehmer aufzufordern, die Veranstaltung zu verlassen oder ihre Kostüme zu wechseln, wenn sie als unpassend für eine familienfreundliche Umgebung oder ähnliches erachtet werden. ⓘ

Konferenzen

Eine Menschenmenge mit vielen Cosplayern auf der Comiket 84 im Jahr 2013 ⓘ

Die beliebteste Form, ein Cosplay öffentlich zu präsentieren, ist das Tragen auf einer Fan-Convention. Auf der ganzen Welt gibt es zahlreiche Conventions, die sich mit Anime und Manga, Comics, Fernsehserien, Videospielen, Science Fiction und Fantasy beschäftigen. Zu den Cosplay-Conventions gehören Cosplay Mania auf den Philippinen und das EOY Cosplay Festival in Singapur. ⓘ

Die größte Veranstaltung zum Thema Cosplay ist der halbjährlich stattfindende Doujinshi-Markt, der Comic Market (Comiket), der im Sommer und Winter in Japan abgehalten wird. Comiket zieht Hunderttausende von Manga- und Anime-Fans an, und Tausende von Cosplayern versammeln sich auf dem Dach des Ausstellungszentrums. In Nordamerika sind die besucherstärksten Fan-Conventions mit Cosplayern die San Diego Comic-Con und die New York Comic Con in den Vereinigten Staaten sowie die Anime-spezifische Anime North in Toronto, die Otakon in Baltimore MD und die Anime Expo in Los Angeles. Die größte Veranstaltung in Europa ist die Japan Expo in Paris, während im Vereinigten Königreich die London MCM Expo und die London Super Comic Convention am bekanntesten sind. Die Supanova Pop Culture Expo ist die größte Veranstaltung in Australien. ⓘ

Auf Star-Trek-Conventions wird seit vielen Jahrzehnten Cosplay betrieben. Dazu gehören Destination Star Trek, eine britische Convention, und Star Trek Las Vegas, eine US-Convention. ⓘ

Auf verschiedenen Comic-Messen werden "Themenbereiche" eingerichtet, in denen sich Cosplayer in einer Umgebung fotografieren lassen können, die an das Spiel oder das Animationsprodukt angelehnt ist, aus dem die Fotos stammen. Manchmal sind die Cosplayer Teil des Bereichs und spielen die Rolle des Personals mit der Aufgabe, die anderen Besucher zu unterhalten. Einige Beispiele sind die Star Wars oder Fallout gewidmeten Themenbereiche. Die Bereiche werden von gemeinnützigen Vereinigungen von Fans eingerichtet, aber auf einigen großen Messen kann man auch Bereiche besuchen, die direkt von den Entwicklern der Videospiele oder den Produzenten der Anime eingerichtet wurden. ⓘ

Fotografie

Professionelle Fotografen arbeiten mit einem Mileena-Cosplayer für ein Chroma-Key-Studio-Fotoshooting auf der Space City Con 2014 in den Vereinigten Staaten ⓘ

Das Auftreten von Cosplayern bei öffentlichen Veranstaltungen macht sie zu einem beliebten Anziehungspunkt für Fotografen. Als sich dies in den späten 1980er Jahren abzeichnete, entwickelte sich eine neue Variante des Cosplay, bei der Cosplayer vor allem deshalb an Veranstaltungen teilnahmen, um ihre Charaktere für Fotos zu modellieren, und nicht, um in einem kontinuierlichen Rollenspiel mitzuwirken. Es wurden Benimmregeln entwickelt, um unangenehme Grenzsituationen zu vermeiden. Die Cosplayer posieren für die Fotografen, und die Fotografen drängen sie nicht nach persönlichen Kontaktinformationen oder privaten Sitzungen, folgen ihnen nicht aus dem Bereich und machen keine Fotos ohne Erlaubnis. Die Regeln ermöglichen es, dass die Zusammenarbeit zwischen Fotografen und Cosplayern mit den geringstmöglichen Unannehmlichkeiten für beide Seiten fortgesetzt werden kann. ⓘ

Einige Cosplayer entscheiden sich dafür, einen professionellen Fotografen zu beauftragen, qualitativ hochwertige Bilder von ihnen in ihren Kostümen und in der Rolle der Figur zu machen. Cosplayer und Fotografen stellen ihre Arbeiten häufig online aus und verkaufen ihre Bilder manchmal auch. ⓘ

Wettbewerbe

Ein Cosplayer beim Animation-Comic-Game-Wettbewerb 2011 in Hongkong, gekleidet als eine Figur aus Gantz ⓘ

Da das Cosplay immer beliebter wird, gibt es auf vielen Conventions einen Cosplay-Wettbewerb, der der Hauptbestandteil der Convention sein kann. Die Teilnehmer präsentieren ihr Cosplay, und um für einen Preis in Frage zu kommen, muss das Cosplay oft selbst gemacht sein. Die Teilnehmer können einen Sketch vorführen, der aus einem kurzen Skript oder einem Tanz mit optionaler Audio-, Video- oder Bilduntermalung auf einer Leinwand besteht. Andere Teilnehmer können auch einfach als ihre Figuren posieren. Oft werden die Kandidaten auf der Bühne von einem Zeremonienmeister kurz interviewt. Das Publikum hat die Möglichkeit, Fotos von den Cosplayern zu machen. Die Cosplayer können allein oder in einer Gruppe antreten. Es werden Preise verliehen, und diese Preise können sehr unterschiedlich sein. Im Allgemeinen werden ein Preis für den besten Cosplayer, ein Preis für die beste Gruppe und Preise für den zweiten Platz vergeben. Preise können auch für den besten Sketch und eine Reihe von Unterkategorien für Cosplay-Fähigkeiten vergeben werden, wie z. B. Meisterschneider, Meisterwaffenbauer, Meisterrüstmeister usw. ⓘ

Das bekannteste Cosplay-Wettbewerbsevent ist der World Cosplay Summit, bei dem Cosplayer aus 40 Ländern ausgewählt werden, um an der Endrunde in Nagoya, Japan, teilzunehmen. Weitere internationale Veranstaltungen sind das European Cosplay Gathering (Finale auf der Japan Expo in Paris, Frankreich), EuroCosplay (Finale auf der London MCM Comic Con) und die Nordic Cosplay Championship (Finale auf der NärCon in Linköping, Schweden). ⓘ

Allgemeine Bewertungskriterien für Cosplay

Diese Tabelle enthält eine Liste der häufigsten Bewertungskriterien für Cosplay-Wettbewerbe, wie sie auf dem World Cosplay Summit, der Cyprus Comic Con und der ReplayFX zu sehen sind. ⓘ

Kriterium	Beschreibung	Beispiel ⓘ
Korrektheit	Ähnlichkeit mit dem Originalcharakter in Bezug auf das Aussehen.	Haarfarbe/-styling Schminke Kostüm Requisiten Bühnenrequisiten
Handwerkliches Können	Qualität und Details des Kostüms und der Requisiten.	Wie gut das Kostüm gemacht ist Beweglichkeit/Funktionalität des Kostüms Qualität der Materialien Detaillierungsgrad Umfang des Aufwands Prozentualer Anteil des Kostüms, der handgefertigt ist Technik
Darstellung	Ähnlichkeit in Bezug auf die Darstellung des Charakters und die Performance.	Schauspielerei Körperhaltung Bewegung Sprechen mit ikonischen Phrasen und Tönen der Figur Gesichtsausdrücke Interaktion mit anderen Figuren Treue zur Geschichte
Wirkung auf das Publikum	Bühnenpräsenz und Verbindung mit dem Publikum.	Augenkontakt Volle Ausnutzung des Bühnenraums Einbindung des Publikums

Geschlechterfragen

Das Darstellen einer Figur des anderen Geschlechts wird als Crossplay bezeichnet. Die Praktikabilität von Crossplay und Crossdress ist zum Teil darauf zurückzuführen, dass es in Mangas viele männliche Figuren mit zarten und etwas androgynen Zügen gibt. Solche Charaktere, die als bishōnen (wörtlich "hübscher Junge") bekannt sind, sind das asiatische Äquivalent zum Archetyp des Elfenjungen, der in der westlichen Tradition durch Figuren wie Peter Pan und Ariel repräsentiert wird. ⓘ

Aria H. Kanzaki aus Aria the Scarlet Ammo von einem Crossplayer aus Neuseeland ⓘ

Männliche und weibliche Cosplayer können Probleme haben, wenn sie versuchen, einen weiblichen Charakter darzustellen, weil es schwierig ist, die sexualisierte Weiblichkeit eines Charakters zu erhalten. Männliche Cosplayer können auch diskriminiert werden, z. B. durch homophobe Kommentare und unerlaubte Berührungen. Dies betrifft Männer möglicherweise noch häufiger als Frauen, obwohl unangemessene Berührungen bereits ein Problem für Cosplayerinnen sind, ebenso wie das "Slut-Shaming". ⓘ

Animegao-Kigurumi-Spieler, eine Nischengruppe im Bereich des Cosplay, sind oft männliche Cosplayer, die Zentai und stilisierte Masken verwenden, um weibliche Anime-Figuren darzustellen. Diese Cosplayer verbergen ihre echten Gesichtszüge vollständig, um das ursprüngliche Aussehen ihrer Figuren so wortgetreu wie möglich wiederzugeben und all die Abstraktionen und Stilisierungen wie übergroße Augen und winzige Münder zu zeigen, die man oft in japanischen Zeichentrickfilmen sieht. Das bedeutet nicht, dass nur Männer Animegao spielen oder dass Masken nur weiblich sind. ⓘ

Probleme mit Belästigung

"Cosplay Is Not Consent"-Schild auf der New York Comic Con 2014. ⓘ

"Cosplay Is Not Consent", eine Bewegung, die 2013 von Rochelle Keyhan, Erin Filson und Anna Kegler ins Leben gerufen wurde, hat das Problem der sexuellen Belästigung in der Cosplay-Community, die an Conventions teilnimmt, in die Öffentlichkeit getragen. Zu den Belästigungen von Cosplayern gehören Fotografieren ohne Erlaubnis, Beschimpfungen, Anfassen und Befummeln. Die Belästigung beschränkt sich nicht nur auf Frauen in aufreizenden Kostümen, auch männliche Cosplayer berichteten, dass sie schikaniert wurden, weil sie nicht in bestimmte Kostüme und Figuren passten. ⓘ

Ab 2014 wurden auf der New York Comic Con große Schilder am Eingang angebracht, auf denen stand: "Cosplay is Not Consent". Die Besucher wurden daran erinnert, um Erlaubnis für Fotos zu fragen und das Recht der Person zu respektieren, Nein zu sagen. Die Bewegung gegen sexuelle Belästigung von Cosplayern hat seit ihrer Bekanntmachung weiter an Schwung und Aufmerksamkeit gewonnen. Traditionelle Mainstream-Medien wie die Mercury News und die Los Angeles Times haben über das Thema berichtet und damit das Bewusstsein für sexuelle Belästigung auch außerhalb der Cosplay-Community geschärft. ⓘ

Ethnische Fragen

Mit dem Einzug des Cosplay in die Mainstream-Medien wird die ethnische Zugehörigkeit zu einem kontroversen Punkt. Cosplayer, die eine andere Hautfarbe als die der Figur haben, werden oft als nicht "akkurat" oder "treu" verspottet. Viele Cosplayer haben das Gefühl, dass jeder jede Figur nachspielen kann, aber es wird kompliziert, wenn Cosplayer die ethnische Zugehörigkeit der Figur nicht respektieren. Themen wie "Blackface", "Brownface" und "Yellowface" sind immer noch umstritten, da ein großer Teil der Cosplay-Community diese als separate Probleme oder einfach als akzeptablen Teil des Cosplays betrachtet. Die ethnische Zugehörigkeit ist auch heute noch ein polarisierendes Thema, das sowohl persönlich als auch online diskutiert wird. ⓘ

Cosplay-Modelle

Cosplay hat die Werbeindustrie beeinflusst, in der Cosplayer oft für Events eingesetzt werden, für die früher Agentur-Models gearbeitet haben. Einige Cosplayer haben auf diese Weise ihr Hobby zu einer profitablen, professionellen Karriere gemacht. Die japanische Unterhaltungsindustrie ist seit dem Aufkommen von Comiket und Tokyo Game Show die Heimat professioneller Cosplayer. Das Phänomen ist in Japan am stärksten ausgeprägt, existiert aber bis zu einem gewissen Grad auch in anderen Ländern. Professionelle Cosplayer, die mit ihrer Kunst Geld verdienen, können Probleme im Zusammenhang mit Urheberrechtsverletzungen bekommen. ⓘ

Ein Cosplay-Modell, auch Cosplay-Idol genannt, spielt Kostüme für Anime-, Manga- oder Videospielfirmen. Gute Cosplayer werden als leibhaftige fiktionale Charaktere angesehen, ähnlich wie Filmschauspieler in der öffentlichen Wahrnehmung mit bestimmten Rollen identifiziert werden. Cosplayer haben für Printmagazine wie Cosmode gemodelt, und ein erfolgreiches Cosplay-Modell kann zum Markenbotschafter für Unternehmen wie Cospa werden. Einige Cosplay-Modelle können bedeutende Anerkennung erlangen. Während es viele bedeutende Cosplay-Models gibt, wurde Yaya Han als "eine sowohl innerhalb als auch außerhalb des Cosplay-Kreises anerkannte Figur" beschrieben. Jessica Nigri nutzte ihre Anerkennung im Cosplay, um andere Möglichkeiten zu erlangen, wie z. B. als Synchronsprecherin und ihre eigene Dokumentation über Rooster Teeth. Liz Katz nutzte ihre Fangemeinde, um ihr Cosplay von einem Hobby zu einem erfolgreichen Geschäftsprojekt zu machen, was in der Cosplay-Gemeinschaft eine Debatte darüber auslöste, ob es Cosplayern erlaubt sein sollte, ihre Arbeit zu finanzieren und davon zu profitieren. ⓘ

Cosplay nach Land oder Region

Cosplay in Japan

Die Jingūbashi-Brücke (Jingu-Brücke), die die Yamanote-Linie südlich der Harajuku-Station in Tokio am Tor des Meiji-Schreins überquert, ist ein bekannter Treffpunkt für Cosplayer. Das Bild zeigt eine Gruppe von Menschen, die sich 2006 als Musiker im Visual-Kei-Stil verkleidet haben. ⓘ

Cosplayer in Japan bezeichneten sich früher als reiyā (レイヤー), ausgesprochen "Schicht". Gegenwärtig werden Cosplayer in Japan eher kosupure (コスプレ) genannt, ausgesprochen "ko-su-pray", da reiyā häufiger zur Beschreibung von Schichten (d. h. Haare, Kleidung usw.) verwendet wird. Wörter wie niedlich (kawaii (可愛い)) und cool (kakko ī (かっこ いい)) wurden oft verwendet, um diese Veränderungen zu beschreiben, Ausdrücke, die mit Vorstellungen von Weiblichkeit und Männlichkeit verbunden waren. Diejenigen, die Spieler fotografieren, werden cameko genannt, kurz für camera kozō oder Kamerajunge. Ursprünglich verschenkten die cameko Abzüge ihrer Fotos an die Spieler. Das zunehmende Interesse an Cosplay-Veranstaltungen, sowohl auf Seiten der Fotografen als auch der Cosplayer, die bereit sind, für sie Modell zu stehen, hat zu einer Formalisierung der Verfahren bei Veranstaltungen wie dem Comiket geführt. Das Fotografieren findet in einem bestimmten Bereich statt, der von der Ausstellungshalle getrennt ist. In Japan sind Kostüme außerhalb von Kongressen oder anderen ausgewiesenen Bereichen generell nicht willkommen. ⓘ

Seit 1998 gibt es im Tokioter Stadtteil Akihabara eine Reihe von Cosplay-Restaurants für Anime- und Cosplay-Fans, in denen sich die Kellnerinnen als Videospiel- oder Anime-Figuren verkleiden; besonders beliebt sind Maid-Cafés. In Japan ist der Stadtteil Harajuku in Tokio der beliebteste informelle Treffpunkt für Cosplay in der Öffentlichkeit. Auch die Veranstaltungen in Akihabara ziehen viele Cosplayer an. ⓘ

Ishoku-hada (異色肌) ist eine Form des japanischen Cosplay, bei der die Spieler ihre Hautfarbe an die der Figur anpassen, die sie spielen. So können sie Anime- oder Videospielfiguren mit nicht-menschlichen Hautfarben darstellen. ⓘ

Eine Umfrage für die Comic Market Convention in Japan aus dem Jahr 2014 ergab, dass etwa 75 % der Cosplayer, die die Veranstaltung besuchen, weiblich sind. ⓘ

Cosplay in anderen asiatischen Ländern

Cosplay ist in vielen ostasiatischen Ländern verbreitet. So ist es beispielsweise ein wichtiger Bestandteil der Comic World Conventions, die regelmäßig in Südkorea, Hongkong und Taiwan stattfinden. Historisch gesehen lässt sich die Praxis, sich als Figuren aus Romanen zu verkleiden, bis ins 17. Jahrhundert in der späten Ming-Dynastie in China zurückverfolgen. ⓘ

Cosplay in westlichen Ländern

Willy Wonka (aus Roald Dahls Charlie und die Schokoladenfabrik) und der verrückte Hutmacher (aus Lewis Carrolls Alices Abenteuer im Wunderland) auf der London Comic Con 2013 ⓘ

Die Ursprünge des westlichen Cosplays liegen vor allem in der Science-Fiction- und Fantasy-Fangemeinde. Außerdem ist es für westliche Cosplayer üblicher, Figuren aus Live-Action-Serien nachzustellen als für japanische Cosplayer. Zu den westlichen Kostümbildnern gehören auch Subkulturen von Hobbyisten, die an Renaissance-Messen, Live-Action-Rollenspielen und historischen Nachstellungen teilnehmen. Zu den Wettbewerben auf Science-Fiction-Kongressen gehören in der Regel die Maskerade (bei der die Kostüme auf der Bühne präsentiert und formell bewertet werden) und die Hallenkostüme (bei denen umherziehende Richter Preise für herausragende Verarbeitung oder Präsentation vergeben können). ⓘ

Die zunehmende Popularität japanischer Zeichentrickfilme außerhalb Asiens in den späten 2000er Jahren führte zu einer Zunahme amerikanischer und anderer westlicher Cosplayer, die Manga- und Anime-Figuren darstellen. Anime-Kongresse sind in den letzten zehn Jahren im Westen immer zahlreicher geworden und konkurrieren jetzt mit Science-Fiction-, Comic- und historischen Konferenzen. Auf diesen Veranstaltungen treffen sich Cosplayer wie ihre japanischen Kollegen, um ihre Werke zu präsentieren, sich fotografieren zu lassen und an Kostümwettbewerben teilzunehmen. Genauso oft verkleiden sich die Teilnehmer als westliche Comic- oder Zeichentrickfiguren oder als Figuren aus Filmen und Videospielen. ⓘ

Zwischen den Kulturen gibt es nach wie vor Geschmacksunterschiede: Einige Kostüme, die von japanischen Cosplayern ohne Zögern getragen werden, werden von westlichen Cosplayern eher gemieden, z. B. Kostüme, die an Nazi-Uniformen erinnern. Einige westliche Cosplayer sind auch mit Fragen der Legitimität konfrontiert, wenn sie Charaktere spielen, die im Kanon einen anderen rassischen Hintergrund haben, und die Leute können unsensibel gegenüber Cosplayern sein, die als Charaktere spielen, die im Kanon eine andere Hautfarbe haben. Westliche Cosplayer von Anime-Figuren können auch besonderen Spott erleiden. ⓘ

Im Gegensatz zu Japan ist das Tragen von Kostümen in der Öffentlichkeit im Vereinigten Königreich, Irland, den USA, Kanada und anderen westlichen Ländern eher akzeptiert. In diesen Ländern haben Halloween-Kostüme, Fankostüme und andere Aktivitäten dieser Art eine längere Tradition. So sieht man beispielsweise kostümierte Kongressteilnehmer häufig in lokalen Restaurants und Gaststätten, auch über die Grenzen des Kongresses oder der Veranstaltung hinaus. ⓘ

Medien

Zeitschriften und Bücher

In Japan gibt es zwei besonders beliebte Cosplay-Magazine, Cosmode (コスモード) und Dengeki Layers (電撃Layers) von ASCII Media Works. Cosmode hat den größten Marktanteil und verfügt über eine englischsprachige digitale Ausgabe. Eine weitere Zeitschrift, die sich an ein breiteres, weltweites Publikum richtet, ist CosplayGen. In den Vereinigten Staaten erscheint Cosplay Culture seit Februar 2015. Zu den weiteren Magazinen gehören CosplayZine, das seit Oktober 2015 Cosplayer aus der ganzen Welt vorstellt, und das Cosplay Realm Magazine, das im April 2017 gestartet wurde. Es gibt auch viele Bücher zum Thema Cosplay. ⓘ

Dokumentarfilme und Reality-Shows

• Cosplay Encyclopedia, ein 1996 von Japan Media Supply veröffentlichter Film über japanisches Cosplay. Er wurde 1999 von Anime Works auf VHS mit Untertiteln veröffentlicht und schließlich 2002 auf DVD herausgebracht.
• Otaku Unite!, ein Film aus dem Jahr 2004 über die Otaku-Subkultur, enthält umfangreiches Filmmaterial über Cosplayer.
• Akihabara Geeks, ein japanischer Kurzfilm von 2005.
• Animania: The Documentary ist ein Film aus dem Jahr 2007, der das kulturelle Phänomen des Cosplay in Nordamerika untersucht und vier Cosplayer verschiedener Ethnien bei ihren Vorbereitungen auf die Anime North, Kanadas größte Anime-Convention, begleitet.
• Conventional Dress ist ein kurzer Dokumentarfilm über Cosplay auf der Dragon Con, der 2008 von Celia Pearce und ihren Studenten gedreht wurde.
• Cosplayers: The Movie, der 2009 von den Martell Brothers Studios veröffentlicht wurde und kostenlos auf YouTube und Crunchyroll zu sehen ist, erforscht die Anime-Subkultur in Nordamerika mit Filmmaterial von Anime-Conventions und Interviews mit Fans, Synchronsprechern und Künstlern.
• "I'm a Fanboy", eine Folge der MTV-Serie True Life aus dem Jahr 2009, die sich mit Fandom und Cosplay beschäftigt.
• Fanboy Confessional, eine Serie des Space Channel aus dem Jahr 2011, die eine Episode über Cosplay und Cosplayer aus der Perspektive eines Insiders zeigt.
• Comic-Con Episode IV: A Fan's Hope, ein Film von 2011 über vier Teilnehmer der San Diego Comic-Con, darunter ein Cosplayer.
• America's Greatest Otaku, eine Fernsehserie aus dem Jahr 2011, in der Cosplayer zu den Kandidaten gehören.
• Cosplayers UK: The Movie, ein Film aus dem Jahr 2011, der eine kleine Auswahl von Cosplayern auf der Londoner MCM Expo begleitet.
• My Other Me: A Film About Cosplayers (Ein Film über Cosplayer), der ein Jahr im Leben von drei verschiedenen Cosplayern beschreibt: einem Cosplay-Veteranen, der mit dem Cosplay eine Karriere begonnen hat, einem 14-jährigen Anfänger und einem Transgender-Mann, der durch das Cosplay zu sich selbst gefunden hat. Der Film wurde 2013 veröffentlicht und war in der Sendung The Electric Playground zu sehen.
• Heroes of Cosplay, eine Reality-Show über Cosplay, die 2013 auf dem Syfy Network Premiere feierte. Sie begleitet neun Cosplayer, die ihre Kostüme kreieren, zu Conventions reisen und an Wettbewerben teilnehmen.
• "24 Hours With A Comic Con Character", ein Beitrag von CNNMoney, der eine bekannte Cosplayerin bei ihren Vorbereitungen und ihrer Teilnahme an der New York Comic Con begleitet.
• WTF is Cosplay?, eine Reality-Show, die 2015 auf dem Channel 4 Network Premiere feierte. Sie begleitet sechs Cosplayer in ihrem täglichen Leben und zeigt, was Cosplay für sie bedeutet.
• Call to Cosplay, eine Reality-Show mit Wettbewerbscharakter, die 2014 auf Myx TV ausgestrahlt wurde. Es handelt sich um einen Cosplay-Design-Wettbewerb, bei dem die Teilnehmer ein Kostüm nach einem bestimmten Thema und unter Zeitdruck entwerfen mussten.
• Cosplay Melee, eine Reality-Wettbewerbsshow zum Thema Cosplay, die 2017 auf dem Syfy Network Premiere feierte.
• Cosplay Culture, ein 90-minütiger Dokumentarfilm, der Cosplayer bei den Vorbereitungen und auf Conventions in Kanada, Japan und Rumänien begleitet. Dazu gehören ein Besuch in Akihabara (Japan), eine Geek-Mardi-Gras-Parade in New Orleans und ein historischer Überblick, der den Ursprung des Cosplay erklärt. ⓘ

Andere Medien

• Cosplay Complex, eine Anime-Miniserie von 2002.
• Downtown no Gaki no Tsukai ya Arahende!!, eine japanische TV-Varietéshow, die das Segment der Cosplay Bus Tour Serie enthält.
• Super Cosplay War Ultra, ein Freeware-Kampfspiel von 2004.
• Eine große Anzahl von erotischen und pornografischen Filmen, in denen Cosplay-Darstellerinnen auftreten; viele dieser Filme stammen von der japanischen Firma TMA. ⓘ

Cosplay-Gruppen und -Organisationen

• 501. Legion
• Rebellen-Legion ⓘ

Funktion

Cosplayer stellen Figuren aus Avatar – Der Herr der Elemente in der Kleidung der Feuernation dar: (v. l. n. r.) Prinz Zuko, Aang, Toph Bei Fong und Katara. ⓘ

Beim Cosplay stellt der Teilnehmer eine Figur, zum Beispiel einen Superhelden oder einen Bösewicht, durch Kostüm, Maske, Accessoires und Verhalten möglichst nah am Original dar. Die Figur kann dabei aus einem Manga, einem Anime, einem Comic, einem Videospiel, einem Spielfilm, einer TV-Serie oder einem Roman stammen. Auch freie Interpretationen, das Vermischen von Charakteren und Darstellungen des anderen Geschlechts sind bei dieser Form des Rollenspiels möglich. ⓘ

Cosplay wird überwiegend zum eigenen Vergnügen und für Wettbewerbe auf Conventions betrieben. Eine mögliche Einnahmequelle sind der Verkauf von selbst geschneiderten Kostümen und jeglicher Art von Zubehör sowie das Modeln oder das Mieten für Events. Nur ein kleiner Teil der Cosplayer betreibt das Hobby, um damit Geld zu verdienen. In der J-Rock-Fanszene werden oft Mitglieder japanischer Visual-Kei-Bands nachgeahmt. Generell ist der Bezug zu Japan unter Cosplayern stark verwurzelt. Neben Visual-Kei findet man viele Fans der Lolita-Mode. ⓘ

Teilweise finden sich Varianten des Cosplays auch in der BDSM-Szene. ⓘ

Westliche Cosplay-Veranstaltungen

Cosplay von der Star-Wars-Celebration 2015 ⓘ

In Deutschland findet Cosplay neben Fantreffen und Anime- und Manga-Convention auch auf anderen Conventions, wie der Gamescom statt, welche neben Panels und Ausstellungen in der Regel auch einen Cosplaywettbewerb veranstalten. Im Falle der GamesCom gibt es sogar ein eigenes CosplayVillage. Cosplaywettbewerbe der Anime/Manga-Szene, auf westlichen Veranstaltungen, erinnern an Varietéaufführungen. Die Cosplayer können dabei ein kurzes Stück zum Besten geben: Einige singen beispielsweise das Titellied der entsprechenden Fernsehserie, andere zitieren einen zum Charakter passenden Monolog. Gruppen führen meistens einen Sketch oder einen Showkampf auf. Im Wesentlichen wird hier mehr Bedeutung auf die Aufführung als auf das Kostüm gelegt. In den letzten Jahren wird mit steigender Tendenz der Auftritt durch Einspielen von Musik und eine dazu vorgeführte Choreografie unterstützt. ⓘ

Die Jury eines Cosplaywettbewerbes besteht, abhängig von der Veranstaltung, meist aus Ehrengästen, Zeitschriftenredakteuren, Cosplayern und ehrenamtlichen Teilnehmern. Bewertet wird meist in den Kategorien „Ähnlichkeit der Figur mit dem Original“, „Machart/Fertigung des Kostüms“, „Präsentation des Charakters“, „Zuschauerreaktion“ und „persönlicher Eindruck“. Mit „Cosplay-Catwalk“ wird ein Wettbewerb bezeichnet, bei dem die Cosplayer keinen Auftritt aufführen, sondern lediglich über die Bühne laufen. ⓘ

Cosplay kann auch gesellschaftliche Anerkennung durch soziales Engagement finden. ⓘ

Deutschland

In Deutschland findet seit 2007 die Deutsche Cosplaymeisterschaft statt. Weitere große Events mit Bezug zu Cosplay sind die DoKomi in Düsseldorf, die Connichi in Kassel und die nach dem Vorbild der großen Comic Con International (die in San Diego stattfindet) gestalteten German Comic Con in Dortmund, Berlin und Frankfurt und Comic Con Germany in Stuttgart. Deutschland ist seit 2003 beteiligt am World Cosplay Summit, den inoffiziellen Weltmeisterschaften im Cosplay. ⓘ

Österreich

Für Cosplay wichtige Veranstaltungen in Österreich sind die Conventions AniNite, Nippon Nation und Vienna Comic-Con. 2018 konnte der österreichische Vertreter beim EuroCosplay Final in London den ersten Platz erzielen. Österreich sandte im Jahr 2019 erstmals ein eigenes Team zum World Cosplay Summit. ⓘ

Schweiz

Die Cosplay-Szene der Schweiz ist stark durch die Sprachregionen getrennt. Zwar findet ein Austausch zwischen den Sprachregionen statt, das Ausleben des Hobbys unterscheidet sich z. T. aber stark. So traten bis auf zwei deutschschweizer Teams bisher ausschließlich französischsprachige Cosplayer an internationalen Wettbewerben an. ⓘ

Wichtige Veranstaltungen mit Cosplay in der Schweiz sind die Fantasy Basel für die Deutschschweiz, die Polymanga für die französische Schweiz und die Japan Matsuri für das Tessin. Die erste Convention der Schweiz war die JapAniManga-Night, die das erste Mal im Jahr 2001 und 2018 das letzte Mal durchgeführt wurde. ⓘ

Die Schweiz tritt seit 2016 mit einem eigenen Team am World Cosplay Summit an. ⓘ